Otros Personajes Argentinos

Biografia de Rafael Obligado Poeta Autor de Santos Vega

POETA ARGENTINO: RAFAEL OBLIGADO (1851-1920)

Rafael Obligado POETA ARGENTINO

He aquí un poeta que, sin ser ni extraordinariamente fecundo, ni demasiado brillante, sobresalió entre los románticos argéntinos del siglo XIX por las cualidades de perfección que caracterizan su vena lírica.

El romántico fue, antes que todo, un enamorado de la libertad,   un   pesimista   incorregible,   un  melancólico   consuetudinario.

La libertad lo hizo refractario a los convencionalismos; el pesimismo lo enfrentó con la amargura y con la angustia; la melancolía  melló sin  pausas su  corazón,  hasta transformarlo  en  un incomprendido.

No quiso ser ni militar, ni. abogado, ni político, tal como le hubiese cuadrado en aquel tiempo en mérito a su abolengo. Solamente aspiró a ser un hombre de letras, un cantor del Paraná, el río familiar a sus recuerdos de la niñez.

Como sucedió con Guido Spano, Obligado núcleo en derredor de su ejemplo lo más representativo de su generación, tuvo csapulos y trascendió con su obra  las fronteras argentinas.   Fue, sin lugar a dudas, el poeta nacional por excelencia.

Su poesía entronca con la de Echeverría, y en toda ella domina la imagen graciosa, plástica, expresiva como una acuarela pintada frente a risueñas visiones del pasado, con sus niños, sus adolescentes y sus amores puros.

Tímbién abordó el tema histórico —Ayohúma, El Negro Falucho, La retirada de Moqueguá— y tradiciones populares — La luz sala, La salamanca, La mula Ánima, El Yaguarón y El Cacuí—.

Obligado nació en Buenos Aires en 1851 y murió en la misma ciudad el 25 de abril de 1920.

EL POETA: Antes que Obligado, Mitre y Ascasubi y otros historiadores trataron el tema del payador. En Santos Vega, su obra maestra, se personifica el espíritu de la pampa, lleno de aristas populares, de eclosiones generosas.

Todo un ambiente, una idiosincrasia, un ideal, caben en este poema que pertenece a la serie de “leyendas argentinas” recogidas de la tradición candente, de los labios mismos de los gauchos que el poeta frecuentó en la estancia de su padre.

Santos Vega no aparece por primera vez en estos versos, sino que ellos no hacen más que darle forma definitiva a una sombra, a un hombre, a una conducta largamente conocida por los lugareños. Es la triste historia de un cantor cuya voz de timbre cristalino y trágico inundaba el alma de sorpresa y de arrobamiento; sus manos arrancaban a la guitarra acordes que eran sollozos, burlas, blasfemias.

Todo el desierto se llenaba con su fama; de todas partes llegaban multitudes a escucharlo; sus “payadas de contrapunto” causaban la admiración de los oyentes, porque en ellas era ímbatible.

Allí donde llegaba, los criollos hacían rueda para extasiarse con su canto, lo agasajaban y lo ungían rey de la pampa.
Después de haber cantado a su prenda y convocado con su himno a las huestes emancipadoras, aceptó el desafío de Juan Sin Ropa, el forastero cuya voz era el llamado del progreso.

Juan Sin Ropa lo venció con an poderoso grito dado al viento, muy superior al cantar de Santos Vega. Y es lógico que esto sucediese, porque el forastero Juan Sin Ropa llevaba en su esencia la profecía del futuro, con sus renovaciones, con todas las reformas capaces de trastrocar héroes  legendarios.

Debajo de un corpulento ombú, frente al desconcertado auditorio de gauchos, el payador murió al tiempo que su rival se convertía en serpiente y desde la copa del árbol caía una brillante lluvia de escamas.

Desde entonces, Santos Vega deambula por las llanuras, convertido en sombra: en los atardeceres, su espectro huye a campo traviesa, la guitarra en la espalda, en un caballo veloz como el viento.

