Biografia de César Borgia

Biografía de Monet Claude Pintor Impresionista Vida y Obra

Vida y Obra de Monet Claude Pintor Impresionista

Un frío día del otoño de 1840 nacía en París el segundo hijo de Adolphe y Louise-Justine Monet. Un día, el 14 de noviembre, que pasaría a la historia: Claude Oscar,  sería considerado el padre de un estilo artístico que legó algunos de los cuadros más bellos de la historia: el impresionismo. Parisino, sí, pero educado en la ciudad portuaria de Le Havre, adonde su familia se trasladó cuando Claude tenía 5 años. Allí, a la orilla del mar, se impregnaría del paisaje marino, de la brumosa luz del norte que tanta influencia tendrá sobre su obra.

Claude Oscar Monet  (1840-1926), pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural y se convirtió  más tarde en uno de los líderes del movimiento “Impresionista”

Nació en París el 14 de noviembre de 1840, su familia se trasladó a Le Havre en 1845 y creció sintiendo un gran amor por el mar y su ambiente. Esta fascinación quedó demostrada en muchos de los paisajes marinos que” pintó durante su vida.

Estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Qunice años tenía este joven y ya era conocido como caricaturista en Le Havre. Allí le hacían encargos por los que recibía 20 francos.

Hacia 1859 había decidido firmemente comenzar su carrera de artista y para ello pasaba largas temporadas en París, en donde solicitó una beca de estudios en la Escuela de Bellas Artes de París. A los 18 años, sin saber que su solicitud de beca había sido rechazada, el joven ya era habitué en el ambierte artístico parisino, donde conoció a quien sería su gran amigo: el periodista y político Georges Clemenceau.

En 1861 fue llamado a realizar el servicio militar y asignado al cuerpo de caballería en Argelia, de donde regresó antes de tiempo, enfermo de fiebre tifoidea. Aunque breve, la experiencia africana fue importante: “Las impresiones de color que recibí allí —dirá luego— no iba a asimilarlas hasta más tarde, pero el germen de mi búsqueda ya existía”.

Nuevamente en París, Monet ingresó en el atelier de Charles Gleyre, donde conoció a Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille y Alfred Sisley Éstos fueron tiempos de gran apremio económico para el artista, pues su padre redujo y luego suprimió el apoyo.

Claude Oscar Monet Pintor Impresionista

MONET CLAUDE OSCAR(1840-1926)- Claude Monet, quien fue más tarde uno de los líderes del movimiento “Impresionista”, nació en París el 14 de Noviembre de 1840. En 1859 Monet visitó París, donde trabajó en la Academia Suiza. Allí conoció a Camille Pissarro y se unió a la nueva ola de artistas que trataban de liberarse de las actitudes tradicionales en la pintura.En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista: Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Después, en 1863, estuvo una vez más en París donde conoció a Renoir, Sisley, Cezanne, Whistler y Manet. En 1870, visitó Inglaterra donde hizo estudios más amplios de la luz al aire libre. Por esta época tenía una esposa y un hijo y su talento había sido reconocido, aunque en 1874, en la primera gran exhibición “Impresionista” de París, su obra fue atacada.

Fue uno de sus cuadros, llamado Impresión, que le dio a la Prensa una denominación convenientemente despreciativa para todo el movimiento. Más adelante Monet pintó una serie de impresiones del valle de río Sena, por las cuales es famoso, y continuó con la idea de estudiar un objeto particular bajo diferentes luces y ángulos.

Entre estas series están las de Los Álamos, Mañanas en el Sena y La Catedral de Rouen. Su interés en el arte Japonés le condujo a diseñar su propio jardín de aguas en Giverny, con un puente japonés. Este jardín fue el motivo de su trabajo en sus últimos años, y pese a su deficiente visión continuó haciendo estudios con él hasta su muerte, ocurrida el 5 de Diciembre de 1926.

CRONOLOGÍA POR ETAPAS DE SU VIDA:

1840-1858: Aunque nace en París, pasa su infancia en Le Havre. Allí destaca como caricaturista, y en el medio artístico de la ciudad conoce a Boudin, un paisajista que será su primer mentor.

1841-1843 Se populariza el uso de pintura al óleo envasada en tubos de estaño, lo que revoluciona las técnicas pictóricas y favorece a los paisajistas que trabajan al aire libre.

1858-1870: París: Decidido a hacer carrera como actor, se traslada a París donde, en la academia Suisse, coincide con los pintores que integrarán el movimiento impresionista. Conoce los primeros éxitos como pintor en los Salones de 1865 y 1866.

1870 Monet se casa con Camille La guerra franco-prusiana les obliga a refugiarse en Londres.

1871-1878: Argenteuil. Instalado en Argenteuil, se convierte en elgran aglutinador de los impresionistas, quienes realizan su primera exposición en 1874. Tiene su primer hijo con Camille Doncieux. Conoce a Alice Hoscliedé.

1874 Inauguración de la Opera Garnier, uno de los edificios más destacados del Plan Haussmann, que moderniza París poniendo fin a su trazado medieval.

1879-1880: Nace su segundo hijo y, poco después, muere su primera esposa. Monet vive con sus doshijos. Alice Hoschedé y los seis hijos de ésta. Su situación económica es, como siempre, apurada, pero sigue trabajando con absoluta pasión y la crítica empieza a reconocerle como el representante más destacado del movimiento impresionista.

1881-1882: Poissy: Esta población no le inspira tanto como lo hicieran sus residencias anteriores. Realiza numerosas expediciones de pintura para inmortalizar los paisajes de Dieppe.Varengeville, Pourvilleylos acantilados de la isla de Saint-Martín, además de sus cuadros de l’Etretat.

1882 El médico alemán Robert Koch descubre el bacilo de la tuberculosis. Al año siguiente descubriría el del cólera.

1883-1891: En Giverny establecerá su hogar definitivo, dando rienda suelta a sus dos pasiones: la pintura y la horticultura. El reconocimiento artístico viene acompañado de la bonanza económica.

1892-1898: Ruán: La década de los años noventa inaugura una nueva etapa dentro de su pintura, que da paso a las series. De éstas, una de las más famosas es la que dedica a la catedral de Ruán, que le consagra como pintor ante las nuevasgeneraciones.

1892 La muerte el año anterior de Ernest Hoschedé facilita que Monet y Alice regularicen su situación el 16 de julio.

1899-1926: Jardín de Agua.En sus últimos años trabaja con ahínco en la serie de las Ninfeas, que donará al Estado francés en 1922 ante la Insistencia de Clemenceau.

Monet participó en la revolución de la pintura de paisaje, practicada en lo sucesivo al aire libre mediante una ejecución rápida y en contacto directo con la naturaleza para preservar la espontaneidad del gesto, la fidelidad al motivo y la autenticidad de las impresiones transcriptas sobre el lienzo. Sus obras encuadradas, si no compuestas, y a menudo retocadas en el taller, no dejaban de expresar fenómenos atmosféricos transitorios y evanescentes. En efecto, además de los temas tomados de la vida moderna (cafés, diversiones, trenes), Monet se dedicó principalmente a pintar las aguas (mar y ríos), la nieve, el cielo y el aire, “lo que se encuentra entre el motivo y yo”, a saber, el efecto producido por la luz y la atmósfera.

SOBRE EL MOVIMIENTO IMPRESIONISTA:

Durante el último cuarto del sigloXIX, el realismo de Courbet, después de vivificar todos los géneros sobrevivió renovándose con la denominación muy acertada de “impresionismo”. El realista quería captar la realidad, el impresionista se conforma con anotar la impresión que recibe.

Atento a la apariencia, naturalmente tendía a considerar ante todo la luz, que es el elemento primordial en este dominio. El objeto   solo   es   una   pantalla  que   recibe   diversas luces; su color interesa menos que el de los rayos.

Los “impresionistas”, que salieron del taller donde Courbet pintaba aún objetos sólidos modelados por luces directas y sombras negras, captaron al  aire libre el cambiante desorden de los rayos solares, los múltiples reflejos que se mezclan, e incluso las “impresiones” de deslumbramiento y de irisación, todas las fantasías del dominio óptico que dependen tanto de las reacciones imprevisibles de nuestro órgano visual como de una realidad objetiva. Esa búsqueda de efectos, hasta entonces dejados de lado por considerarse que ocultaban la verdad de las cosas, ha llevado a  una  transformación  fundamental  de  la técnica de la pintura.

El arte pictórico eliminó deliberadamente lo esencial  de  lo  que  constituía  su ley desde el Renacimiento: el color local, la pincelada subordinada al modelado, la continuidad de los tonos y su sumisión al dibujo, el sacrificio de la forma   escultórica   al   juego   de   la  policromía.   Eí beneficio de esta conmoción fue la revelación de una naturaleza mucho más colorida, más tornasolada que ese universo usual que ha perdido la frescura debido a hábitos seculares.

Claude Monet nos ha mostrado que las viejas piedras de una catedral desgastada por el tiempo brillan bajo la luz como un torrente de pedrerías. El impresionismo renovó también nuestra visión de las actitudes de la vida. Degas no dejó de revelar aspectos de humanidad en los cuales no habían reparado las miradas. Es indiscutible que estos descubrimientos, amargos o divertidos y a veces indiscretos, han enriquecido nuestros juicios con matices irónicos.

obra de monet Impresion sol naciente

Impresión, Sol Naciente, una de las obras mas famosas de Monet

Cuadro mítico  del movimiento, quizás el más popular de la historia de la pintura: en 1874, Impresión, sol naciente hace su entrada en la historia. El público lo descubre en la primera exposición colectiva del Grupo de Batignolles. Existe constancia de la reacción que provocó en la prensa de la época. Leroy, de Le Charivari, titula su artículo «La Exposición de los impresionistas», y elige este lienzo como blanco preferido.

Para él «el papel pintado en estado embrionario estarnas acabado que esta marina». Por el contrario, Philippe Burty da las gracias a Monet «por captar impresiones tan fugaces». Armand Silvestre, otro amigo de los pintores, se aproxima a la visión de Monet, Pissarro y Sisley para explicar: «Sólo persigue un efecto de impresión, la búsqueda de la expresión se la deja a los apasionados de la línea.» Se comenta además la similitud de este lienzo con una acuarela.

En la actualidad se comprenden con más precisión las intenciones de este cuadro que el artista ejecuta en el hotel de l’Amirauté en Le Havre. El lienzo plasma el instante más fugitivo, cuando el sol emerge de la bruma.

El lienzo restituye exactamente el sentimiento de lo efímero ligado a una hora incierta de la mañana en que los humos contaminan el color de las nubes, y los mástiles se tifien con los colores del agua.

ALGUNOS PASAJES DE SU VIDA:

Con 26 años, luego de pintar otra de su grandes obras, llamada “Mujeres en el Jardín“, regresa a Honfleur y durante el invierno 1866-1867 crea sus primeros paisajes nevados con diferentes versiones de La carretera de la granja Saint-Simeón.

Obra de Monet Mujeres en el Jardín

En primavera, llega una decepción: el Salón rechaza sus obras, ya que el jurado considera su técnica demasiado brutal. Monet se dedica entonces, como Renoir, a pintar vistas de París, temas que deberían de venderse en aquel año de exposición universal.

Al mismo tiempo, viaja a menudo entre la capital, donde Camille está esperando un hijo, y Sainte-Adresse, donde su familia, que no quiere ni oír hablar de su relación sentimental, le brinda apoyo económico. «Tengo una veintena de lienzos que progresan a buen ritmo, unas marinas impresionantes, figuras, jardines, en fin, de todo», dice a Bazille el 25 de julio de 1867. Precisamente, Bazille será el padrino de su primer hijo, Jean, que nace el 8 de agosto; la madrina es la compañera de Pissarro.

El cuadro Barcos zarpando de los muelles de Le Havre destaca en el Salón de 1868, donde es admitido gracias al apoyo de Daubigny Zola subraya la modernidad y la originalidad del pintor en un artículo premonitorio: «No me preocupo por él; domará a las multitudes en cuanto se lo proponga.» Poco después, Monet pasa algún tiempo en una aldea a orillas del Sena, Glotón.

Obra de Monet Barcos Zarpando del Muelle de Havre

Barcos zarpando de los muelles de Le Havre fue comprado en la Exposición  Marítima Internacional por un familiar de Saint-Simeón, Louis-Joachim Gaudibert, yerno de un rico notario de Le Havre. Este primer mecenas del pintor le encarga unos cuantos retratos -Monet hace uno, magistral, de su mujer: La señora Gaudibert y le asigna una renta que le permite instalarse con Camille y Jean en Étretat.

Aquí pinta uno de los cuadros que anuncian mejor la inminente evolución de su estilo: Bennecourt, nombre de la aldea que se ve en la orilla opuesta del río, en la cual Daubigny atraca a menudo su barcaza taller, acompañado de Coroty Guillemet.

Viaje por Francia: Monet se instaló primero en lle-de-France (Bougival, Argenteuil, Vétheuil, Poissy), y luego en Giverny; también residió frecuentemente en el extranjero (Gran Bretaña, Países Bajos e Italia) y recorrió Francia de Norte a Sur, pintando el campo (serie de Almiareó, el valle de la Creuse), los puertos (Le Havre y Honfleur), la costa en Normandía (Etretat y Varengeville), en Bretaña (Belle-lle), en el Sur (Antibes) y, por último, los lugares destacados (la catedral de Rúan).

Siempre en busca de las transformaciones de un lugar por la luminosidad, las estaciones y el paso del tiempo, esbozó de este modo en su obra una imagen caleidoscópica del paisaje francés, y terminó incluso por encarnar la pintura francesa a los ojos de los extranjeros, en particular de los estadounidenses, que pronto se convirtieron en apasionados coleccionistas de sus telas asegurándole, así, renombre internacional.

Atento al paisaje: A lo largo de su vida, Monet visitó muchos pequeños poblados, fascinado por los paisajes y las vistas que capturaba para sus cuadros. De los pueblos portuarios tomó la esencia de los movimientos del agua, y de los rurales, las imágenes cotidianas del campo. Su residencia final, a la que dedicó años de cuidado y estudio, fue fijada en Giverny. En la primavera, numerosos turistas la visitan para apreciar las flores del estanque, aquellas que Monet Inmortalizó.

Ver Mapa Arriba: Los Caminos del Artista

6:Londres (1870 y 1888): Claude Monet y su mujer Camilie buscaron asilo en la capital británica durante la guerra franco-prusiana.

5-Étretat(1868): Gracias a una renta que recibe de su mecenas Gaudibert, Monet se instala junto a Camilie y su pequeño hijo Jean en este pequeño poblado de playas y acantilados.

1-París: En esta ciudad, donde nació y vivió durante largos períodos, Monet conoció la gloria como pintor en las exposiciones impresionistas.

9-Giverny (1883-1926): En esta pequeña comunidad rural, Monet estableció su residencia definitiva. Allí construyó su célebre jardín y vivió hasta su muerte, en 1926.

7-Argenteuil (1871-1878): En esta ciudad, situada a orillas del Sena y a pocos kilómetros de París, Monet realiza algunas de sus obras más características.

2-Le Havre (1845-1857): En esta ciudad portuaria pasó su infancia e ingresó en el medio artístico como caricaturista.

4-Honfleur (1863-1865): Esta pequeña ciudad fue retratada más de una vez por Monet, quién se mostró muy interesado por las vistas del puerto en la desembocadura del Sena.

8-Ruán (1892-1894): En esos años visita tres veces la capital de la Alta Normandía, donde se consagra a estudiar su catedral; así comienza una nueva etapa en su pintura, que tendrá gran aceptación en los ambientes artísticos parisinos.

1-Argelia (1861-1862): Se dirige a esta colonia francesa para realizar el servicio militar, y regresa antes de tiempo a causa de la fiebre tifoidea.

Con 31 años,  ya instalado en Argenteuil en 1871,Monet hizo de su casa un centro artístico de gran vitalidad. Allí perfeccionó su estudio de la relación entre la luz y las aguas, y comenzó a trabajar a bordo de su pequeño barco-taller, con el que se acercaba a las aguas del Sena para obtener vistas tan novedosas como originales.

Por esa época, Monet participó en la constitución de una sociedad de pintores, escultores y grabadores que se pronunciaron en contra de los dictámenes de los Salones y decidieron organizar una exposición independiente. Fue allí donde su famoso cuadro: Impresión, sol naciente, pasaría a la historia del arte por haber dado nombre a uno de los movimientos más importantes de la pintura occidental.

obra de monet

Almuerzo Campestre
Claude Monet, 1865-1866 (Fragmento central de la composición) Oleo sobre tela, 192 x 217 cm Colección particular Del motivo al taller. En esta obra, fragmento central de una composición inconclusa, el artista unió sesiones de pose al aire libre con el trabajo de composición y de ampliación en el taller. El espacio y la atmósfera resultaron de los efectos de luminosidad en el follaje, en los vestidos y en el mantel blanco que acompasaron la composición. La vida familiar. Monet pintó aquí un homenaje y, a la vez, un reto a Manet, y se orientó hacia la representación de la vida moderna: imagen de las distracciones, decorado natural, vestimenta contemporánea y simplicidad de la escena (actitudes y accesorios).

RSGATAS EN ARGENTEUIL Claude Monet, hacia 1872
Oleo sobre tela, 48 x 75 cm Museo de Órsay, París
Una precisión topográfica. Este boceto, realizado sin duda enteramente en el lugar, revela la atenta observación del artista, al Igual que las variaciones de intensidad y de cualidad luminosas según las zonas y la naturaleza de los objetos. La realidad y su reflejo, a través de una composición en espejo, coexisten en el plano del lienzo, fundidos en una misma gama cromática (azul-blanco, verde-rojo). La pincelada fragmentada disolvió con sus espaciamientos el contorno de los objetos.

Autorretrato

Alamos a orillas del Epte
Claude Monet, 1891
Oleo sobre tela, 80 x 92 cm Colección particular
El sentido del espacio. Monet
construyó un espacio cadencioso y ágil mediante un juego de líneas (verticales y curvas) donde los planos se escalonan y donde la mirada se pierde en el encogimiento de los árboles y sus límites confusos.
El trabajo en serie. Este lienzo pintado probablemente desde una embarcación, pertenece a una serie de veinticuatro variaciones sobre el tema de los árboles, de sus reflejos en el agua y de la transparencia del aire.

NENUFARES AZULES
Claude Monet, 1916
Oleo sobre tela, 200 x 200 cm Museo de Orsay, París
Inmersión en el color. Monet desplegó un conjunto de contrastes cromáticos: colores fríos interrumpidos por destellos de blanco, rosado y amarillo. La luz brota de la sombra con gran intensidad. Las pinceladas libres y largas se amoldan a las formas y tejen a superficie. Sin un horizonte, a mirada se pierde en la extensión del estanque de nenúfares que Monet creó en Giverny: un jardín que el pintor diseñó inspirado en el paisajismo japonés. El espacio autónomo en lo sucesivo, se concreta con trazos verticales y horizontales, y con juegos cromáticos que sugieren efectos de superficie y de profundidad.