Su historia está presente en todas las guitarras y pasa de boca en boca con la espontaneidad con que se dicen las cosas ingenuas.

Santos Vega fue el cantor en una época romántica, a la que sobrevinieron tiempos precursores de mecanización y de materialismo. Hoy, sin lugar a dudas, vivimos el clima de Juan Sin Ropa.

Mañana …, ¿tendrá que batirse el negro forastero con algún otro rival?

FRAGMENTO DE: “SANTOS VEGA”
“Bajo  el  ombú  corpulento,
de las tórtolas amado,
porque su nido han labrado
allí al amparo del viento;
en el amplísimo asiento
que la raíz desparrama,
donde en la siesta la llama
de nuestro sol no se allega,
dormido está Santos Vega,
aquel de la larga fama.”

“En los ramajes vecinos
ha colgado silenciosa,
la guitarra melodiosa
de  los  cantos  argentinos.
Al pasar los campesinos
ante Vega, se detienen;
en silencio se convienen
a guardarle allí dormido;
y hacen señas no hagan ruido
los que están a los que vienen.”

Biografia de Quinquela Martín Artista Plástico Argentino Vida y Obra

El 20 de Marzo de 1890 fue dejando en la Casa de Expósitos un niño que se suponía había nacido tres semanas antes, es por eso que el día de nacimiento de Benito ha sido consignado como el 1º de marzo. Fue bautizado con los nombres de Benito Juan y se le asignó el apellido Martín.

Su primer nombre fue en razón de ser bautizado el día de San Benito Abad, el 21 de marzo. Casi ocho años después, el 16 de noviembre de 1897 es adoptado por el matrimonio formado por Manuel Chinchella y Justina Molina, quienes vivían en la Boca del Riachuelo, donde vivió toda su vida el maestro.

Cursó tan solo los dos primeros grados de la primaria, y luego se dedicó a repartir el carbón que sus padres vendían a los vecinos del barrio.

Cuando cumplió 15 años su padre que descargaba carbón en el puerto, lo convocó a trabajar con él, pese a su físico poco adecuado para la tarea, pero su empeño y rapidez le hicieron ganar el apodo de “EL MOSQUITO”.

Al poco tiempo, cuando cuenta 17 años, se inscribió en una academia para cursar dibujo y pintura, con le maestro italiano Alfredo Lázzari, quien fue su único maestro. Completó su formación autodidacta a través de lecturas en la biblioteca del Sindicato de Caldereros, y allí descubrió el libro “El Arte” del escultor francés, Auguste Rodin, que lo llevó a dedicar su vida a la creación artística.

Cuando cumple 20 años expone por primera vez sus trabajos en la Sociedad Ligure de Mutuo Socorro. En 1912 se le diagnostica un principio de tuberculosis y busca los purificadores aires de Córdoba para curar su enfermedad. Allí realiza una serie de paisajes acompañado al maestro Walter de Navazio. Retorna a los seis meses milagrosamente curado y convencido que debe reflejar, como decía Rodin, únicamente su vida y su ambiente, es decir pintar su aldea: La Boca del Riachuelo.

Miembro Honorario de la Universidad
El 14 de enero de 1972 se firmó en el Consejo Superior de la UBA la resolución por la cual se designaba a Benito Quinquela como miembro honorario de esa alta casa de estudios. En los considerandos de la resolución se expresa que el artista ha honrado y honra con su obra a la cultura argentina y al hombre de nuestro país, y que a ello se agrega “el ejemplo de toda una vida dedicada al arte, a la promoción de la cultura y a la misión de servicio por su generosidad para la comunidad y a través del fomento de la educación”.

“Pero la resolución de la Universidad de Buenos Aires no es meramente eso, sino una expresión vocacional de reconocer públicamente, y sobre todo ante los jóvenes, lo que constituye un ejemplo capaz de alentar una meta. Cuando reciba usted el diploma y la medalla que lo acompaña, podrá apreciar todo esto y su aceptación será un bien para la Universidad”.