Fuentes Consultadas:
Historia Visual del Arte Edit. Larousse La Nación Entrada: Impresionismo-Monet
Grandes Pinturas de la Historia Cuadernillo “Mujeres en el Jardín” MONET Editorial Clarín
Grandes Maestros de la Pintura MONET  Editorial SOL S.R.L.
Historia de la Pintura Louis Houticq Editorial Universitaria de Buenos Aires
Pintores Célebres Biblioteca Fundamental Editorial Ariel Entrada: Monet Claude Oscar

Biografía de Brunelleschi Arquitecto de la Catedral de Florencia

VIDA Y OBRA DE FELIPE BRUNELLESCHI, ARTISTA DEL RENACIMIENTO

Filippo Brunelleschi (1377-1446), nació en Florencia (Italia) en  1377, fue un gran artista italiano, y se lo considera uno de los maestros fundamentales de la transición hacia el renacimiento. Sus aportaciones, como la recuperación de los motivos clásicos y la capacidad para trasladar a sus obras las leyes matemáticas de la proporción y la perspectiva, le convirtieron en el primer arquitecto de la edad moderna.

Recibió una formación de escultor como numerosos arquitectos del Renacimiento (Miguel Ángel, Sansovino). Formó parte del gremio de los orfebres y participó en 1404 en el concurso para la nueva puerta del baptisterio de Florencia. Ese mismo año, el artista alcanzó la fama con el encargo de la construcción del duomo que corona la catedral. La altura del edificio, la amplitud de la cúpula, su peso, hicieron de esta empresa una hazaña, un proyecto arquitectónico que sólo un ingeniero podía enfrentar.

Felipe Brunelleschi

FLORENCIA EN EL SIGLO XV: A comienzos del siglo XV, Florencia salió de una dolorosa crisis política y bancaria. Su resistencia a los ataques exteriores fue estratégica, pero también cultural y artística. La ciudad buscaba imponerse como el centro de un mundo nuevo, tomando como referencia el modelo de la Antigüedad.

Las corporaciones florentinas, que reunían un número creciente de artistas, convocaron numerosos concursos para responder a importantes encargos públicos y privados, con lo que dieron inicio a un nuevo tipo de mecenazgo. El carácter “comercial” del contrato que ligaba el encargo al artesano-artista tuvo gran éxito en la historia de las artes.

En los concursos, los artistas más dotados se destacaban. Y entre ellos se produjo una fuerte competencia. Tal es el caso de la iglesia de Orsanmichele: llamaron a los mejores escultores (Donatello, Lorenzo Ghiberti, Nanni di Banco) para decorar una serie de hornacinas (nichos) originales y ostentosas en el exterior del edificio. Pero los concursos más famosos fueron los de la cúpula de Santa María del Fiore y el de las puertas del baptisterio.

Corría el año 1401. En Florencia, ciudad que estaba alcanzando la cumbre de su desarrollo económico, la vida artística bullía intensamente. Una de las consecuencias de esa efervescencia artística fue el concurso abierto para la segunda puerta del Bautisterio, en el que participaron los más grandes escultores de la época. Entre ellos se presentó un joven, Felipe Brunelleschi, que interpretó el tema propuesto: “El sacrificio de Isaac”, representándolo en una placa de marco mixtilíneo con una violencia dramática, un vigor de formas y un preciso sentido del espacio completamente nuevos e inesperados en la escultura florentina.

La placa sorprendió mucho a los jueces: en efecto; se trataba del primer paso hacia la revolución artística que poco después desencadenaría el mismo Brunelleschi, junto con Donatello y Masaccio, en la capital toscana. Sin embargo, el concurso fue ganado por Lorenzo Ghiberti, cuyo gusto, con tendencias aún góticas y sensible a las elegancias estilísticas de Andrés Pisano, era más fácilmente comprensible para los florentinos de su tiempo.

Sacrificio de Isaac

El sacrificio dc Isaac Lorenzo Ghiberti, 1401-1402 Museo del Bagello, Florencia
De la simplicidad a la tensión dramática. El abandono del estilo gótico (es decir, “bárbaro”) a partir del siglo xv condujo a los artistas a buscar en la Antigüedad para renovar su lenguaje plástico. No obstante, el dominio de la perspectiva fue considerado el verdadero progreso. Una obra innovadora. Ghiberti organizó su composición en torno de la diagonal formada por el saliente rocoso, dividiendo el espacio terrestre que concentra la dimensión anecdótica (los dos sirvientes, el asno y la lagartija) y el espacio donde se desarrolla la acción divina, cuyos protagonistas son Abraham, Isaac y el ángel. Con este relieve de gran fluidez, que evidencia un dominio del arte del bronce (el relieve fue fundido en una sola pieza), el joven Ghiberti creó una fórmula Innovadora, verdadero manifiesto de los nuevos tiempos, legitimado por el jurado.

El SACRIFICIO DE ISAAC Felipe Bruneileschi, 1401-1402 Museo del Bargello, Florencia La maestría de la técnica. Por el contrario, Bruneileschi inscribió la escena en un triángulo. En la base se encuentran los dos sirvientes encorvados. En lo alto, Abraham, con el cuerpo y los brazos estirados, sostiene firmemente la cabeza de Isaac en su mano, mientras que un soplo divino levanta su toga. A la Izquierda aparece un ángel. Este sujeta el brazo de  Abraham y le muestra el carnero para el sacrificio. El juego de manos y el intercambio de miradas confieren a esta enérgica escena toda su tensión. Sin embargo, la técnica empleada por Bruneileschi fue menos innovadora que la de Ghlberti, ya que las piezas fundidas en forma separada fueron posteriormente montadas sobre la plancha de bronce. La fineza del pulido de los más mínimos detalles revela, no obstante, un gran dominio de la técnica del bajorrelieve.

Felipe Brunelleschi había expresado claramente sus ideas reformistas con la placa presentada en el famoso concurso de 1401. Desgraciadamente han desaparecido los testimonios de los estudios que siguieron a dicha placa en el campo de la escultura, y también los de sus primeras pinturas. Pero no hay duda que estaban destinados a confirmar, como las dos tablillas en que representó en perspectiva el Bautisterio y el Palacio de la Señoría, los nuevos principios en que se fundaba su lenguaje artístico.

Y fue luego en el campo de la arquitectura, con la Cúpula de Santa María de la Flor (o Fiore), con el Hospital de los Inocentes, con la Basílica de San Lorenzo, donde dio la medida plena de su genio creador.

En abierto contraste con las delicadezas rítmicas del gótico, a la sazón consideradas ya como germánicas y “bárbaras”, concibió un arte que fuera una manifestación nacional, o, mejor aún, un exponente de la latinidad. Por otra parte, corresponde a Brunelleschi el mérito de haber inventado la perspectiva científica; es decir, de haber organizado sobre sólidas bases matemáticas la representación, en un plano bidimensional, de los elementos tridimensionales de un edificio. Se trataba de crear un orden, fijando relaciones y proporciones claras y armónicas entre los diferentes órganos de la construcción, agrupándolos en una unidad de espacio de modo tal que todas las líneas esenciales del edificio parecieran confluir naturalmente hacia un único punto de fuga.

El límpido y racional equilibrio propio de las primeras construcciones de Brunelleschi, no es sino el reflejo de la claridad intelectual de sus concepciones arquitectónicas. Fiel a dichas concepciones, Brunelleschi prosiguió su actividad proyectando la Sacristía Vieja de San Lorenzo y la Capilla de los Pazzi, una obra maestra absoluta del arte, en la que la serena geometrización, especialmente en el interior del edificio, determina un ritmo maravilloso. La Iglesia del Espíritu Santo, en la que perfecciona el plano de San Lorenzo,  fue la última  de  sus  grandes  obras.

La construcción de Santa María del Fiore
Después de la demolición de Santa Reparata, en 1296, Arnolfo di Cambio emprendió ios trabajos de la nueva catedral, Santa Maria del Fiore, concebida para ser la más bella de la Toscana. La elección de una larga nave con cúpula octogonal fue adoptada definitivamente en 1357, pero la construcción de la cúpula planteó rápidamente problemas técnicos y quedó pendiente.

En 1418 se realizó un concurso, seguido por otro en 1420. Brunelleschi y Ghiberti fueron premiados en abril de 1420 y nombrados “expertos de la cúpula” con el contramaestre Battista de Antonio. En 1436, la construcción de la linterna fue también motivo de un concurso. El jurado escogió el modelo de Brunelleschi, destacando la calidad de su iluminación, su ligereza y su resistencia a las intemperies.

Cupula Catedral de Florencia

León Battista Alberti escribió a propósito de esta monumental empresa arquitectónica que debía ser el símbolo del esplendor de Florencia en el Renacimiento: “¿Qué arquitecto antes de ti, Filippo [Brunelleschi], osó construir un conjunto de tales dimensiones, erigido hacia el cielo y tan grande como para poder cubrir con su sombra a todos los toscanos y ejecutarlo sin cimbra ni envigado? Tu habilidad es tan grande […] que parece increíble para los contemporáneos como ignorada por los antiguos”.

Obras del Arquitecto  Brunelleschi

La maestría de la arquitectónica. Brunelleschi, inspirándose en técnicas de la Antigüedad, consiguió hacer la cúpula más ligera: creó un doble cascarón (interno y externo) con una vía de circulación entremedio, eliminando así los contrafuertes exteriores y ofreciendo una lectura simple de los volúmenes. Un zuncho de madera fue colocado sobre el borde del tambor, en el cual se levantaron una estructura de ladrillos “en espina de pez” y tres niveles de largas piedras, unidas entre sí por cadenas de hierro. En la cima, la linterna cumple la función de clave de bóveda de la cúpula: su peso asegura la estabilidad del conjunto del sistema estructural.

FELIPE: BRUNEL-LESCHI (1377-1446): Nave central de la Basílica de San Lorenzo.Florencia. La suprema claridad lineal de los perfiles de piedra y la maravillosa concepción perspectiva de la Basílica de San Lorenzo, revelan el talento de Felipe Brunelleschi, que entre 1421 y 1428 se dedicó a la reconstrucción del hermoso  edificio.

FELIPE BRUNELLESCHI   (1377- 1446): Palacio Fitti. Florencia.
Entre las varias construcciones civiles atribuidas a Felipe Brunelleschi, se puede contar con cierto fundamento e! Palacio Pitti, a pesar de los substanciales agregados  posteriores.

FELIPE BRUNELLESCHI (1377- 1446):Hospital de los Inocente Florencia (1419-1424)

La influencia de Brunelleschi fue enorme entre sus contemporáneos y sus sucesores inmediatos, como Michelozzo, Donatello o el propio Ghiberti, e incluso ha llegado hasta el siglo XX, dado que los críticos modernos le han destacado como el primer arquitecto racionalista. En su tiempo ya fue considerado como una de las figuras más decisivas del renacimiento italiano, el gran genio que reformó el arte medieval y definió el nuevo orden interno y el lenguaje arquitectónico. Murió en Florencia en 1446.

Fuentes Consulatadas:
ARTERAMA  Fasc. N°53 Editorial CODEX Enciclopedia de las Artes
Enciclopedia Electrónica ENCARTA
Historia Visual del Arte Edit. Larousse

 

Bramante Donato Vida y Obra del Arquitecto Italiano

BIOGRAFÍA Y OBRAS DEL ARTISTA BRAMANTE DONATO

Donato Bramante (1444-1514), arquitecto y pintor italiano, el más influyente junto a Rafael del alto renacimiento, desarrollado en Roma como nuevo estilo clásico a principios del siglo XVI. Nació el año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de Urbino, y su nombre auténtico era Donato di Pascussio d’Antonio.

Al principio se formó como pintor, y de su obra más temprana se conservan los frescos de la fachada del Palacio del Podestá en Bérgamo, realizados en el año 1477. Bramante está considerado uno de los grandes genios artísticos del alto renacimiento italiano. Consiguió fundir con éxito los ideales de la antigüedad clásica y los de la cristiandad.

Bramante Donato

En el ambiente cerrado y autónomo de Lombardía (Italia) , las novedades del Renacimiento se abren camino lentamente pero, afines del siglo XV, se afirman con las actividades de Donato Bramante y del genial Leonardo de Vinci. Donato Bramante, es el artista que mas contribuye a la plena afirmación del arte del Renacimiento en tierra lombarda. Nacido en 1444, en Monte Asdrualdo (Urbino), había absorbido las enseñanzas de los artistas que actuaban en la corte de los Montefeltro.

El estudio de los clásicos y de la obra de Alberti, a quien conoció en Rímini y Mantua, completó su cultura. Así preparado compareció de improviso en el ambiente lombardo, incidiendo profundamente en la evolución del arte local. Durante buena parte del siglo XV, la Lombardía había permanecido ajena a la renovación artística y había mantenido, especialmente en pintura y en escultura, el espíritu y las formas de la tradición gótica internacional, en la particular variante ya elaborada durante el siglo XIV.

La edificación de la Catedral de Milán, que se extendió durante todo el siglo XV y aún más adelante, junto con los prolongados y complejos trabajos que demandó la Cartuja de Pavía, iniciada en estilo gótico y reformada gradualmente de acuerdo con formas más típicas del siglo XV, absorbieron durante mucho tiempo el interés artístico de toda la región lombarda, contribuyendo a conservar un gusto retardatario que las continuas relaciones con el Norte alimentaban sin descanso.

Hacia 1480 aparece en este ambiente Donato Bramante, que inicia su actividad en el campo de la pintura ejecutando los frescos de la fachada del Palacio del Podestá, en Bérgamo, y del Palacio Panigarola, en Milán, donde se reveló como un seguidor de Melozzo de Forlí. De 1482 es su primera obra arquitectónica: la Iglesia milanesa de San Sátiro y el bautisterio anexo.

Partiendo de elementos de tradición románico-lombarda -la planta octogonal del bautisterio, la superposición de la tribuna sobre la arquería del piso bajo- o de esquemas del tipo de los creados por Alberti, consigue, en el interior, un solemne equilibrio espacial gracias a la armoniosa y coherente correspondencia entre los arcos de medio punto y la cúpula hemisférica, apoyada sobre ágiles pechinas.

También los relieves de estuco, que en San Sátiro sugieren la existencia de un coro simulado detrás del altar, se halla en función de este equilibrio espacial. Otro importante testimonio del período milanés de Bramante es el conjunto del ábside de Santa María de las Gracias, iglesia en cuyo exterior el equilibrio de los volúmenes es turbado por el adorno de terracotas lombardas, pero en cuyo interior asistimos al triunfo de una concepción espacial unitaria, como lo demuestra su amplia cúpula hemisférica, superpuesta a las sólidas estructuras del templo. La actividad de Bramante proseguirá en Milán, pero sólo alcanzará su cumbre en el siglo XVI, durante su estada en Roma, que fue tan fecunda.

Con la caída del duque Ludovico Sforza en 1499, Bramante huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes del ambicioso papa Julio II.

DONATO BRAMANTE (1444-1514): Iglesia de Santa María, anexa a San Sátiro – Milán  (1482).
La perspectiva ilusoria del falso ábside (obtenida con un audacísimo escorzo y realzada por los relieves de estuco) confiere a la parte trasera de la Iglesia de San Sátiro un efecto espacial que se hace necesario como recurso de ensanchamiento irreal por la amplitud del crucero y el ímpetu de las bóvedas de cañón.

DONATO BRAMANTE (1444-1514): Cúpu la de Santa María de las Gracias (1492) y abajo Bautisterio de San Sátiro (1482)  – Milán. Nacido en las cercanías de Urbino y formado por el ejemplo de Luciano Laurana y de Piero della Francesca, Donato Bramante lleva a Milán (adonde llega alrededor de 1480) una concepción arquitectónica de límpida y rigurosa racionalidad, renovando así profundamente los esquemas y las fórmulas de la arquitectura lombarda   tradicional.

DONATO  BRAMANTE   (1444-1514):   Cristo   atado   a  la  columna  –  Pinacoteca  del Brera.  Milán.
La actividad de Bramante como pintor, ya iniciada en los años que pasó en Urbino, donde posiblemente decoró en parte el Pequeño Estudio del Duque Federico de Montefeltro, señala notablemente la influencia de Melozzo de Forlí. De todas maneras, entre los pocos legados de Bramante como pintor, resalta esta sugestiva imagen, en la cual puso mano también el Bramantino.

 SOBRE LA AMPLIACIÓN DE LA BASÍLICA DE SAN PEDRO:

La edificación de la basílica de San Pedro respondió la política de prestigio emprendida por Julio II, que aspiraba a reforzar el poder pontificio y a afirmar el predominio espiritual y temporal del Vaticano asegurándole un rol destacado entre los diferentes Estados de Italia.

basilica de san pedro

Cuando en 1452 el papa Nicolás V decidió ampliar la basílica de Constantino, construida en el siglo IV sobre la supuesta tumba de San Pedro, no imaginó la gigantesca obra que resultaría ni la concentración de talentos que en ella participarían. El sólo pensaba añadir un nuevo ábside detrás de la basílica existente. Pero la obra de San Pedro en Roma se desarrolló realmente durante el pontificado de Julio II (1503-1513). Con su impulso, el arquitecto Bramante emprendió una obra mucho más ambiciosa, que lamentablemente quedó inconclusa.

Hizo destruir los vestigios que quedaban, adoptó una planta de cruz griega y formuló el proyecto de una cúpula imponente sobre monumentales pilastras, según el modelo del Panteón Romano. Aunque los sucesores de Julio II, León X (1513-1521) y Clemente VII (1523-1534), mostraron una menor capacidad política, actuaron como avezados mecenas. Rafael sucedió durante estos pontificados a Bramante, muerto en 1514.

En su búsqueda de una iglesia ideal, Rafael se alejó del plano inicial y optó por uno en cruz latina. Necesitó, pues, construir una nave central y naves laterales. Murió en 1520, después de haber terminado la nave transversal sur.

plano basilica de san pedro en roma

Plano Basílica de San Pedro En Roma

Las diferentes etapas de la construcción. Este plano permite conocer las múltiples etapas de una construcción en que la coherencia arquitectónica se sostiene a pesar de los cambios y las vacilaciones de los numerosos arquitectos que participaron. El plano original de Bramante constituye la base de un diseño que fue enriqueciéndose con el tiempo. Los últimos aportes de Bemini llevaron la longitud de la nave central a 187 metros y su superficie, a 15.160 metros cuadrados. Se puede observar que los sucesivos proyectos conservaron los cuatro pilares centrales de Bramante, lo que facilitó la circulación durante las ceremonias religiosas.

Obra de Bramante Donato Bramante

Una de las primeras obras romanas maduras de Bramante es el templete del convento de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica, quizá inspirado en el desaparecido templo de la Sibila, en Tívoli. Esta pequeña obra maestra está rodeada por una columnata de orden toscano

Cuadro de Obras de Bramante

Murió en Roma el 11 de marzo de 1514.

 

Cronología de los Pintores de la Historia Grandes Artistas

LÍNEA DE TIEMPO DE LOS ARTISTAS MAS DESTACADOS DE LA HISTORIA

El propósito de esta lista es colocar las fechas de nacimiento y muerte de los artistas y una mención de sucesos en otras esferas.

1255 Alrededor de esta época nació Duccio.
1266 Nacimiento de Giotto.
1318 Muerte de Duccio.
1337 Muerte de Giotto.
1348 LA PLAGA DE LA MUERTE NEGRA.
1366 Nacimiento de Van Eyck.
1387 Nacimiento de  Fra Angélico,
1397 Nacimiento de Uccello.
1400 Nacimiento de Jacobo Bellini.
1401  Nacimiento de Masaccio.
1410 Alrededor de esta época nació Piero del la Francesca.
1415 BATALLA DE AGINCOURT.
1429  Nacimiento de Gentile.Bellini. Muerte de Masaccio.
1430 Nacimiento de Giovanhi Bellini.
1431  JUANA DE ARCO ES QUEMADA EN UNA PIRA. Nacimiento de Mantegna
1435 Nacimiento de Verrochio.
1441 Muerte de Van Eyck.
1444 Nacimiento de Botticelli.
1449  Nacimiento de Ghirlandaio.
1450 Nacimiento de Hieronymus Bosch. 1452 Nacimiento de Leonardo da Vinci.
1455 COMIENZO DE LA GUERRA DE LAS ROSAS. Muerte de   Fra  Angélico.
1470 Muerte de Jacobo Bellini.
1471  Nacimiento de Dürer.
1473 -1481 SE ERIGE LA CAPILLA SIXTINA.
1475 Nacimiento de Miguel Ángel. Muerte de Uccello.
1476 CAXTON COMIENZA A IMPRIMIR EN INGLATERRA Nacimiento de Giorgione.
1483 Nacimiento de Rafael.
1487  Nacimiento del Tiziano en alguna época de los siguientes trece años.
1488 Muerte de Verrocchio.
1492 COLON DESCUBRE AMERICA.
1492 Muerte de Piero delta Franceses.
1494  Nacimiento de Corregió. Muerte de Ghirlandaio.
1495 Nacimiento de Holbein.
1506 Muerte de Mantegna.
1507  Muerte de Gentile Bellini.
1510 Muerte de Botticelli.  Muerte de Giorgione.
1516 Muerte de Hieronymus Bosch. Muerte de Giovanni Bellini.
1518 Nacimiento de Tintoretto.
1519 Muerte de Leonardo da Vinci.
1520 Muerte de Rafael.
1521  LUTERO ANTE LA DIETA DE WORMS.
1528 Muerte de Dürer.  Nacimiento de Veronese.
1534 Muerte de Corregió.
1538 SUPRESIÓN DE LOS MONASTERIOS.
1541 Nacimiento de El Greco.
1543 Muerte de Holbein.
1553 MARÍA I, REINA DE INGLATERRA.
1564  NACIMIENTO DE SHAKESPEARE. Muerte de Miguel Ángel.
1565 Nacimiento de Brueghel.
1573 Nacimiento de Caravaggio.
1576  Muerte de Tiziano.
1577  Nacimiento de Rubens.
1581 Frans Hals nace alrededor de esta época.
1588 DERROTA DE LA ARMADA ESPAÑOLA. Muerte de Veronese.
1594 Nacimiento de Poussin. Muerte de Tintoretto.
1599 Nacimiento de Van Dyck y Velazquez.
1603 MUERTE DE LA REINA ISABEL I.
1606 Nacimiento de Rembrandt.
1610 Nacimiento de Teniers (El joven). Muerte de Caravaggio.
1614 Muerte de El Greco.
1616 MUERTE DE SHAKESPEARE.
1617  Nacimiento de Murillo.
1618 COMIENZA LA GUERRA DE LOS TREINTA AÑOS.
1620 LOS PADRES PEREGRINOS, A BORDO DEL “MAYFLOWER”, LLEGAN A NUEVA INGLATERRA.
1625 CARLOS I, REY DE INGLATERRA. Muerte de Brueghel.
1629 Nacimiento de Hooch.
1632 Nacimiento de Vermeer.
1640 Muerte de Rubens.
1641  Muerte de Van Dyck.
1649 CARLOS  I  ES DECAPITADO.
1658 MUERTE DE OLIVER CROMWELL.
1660 Muerte de Velazquez.
1665  LA GRAN PLAGA DE LONDRES. Muerte de Frans Hals.
1666  EL GRAN INCENDIO DE LONDRES.
1669 Muerte de Rembrandt.
1675 Muerte de Vermeer.
1682 Muerte de Murillo.
1684 Nacimiento de Watteau.  Muerte de Hooch.
1690 Muerte de Teniers (El joven).
1697 Nacimiento de Hogarth  y Canaletto.
1702 ANA, REINA DE GRAN BRETAÑA.
1721 Muerte de Wateau.
1723 Nacimiento de Reynolds.
1727 Nacimiento de Gainsborough.
1732 Nacimiento de Fragonard.
1746 Nacimiento de Goya.
1748 Nacimiento de David.
1764 Muerte de Hogarth.
1768 Muerte de Canaletto.
1775 Nacimiento de Turner.
1776 DECLARACIÓN DE LA INDEPENDENCIA NORTEAMERICANA, Nacimiento de Constable.
1781 Nacimiento de Ingres.
1788 Muerte de Gainsborough.
1789 COMIENZA LA REVOLUCIÓN FRANCESA.
1792 Muerte de Reynolds.
1796 Nacimiento de Corot.
1798 Nacimiento de Delacroix.
1804 NAPOLEÓN HECHO  EMPERADOR.
1806 Muerte de Fragonard.
1812 Nacimiento de Rousseau.
1815.NAPOLEON ESCAPA Y FINALMENTE ES DERROTADO.
1819,Nacimiento de Coubert.
1825 Muerte de David.
1827 Nacimiento de Holman Hunt.
1828 Nacimiento de Rossetti. Muerte de Goya.
1829 Nacimiento de Millais.
1832 Nacimiento de Manet.
1833 Nacimiento de Burne Jones.
1834 Nacimiento de William Morris, Whistler y Degas.
1837 ASCENSIÓN DE LA REINA VICTORIA DE INGLATERRA AL TRONO. Muerte de Constable.
1839  Nacimiento de Cezanne.
1840 Nacimiento de Monet.
1841  Nacimiento de Renoir.
1848 Nacimiento de Gauguin.
1851 SE ABRE  LA PRIMERA GRAN  EXPOSICIÓN DE LONDRES. Muerte de Turner.
1853 Nacimiento de Van Gogh.
1860 Nacimiento de Sickert.
1861  ABRAHAM  LINCOLN, PRESIDENTE DE  LOS ESTADOS UNIDOS DE AMERICA.
1863 Muerte de Delacroix.
1864 Nacimiento de Toulouse Lautrec.
1865  FIN DE  LA GUERRA CIVIL DE   LOS  ESTADOS UNIDOS DE AMERICA.  LINCOLN  ES ASESINADO
1866.Nacimiento de Kandinsky.
1867 Nacimiento de Bonnard. Mueren Ingres y Rousseau.
1869 Nacimiento de Matisse.
1872 Nacimiento de Mondrian.
1874 LANZAMIENTO DEL MOVIMIENTO”IMPRESIONISTA”.
1875 Muerte de Corot.
1877 Muerte de Coubert.
1878 Nacimiento de John Augustus.
1879 Nacimiento de Paul Klee.
1881  Nacimiento de Picasso.
1882 Nacimiento de Braque.  Muerte de Rossetti.
1883,Muerte de Manet.
1884 Nacimiento de Modigliani.
1890 Muerte de Van Gogh.
1896 Mueren Millains y William Morris.
1898 Muerte de Bu rne-Jones.
1901 MUERTE DE LA  REINA VICTORIA.
Muerte de Toulouse Lautrec.
1903 Mueren Gauguin  y Whistler.
1906 Muerte de Cezanne.
1907- 1909 COMIENZO DEL MOVIMIENTO CUBISTA.
1910 MUERTE DEL REY EDUARDO VII. Muerte de Holman Hunt.
1914 SE DECLARA LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL.
1917  LA REVOLUCIÓN RUSA. Muerte de Degas
1918 TERMINA LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL.
1919 Muerte de Renoir.
1920 Muerte de Modigliani.
1926 Muerte de Monet.
1839 DECLARACIÓN DE LASEGUNDA GUERRA MUNDIAL.
1940 Muerte de Paul Klee.
1942 Muerte de Sickert.
1944 Mueren Kandinsky y Mondrian.
1945 TERMINA LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
1947 Muerte de Bonnard.
1953 CORONACIÓN DE LA REINA ISABEL II.
1954 Muerte de Matisse.
1961 Muerte de John Augustus
1963 Muerte de Braque.

Siglo de Oro Italiano Historia del Renacimiento Y Humanismo

EL SIGLO DE ORO ITALIANO:  A pesar de las guerras, Italia, aunque dividida, mantuvo el liderazgo artístico, que Vasari teorizó fundando la historia del arte, con su obra La vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores. Roma reemplazó a Florencia, convulsionada por problemas políticos. Los papas convocaron a Bramante, Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci para construir y decorar el Vaticano. En Mantua, los Gonzaga edificaron el Palacio del Té y en Ferrara, ciudad de Ariosto, los Este también iniciaron construcciones.

En Urbino, refinada corte principesca protectora de las artes, Castiglione escribió el Libro del cortesano. Venecia ocupó en tanto un lugar decisivo en la producción artística de la península. Tiziano, Tintoretto y Veronese recibieron encargos de las principales cortes principescas. Palladio innovó tanto en la arquitectura civil como en la religiosa, elaborando las normas de un clasicismo que influiría a Europa por largo tiempo. A la armonía sobria y serena del apogeo del Renacimiento, se impuso el manierismo.

Papa Urbino

A pesar de este nombre los siglos XV y XVI carecieron en Italia de figuras comparables al Dante, pero sí ofrecieron mayor variedad de géneros y una clara influencia oriental y clásica. Ludovico Ariosto (1474-1533) tuvo por mecenas el cardenal Hipólito de Este.

Dante Allighieri

Su fama como poeta era tan grande que en cierta ocasión en que cayó prisionero de un grupo de bandidos, al enterarse éstos de que habían capturado al autor de Orlando furioso, no sólo le devolvieron la libertad sino que le colmaron de honores.

En esta obra relata las hazañas de Orlando y el sitio de París, atacado por los infieles. Las hazañas de los cruzados para tomar Jerusalén fueron cantadas en un poema heroico titulado La Jerusalén libertada, debida a la inspiración de Torcuato Tasso. Éste era un hombre nervioso y desquiciado, que murió en un manicomio en 1595.

El nombre de Maquiavelo (1469-1527) y el maquiavelismo se han hecho famosos para expresar el refinamiento de un gobernante que prescinde de todo escrúpulo con tal de lograr sus fines. Exactamente quizás no era éste el propósito que inspiró a Nicolás Maquiavelo al escribir El Príncipe, un arte de gobernar que ha servido de modelo a muchísimos políticos, para los cuales todos los medios son laudables si están destinados a conseguir un ideal.

ERASMO Y RABELAIS. Erasmo de Rotterdam (1466-1536) fue considerado el hombre más culto de su siglo. De un espíritu agudísimo que lo llevó a utilizar la sátira y la ironía en sus burlas contra los defectos del clero y de la nobleza, fue uno de los causantes indirectos de la Reforma por la protesta constante contra la sociedad de su tiempo.

Rabelais

Rabelais, escritor humanista y médico francés 1494–1553

Erasmo de Rotterdam Filósofo y teólogo flamenco

Sin embargo, fue enemigo de Lutero, a quien criticaba por su intolerancia. Escribió Elogio de la locura o Encomio de la sandez, que es una despiadada sátira contra la sociedad de su tiempo. Su influencia llegó a todos los rincones de Europa. En Francia el renacimiento literario tuvo en Francisco Rabelais (1483-1553) uno de sus mejores protagonistas.

Era contemporáneo de Erasmo y recibió protección del rey Francisco I, gran enamorado de las artes y las letras, que había creado el Colegio de Francia. Rabelais era hombre muy agudo y culto, pero satírico implacable y persona de diversas ocupaciones, pues fue poeta, médico, monje y jurisconsulto. Murió siendo párroco de Meudon. Su obra más conocida es la titulada El Gigante Gargantúa y su hijo Pantagruel, ambos grandes comilones y amantes de la buena vida.

En esta novela se burla de los defectos corrientes de su época, sin respetar siquiera los temas religiosos. Contemporáneos de Rabelais fueron los hombres de “La Pléyade”, entre los cuales estaba el poeta Pedro Ronsard (1525-1585), gran entusiasta de los clásicos. Montaigne (1533-1592) alcanzó celebridad al escribir Los Ensayos, una obra de crítica que contiene altos conceptos filosóficos. En Alemania, el Renacimiento fue más tardío y coincidió con las convulsiones de la Reforma.

Un poeta, Hans Sachs, inmortalizado más tarde por Wagner, fue el autor de Los Maestros cantores, obra que se inspiró en los “minnensingers” medievales. Portugal, que se había lanzado a la gran aventura del descubrimiento del camino de las Indias por las rutas del Sur, tuvo también su gran poeta íntimamente ligado a las aventuras que vivió su país. La vida de Luis de Camoens (1524-1580) fue apasionante.

Perdió el ojo derecho peleando en África, fue a las Indias y naufragó, estuvo preso y, como todos los grandes genios, sufrió calamidades sin cuento hasta su muerte, que le encontró pobre y completamente ignorado. Cuando su buque se hundió, Camoens, a costa de grandes apuros consiguió salvar su gran poema Os Lusiadas, es decir las hazañas de los portugueses en la conquista de la India. Sus principales protagonistas son Vasco de Gama y su protectora, la diosa Venus.

LA POLIFONÍA. La denominada “Ars Nova” trajo una gran libertad de formas musicales. Representaba dicho estilo una revolución en la música religiosa, pero fue pronto admitido en gracia a su belleza. El canto a muchas voces y en polifonía, es decir, utilizando distintas líneas melódicas, alcanzó gran esplendor. Solía realizarse sin acompañamiento. Su principal maestro fue Juan Pierluigi de Palestrina (1526- 1594). Su maestría era tanta que a pesar de estar casado fue nombrado cantor de la Capilla Sixtina del Vaticano por decisión personal del papa Julio III, ya que estaba prohibido que los seglares, y más si estaban casados, actuaran como cantores.

Años después Palestrina fue designado director de la famosa Capilla, y en tiempo del papa Marcelo III escribió una de sus famosas misas a él dedicadas. Aún no contaba treinta años de edad y a pesar de ello su vida fue azarosa debido a la envidia que muchos clérigos tenían de sus éxitos. Finalmente murió pobre a los 72 años. Sin embargo, el reconocimiento posterior de la Iglesia ha sido notable, pues su cuerpo, por especial concesión, descansa en la basílica de San Pedro de Roma.

Casi contemporáneo de Palestrina vivió en España un gran músico: Tomás Luis de Victoria, autor de un oficio de difuntos dedicado a la emperatriz María, hermana de Felipe II, y numerosos motetes y composiciones de tipo religioso. No podía faltar en los palacios renacentistas el cultivo de la música que durante la Edad Media había permanecido en las iglesias o bien como manifestación popular. Aparecen ahora los instrumentos de teclado como el clavicordio, el clave y la espinela que fueron precursores del piano.

La viola y el laúd, así como la vihuela en España, fueron también muy apreciados por sus dulces sonoridades. Hasta el siglo XVII no debía llegar el predominio del violín. De esta época datan las composiciones breves y encomiásticas, denominadas “motete” y “madrigal”. También se usó el “canon”, o sea una composición que repite una melodía con distintas entradas y tonos.

Vesica Piscis Numero Sagrado de los Cristianos Geometria Sagrada

Vesica Piscis Número Sagrado de los Cristianos

Vesica Picsis: El Vesica Piscis es un símbolo formado por dos círculos del mismo radio que se cortan de manera que el centro de cada uno de ellos se encuentre sobre la circunferencia del otro. Las palabras latinas significan, literalmente, «vejiqa del pez».

Se cree que, antes del cristianismo, el vesica piscis también expresaba el sentido de «vulva» o «matriz». La Diosa Madre era a menudo representada con senos colgantes, amplias caderas y una vulva muy conspicua. Esto es el vesica piscis vertical, que más tarde los cristianos giraron noventa grados y adoptaron como símbolo, mucho antes de que la cruz del calvario se convirtiera en el principal. Es interesante observar cómo un símbolo de plenitud precedió a otro de muerte.

Los primeros cristianos del Imperio Romano debían protegerse y mantener sus lugares de reunión en secreto. Para señalar el camino hacia sus siempre cambiantes centros, desarrollaron el símbolo del vesica piscis con una cola (un pez) que podían pintar sobre las pareces antes de una reunión y borrar más tarde.

¿Por qué eligieron el símbolo de un pez?
La palabra griega “ichthys” significa «pez». Existen varias hipótesis acerca de por qué se eligió un pez. Una de ellas hace referencia al relato bíblico en el que Jesús aumentó milagrosamente a cinco mil personas con panes y peces. Otra se refiere a su descripción como «pescador de hombres».

También pudo deberse, sencillamente, a que la profesión de pescador era la ocupación anterior de algunos de sus discípulos. La isopsefia (suma numérica) de las letras griegas de «pez» suman 1.219. Otras frases griegas también suman esta misma cantidad como «el omega», en referencia a Cristo como «alfa y omega», o principio y fin. También «alegría y felicidad» y «la palabra del Padre» suman lo mismo.

La razón longitud/anchura del Vesica Piscis fue expresada por Pitágoras (que la consideraba una figura sagrada) como 153:265, una razón conocida a veces como «la medida del pez». En la Biblia, cuando Jesús ayuda a sus discípulos a pescar, coge exactamente 153 peces. Esta razón de 153:265 es a veces más aproximada a 15:26.