Por último expresa: “Con el tiempo, maestro, la herrumbre cubrirá esa medalla produciendo el más antiguo de los pigmentos: ese mismo que crustifica los hierros de los barcos envejecidos o moribundos, que podrán desaparecer de la boca del Riachuelo, pero nunca de la imagen de sus cuadros”.

LOS PRIMEROS AÑOS DE BENITO:

Al viejo Manuel [padre de Benito] lo que menos le gustaba era la decisión de su hijo de dedicarse intensamente a la actividad artística, porque estaba descuidando su trabajo en el puerto. Las discusiones eran constantes y tantos fueron los enfrentamientos entre Benito y su padre que un día, contra la voluntad de Justina, que apoyaba al joven en todos su proyectos, el joven pintor empacó sus bártulos y abandonó el hogar paterno. No fue Justina la única en lamentar ese alejamiento. El estómago de Benito también lo sufrió bastante. Aunque siguió trabajando en el puerto para ganarse el sustento, ya libre de la tiranía paterna dedicaba muchas más horas a la pintura que al carbón, y vivía de mate cocido y galletas marineras.

Tiempos vagabundos
La vida de Benito se convirtió casi en un vagabundeo. Vivió un tiempo en la Isla Maciel; allí frecuentó ladrones y malandras, entre los cuales se sentía perfectamente cómodo, según contaría años después.

En sus memorias dice que llegó a conocer una “academia del punguismo” con base en esa isla y que le ofrecieron formar parte de ella, pero no le interesó. En cambio, llenó varias telas con imágenes de la Isla Maciel y aprendió mucho de los punguistas; porque, además del arte del robo disimulado, cultivaban una serie de códigos de honor y hermandad que despertaron mucha admiración en el joven artista. Todas estas experiencias abrieron su mente y enriquecieron su pintura. Pasaron meses de errancia en los que Benito montó su taller en los lugares menos pensados, desde altillos hasta barcos (tuvo un estudio de pintura a bordo del “Hércules”, un navío anclado que descansaba en el cementerio de embarcaciones de la Vuelta de Rocha). Sin embargo, este peregrinaje no duró mucho.

Podría decirse que la ley familiar fue más fuerte que la ley de la calle; pero, en realidad, no fue el respeto al padre lo que indujo a Benito a retornar al hogar, sino la nostalgia de la caricia materna y los ruegos de Justina que no vivía en paz sin él. Fue ella quien le dio un sabio consejo: “Si no te gusta el carbón, búscate un empleo del gobierno”.

Siguiendo la recomendación materna, Benito consiguió un trabajo como ordenanza en la Oficina de Muestras y Encomiendas de la Aduana, en la Dársena Sur, no tan lejos de su querido puerto. Allí desarrollaba funciones “fundamentales” para el buen desempeño de cualquier oficina, como limpiar las ventanas y cebar mate; pero lo importante era que le quedaba tiempo para pintar a gusto.

De todos modos no duró mucho como empleado estatal. Comenzaron a pedirle labores de mensajero, y debía andar de aquí para allá transportando caudales. Un día pensó lo que podría pasar si le robaban una encomienda —había aprendido bastante de punguismo— y presentó su renuncia indeclinable. Pero ese tiempo de poco trabajo y mucha pintura dio sus frutos. A los pocos meses el pintor del puerto participó por primera vez de una exposición. Se trató de una muestra colectiva de todos los alumnos del taller de Alfredo Lazzari, y tuvo lugar en la Sociedad Ligur de Socorro Mutuo de La Boca. Esta sociedad celebraba su aniversario número veinticinco, y qué mejor forma de conmemorar el nacimiento de una mutual boquense que con la exhibición de las creaciones de sus hijos, los artistas de La Boca.