Los artistas del Renacimiento a menudo rodeaban las imágenes de Jesucristo con el vesica piscis, y más tarde también se empleó para enmarcar imágenes de la Virgen María. A veces se puede ver en forma almendrada, y en este caso recibe el nombre de mandarla (“almendra”), en italiano. En el arte cristiano, algunos halos aparecen con forma de vesica piscis vertical.

Los sellos de las organizaciones eclesiásticas están a menudo encerrados dentro de una de estas figuras, un formato copiado por Aleister Crowley. Una versión más moderna y secular es la pelota que se utiliza en rugby, que recuerda a un vesica piscis tridimensional.

Que son los Upanishads en el Hinduismo Textos Védicos Moksha Samsara

Los Upanishads son 108 textos, compuestos entre los siglos VII y V a. de J.C., en los que los temas sobre sacrificios rituales, que habían sido la base de los Vedas, son sustituidos por cuestionamientos místicos y filosóficos. La mayoría de estos textos son discusiones o diálogos entre maestros y discípulos en los que se manifiesta la especulación filosófica que estaba teniendo lugar en este momento.

divinidadEl cambio que se produjo en la vida religiosa refleja las transformaciones que estaba sufriendo la sociedad.

El crecimiento de las ciudades y la importancia de las nuevas clases comerciantes hizo que la autoridad de los brahmanes, o casta sacerdotal, comenzara a ser cuestionada. En este contexto de grandes disquisiciones filosóficas surgieron, además, maestros como Buda o Mahavira. Todos estos cambios se manifiestan, también, en los textos.

En los Upanishads, la búsqueda espiritual pasa del exterior al interior. Ya no se invoca a los dioses externos sino que se busca a Brahmán, ese principio o fuerza sagrada que anima todas las cosas.

El objetivo final de la especulación filosófica que contienen estos textos es alcanzar la liberación (moksha) del ciclo de renacimientos (samsara).

Los Upanishads reconocen la existencia de un alma individual, conocida como atman, que es de la misma naturaleza que ese principio o alma universal, absoluto e infinito, llamado Brahmán. Los diferentes dioses son los poderes de Brahmán que, a su vez, está dentro de todos los seres a través del atman.

Ésta es la gran verdad que lleva a alcanzar la liberación. La ecuación tat tvam asi, que significa “Tú eres Eso”, resume esta filosofía. Aquí, “Tú” se identifica con el atman y “Eso” significa Brahmán.

Mientras que en los Vedas los dioses vivían en los cielos, donde los seres humanos iban tras la muerte, a partir de los Upanishads los dioses ya no son supremos y tras la vida tiene lugar un ciclo de reencarnaciones o renacimientos, conocido como samsara.

La idea era que al morir, tras un período de tiempo, el alma vuelve a nacer en un nuevo cuerpo. El comportamiento de cada persona es lo que determina cómo será su próxima vida puesto que, según esta filosofía, cada acción, igual que tiene una causa, tiene su efecto.

Divinidad brahmánica hecha en barro, arte khmer , siglo VIII

Es lo que se conoce como la ley del karma. Dicho karma es el origen y la causa del destino de cada persona. Así pues, todo lo que te sucede en la vida actual es el resultado de las acciones que realizaste en otras vidas. Si tus acciones fueron justas y las realizaste siguiendo el dharma, en esta vida recibes la recompensa que mereces; pero si, por el contrario, actuaste de forma incorrecta, es muy posible que tengas que enfrentarte a toda clase de desgracias. No es posible escapar o postponer el karma ni siquiera por medio del suicidio puesto que, al renacer, los efectos serían aún peores.

Según la creencia hindú, es posible conseguir la liberación, alcanzar el moksha, por medio del conocimiento y con ayuda de la meditación, el yoga y el ascetismo.

Fuente Consultada: Historia Univresal Tomo 7 Salvat La Nación El Origen de las grandes religiones

La Gran Mezquita de la Meca La Kaaba Piedra Sagrada de los Musulmanes

La Gran Mezquita de la Meca
La Kaaba Piedra Sagrada de los Musulmanes

LA MERA PRONUNCIACIÓN DE ESTE NOMBRE, LA MECA, PROVOCA ENTRE LOS MUSULMANES UNA EMOCIÓN Y UNA NOSTALGIA INDESCRIPTIBLES. TODOS LOS AÑOS, MILLONES DE PEREGRINOS MUSULMANES ACUDEN A LA MECA, LUGAR DE NACIMIENTO DEL PROFETA MAHOMA.

Ninguna ciudad del mundo posee la mística y la magia de La Meca, ni se cuenta otra tan venerada. A mitad de camino entre Suez y Aden, en la península arábiga, La Meca atrae cada año a más de un millón de peregrinos. Y cada vez son más los millones de devotos musulmanes que se postran en dirección a esta ciudad magnética, cual brújula atraída por un imán.

Este centro de cúpulas resplandecientes y minaretes afinados como lanzas, es también un centro industrial y comercial, pues el islam impregna todas las actividades de la vida del musulmán, desde el arte o la ciencia hasta las abluciones y la comida. La Meca es la ciudad natal del profeta Mahoma, nacido hacia el 570, quien arrancó a su pueblo de las tinieblas del paganismo y le enseñó el camino del dios único, Alá. Sólo los seguidores de Mahoma tienen acceso al recinto de La Meca, y únicamente quienes se encuentran en estado de pureza ritual ‘pueden posar sus pies en el interior de la Gran Mezquita y acercarse a la sagrada Kaaba y al pozo de Zamzam para llevar a cabo los ritos correspondientes. Los peregrinos se visten con sencillez y sin adornos, pues en la mezquita de Al-Haram todos los fieles son iguales.

La Meca, o Al-Makka en árabe, se encuentra en una cuenca desértica ubicada entre una llanura litoral y una meseta. La Meca está considerada como la ciudad más santa del islam. Todos los años, millones de peregrinos musulmanes acuden hasta aquí desde todas las partes del mundo para rezar en el lugar donde nació el profeta Mahoma (hacia el año 570 d.C.), fundador de su religión, el islam.

La hayy, nombre que recibe el peregrinaje de los musulmanes, se traduce en una masiva afluencia de fieles a la Gran Mezquita de La Meca, el templo religioso más sagrado pata los musulmanes.

 los cinco días que dura la peregrinación

Durante los cinco días que dura la peregrinación, los viajeros deben abstenerse de practicar relaciones sexuales, cometer actos impíos o discutir,
según expone el Corán, que dice que el que cumpla estos cometidos “es como si hubiera nacido de nuevo”.

La meta del peregrinaje es la Kaaba, el santuario principal del islam que se encuentra en el gigantesco patio interior de la Gran Mezquita. La Kaaba (que en árabe significa “dado” o “cubo”) consiste en un edificio cuyas dimensiones aproximadas son:  12 x 10 x 15 mt. La Kaaba, la casa de Dios (Bayt Alláh) para los musulmanes, está enteramente envuelta por la kiswah, un brocado negro de gran peso. El ángulo sudeste de la Kaaba alberga fragmentos de la “Piedra Negra” (al-Hadshar al-Aswad), Según la leyenda, Abraham recibió la piedra al construir la Kaaba como regalo del arcángel Gabriel. Los científicos opinan que se trata de un meteorito, aunque todo es pura suposición.

Mina la lapidación de Satán

Los peregrinos musulmanes terminan en Mina la lapidación de Satán, simbolizada por estelas, y luego se  dirigen a la Gran Mezquita de La Meca, la última etapa del peregrinaje anual a Arabia Saudita. Una vez terminado el ritual de la lapidación, los fieles van antes del crepúsculo a la Gran Mezquita de La Meca para una “vuelta del adiós” alrededor de la Kaaba, un edificio cúbico en el cual está incrustada la Piedra Negra, una reliquia sagrada de los musulmanes. El Hadj es uno de los cinco pilares del islam que todo musulmán, según el Corán, debe hacer al menos una vez en su vida si tiene los medios económicos.

ALGUNOS DATOS

* Nombre: La Meca (Al-Makka).

* Santuario: Kaaba. Se encuentra en el patio interior de la Gran Mezquita de La Meca, el mayor edificio religioso islámico del mundo.

* Utilidad: Lugar de peregrinaje de los fieles musulmanes.

* Habitantes en La Meca: 1.200.000 fijos, aprox.; durante la hayy, más de 3.000.000.

* Curiosidad: Lugar de nacimiento del profeta Mahoma (hacia 570 d.C.), fundador del islam pues la Piedra Negra nunca ha sido sometida a investigación científica.

Durante la hayy, los peregrinos dan siete vueltas a la Kaaba en el sentido inverso al de las agujas del reloj, mientras realizan sus alabanzas a Alá. Estas vueltas se denominantawaf. Durante el recorrido, los fieles intentan besar o tocar la Piedra Negra. La Kaaba establece la dirección de las plegarias (qibla) en cada lugar de la Tierra: así, en sus oraciones diarias todos los musulmanes deben inclinarse en dirección al santuario.

La Kaaba está considerada la primera casa de Dios, y se supone que fue construida por el primer profeta, es decir, Adán. Después de éste, sin embargo, la Kaaba cayó en el olvido y se fue desmoronando, hasta que el profeta Abraham y su hijo Ismael la redes. cubrieron gracias a la inspiración divina y la volvieron a levantar.

La Kaaba es un santuario musulmán desde el año 632, y ha sido objeto de numerosos conflictos bélicos entre musulmanes. En el 931, la Piedra Negra fue objeto de un robo perpetrado por miembros de una secta islámica y llevada a Bahrein. Veinte años más tarde, tras arduas negociaciones diplomáticas, recuperó su espacio en La Meca.

En el siglo XIII, los egipcios conquistaron la ciudad, y tres centurias más tarde hicieron lo propio los turcos. En 1630, el sultán turco Murad IV decretó una nueva construcción. En 1916, el gran jerife Hussein I Ibn Alí logró deshacerse de los turcos. En 1924, la ciudad fue ocupada por Abd al Aziz ibn Saud, sultán de Nadshd, quien la convirtió en el centro religioso de Arabia Saudí y de la comunidad musulmana. En la actualidad, La Meca es una metrópolis musulmana con más de 1.200.000 habitantes, aunque durante los meses de peregrinación puede llegar a albergar a más de tres millones de personas.

¿Qué es la Kaaba y por qué es sagrada?
La estructura sagrada por excelencia de toda la arquitectura islámica es la Kaaba, construida, según la tradición, por Abraham y su hijo Ismael. El término significa, simplemente, «edificio cuadrado». Este corazón vivo del mundo musulmán mide 12 m de longitud, 10 de anchura y 15 de altura; está instalado sobre una plataforma y cubierto de brocado negro. La cortina que cubre la puerta y la banda que rodea el perímetro muestran inscripciones en oro. La construcción de mármol y piedra gris está orientada de modo que sus cuatro esquinas corresponden a los puntos cardinales.

En el interior de la Kaaba cuelgan lámparas de oro y plata, pero el elemento de mayor importancia es la Piedra Negra, que los peregrinos deben rodear y besar siete veces al llegar a La Meca. Los orígenes de esta Piedra Negra se pierden entre la leyenda y el aura de santidad que le otorgó Mahoma. Los geólogos le atribuyen origen meteórico, pero según la tradición cayó del cielo al Jardín del Edén y le fue entregada a Adán para que absorbiera los pecados de éste tras haber sido expulsado del Paraíso.

La leyenda dice que en un principio la piedra era blanca, pero que por la acumulación de pecados humanos fue tomando una coloración oscura. Según otra tradición, le fue entregada a Abraham por el ángel Gabriel —se dice que conserva la huella del pie de Abraham— con el propósito de que se constituyera en la piedra angular de su templo.

PEREGRINACIÓN A LA MECA: CADA AÑO, al empezar el último mes del calendario musulmán, casi dos millones de personas viajan a la costa oriental de Arabia Saudita para el hadj, la santa peregrinación a La Meca que todo musulmán devoto debe realizar, si puede, una vez en la vida. Esta multitud de visitantes procede de todos los rincones del orbe donde se practica el islamismo.

Fue en la ciudad de La Meca donde, en el año 570 de la era cristiana, nació el profeta Mahoma, fundador del Islam, quien ordenó convertirla en lugar de peregrinación musulmana. El centro de devoción es el santuario de la Kaaba, edificio de forma cúbica situado en La Meca que, según la tradición musulmana, fue construido por Abraham. (Es a la Kaaba hacia donde todos los musulmanes se vuelven para rezar cinco veces al día, sin importar dónde estén.) Es particularmente sagrada la Piedra Negra, que engastó Mahoma en un muro del edificio.

Como primero y último actos de la peregrinación, los musulmanes visitan la Kaaba y le dan siete vueltas. Quienes logran acercarse a la Piedra Negra la besan o la tocan al pasar; pero, debido al gentío, la mayoría ha de conformarse con agitar la mano en dirección a la Piedra. Los principales días de ceremonia, oración y meditación son del 7 al 10 del mes, y en gran parte de ese tiempo todos los peregrinos deben estar en el mismo sitio al mismo tiempo.

El hadj anual es una notable proeza de organización. La sola cantidad de participantes plantea enormes problemas de salubridad, transporte y mantenimiento del orden. Se levanta una inmensa ciudad de tiendas de campaña para albergar a los visitantes, que exceden en número de tres a uno a los habitantes de La Meca.

A pesar de todos estos inconvenientes, la peregrinación se vuelve cada vez más popular. El peregrino regresa a su país con renovado orgullo, después de haber cumplido con una de las más sagradas obligaciones de su religión.

Ver: La Arqutectura Árabe o islámica

Biografia de Lucrecia Borgia Hija de Alejandro VI Papa Historia Vida

Biografía de Lucrecia Borgia
Hija de Alejandro VI

Biografia de Lucrecia Borgia Hija de Alenjandro VI Nacida en Roma el 18 de abril de 1480 fue la tercera hija natural del Papa Alejandro VI Borgia y de su amante Rosa Vanozza Catanei.

Lucrecia tenía un carácter más bien alegre y desinteresado, fuera parecía noble y sensible ,con apariencia frágil y muy bella; en una sola palabra “la buena hija y la buena esposa” pero por dentro, era una mujer mucho más ambiciosa de lo que pudiera aparentar. Amaba las fiestas y era muy enérgica.

Llegó a dominar a su hermano César, lo cual nunca a él le agradó. Sus pasiones favoritas fueron lsa matemáticas, las artes, la lectura y la música. Murió en 1519.

Lucrecia Borgia, Duquesa de Ferrara, era la tercera hija natural del Papa Alejandro VI (“El Nerón de los Papas”) y Vanozza Catanei, nació en Subiaco (cerca de Roma) el 18 de abril de 1480. La conexión de la familia con el mundo de la Sede Papal provenía de sus antepasados: Alonso de Borja, ya había ocupado el trono de San Pedro con el nombre de Calixto III. Además, ella misma, sería la abuela de un santo de la Iglesia: San Francisco de Borja. En cuanto a su madre, Vanozza Catanei, podía exhibir una numerosa lista de maridos: Antonio de Brixia, Domingo de Arignano (o Carinano), Jorge della Croce y Carlos Canale. Esta situación era alentada por el mismo Rodrigo Borgia (Alejandro VI) para ocultar la situación atípica que mantenía con Vanozza. No obstante, ésta los igualó a todos al darles algún hijo a cada uno, regalo que repitió también con su principesco (príncipe de la Iglesia) amante, siendo ese fruto de las relaciones con Rodrigo Borja (uno de ellos) el nacimiento de Lucrecia. Sobre Vanozza, por su proximidad a la familia Borgia, cayó también el vilipendio de la Historia, siendo para unos una honrada dama renacentista muy típica de la época, y para otros, simplemente, una cotizada cortesana que transitó por los mejores lechos romanos.  

Ahora bien, el carácter de Lucrecia era alegre y desinteresado, incluso hasta parecía noble y sensible, de apariencia frágil y muy bella. Sin embargo, aunque pareciera ser “la buena hija y la buena esposa” por dentro era una mujer ambiciosa. Amaba las fiestas y era muy enérgica. Llegó a dominar a su hermano César, lo cual despertó su desagrado. Sus pasiones favoritas fueron las matemáticas, las artes, la lectura y la música. Murió en 1519.

Claramente, en Lucrecia Borgia se reunía la belleza (llamaba la atención su deslumbrante cabellera dorada) y el talento, una conjunción a la cual se sumaban la crueldad y el libertinaje. Esta última acusación tuvo su punto álgido unos años más tarde, con el rumor de que había quedado embarazada como resultado de unas hipotéticas relaciones con su padre, el Papa, o con su hermano, el duque de Nepi.

Dadas las características de estas acusaciones, en vano resultarían los intentos por limpiar el nombre de Lucrecia Borgia, que había sido expuesta al flagelo de semejantes difamaciones. Incluso, algunas biografías posteriores, incidían también en el retrato en negro de esta bella mujer que, por ejemplo, sobresalió de las de su tiempo con un bagaje de conocimientos notables como eran el dominio de varias lenguas (valenciano, castellano, italiano, latín, griego), o la pasión por diversas artes como el dibujo y, sobre todo, la música.  

Cuando se casó por primera vez era todavía una niña, el matrimonio había sido concertado cuando tenía once años, convirtiéndose en la prometida de Querubín Juan de Centelles, aunque el compromiso seria roto por su progenitor para poder ubicarla con un mejor partido: Gasparo de Procida (o Próxita) que sería su primer esposo. Al poco tiempo, en 1492 por su padre ya convertido en Papa.

A la edad de doce años, recién separada, tuvo un nuevo pretendiente, el conde de Prada, que no pudo concretarse. Además, el tercer candidato, el conde Gaspare di Aversa formaría parte de la lista de pretendientes frustrados de la pequeña Lucrecia.   Cuando cumplió trece contrajo matrimonio con Juan Sforza, señor de Pésaro, de 28 años de edad y viudo. El novio había sido elegido por el cardenal Ascanio Sforza, pariente del joven Juan, un alto dignatario de la Iglesia con mucho poder en la corte vaticana. Su padre, Alejandro VI lo había considerado un excelente partido, debido a que su familia ejercía el poder en buena parte del norte de Italia. El día del casamiento, el desfile de la novia congregó a miles de personas que admiraron el lujo excesivo que acompañaba al cortejo y que adornaban a Lucrecia. Asimismo, el suntuoso banquete de este enlace duró varios días, y a él asistió la nueva amante de su padre, Julia Farnesio, llamada la Bella, la misma que durante toda su existencia gozará de la amistad, que la Bella le devolvió, de Lucrecia. No obstante, al poco tiempo su padre anuló también este enlace por impotentia coeundi del esposo, curiosa impotencia cuando había engendrado anteriormente tres hijos de su primera esposa.

 Al poco tiempo, Juan Sforza se vengaría de tal infamia: si él se alejaba de Lucrecia, era porque el papa Alejandro, su padre, la quería para él. En realidad, lo que haría su padre sería buscar un nuevo esposo, Alfonso de Aragón, duque de Biscaglie (como ella misma, también hijo natural, en su caso del rey Alfonso II de Aragón). Alfonso, un joven de belleza deslumbrante, tenía 17 años y Lucrecia dieciocho. Alfonso era hijo de Alfonso II el Bizco y de una concubina de este llamada Trussia Oazullo.  

El matrimonio fue legal desde el día 14 de julio de 1498, siendo celebrado y consumado ese mismo día de forma secreta. Así se mantuvo hasta el 5 de agosto, en que se celebró la ceremonia pública con los acostumbrados festejos. Un detalle curioso de esta ceremonia ostentosa, es que en el gran banquete, el Papa Alejandro tenía al alcance de su mano una dorada fuente en la que se movían, repulsivos, algunos reptiles, en especial culebras y serpientes sin duda venenosas. Por su parte, César, su hermano fue director de un baile pagano de disfraces acompañado de representaciones y excesos que se prolongarían hasta el amanecer.

La vida de la familia Borgia estaría marcada por las traiciones y la tragedia. En 1499, Alfonso de Aragón sería estrangulado por los sicarios de César, previamente había sido atacado y malherido por estos mismos sujetos en la escalinata de la basílica de San Pedro.  A su vez, Lucrecia había dado a luz un hijo poco tiempo antes del asesinato. Este hecho llevó a una serie de conjeturas e hipótesis en cuanto a la paternidad del recién nacido. En este sentido, al margen de la paternidad hipotética del asesinado, otras versiones consideraban a su hermano César como el verdadero padre. Evidentemente, toda una sucia historia pasaría a formar parte de la crónica de aquellos tiempos renacentistas.

En realidad, César Borgia sentía una fuerte atracción por su hermana, pasión que desataba esta furia criminal contra sus esposos y amantes, ya que también había estado César detrás de otra muerte: la de Perotto, amante fugaz de Lucrecia y, según la misma vox populi, padre de un hijo de ésta (aunque Aretino fue más allá y llegó a decir que César también era querido de su padre, el papa Alejandro VI). Perotto, apareció ahogado en las ya habituales aguas del Tíber, un río que también había sido líquido sudario para su también hermano Juan Borgia.

Lucrecia había presenciado la muerte de su esposo, lo que la llevó a permanecer encerrada en una habitación tapizada de negro durante un año, rezando y recordando al marido muerto tan ignominiosamente. Sin embargo, el Sumo Pontífice rápidamente se ocupó de organizar, en 1501, el cuarto matrimonio de su hija. En esta ocasión, contrajo matrimonio con Alfonso II de Este, duque de Ferrara, de 24 años de edad. Durante estos meses transcurridos entre su viudez y su nuevo matrimonio, algunos historiadores sitúan el tiempo más oscuro y más susceptible de invenciones de su biografía. En ese interregno Lucrecia llevó directamente, en tres ocasiones, los negocios del Vaticano ante la ausencia, por diversos viajes, del Papa. En realidad, Lucrecia se limitó a llevar los asuntos particulares de su padre y su correspondencia privada, siendo aconsejada tan sólo en temas de Estado y en su toma de decisiones, por un cardenal español llamado Jorge Costa.

También en esta época sitúan los historiadores sus tiempos más desenfrenados, coincidentes con sus grandes crímenes y sus inefables orgías, incluidas las organizadas en familia, con la participación de su padre, y —aquí la leyenda— con el resultado de un vástago de aquellas incestuosas relaciones, un bebé de éste, Rodrigo, nacido en 1499, y que sería conocido como el infante romano. Lucrecia ejerció el poder también fuera de Roma y el Vaticano, entre otros en Spoleto y Nepi, lugares donde ejerció de gobernadora y donde mandó celebrar con el boato tradicional, el jubileo del año 1500.

La historia de esta familia renacentista demarca un panorama oscuro y apasionante, en el cual habría que ubicar la segunda papisa de la historia de la Iglesia Católica. En este sentido, Lucrecia ejerció ese mandato, en más de una ocasión, ante la ausencia de su padre. Al aparecer, llevó con discreción esta responsabilidad a diferencia del Sumo Pontífice que ocupaba su tiempo en exhibirse junto a su nueva amante, Julia Farnesio (hermana de Alejandro, curiosamente futuro Papa también con el nombre de Pablo III), una mujer nada menos que cuarenta años más joven que su enamorado.

La vida de Lucrecia Borgia pronto se estabilizó. Tenia 21 años cuando se casó con el primogénito de Ercole d’Este, dejando atrás los anteriores y sucesivos esposos impuestos por su padre. De esta manera, este nuevo enlace entre Alfonso de Este y Lucrecia Borgia parecía augurar una mayor estabilidad que los anteriores, a pesar de que el nuevo esposo no era excesivamente simpático ni amante de contactar con su pueblo. El casamiento se celebró el 28 de diciembre de 1501, en el cual no faltó el desfile por las calles de la ciudad del cortejo nupcial, como en los anteriores enlaces. Este ceremonial fue un regalo para los sentidos, el encanto y simpatía de la novia, era seguida por medio centenar de damas de alcurnia, más numerosas doncellas alineadas en una doble fila, luciendo los mejores tocados y vestidos.

En esta nueva boda, César (tan próximo a ella y ella de él) organizó una fiesta taurina, que acompañaba el espectáculo. En esta fiesta, además de la muerte de los toros habituales, contó con la sorprendente lidia de dos búfalos. Además, antes de la corrida, César había organizado una carrera pedestre por estamentos muy singular: de jóvenes, niños, viejos, prostitutas y judíos…  A los dos últimos grupos, el director de escena obligó a que corrieran desnudos, para mayor humillación de los mismos, y mayor vergüenza, pues aquellas extrañas carreras finalizaban en una meta situada en la misma santa Plaza de San Pedro. Este tipo de prácticas formaba parte de la cotidianeidad de esta particular familia, así, formalizado el compromiso entre Lucrecia y su prometido, los miembros de la familia Borgia intervinieran en una de sus continuas fiestas-orgías, organizadas dentro de los muros del Vaticano. A esta reunión fueron invitadas nuevas hetairas, medio centenar, que acabaron por ser obligadas a bailar desnudas con otros tantos criados. En estas fiestas, conjuntamente con el componente humillante para las prostitutas, había otro de un muy acusado resultado erótico, por la forzada posición de las participantes. Parece, también, que estas fiestas licenciosas celebradas en familia, tenían su parte individual, y que Lucrecia intervenía con mayor gusto en estas últimas, ya que de camino, daba satisfacción a sus sentidos. Por sus brazos se dijo que pasaron numerosos amantes, sin importar su estado civil, y que muchos fueron personajes pertenecientes a las elites. Como, por ejemplo, el Oran Capitán, militar español de nombre Gonzalo Fernández de Córdoba, quien estando de campaña por Italia, fue invitado por Lucrecia a un paseo en barca por el Tíber en una noche de amor alumbrada por la luna.   

Por otra parte, Lucrecia y Alfonso gobernaron desde 1505 en Ferrara, convirtiéndola en una de las cortes más brillantes de toda Italia. De este matrimonio nacieron cuatro hijos, tres mujeres y un varón. Desde el primer momento, Lucrecia se vio mimetizada con el lugar, cuando hizo su entrada triunfal en 1502, era seguida por un cortejo de más de 90 mulas que transportaban su vestuario, joyas y muebles más amados. Allí intentó rodearse de una sociedad de poetas como Ariosto entre los literatos, que haría un canto entusiasta de su señora que incluyó en su celebérrimo libro Orlando furioso, y de pintores entre los cuales se destacaba Tiziano.  Incluso, la misma duquesa era apasionada por las artes, escribiendo poemas en varios idiomas. En cierto sentido, Lucrecia Borgia no fue mejor ni peor que cualquier otra princesa o aristócrata de la época. Lo que resultaba evidente era que funcionaba como moneda de cambio en intereses políticos inconfesables por su padre, el Papa, y su hermano César. Incluso, para los que la conocieron o escribieron sobre ella, esta hermosísima mujer destacaba por su generosidad y protección para con las artes, sobresaliendo también de entre un mundo de despilfarros, su gran corazón, que la mostraba caritativa con los más desgraciados.

Además, algunos historiadores la describen como una víctima, a la que le impusieron todos sus maridos. Capturada por las imposiciones familiares sólo tuvo, como mínima venganza,  la posibilidad de elegir a sus amantes: Perotto, César (su hermano), Juan (su otro hermano), Rodrigo (su padre), Francisco de Gonzaga y Pietro Bembo. De entre los dos últimos, el primero era pariente de Lucrecia, perteneciente a la nobleza en la que figuraba como marqués de Mantua. En cuanto a Bembo, se trataba de un gran humanista que, sobre todo, amó a Lucrecia a través de apasionadas y, a veces, diarias cartas de amor.  

Con Bembo se habían conocido en una villa de las afueras de Ferrara, por medio de otro amante de la Reina, Hércules Strozzi, un poeta cojo que la idealizó llamándola Bárbara. Stozzi murió a manos de un Alfonso de Este, en el papel de marido ultrajado, que le propinó 23 puñaladas para limpiar su honor.

En cuanto al resto de los hombres que estuvieron cerca de Lucrecia, Perotto que en realidad se llamaba Pedro Calderón, era un español que estaba al servicio de Rodrigo Borja, al que afeitaba a diario, era muy cercano a toda la familia Borgia. Pedro fue con quien Lucrecia tuvo sus primeras relaciones sexuales. Ello ocurrió cuando Lucrecia contrajo por primera vez matrimonio, en aquella ocasión, la novia, agitada y nerviosa luego de una noche de bailes y excesos, había llegado a su casa en el momento en el que el criado Perotto le entregaba un recado de su padre. Bajo los efectos, sin duda, del alcohol y la abundancia de manjares ingeridos, la tímida princesa se decidió a pedirle a su criado que se quitara la ropa, ya que nunca había visto a un hombre totalmente desnudo. Poco duró la duda de Perotto, que accedió a la petición de su señora, acabándose así para ella aquel misterio.

Luego de ese día, Lucrecia continuó la relación con Perotto hasta que fueron descubiertos por César. El criado aterrado, se vistió lo más rápido que pudo y huyó. Sin embargo, no pudo escapar de los sicarios de César Borgia, quienes lo mataron de inmediato, arrojando su cadáver al río Tíber. A pesar de la muerte del barbero del Papa, Lucrecia lleva en sus entrañas un hijo suyo, que sería conocido como el infante Romano. Sin embargo, algunas versiones atribuyen la paternidad al mismisimo  Alejandro VI. La posible relación incestuosa entre padre e hija (Alejandro VI y Lucrecia), además de la propalada por un despechado Juan Sforza, tuvo, sin duda, su base en la bula secreta Spesfiuturae, en la que el Papa había escrito de su puño y letra que él era el padre del que será conocido como infante romano (como se sabe, atribuido también al desgraciado Perotto).  

Incluso, esta relación prohibida se atribuye a los comentarios realizados por un burócrata del Vaticano, Birckard, el cual en su diario reflejaba el interés con el que, padre e hija, estando asomados un día a sus balcones, presenciaron, divertidos, el acoplamiento entre un caballo que montaba, excitado, a una mula. Tan mínima anécdota llegaría a convertirse en detonante del incesto. Ciertamente, logró transmitirse como hecho consumado en compañía de comentarios y frases como: Lucrecia Borgia «hija, esposa y nuera del Papa». Como si estos rumores no fueran suficientes, a Lucrecia se le adjudicó ser una experta envenenadora de sus adversarios, utilizando magistralmente el correspondiente veneno impregnando todo tipo de objetos desde una fruta, una flor, un pañuelo o, incluso, a través de un beso.

A poco de casarse, Alfonso, duque de Ferrara, convenció a Lucrecia de que se trasladara a Regio, para reponerse de la tristeza por la muerte prematura de un bebé, Alejandro. En ese lugar, entablará una relación amistosa en principio, e íntima más tarde, con Francisco de Gonzaga, duque de Mantua y su cuñado.

Esta relación se interrumpió cuando la duquesa retornó a Ferrara, manteniéndose una correspondencia continua entre ambos, a través de cartas escritas en clave, imposibles de descifrar por los espías de su esposo, que continuamente la vigilaban. Tras dos años de idilio, fueron descubiertos, llegando la noticia del adulterio hasta Alfonso. Por su parte, los colaboradores de su marido intentaron suavizar la noticia, afirmando que Gonzaga estaba enfermo de sífilis y, por tanto, era impotente.

En cuanto a Pietro Bembo, era embajador veneciano en Roma y pulcro poeta, sensible, culto, y diez años mayor que Lucrecia. Bembo, había sido deslumbrado por la rubia y bella soberana, constituyendo este amante la otra cara de su brutal esposo, el duque de Ferrara.  En principio, era una simple atracción espiritual y platónica, pero que pronto se convertiría en una gran pasión que, de nuevo, obligaría a los amantes a la utilización de las epístolas en clave. Ambos vivían en pueblos muy próximos, lo que facilitaba sus encuentros íntimos. Todo acabó con la subida al papado del nuevo Pontífice, Julio V, enemigo de los Borgia, aunque, a pesar de las nuevas dificultades, continuaría por un tiempo aquella relación epistolar.

Bembo, autor de unos diálogos de amor titulados Asolani, no tuvo inconveniente en dedicarle el libro a la duquesa de Ferrara. Pasados los años,  pasaría a la historia como un gran humanista del Renacimiento, además de formar parte de la diplomacia vaticana como secretario del papa León X y ser él mismo cardenal en el siguiente pontificado.   

Con el Romanticismo en apogeo, se produjo una suerte de agigantamiento de los pecados de Lucrecia Borgia: en esta otra historia, su protagonista —sucia, cruel, auténtico sujeto de «deformación moral» (palabras de Víctor Hugo en su drama Lucrecia Borgia)— se sobrepondría a la otra, poco a poco, estaba a punto de nacer un monstruo. De esta forma, a partir de Hugo, llegarían en tromba, la ópera del mismo título al año siguiente (compuesta por Donizzetti) y estrenada a bombo y platillo en la Scala milanesa en 1833. También retratada por Alejandro Dumas. Incluso en España, la incursión por la Italia renacentista del gran fabulador Manuel Fernández y González, lo convertiría en autor de una inefable Lucrecia Borgia en Memadas de Satands.  

Evidentemente, estos rumores y preconcepciones se trasladarán hasta nuestros días, sin poder evitar la polémica que desata esta singular dama renacentista. Lo curioso es que, más allá de la veracidad de las acusaciones que se ciñeron sobre Lucrecia, nadie pueda bajar a la rubia princesa del pedestal de maldad que le tenían reservado los siglos.

A partir del rescate del siglo XIX, Lucrecia será presentada como un ser amoral, amancebada con sus dos hermanos, provocadora de la muerte del primogénito y hermano de ambos, Juan. Otra versión presentará a Lucrecia como experta en venenos, especialista en el uso y abuso de las tomaínas, que utilizaría en pócimas letales preparadas ex profeso para sus amantes. La duquesa de Ferrara, al mezclar en sus copas dosis de agua tofana —que sólo con nombrarla producía estremecimientos de honor en mucha gente— o la cantarella  (veneno preferido por los Borgia, que se obtenía de la masa putrefacta y licuada de un cerdo colgado boca abajo y apaleado hasta morir, más las entrañas de un sapo sazonadas con arsénico). Una característica —perversa— añadida de este veneno era que mejoraba extraordinariamente el sabor de la comida o bebida con la que se mezclaba, haciendo que la víctima se olvidara del peligro en aras del placer gastronómico.  

Así, como bien lo demuestra este apartado, la leyenda se sobrepuso a su verdadera historia de vida, nada santa desde luego, fue producto de su época y de un ambiente tan fétido moralmente como el que la rodeó. Milagrosamente, y dada la época y los métodos utilizados normalmente para la eliminación de los enemigos, Lucrecia sobrevivió a toda su familia, muriendo en 1519. Su madre moriría poco antes, con la cual Lucrecia no había perdido contacto (en sus cartas se despedía siempre como «tu afortunada e infortunada madre»), tras su desaparición, se hundió más en la soledad y la tristeza los últimos meses de su vida. No obstante, nunca perdió el gusto por las grandes fiestas, acudiendo a todas las que se celebraban en la ciudad, así como a las representaciones teatrales y a los espectáculos de danza.  

Además, defendió y alentó las actuaciones de una hermosa bailarina llamada Dimitria, a la cual le proporcionaba una indumentaria lujosa y  hasta sus propias joyas, para realzar la belleza de las sesiones de baile que alentaba sin descanso. Sin embargo, en sus últimos siete años, y como suele suceder a los que han llevado una existencia tumultuosa, intentó vivir de forma discreta, rodeándose de una inesperada religiosidad, con comuniones y confesiones diarias, que la llevarían a ingresar en el convento de San Bernardino como terciaria franciscana.

Fuente Consultada: Basado en Seres Crueles y Siniestros de la Historia- La Vida de los Papas S. Fontana- Traidores de Cristo René Chandelle.

Ceremonia del Fuego Real en la Ciudad Chahar Taq de Iran

Ceremonia del Fuego Real en la Ciudad Chahar Taq de Irán

El Fuego Real
En tiempos de la próspera dinastía sasánida que gobernó Irán entre los siglos III y VII, el zoroastrismo fue declarado religión oficial, y sus escrituras se recopilaron para constituir el Avesta. En Irán se levantaron numerosos altares con fuegos que ardían perpetuamente.

Algunos lo hacían al aire libre, en lo alto de las colinas rocosas, y se podían contemplar desde grandes distancias. Otros se instalaban en el interior de templos llamados chahar taq, «cuatro arcos», porque su diseño básico era un cuadrado formado por cuatro pilares unidos por arcos que servían de sostén a una cúpula.

Ceremonia del Fuego Real en la Ciudad Chahar Taq de Iran

En Irán se levantaron muchos altares con fuegos que ardian perpetuamente. Algunos lo hacían en lo alto de las colinas rocosas.

En casi todo pueblo y aldea había un fuego sagrado; cada provincia contaba con el suyo propio, y también cada clase social se remitía a su fuego. Atur Gushnasp era el fuego de guerreros y reyes; Atur Burzen-Mihr, el de los campesinos, y Atur Farn-bog, el de los sacerdotes. Estos tres grandes fuegos sagrados fueron consagrados probablemente en tiempos de los primeros partos, hacia el 150 aC, y se decía que los había creado el propio Ormuz para proteger al mundo. Hoy sólo conocemos con exactitud la situación de Atur Gushnasp, el Fuego Real: sus llamas divinas ardieron en el antiguo templo de Tajt-i-Sulayman.

Este lugar único fue «redescubierto» en 1819 por el explorador inglés sir Robert Ker Porter. Pero hasta 1959, cuando el Instituto arqueológico alemán descubrió unos sellos de arcilla, no se pudo demostrar que allí estuvo la ciudad donde ardía el Fuego Real. También se descubrió que Tajt-i-Sulayman había sido un lugar sagrado desde mucho antes de que el rey sasánida Jusrau I (513-579) restaurara el templo y construyera allí una ciudad.

Jusrau convirtió a Tajt-i-SulaymSn en el principal centro de peregrinación y adoración de todo Irán. También fue él quien construyó el fantástico palacio de Ctesifonte junto al río Tigris, una construcción tan colosal que en tiempos posteriores se creía que era obra de los genios.

Tajt-i-Sulayman era atravesado por la Vía Procesional, que corría en línea recta desde la espectacular entrada del pórtico norte, pasando por el templo del fuego con el altar del Fuego Real, hasta llegar al lago. Después de la gloriosa ceremonia de coronación en Ctesifonte, los reyes sasánidas efectuaban una peregrinación a pie para recibir la investidura divina en el altar del Fuego Real.

Este ritual quedó reflejado en los grandes bajorrelieves escultóricos tallados en las paredes rocosas de todo Irán, pero especialmente en la provincia de Fars, durante los 150 primeros años de la dinastía. Estos relieves estaban instalados sobre estanques naturales o en las orillas de los ríos, y eran una especie de «publicidad» de la monarquía: en ellos se veía a los reyes sasánidas recibiendo sus diademas de los dioses Ormuz, Anahita o Mitra.

La ciudad sagrada de Jusrau, saqueada por los bizantinos en 624, y reconstruida más tarde, siguió habitada hasta los tiempos de los mongoles: aquí murió, presa de fervorosas libaciones, el famoso Abaqa kan, en el siglo xill. Pero el Fuego Real se había extinguido, y poco a poco este lugar santo se fue convirtiendo en la desolada masa de ruinas que hoy podemos apreciar.

Historia del Cura Brochero, el Cura Gaucho Anecdota del Bandido

Historia del Cura Brochero – El Cura Gaucho 

JOSÉ GABRIEL BROCHERO. El “Cura Gaucho”

JOSÉ GABRIEL BROCHERO. El "Cura Gaucho"El cura “gaucho” José Gabriel Brochero fue oficialmente beatificado el 15 de septiembre de 2013, en una ceremonia que presidió el enviado del Vaticano, el cardenal Angelo Amato, y que se desarrolla en la localidad cordobesa que lleva su nombre.

Muchos lo llamaban “el Cura Gaucho” y él siempre se comportó como tal, sin abandonar su condición de sacerdote pero hablándole a la gente como uno más, recorriendo los 120 kilometros cuadrados de su parroquia a lomo de burro, tomando mate con ellos y demostrando un carácter lleno de fe pero tan bien encarador y corajudo.

El padre José Gabriel Brochero evangelizó a poncho toda la zona, creó escuelas, organizó casas de ejercicios espirituales que aún hoy existen y —a la semana de haber sido nombrado canónigo de la Catedral de la ciudad de Córdoba— volvió a su parroquia diciendo:

—Este apero no es para mi lomo ni mi mula para este corral.

Se le adjudican muchísimas conversiones y también curaciones milagrosas que realizaba sin hacer ostentación. Toda Córdoba lo amaba y lo ama como un hijo dilecto. Murió en 1914, después de haberse contagiado lepra al haber visitado a dos personas que sufrían ese mal y con quienes tomó mate toda una tarde para que no se sintieran tan solas.

Debido al mal estaba ciego, además no tenía un centavo y apenas podía hablar en sus últimos momentos, pero no estaba solo. Dicen que quien lo acompañó hasta el final, cuando el ángel vino a buscarlo, fue otro ángel, aquel bandido temible que lo tomó de la mano y lloró al despedirlo.

“La gracia de Dios es como la lluvia que a todos moja.”

En 1974 fue admitida en Roma la causa para su beatificación, para lo que se requiere un milagro realizado por él o en su nombre y eso existe: un bebé nació prematuramente a sus cinco meses de gestación y no tenía probabilidades de vivir desde la ciencia, sin embargo la invocación y el pedido al Cura Gaucho obraron la maravilla.

El chico tiene hoy veintitrés años y vive en Córdoba, en Traslasierra, en un pueblo que merecidamente se llama Villa Cura Brochero. Aún sin ser nombrado oficialmente como santo, el pueblo lo considera aún hoy como tal y le piden cosas en sus oraciones. Cosas que, según cuentan, suelen cumplirse.

“Dios es como los piojos, está en todas partes, pero prefiere a los pobres”

UNA ANÉCDOTA QUE MUESTRA SU CARÁCTER Y SUS AMOR A CRISTO

En una ocasión había un temible bandido que se escondía en los montes cordobeses y al cual ni los más aguerridos policías se atrevían a ir a buscar a su guarida. Brochero fue. Cabalgó largo rato internándose en la espesura y, al fin, halló al bandido en un pequeño claro.

El hombre estaba en cuclillas frente a un fogón por él mismo construido y se cebaba mate con toda tranquilidad. Ni siquiera levantó la vista cuando Brochero detuvo su muía a pocos pasos de él. Con seguridad lo estaba observando desde hacía largo rato y dejó llegar sin inmutarse a ese fulano de sotana que debía estar loco. No podía imaginar que ese cura llevaba un arma mucho más poderosa que las que él estaba acostumbrado a enfrentar. Brochero saludó, desmontó y se sentó a su lado. El hombre, nada. El cura le dijo que había ido a buscarlo y —sin vueltas— agregó:

—¿Por qué no se deja de joder con esta estúpida vida de bandido que está llevando”?

Recién entonces el otro levantó la vista y le clavó con fijeza esos ojos que tantas veces habían reflejado odio, fulminándolo con la mirada, sin pronunciar palabra. El Cura Gaucho no se asustó. Con la mayor naturalidad tomó la pava, se cebó un mate y le dijo mientras lo hacía:

—Mire, don; vengo a convidarlo pá que se venga conmigo a los ejercicios espirituales…

El hombre, que ni siquiera sabía qué cosa eran los ejercicios espirituales, le manoteó el mate sacándoselo de la mano y arrojándolo a unos metros. Se paró de golpe, como un animal en alerta, y comenzó a insultar al cura con las peores palabras que le llegaban a la boca. Parecía que iba a sacar su cuchillo para terminar con el sacerdote allí mismo, pero Brochero, sin abandonar su posición en cuclillas y sin que se le moviera un pelo, sacó de entre sus ropas el crucifijo que siempre lo acompañaba y mostrándoselo al bandido le dijo:

—Oiga, no soy yo el que quiere que usté venga… El que lo convida es éste… ¿A ver si se anima a insultarlo a El”?

El bandolero buscado en toda la provincia quedó como petrificado. Lo miró largamente sin decir palabra, después se volvió a sentar y hablaron. Hablaron todo ese día y parte de la noche. Con las primeras luces del amanecer los dos partieron para el pueblo.

El hombre asistió a los ejercicios espirituales y, poco después, se transformó en uno de los vecinos más honrados y trabajadores de la zona. Y cuidadito con que alguien llegara a decir algo malo del Cura Gaucho.

De todos los que han repetido esta conocida anécdota real, nadie se atrevió nunca a arriesgar qué hubiera pasado si el bandido se le hubiese ocurrido insultar, también, al crucifijo. Pero en voz baja aventuraban hipótesis que —de cumplirse— no dejarían en buenas condiciones a la anatomía del hombre.

Peor que la lepra…
En cierta ocasión un hombre le dijo al cura Brochero, luego de que este visitara a un enfermo de lepra.

–    Señor Cura, no se exponga tanto a enfermarse… mire que vale más su vida que la de ese hombre. Ya lo ha confesado, déjelo que muera en paz.

    –    ¡Caray, que habías sido bárbaro! Si la lepra no vale nada… Si Dios quiere, ni el diablo me ha de contagiar. La lepra hedionda es la de adentro, y esa no se pega, esa se lava con la caridad.

    –    Pero exponerse, sin necesidad… refregándose con el leproso…

    –    ¡Déjate de zonzeras! ¿No mandas tú a tus hijas al baile a que se refrieguen con esos calaveritas que vienen de la ciudad? ¡Eso es peor que la lepra!

El papa Francisco confirmó en marzo de 2016 que el cura argentino José Gabriel Brochero será canonizado en el Vaticano el próximo 16 de octubre, en el marco del Jubileo Extraordinario de la Misericordia. De esa manera, se convertirá en el primer santo nacido y muerto en el país.

Vida del Sanador Riojano Pancho Ormeño

Fuente Consultada: Crónica Loca Maravillas, rarezas, curiosidades y misterios de los argentinos de Víctor Sueiro

Pancho Sierra Madre María Las Comadronas La Medicina Colonial

 

Borobudur Templo Budista en Java Templo Perdido Indonesia

Borobudur – Templo Budista en Java – Templo Perdido

La mayor concentración de arquitectura sagrada de Java, se encuentra en la llanura de Kedu, unos 42 kilómetros al noroeste de la actual ciudad de Yogyakarta.  Aquí se encuentra el hermoso complejo de templo hindú de Prambanam y el mundialmente famoso templo budista de Borobudur.

Borobudur, es un nombre que deriva de una expresión que significa “Montaña de la acumulación de los méritos de los diez estados de Bodhisattva” es comúnmente considerado como una estructura budista, sin embargo, su construcción inicial fue planeada y llevada a cabo por constructores hindú algún momento alrededor de 775 d. C.

borobudur templo

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En el centro del frondoso paisaje de la isla indonesia de Java, aislado en la inmensa llanura, aparece el templo de Borobudur, máxima expresión de la arquitectura religiosa javanesa (El Budismo), el cual data del año 750 d.C. Para llegar a él partimos de Yogyakarta, una de las ciudades más grandes de la isla, sólo se tardan treinta minutos por un largo camino asfaltado de unos 40 Km. ó 25 millas aproximadamente.

Borobudur Templo Budista en Java Templo Perdido Indonesia

El monumento consta de seis plataformas cuadradas coronadas por tres plataformas circulares,
y está decorado por 2.672 paneles de relieve y 504 estatuas de Buda.

Está inspirado en un módulo constructivo que se relaciona con los sagrados diagramas del budismo tántrico y respeta un rígido esquema geométrico que tiene un profundo significado religioso.

Está formado por anillos concéntricos que se van estrechando a medida que se asciende hasta culminar en el único y gran stupa central símbolo de la Verdad Eterna (el edificio cónico típico de la arquitectura budista), simbolizando una flor de loto —la flor sagrada de Buda— que flota sobre las aguas de un plácido lago (en este caso la llanura) ó bien una montaña rodeada por agua.

la flor sagrada de Buda

Para poder llegar desde el nivel de la llanura a los casi 40 metros de altura de la cúpula central se construyeron nueve terrazas conjuntas; la primera mide más de 170 metros de lado. Si a estas faraónicas dimensiones se añade el minucioso cuidado con el que cada detalle se realizó, transformando una idea esquemática en un encaje de piedra, es posible tener una idea de la magnitud, de la dificultad y de la importancia del trabajo realizado en este templo.

Y todo ello para trazar un “recorrido”, o, en otras palabras, para crear un camino adecuado para un viaje del alma. Para quien lo visite es una invitación a la meditación, que habla directamente a los sentidos y que transmite su mensaje.Borobudur Templo Budista en Java Templo Perdido Indonesia

Fue restaurado, entre 1907 y 1911, por grupos de investigadores y arqueólogos holandeses que lo salvaron de la amenaza de la vegetación tropical, donde la mayor parte de las esculturas se perdieron durante el curso de las mismas restauraciones y de ellas sólo se conoce el tema: el Karmavibhaga, la ley del karma, según la cual cada acción humana lleva consigo sus consecuencias inevitables en la vida futura.

Centenares de esas esculturas eran una minuciosa descripción de escenas infernales (según la concepción de los constructores), en las que el hombre aparecía todavía envilecido y aprisionado por el remolino de los deseos. Se sabe, además, que no estaban a plena luz, sino medio enterradas y ocultas a la vista.

La montaña sagrada representa el progresivo abandono, la espiritualización y la interiorización. En definitiva, el eterno viaje del caos al orden, de la materia al espíritu, de las contradicciones a la Verdad. El viaje que Buda afrontó por primera vez y que todavía hoy, en su nombre, miles de personas afrontan según lo que Borobudur indica y sugiere.

En 1991, Borobudur fue incluido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.

PARA SABER UN POCO MAS SOBRE EL TEMPLO DE BOROBUDUR: El templo de Borobudur, en la Isla de Java, ha sido llamado “montaña de dioses”, lo cual es una denominación acertada para la gigantesca edificación sacra, situada a poca distancia de Djokja-carta, pues se trata efectivamente de una montaña o colina cubierta de inmensas masas de piedra, no de una construcción autoportante. Cuando en el siglo VIII después de J.C. se construyó en honor de Buda este templo, el más extenso de Asia, el budismo ya estaba retrocediendo en el subcontinente indio. Influencias hindúes lo habían descompuesto desde dentro, y cuando la religión de los brahmanes despertó a una nueva vida, ya había pasado la época de florecimiento del budismo. El asalto islámico destruyó los últimos bastiones de la creencia budística, que sólo perdura adulterada con elementos extraños.

Hacia esta época se abrieron a la nueva doctrina las islas del archipiélago malayo. Surgieron cientos de templos dedicados a Buda; sólo en el centro de Java han podido contarse más de ciento cincuenta de estas edificaciones. La mayoría ya han sido destruidas por la selva. Lo mismo ocurrió con la montaña de los dioses en Borobudur. No fue redescubierta hasta el siglo XIX, cuando se empezó a librarla de la jungla. “Hoy, cuando Borobudur ha sido liberado de los escombros y de la maraña de las lianas y de los siempre presentes arbustos, se puede ver qué grandiosa obra de un pueblo desconocido se muestra ante nosotros”, apuntó un viajero que llegó a Java hacia fin de siglo.

La construcción en forma de cúpula se eleva por cinco terrazas cuadradas, a las que se sobrepusieron tres gradas finales circulares, hasta una altura de 35 m. Como fin se añadió una quinta terraza al pie de la construcción. Probablemente, las capas de piedras superiores amenazaban deslizarse de la mezcla de arena y arcilla de la colina, poco apropiada como cimiento. Cuatro escaleras conducen a la cumbre de la colina del templo. El rico complejo de la construcción desorienta a primera vista a causa de los innumerables frisos, nichos y cúpulas. La pirámide aplanada del Borobudur, cuya terraza inferior tiene un lado de 111 m, ejerce sobre aquel que no lo observa con demasiado interés la impresión de una pesada masa hundida en sí misma. “Parece una pasta tan mal fermentada como cuidadosamente formada en el detalle”, juzgó el historiador de arte francés Foucher después de su primera visita a Borobudur.

Foucher criticó también el que desde el pie de la pirámide pétrea no se puede ver la plataforma superior ni la cima del templo y que, a la inversa, era imposible echar una mirada desde el punto más alto al pie de la terraza inferior. Esta visibilidad deficiente, debida a la forma semiesférica del edificio, la tuvo Foucher por un error del constructor.

“¿Habían realizado efectivamente un mal trabajo los constructores del Borobudur? Así se supuso durante mucho tiempo. El templo debe considerarse, desde el punto de vista de la técnica constructiva, como una stupa. La stupa, evolucionada de la forma circular de la colina funeraria, puede ser una construcción hueca para acoger reliquias o un puro monumento de culto sin espacios interiores. Generalmente se eleva el edificio en forma de semiesfera, campana o cilindro sobre una terraza cuadrada. E! constructor del Borobudur se separó bastante de las formas de stupa primitivas. Tuvo que pasar bastante tiempo hasta que se impuso la idea de que era una forma de stupa surgida en la época budística tardía, conformada y desarrollada hasta el último detalle. Desde este punto de vista sólo faltaba un paso hasta el reconocimiento de que la falta de visibilidad del templo podía tener, al igual como la ordenación del complejo total, sus buenos motivos.

Se halló la explicación en la doctrina budista de la salvación. La construcción se había proyectado con toda intención de tal manera, que el peregrino no pudiese reconocer aún desde el pie del templo las más altas alturas a las que su religión promete conducirlo. Las cinco terrazas debían simbolizar los cinco grados que se deben recorrer en el camino a la paz y la iluminación interior: la renuncia a los deseos mundanos, a malquerencias y a alegrías por el mal ajeno, a la pereza y a las dudas.

Una vez que el peregrino había llegado a la terraza superior, ya no debían verse desde las “situaciones puras”, los estados intermedios recorridos. La plataforma superior con la cima del templo simbolizaba por tanto el nirvana, el sosiego anímico perfecto, la liberación del infinito ciclo de la transmigración de las almas, un “estado de absoluta independencia del mundo, que aquellos que lo han alcanzado describen como un indescriptible placer supraterre-no” (H. J. Schoeps).

El  Sagrado Río Ganges El Fujiyama Palacio Potala Mar de los Sargazos

 

Cómo enfrentar al demonio y vencerlo Lucha entre el bien y el mal

¿Cómo Enfrentar al Demonio y Vencerlo?

En este mundo conviven dos poderes, dos reinos, el de Nuestro Señor Jesucristo y el Rey del infierno, el enemigo, en ambos reinos hay poderes y protección a sus seguidores sea a los hijos de la luz o los hijos de las tinieblas, pero hay que dejar algo claro el reino de la oscuridad nunca podrá destruir a los hijos de la luz, en este libro se muestra las mayores herramientas que hay para enfrentar al Rey de la oscuridad y vencerlo y a su vez a sus discípulos, los hijos de la oscuridad.

“La Luz brilla en la tinieblas y las tinieblas no la vieron”

Biblia De Jerusalén Evangelio de Juan 1 -5 Versión 1976

liberación, victoria

La fuerza del mal alrededor de la historia se ha manifestado en una lucha constante y sin cuartel, del bien y del mal, transcurrido el paso del tiempo y el paso de la humanidad, al paso de los acontecimientos y de la evolución de la tecnología, grandes Santos y grandes personas en todas las épocas de la historia han buscado la manera mas efectiva y más poderosa para enfrentar al demonio y vencerlo.

En este pequeño manuscrito Teológico y vivencial, está expuesta la formula más clara y precisa para tal efecto, para que el espíritu del que lea este manuscrito crezca y se llene del poder absoluto y sin limites del Reino de Dios y de sus Hijos, Los hijos de la luz.

Nace de la experiencia y del combate espiritual y material permanente de un sacerdote entregado al rescate de los Hijos de Dios de las trampas y asechanzas del mal, del enemigo destructor.

Durante más de 5 años de especialización en esta rama, en el combate espiritual y ayudando de una forma integral a personas, víctimas del mal y de sus ataques, siendo este oficio una rama profunda y desconocida para algunos, tan sorprendente e increíbles para otros.

Este libro esta diseñado en un lenguaje fácil de comprender y de aplicar, enfocado a jóvenes, padres de familia, docentes y sacerdotes, en su mayoría, desarrollado y enfocado a los hijos de la luz para que a través de este libro lleven la luz a la humanidad.

Si miramos desde una visión humana la arqueología, la sociología y la historia, los análisis antropológicos nos mostrarán como el gran enemigo se ha manifestado en diferentes formas y con diferentes acciones, desde tiempos muy antiguos y remotos se ve en esta recopilación histórica un símbolo que en distintas culturas es y será siempre representado el enemigo de muchas formas pero en especial, el símbolo de la serpiente antigua, figura histórica y también residente del mal en la humanidad y su manifestación en la historia de los pueblos.

Los grandes frutos del enemigo, la serpiente antigua y de su gran brazo diabólico son las consecuencias de nuestra posmoderna sociedad, una sociedad convulsionada y maleva con sus bajos instintos, siendo presa de la anarquía y la maldad.

Sus grandes avances en esta materia, lo podemos encontrar por citar algunos, en la drogadicción, la pornografía, la violencia, la riqueza sin medida y sin una ética, sin un respeto a los derechos humanos, una real y viva, idolatría al amado dinero, conseguirlo a cualquier precio y de cualquier modo.

La venganza, la ira y toda clase de bajezas similares que poco a poco están consumiendo nuestro amado país Colombia y el mundo, son unas fuerzas y poderes muy bajos que ya gobiernan nuestro planeta, nuestro mundo, a sus anchas.

Antes de dar inicio a este tema tan complejo y poder profundizar a un buen termino mi libro. Miremos que este tema hace muchos siglos y actualmente, ha generado una intriga, una curiosidad, y seguirá creando polémica a través de los tiempos. Un tema muy moderno, muy llamativo en estos momentos: “los exorcismos”, la liberación, es un lenguaje común para todos nosotros los mortales, sin embargo para algunos, de mucho miedo y terror.

Miremos antes de avanzar que piensan las distintas ramas del conocimiento, las distintas disciplinas interactivas entre si, las que involucran y encierran misteriosamente algunos componentes de esta ciencia del combate espiritual y material, inmanente y trascendente de la fuerza diabólica y la fuerza divina, de la luz y de las tinieblas.

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(*) Este libro ha sido enviado por el autor Padre Tirado Pérez como aporte al sitio para que sea descargado gratuitamente por cualquier interesado en estos temas

 

Biografía del Papa Francisco I Primer Papa Americano Bergoglio Jorge

Biografía del Papa Francisco

El Arzobispo de Buenos Aires, de 76 años de edad, se ha convertido el miércoles 13 de marzo de 2013, en el sucesor de Benedicto XVI y en el primer Papa latinoamericano. Es el Papa N° 266 la historia de la iglesia católica. Es un sacerdote jesuita, comprometido con la gente humilde, formado con la doctrina de teología de liberación, que siempre ha atendido a los mas necesitados, trabajando incansablemente en comunión con los curas villeros.

De una vida muy austera, de compromiso y regido bajos los principios cristianos. Por su informalidad, su sencillez y su cercanía con la gente, el Papa Francisco se ha convertido en una figura muy popular. Sus mensajes no solo dirigen a los católicos del mundo sino también a los que profesan distintas religiones, o quienes no comulgan con ninguna. Invita permanentemente a recuperar los valores humanos que lamentablemente estamos perdiendo día a día.

¿QUIÉN ES EL PAPA BERGOGLIO, “EL PAPA QUE LAVA LOS PIES A LOS PRESOS Y LOCOS”?:

FERNANDO I, PAPA BERGOGLIOEl Padre Jorge, como le gusta que lo llamen, fue nombrado Santo Padre. Tendrá a su cargo la conducción espiritual de 1.200 millones de cristianos católicos.

El Papa nació en Flores, barrio de trabajadores de Buenos Aires, hijo de un papá ferroviario y de una mamá, ama de casa. Estudió en una escuela técnica (E.N.E.T Nº 27 Hipólito Yrigoyen) el secundario y es Técnico Químico. Ya mayor de edad conoció a Cristo y se hizo Jesuita.

Una de las congregaciones más antiguas y severas en la formación de sacerdotes de la Iglesia Católica. Todos profesionales y misioneros. Con una educación espiritual extraordinaria. Lamentablemente como cuentan los libros de historia, esta congregación ha sido desarticulada por España y fueron despojados de todo.

Hijo de un trabajador ferroviario de origen piamontés y de una ama de casa. Asistió a la escuela pública de donde egresó como técnico químico y a los 22 años se une a la Compañía de Jesús, donde estudia Humanidades y obtiene una licenciatura en Filosofía.

Después, Jorge Bergoglio fue obispo, arzobispo de Buenos Aires y Cardenal. Su frase: “nunca te la creas”. Y cuando daba el sermón a la mañana a las señoras as ricas porteñas de Palermo, Belgrano o Barrio Norte, les decía: “el poder es como tomar una botella de ginebra en ayunas. Te marea. Nunca te la creas”.

El Padre Jorge, una vez a la semana, en la calle de Constitución celebraba la Eucaristía y en la misa estaban las prostitutas, los cartoneros y la gente pobre de la Villa 31.

Cuando pasabas por ahí y veías el gentío, es que el Padre Jorge estaba celebrando la misa con sus hermanos.
Siempre se movió en colectivo y en metro, solo y vestido con humildad. Jamás usó anillos o joya alguna y andaba por las calles de Buenos Aires como un porteño más.

“Fue elegido Papa con una gran mayoría, los 114 cardenales eligieron a un hombre que, con gestos sencillos y casi imperceptibles. Eligió el nombre de Francisco. El primer Papa jesuita, el primer pontífice argentino y latinoamericano pasaba a ocupar en puntas de pie el trono de San Pedro.

Sin estridencias ni gestos ampulosos. Asumió el peso de la misión en tiempos en que el mundo puso en jaque al cristianismo. Bendijo a todos con la sencilla sotana blanca y la cruz pectoral de plata que venía usando desde su primer día de obispo, sin reemplazarla por el oro, símbolo del poder y el sometimiento.

Francisco, un nombre que ningún Papa había elegido en 2000 años de historia, tomó el timón de la Iglesia y viró la nave hacia un rumbo nuevo, hacia el encuentro con la gente, para ofrecerle esfuerzo, oración y humildad, no solo con palabras sino, especialmente, con gestos.”

Humildad
Austeridad
Compromiso Social
Firmeza En Sus Convicciones
Es acusado se colaborar con el gobierno de facto en la dictadura argentina de 1976 a 1983. En 2011 fue nombrado Cardenal por Juan Pablo II, con el título de San Roberto Belarmino Siempre se opuso al aborto y a la eutanasia. Defiende los anticonceptivos, no así al reparto gratuito del estado

El jueves santo, sin cámara de televisión ni periodistas jamás avisaba a la prensa como tantos otros- iba a la cárcel a lavarle los pies a los presos y besárselos. También al Hospital Borda, para lavarle los pies a los enfermos mentales y besárselos. En soledad y sin testigos ni periodistas.

La única vez que hablaba con la prensa era para la homilía donde pedía ayuda para Caritas y en Navidad.
Es íntimo amigo del Padre Pepe, luchador en las villas contra las drogas, que debió exiliarse en Santiago para no ser asesinado y que días pasados había vuelto a la villa.

Es un sacerdote cuestionado por colaborar con la guerra sucia de la dictadura argentina (1976-1983) en el secuestro de dos jesuitas que estaban bajo su dirección. Bergoglio siempre rechazó toda acusación y lo explicó en su libro “El Jesuita”

También del director de La Alameda, organización que lucha cara a cara con las mafias del rapto y venta de niñas y mujeres para alimentar las bocas de los “8.40” y redes de prostíbulos. Tantas veces lloró y las abrazó en consuelo, ayudándolas a salir de ese infierno.

Y también del Cura Rockero, que es el sacerdote del grupo soporte de “Los Piojos” y a quien le pidió que hiciera un rockandroll sobre el amor y piedad de Dios y la Virgen por las mujeres prostitutas, como lo fuera María Magdalena en tiempo de Cristo, la única que se quedó junto a la Madre de Jesús ante la cruz, cuando todos los varones discípulos huyeron y lo negaron.

Una de las cuestiones en las que el cardenal se enfrentó al gobierno argentino fue el proyecto de Ley de Matrimonio entre Personas del Mismo Sexo.

Sencillo, sereno, sabio, humilde, tuerte de alma, es un junco espiritual que hace recordar la frase bíblica de San Pablo: “cuando soy débil, soy fuerte”.

Siempre dijo: “nunca te la creas”. Hoy es el Papa argentino, latinoamericano, de habla hispana, primero no europeo, que hace historia en el mundo y que pone a la Argentina en la cuna espiritual del mundo.

Se llama Francisco-noFrancisco I porque los papas se nombran desde el ll, por San Francisco de Asís, y enseguida trae a la memoria al Papa Gregorio IX.

Era un tiempo crítico de la Iglesia Católica. Las divisiones, la corrupción y la vida no santa -mucho peor que hoy- la azotaba en todas sus líneas. El Papa Gregorio llamó a Francisco de Asís y le pidió: “Francisco ayúdame a salvar a la iglesia”. San Francisco le dijo: “cada hombre es un fósforo en el mundo. Solos, apagados, los derrota la oscuridad. Pero si cada fósforo se enciende, ¡cuánta luz para el mundo!”.

Los Mayas anunciaron un tiempo espiritual nuevo de cambio de conciencia en el mundo como una nueva era. Los hombres espirituales de China y del oriente sentenciaron la irrupción de un tiempo espiritual transformador del universo.

Los maestros espirituales universales profetizaron que el cambio universal y la nueva era venía de Latinoamérica. Padre Jorge, Santo Padre, rezamos por vos.

Opinan otras religiones en Argentina:
Dirigentes, de distintas confesiones expresaron su beneplácito. En la Argentina, los evangélicos y los protestantes, se mostraron felices de que la Iglesia Católica tenga un Papa con gran capacidad de diálogo. El presidente del Congreso Mundial Judío, Ronald Lauder, dijo que el “Papa Francisco no es un extraño para nosotros.

Es un hombre de diálogo”.Mahmudab del Gawad, consejero diplomático del jefe del gran imán de la mezquita de Al Azhar, principal centro teológico del mundo sunnita, expresó que “esperamos ahora que las relaciones se vuelvan normales”. Un vocero de la Iglesia Ortodoxa Rusa, declaró que esperaba ahora una “dinámica positiva” entre ambas instituciones de fe.

PASAJES EN LA VIDA DE FRANCISCO I
Pide incansablemente
“Recen por mí”
reconociendo su necesidad de apoyo popular
No usa los zapatos papales rojos, prefiere continuar usando sus propios zapatos negros. Tampoco usa la cruz pectoral de oro No vive en el palacio apostólico. Reside en un sencillo departamento junto a otras personas, en su mayoría sacerdotes y huéspedes de paso. Ofreció una silla a uno de sus guardias suizos y pidió que descanse. Además ofreció su sándwich, “Buen apetito hermano”
No se puede tener paz sin diálogo. Todas las guerras son por falta de diálogo” En Brasil pidió a los jóvenes que trabajen por un mundo mas justo. Y que no se sientan defraudados por la corrupción. Luchen contra el mal, no se habitúen. “Creo que sería bueno ocuparse de la trata de personas y la esclavitud moderna. El tráfico de órganos puede asociarse en conexión con la trata de personas. Usa el teléfono para casos que considera de importancia tratarlo o bien han solicitado su asistencia por carta.

“¿Por qué no me traes el auto que me ofreciste?” Así el Papa aceptó lo que el padre Renzo Zocca, de la provincia de Verona, le había ofrecido en broma: regalarle el viejo Renault 4L que ya no usaba. Parece que en ese auto, que dejó de fabricarse hace más de 20 años, el Papa se siente muy a gusto.

Una anécdota: Tenía 12 años cuando le confesó en una carta a su amiga Amalia una de las clásicas tribulaciones de adolescente. “Si no me caso con vos, me hago cura”, le escribió a la vecina de Flores, barrio porteño donde vivía. La anécdota no fue más que eso, según explicó la hermana del Papa, María Elena Bergoglio, cuando la historia se conoció. “¿La novia? La verdad es que nunca ha existido. Pero si esta señora lo dice, y es feliz así, ¿por qué no dejar que cuente esta historia?”, dijo, al relativizar la seriedad de la propuesta.

EL ESTADO DE GRACIA: “Alimentas el alma si cumples con tu destino.”

Desde que Jorge Bergoglio se convirtió en el Papa Francisco I siempre los vemos con su semblante alegre y feliz, colmado de amor para dar; y nos transmite una inmensa paz maravillosa que nos conmueve hasta el alma. Mucho se habla de esa especie de áurea de bondad que lo rodea, que atrae como imán y nos deja perplejo observándolo con que simpleza y humildad se desenvuelve abrazando a todos sus fieles.

Se dice que se encuentra en “estado de gracia”, pero bien que significa esta expresión?…

“La gracia es una de esas cualidades intangibles difícil de describir, pero muy fácil de reconocer. Aquellos que la poseen parecen caminar por la vida sin que les cueste ningún esfuerzo. Dan la impresión de poseer un brillo interior, y ese brillo resulta evidente para todos los que les rodean.

Vivir en estado de gracia significa estar en total sintonía con tu naturaleza espiritual y con un poder superior que te mantiene. La gracia viene a ti cuando eres capaz de pasar de tu yo inferior, donde tu ego dicta cuál es el camino que «debe ser» legítimamente tuyo, a tu yo superior, donde eres capaz de trascender tu ego y desarrollar lo que hay de bueno en ti. Viene a ti cuando cambias de una realidad centrada en el «yo» a una comprensión más amplia de la existencia.

La gracia viene a ti cuando entiendes y aceptas que el universo siempre crea circunstancias que conducen a cada persona hacia su verdadero camino, y que todo cuanto ocurre forma parte de un plan divino.

Suena maravilloso, dirás, pero ¿cómo se puede conseguir ese fantástico estado? Pues recordando todos los días que las lecciones que has de afrontar son dones exclusivos para ti, y que aprender esas lecciones te llevará a ese estado de gracia.

Aférrate a la creencia de que se te dará lo que te conviene, independientemente de lo lejos que esto parezca quedar de lo que tú habías previsto.”

Chérie Carter-Scott

papa bergoglio

Me llamaré Francisco
—¿Con qué nombre quieres ser llamado? — Vocabor Francíscus.
La noticia de que Jorge Mario Bergoglio había tomado el nombre de Francisco desató inmediatas especulaciones sobre el cambio de rumbo que esto podría indicar en el Vaticano. Los primeros gestos del Papa Francisco confirmaron la presunción que pronto hizo explícita: su anhelo de “una iglesia pobre para los pobres” alentaba la elección del nombre, así como la contribución a la paz y el amor a la naturaleza del “Poverello” de Asís, que es además Patrono de Italia. Entre los 265 sucesores al trono de Pedro, Juan fue el nombre más elegido.

LA VIDA DE SAN FRANCISCO DE ASIS:
Nació en 1181 en Italia y murió en el mismo lugar en 1226, en su natl pueblo de Asís. Era hijo de un rico comerciante de la ciudad y tuvo una vida despreocupada totalmente distinta al resto de la sociedad. En 1201 cuando Asis fue atacada por por una guerra con Perugia, Francisco tomó partido en algunas batallasy fue tomado presionero, estando cautivo mas de un año. De acuerdo con los relatos de la época, unos años después Francisco se dirigía a Apulia, a luchar bajo las órdenes del ejército leal al Papa, cuando escuchó una voz que le pedía volver a Asís. Así lo hizo y comenzó su conversión hacia una vida de fe.

Empezó a mostrarse más reflexivo, desapegado de lo material y hasta convivió con leprosos. Pero el hito que marcó su vida y su fe, según se cuenta, ocurrió mientras estaba rezando en la capilla de San Damián. El Cristo que allí se encuentra, lo miró con firmeza y calidez y le dijo: “Francisco, ve y repara mi iglesia, que se está cayendo en ruinas”. Para hacerlo, vendió su cabello y mercancías de su padre. Éste, al enterarse, se enojó y lo encerró en un calabozo.

Lo que este santo había entendido era que el Señor le pedía que reparara el edificio donde estaba que, justamente, estaba deteriorado. Pero pronto entendió que su misión sería mucho más profunda e importante: debería refundar la Iglesia como institución.

Luego de que su madre lo rescatara de ese encierro, y frente al obispo de su ciudad, San Francisco aceptó devolver el dinero de las pertenencias vendidas a su padre. Así, estuvo libre y listo para iniciar su vida religiosa, marcada por la austeridad.

Entonces, ya consolidado su camino, llamó a su orden “Frailes Menores”, y el Papa la aprobó hacia 1209. Para esa época, fundó también, junto con Clara de Asís, una orden para mujeres, la que hoy se conoce como “la Orden de las Clarisas”.

Toda la vida de Francisco estuvo dedicada a difundir la palabra de Dios, la paz y el amor. En 1224, durante una profunda experiencia de oración, este santo recibió la máxima expresión de fe católica: los estigmas. Tuvo en su cuerpo las mismas heridas que sufrió Jesús en la cruz, que lo acompañaron hasta su muerte.

Consagrado oficialmente como santo de la humildad y la vida sencilla, tiene su fiesta cada 4 de octubre.

LA ORACIÓN DE PAZ: Aunque siempre atribuida a San Francisco de Asís, la conocida Oración de la Paz (“Señor, haz de mí un instrumento de paz”) no fue escrita por el santo italiano. El historiador y teólogo francés Christian Renoux estima que este texto data de principios del siglo xx y que apareció por primera vez en una revista católica; sin embargo, se considera que es una síntesis perfecta del ideario franciscano.

Dice así:
Señor, haz de mí un instrumento de tu paz:
donde haya odio, ponga yo amor,
donde haya ofensa, ponga yo perdón,
donde haya discordia, ponga yo unión,
donde haya error, ponga yo verdad,
donde haya duda, ponga yo la fe,
donde haya desesperación, ponga yo esperar
donde haya tinieblas, ponga yo luz,
donde haya tristeza, ponga yo alegría.
Oh, Maestro, que yo no busque tanto
ser consolado como consolar,
ser comprendido como comprender,
ser amado como amar.
Porque dando se recibe,
olvidando se encuentra,
perdonando se es perdonado,
y muriendo se resucita a la vida eterna.

Historia del papado
El título de Papa no se utilizó hasta el siglo IV; hasta esa fecha este cargo lo ocupaba el «obispo de Roma». El primer papa fue el apóstol Pedro, quien murió mártir en Roma en el año 67. A partir de ese momento, los papas reclamaron la autoridad de representar a Cristo en la Iglesia y se convirtieron en los gobernantes de toda la Cristiandad. Durante los cinco primeros siglos de cristianismo, los obispos de Roma habían compartido el liderato de la Iglesia con otros obispados del Imperio de Oriente, pero cuando estas antiguas iglesias cayeron en manos de la expansión del islam, Roma se autoproclamó el centro de la Iglesia cristiana.

El primer Papa importante fue León I (440-461), quien defendió Roma con éxito de Atila «el Huno» y de los vándalos. Uno de sus sucesores, Gregorio I (590-604), reformó los sistemas y los rituales de la Iglesia y dio nombre a los cantos gregorianos. La Iglesia, liderada por el papado, cobró fuerza, en parte debido a que las iglesias del creciente Imperio Franco y las atenazadas por la invasión islámica se pusieron bajo su protección.

El otro gran centro de la Cristiandad era Constantinopla, donde la práctica del culto había empezado a diferir de la de los cristianos occidentales. En 1054, el cristianismo se escindió en dos formas: el catolicismo en la Europa Occidental y la ortodoxia en la Europa del Este, Rusia y el oeste de Asia.

Después de 1059, los papas fueron elegidos por el Colegio de Cardenales y ejercieron su autoridad sobre grandes zonas de Italia, los llamados Estados Pontificios. Los Papa tenía un importante poder político, que generó tensiones con otro monarcas europeos.

VESTIMENTA DEL PAPA:

VESTIMENTA PAPA
(Imagen: Revista El Diario de National Geographic N°26)

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Qué es una beatificación? Qué es una canonización? Etapas de Eleccion

¿Qué es una beatificación? ¿Qué es una canonización?

La beatificación: La beatificación es hacer venerable o respetable una cosa. Declarar el Sumo Pontífice que algún siervo de Dios goza de la eterna bienaventuranza y que se le puede dar culto.

Así la beatificación es una declaración hecha por el Papa como cabeza de la Iglesia, de que un difunto vivió una vida de santidad, o que tuvo una muerte como mártir y que, ahora, está en el cielo. Vemos pues que la beatificación suele ser el segundo paso en el proceso oficial de la causa de los santos, llamada canonización.

Antes de la beatificación existen varios procesos. Primero se examina todos los años de vida del candidato, sus virtudes, sus escritos y reputación de santidad. Este proceso es, generalmente, conducido por un obispo del lugar donde el candidato vivió o murió.

Para un mártir, en este primer proceso no hay necesidad de considerar los milagros hechos a través de su intercesión. El milagro requerido debe ser probado a través de una instrucción canónica especial, que incluye tanto el parecer de un comité de médicos (algunos de ellos no necesariamente creyentes) y de teólogos.

Una vez este primer proceso revela que el candidato practicó las virtudes en un grado heroico o murió como un mártir de la fe, puede comenzar el segundo proceso, llamado Apostólico, que está a cargo de la Santa Sede.

Las personas beatificadas son llamadas «beatos» y pueden ser venerados por los creyentes. La veneración universal está reservada para los santos canonizados. La beatificación, que es siempre acto pontificio, será celebrada por un representante del Santo Padre, que habitualmente será el prefecto de la Congregación para las Causas de los Santos.

La Congregación para las Causas de los Santos, es una de las nueve Congregaciones de la Curia Romana. Es creada el 8 de mayo de 1969. Se trata del organismo del Vaticano encargado de estudiar los milagros, martirios y virtudes heroicas y de proponer los diferentes ejemplos de santidad para que el Sumo Pontífice proceda a realizar las canonizaciones y beatificaciones oportunas.

La canonización: Fue en el año 993, cuando Ulrico de Ausburgo fue declarado santo en la primera canonización aprobada directamente por un papa, el Papa Juan XV. El Papa Gregorio IX formalizó el proceso de canonización yen el año 1234 las canonizaciones se reservaron sólo al Papa. Fue el Papa Sixto V quién puso el proceso en manos de la Congregación para las Causas de los Santos y del Santo Padre.

En el siglo y se codificaron los elementos para el procedí–miento formal que seguiría la Iglesia en la canonización. Así,los santos se los identificaba como tales en función de su reputación entre la gente, sobre todo del martirio; de las historias y leyendas que se explicaban de sus vidas, como ejemplo de virtud heroica; de la reputación de obrar milagros, en especial de aquellos que se producían póstumamente sobre las tumbas o a través de las reliquias.

Pero aún tuvieron que pasar varios siglos para que la Iglesia, insistiera en la verificación de las historias mediante una investigación sobre la vida y muerte del santo.

La canonización es el proceso final en el que al beato le corresponde el titulo de santo. Para la canonización hace falta otro milagro atribuido a la intercesión del beato y ocurrido después de la beatificación. Las modalidades de verificación del milagro son iguales a las seguidas en la beatificación.

El Papa puede obviar estos requisitos, como ha ocurrido en algunas canonizaciones de los últimos años que han despertado gran polémica. Si ha existido martirio no es necesario el requerimiento del milagro. Indudablemente la canonización compromete la infalibilidad pontificia.

Una vez el santo ha sido canonizado se concede su culto público en la Iglesia universal y se le asigna un día de fiesta, pudiéndose dedicarle iglesias y santuarios.

La realidad, como ya se ha explicado, es que no existe un cómputo preciso de quienes han sido proclamados santos desde los primeros siglos. En 1988, para celebrar su IV centenario, la Congregación para la Causas de los Santos, publicó el primer Index ac status Causarum. Este libro y los suplementos que siguieron, escritos enteramente en latín, están considerados como el índice definitivo de todas las causas que han sido presentadas ante la congregación desde su institución.

Desde que fue elegido en 1978, el Papa Juan Pablo II, hasta julio de 1997, había proclamado 278 santos, entre los que se encontraban 245 mártires, 33 confesores y 770 beatos de los que 579 eran mártires y 191 confesores.

Biografía del Nuevo Papa Americano: Padre Jorge Mario Bergoglio

Fuente Consultada:  www.catacombe.roma.it – Los santos que nos protegen de Bornos y Prim

Papa Alejandro VI Borgia La Familia Borgia Vida Historia Resumen

Papa Alejandro VI Borgia – La Familia Borgia -Vida e Historia – Resumen

En el cónclave de 1492 en que fue elegido papa no se tuvieron en cuenta sus méritos personales, sino que los criterios de elección fueron otros: se atendió a posturas más políticas que religiosas.

PAPA ALEJANDRO VI BORGIA

El papa Alejandro había sido con anterioridad vicecanciller de la Iglesia, general de sus ejércitos y prefecto de Roma, además de persona de confianza de los cuatro papas precedentes y sagaz diplomático desempeñando funciones de legado de la Santa Sede ante las cortes europeas. Reunía, pues, las condiciones precisas para gobernar unos estados —los pontificios— que buscaban su engrandecimiento territorial y político, ajenos a que constituían el patrimonio material de una organización eclesiástica de finalidad exclusivamente espiritual. (Wikipedia)

alejandro borgia papaUna de las familias más poderosas del siglo XV fue la de los Borgia. Este núcleo valenciano (Borgia es la italianización del apellido Borja) intentó someter a media Italia, bajo el influjo de la Santa Sede, hasta el punto de querer convertirla en una pseudo-monarquía hereditaria. En la actualidad, Italia se encuentra unificada, pero en el renacimiento estaba conformada por un puzzle de ducados, repúblicas y reinos. Dentro de esta poderosa familia, tres de sus miembros han pasado a la historia: el Papa Alejandro VI (Rodrigo Borgia) y sus hijos César y Lucrecia.

Rodrigo de Borja nació en Játiva, cerca de Valencia, el 1 de enero de 1431. Su tío materno (en ese momento era Obispo de Valencia y luego se convertiría en Calixto III) lo envió a estudiar a Bologna y en febrero de 1456, cuando tenia 24 años, fue nombrado diácono cardenal. Gracias a sus contactos con los monasterios y obispados, Rodrigo se convirtió en vice-cónsul de la Santa Sede en 1457, una sede que, manteniéndola bajo los cuatro papas siguientes, le permitió acumular una vasta fortuna de tal manera que fue reconocido como el segundo cardenal más rico.

Así, Rodrigo prosperó rápidamente en los tres años que su tío fue pontífice, además realizaba estudios legislativos en la Univesidad de Bologna. En este período, Calixto III, encomendó a su sobrino numerosas misiones, la más destacada fue el Oficio de Vicecansiller Vaticano, lo que le permitiría al futuro Alejandro VI ponerse en contacto con aquellas redes neurálgicas que estructuraban el complejo estado.

 Cuando Calixto III falleció, en 1458, Rodrigo había tejido las alianzas necesarias para mantenerse en la “tupida telaraña del poder”. Pronto se estableció en Roma sin perder contacto son Valencia. Más allá de sus numerosas obligaciones, no descuidó sus relaciones privadas. Así, tuvo 10 hijos conocidos a lo largo de su vida, ya sea siendo Cardenal o Pontífice. De sus hijos se destacaron César, Juan, Lucrecia y Jofre, frutos de su romance con Vanozza Catanei, su amante preferida. Sólo estos cuatro fueron reconocidos como los legítimos Borgia, los otros, representaron un papel más modesto, y fueron relegados al ostracismo en la mayor parte de los casos.

 SU ELECCIÓN PAPAL: la venta de cargos era una práctica común en la Roma del renacimiento: se vendían indulgencias, se remataban capelos cardenalicios y hasta el puesto de sumo pontífice. Sin embargo, Rodrigo debió ofrecer una suma considerable, porque su contrincante, el Cardenal Della Royere) era un candidato con un respaldo económico considerable.

 El papado le costó a Rodrigo Borgia centenas de miles de ducados, además de favores y títulos. El contexto a finales del conclave dibujaba un panorama complicado: Della Royere contaba con un depósito de 200.000 ducados de oro del rey de Francia, más otros 100.000 de la República de Génova. Incluso, era el protegido del rey francés y contaba con los votos de los cardenales de ese país. Y solamente quedaban cinco votos para comprar.

No obstante, a Borgia no le faltaba dinero y estaba dispuesto a arriesgar su capital para asegurarse un buen negocio, tal vez el mejor de la época: ser Papa. De esta manera, al mayor de sus rivales, el cardenal Sforza de Milán, le envió cuatro mulas cargadas de plata, el cardenal aceptó y con eso obtuvo su apoyo; al cardenal Orsini le cedió varios castillos y, de esa manera, se aseguró la ayuda de  esa familia romana.

Además, decidió regalar algunas abadías y mansiones. Ya casi sin nada que ofrecer, descubrió que aún le faltaba un voto. Sin embargo, el Cardenal Gherardo de Venecia, se lo concedió de manera gratuita. La razón de este apoyo gratuito, los historiadores se lo atribuyen a su senilidad, ya que tenía 96 años.

 Luego de esta búsqueda de contactos, Borgia consiguió su objetivo, fue elegido Papa por la cónclave de 1492, como bien se demuestra, esta elección atendió a cuestiones políticas mas que religiosas.

Della Royere, consciente de la situación a la que se hallaba expuesto, huyó para salvar su vida y no regresó hasta diez años después, luego del fallecimiento del Papa Alejandro. Se comenta que durante la ceremonia, Giovanni de Médici le susurró al cardenal Cibó: “Ahora ya estamos en las garras del que quizá sea el más sanguinario de los lobos, o huimos o, qué duda cabe, nos devorará a todos”.

 Como se expresó anteriormente, el Papa Alejandro había sido con anterioridad vicecanciller de la Iglesia, general de sus ejércitos y prefecto de Roma. Incluso se había convertido en una persona de confianza para los cuatro papas precedentes.

En realidad, era un sagaz diplomático desempeñando funciones de legado de la Santa Sede ante las cortes europeas. Demostraba con toda certeza que reunía, pues, las condiciones precisas para gobernar unos estados —los pontificios— que buscaban su engrandecimiento territorial y político, ajenos a que constituían el patrimonio material de una organización eclesiástica de finalidad exclusivamente espiritual.

 Y realmente, Alejandro VI realizó un magistral “gerenciamiento” de su tiempo, ya que supo coordinar variadas actividades, una implacable persecución de sus enemigos (reales o imaginarios), conjuntamente con el manejo de la vida marital de su hija Lucrecia, para obtener más poder, sin dejar las múltiples correrías eróticas, que no pensaba abandonar por ocupar la silla de Pedro.

 LA VIDA OSCURA  DE ALEJANDRO VI: A lo largo de su vida Rodrigo matizaba su vocación y su carrera eclesiástica con su tendencia a los variados placeres eróticos. De esta forma, eran conocidos sus amoríos con una viuda y también con su hija, Vanozza Catanei, quien fue el amor de su vida (según sus biógrafos). Además, en su juventud protagonizó una orgía en Siena de la cual fueron excluídos maridos, novios, hermanos y deudos, con el objetivo de que no existieran incómodas trabas a la hora de expresar la lujuria. Asimismo, otra orgía organizada en unas termas (una suerte de “spa” erótico de avanzada) le valió en su momento las severas reprimendas del papa Pío II.

El hecho más significativo de la vida del Papa Alejandro VI fue el asesinato que cometió a la edad de 12 años. En su España natal, entre juego y juego, el jovenzuelo no vaciló en hundir repetidas veces su arma blanca (como veremos luego, afición que se repite en la familia) en el estómago de otro infortunado niño.

Como anteriormente se mencionó, Alejandro VI tuvo diez hijos ilegítimos conocidos. Cuatro de sus hijos los había concebido con Vanozza Catanei, su supuesto gran amor. Sin embargo, ese amor se fue extinguiendo. De esta forma, a la edad de 58 años tomó otra amante, Giulia Farnese, joven de sólo  15 años, recién desposada con Orsmo Orsini. El marido de Giulia, nunca demostró incomodidad ante el hecho de que su esposa fuera famosa en toda Italia con dos motes: uno muy literal: “la ramera del papa” y otro más agudo, del orden de la ironía: “la esposa de Cristo”.

Giulia, que era muy bella —Rodrigo Borgia siempre tuvo un gusto exquisito para elegir sus mujeres— no era tonta y, además, buena hermana ya que aprovechó su relación con el Papa para conseguir el capelo cardenalicio para su hermano, el futuro Pablo III.

Como se puede apreciar, los italianos eran afectos a los motes e hicieron también lo suyo con el hermano de Giulia: sabiendo que el título de cardenal de su hermano era fruto de sus manejos, no tardaron en nombrarlo como “el cardenal enaguas”. Con Gíulia, el papa tuvo una hija, Laura. En vano fueron los intentos por hacerla pasar por una Orsini (y asi salvarla de su condición de hija ilegitima) ya que Laura era el vivo retrato de su padre.

Alejandro VI tuvo dos hijos más con Giulia, Juan y Rodrigo. Sin embargo, el respeto por la vida familiar no era una costumbre del pontífice, paralelamente seguía manteniendo orgías sexuales. En relación con ellas, Alejandro VI disfrutaba tanto de ser un participante activo como de ser un simple voyeur que se complacía con sólo mirar. No obstante, otro rumor que causaba un gran escándalo eran las supuestas relaciones incestuosas entre Alejandro VI y su hija Lucrecia. Pero por ahora no ahondaremos en esos detalles porque la vida de Lucrecia como la de su hermano César serán tratados en apartados diferentes.

 Alejandro, padeció sífilis, sin embargo no fue esa enfermedad la que causó su muerte. Sucedió durante unas de las tantísimas noches de placer a las que el papa era tan afecto. Se cuenta que su muerte fue presagiada por un extraño suceso: en plena luz del día, un búho entró volando por la ventana y expiró a los pies del pontífice. Cuando el sol cayó, comenzó el habitual jolgorio donde no faltaban mujeres y vino a granel.

Pero, parte del vino estaba envenenado. La versión más verosímil afirma que el mismo César había vertido veneno en la bebida (que debía ser ingerida por unos ricos cardenales a los que era preciso eliminar) y que, por equivocación, el brebaje envenenado fue a dar a la boca del papa y hasta del mismo César.

El veneno que causó la muerte del pontífice era cantarella, poderoso veneno inventado por el mismo hijo del prelado, que combinaba una dosis letal de arsénico, con vino y menudos de pollo. Sin embargo César, debido a su juventud y fortaleza, pudo recuperarse. Su padre no contó con la misma suerte, las sales arsenicales minaron su estómago y, durante horas, agonizó en su lecho con la cara amarilla, los ojos inyectados en sangre y sin poder deglutir. Luego, su rostro se tomó morado, sus labios se hincharon monstruosamente y su piel comenzó a descortezarse.

Cuando el cadáver fue colocado entre dos cirios encendidos, se había tomado de un profundo color negro y de su boca manaba abundante espuma. A esa altura, el cuerpo había perdido toda forma humana y era tan alto como ancho. Y por más que su previsor hijo César había ordenado sellar la habitación para que los codiciosos cardenales no pudieran saquearla, éstos fueron más fuertes que la orden y se abalanzaron sobre el horrendo cadáver para hacerse de las joyas que hubieran ido a dar (de manera infructuosa) a una tumba. Luego de que los presentes saquearon el cuerpo, fue todo un trabajo ponerlo en el ataúd pero, a fuerza de presión y de golpes, lograron introducirlo en el féretro. Lo que no resultó posible fue colocar la tapa y el heredero de Pedro debió contentarse con ser tapado con un tapiz.

Luego se procedió a trasladar el cadáver. En un principio, los sacerdotes no autorizaron su entrada para ser enterrado en la basílica. Finalmente accedieron y se depositó el féretro, por un breve lapso, en la cripta de San Pedro. En 1610, los despojos fueron expulsados de la basílica y, en la actualidad, reposan en la iglesia española de Vía de Monserrato. Alejandro VI fue precoz asesino, hábil político, instigador, asistente a orgías y supuesto padre incestuoso. Más allá de estas macabras características,  fue un sincero devoto de la Virgen María e impulsó la costumbre de tocar el Angelus tres veces al día.

Fuente Consultada: Basado en Wikipedia y La Vida de los Papas S. Fontana- Traidores de Cristo René Chandelle