Participaron Santiago Stagnaro, Arturo Maresca, Vicente Vento y Leónidas Magnolo, todos principiantes y aficionados. Para cada uno de ellos fue un evento bello y memorable, pero para Chinchella fue especial: se trataba de su debut. Expuso cinco obras: un óleo titulado Vista de Venecia, dos dibujos a pluma que formaban parte de su Estudio de cabezas y dos coloridos paisajes pintados con tempera. Las obras oran algo torpes, las manos del artista no habían adquierido ido aún la maestría que las caracterizaría mas adelante. Lamentablemente las mayor parte de estas primeras obras ed Quinquella se han perdido y es imposible recuperarlas.

padres de quinquella

UN TESTIMONIO DE LA ÉPOCA:
Un pintor en la lluvia

Una mañana opaca en que la lluvia estaba al caer, peregrinando por La Boca nos detuvimos a contemplar a un pintor que, sentado en la proa de un velero, indiferente al mercante ir y venir de un barco en descarga, pintaba. Es decir, aquello no era pintar, era un afiebrado arrojar colores y más colores sobre el cartón. En manos de nuestro hombre el pincel iba, venía, describía giros, volvía y revolvía con amplitud majestuosa y segura; a su paso, dejaba gruesas huellas que parecían desordenadas e incongruentes en un principio, pero que bien pronto adquirían forma y cierta concordancia inarmónica, grotesca casi, para formar enseguida un cuadro de una belleza sorprendente; insospechable en un rincón gris y sucio del Riachuelo.

Cuando hubo terminado su tarea, abordamos al raro pintor y fácilmente entablamos charla. Se trataba de un buen muchacho, dulce y humilde, que pinta de pura afición, como siente la pintura, instintivamente. Avanzando en nuestra conversación, no nos costó obtener que nos invitara a ir hasta su casa, una de esas modestas casas típicas de La Boca.

Allí nos contó su historia, triste como pocas. Quinquela Martín es huérfano, pero aun es inclusero: hijo del amor, como él mismo se llama. Adoptado a los cinco años por sus actuales padres, un matrimonio de sencillos hijos de Italia, su infancia fue dura. Hasta los veinte años fue descargador y repartidor de carbón. Aún recuerda riendo sus primeros pujos en el diseño, carbón en mano, y haciendo víctima de sus inclinaciones a cuanta pared halló a su paso. A los veintiún años sintió la necesidad de instruirse sólo, sin ayudas externas, empezó febrilmente a aprender, comenzando casi por las primeras letras. Con tanto ardor se inició en esa nueva fase de su vida, que su físico, hecho a las rudas tareas materiales, fue incapaz de resistir, y el bravo muchacho se enfermó. Pasó una temporada en Córdoba y San Luis y de regreso adoptó la resolución definitiva que habría de cambiar fundamentalmente su vida.

Atacó la pintura abandonándolo todo. Solo, sin apoyo moral ninguno; sin un maestro que guiara sus primeros pasos, se dedicó por entero a la pintura. Cruenta fue la lucha que sostuvo. […] Desde su iniciación, supo comprender que lo que convenía a su modo de ver la pintura era hacerse solo, sin aceptar las restricciones y las pautas que para los temperamentos fuertes significan las academias, los procedimientos de “receta” y las normas inmutables. Libre como el potro, que si nunca saboreó los sibaritismos del box mullido, jamás conoció la esclavitud del freno que al guiar anula e inferioriza; así se hizo este pintor, íntegro, sincero y fuerte.

J. Márchese ( Fray Mocho, 1918)

Fuente Consultada: Benito Quinquela El Maestro del Color Protagonistas de la Cultura Argentina – La Nación –

Conocer el Estilo de sus obras:

Libro Online Sobre Quinquela: Paradojas del Sur

Biografia de Anibal Troilo Pichuco Vida del Musico Bandoneon Tango

Aníbal Troilo: Un fueye nocturno que aún suena a lo lejos  Lo llamaron el “Bandoneón Mayor de Buenos Aires”, aunque seguramente hubiera sido más acertado bautizarlo como el “Bandoneón Mayor del Universo”, ya que su estilo único e irrepetible, las cualidades de su técnica interpretativa, y su estética compositiva dieron un vuelco al Tango que aún hoy continúa abriendo nuevos caminos innovadores, y por supuesto cosechando seguidores.

Troilo tenía esa magia especial de artista porteño, mezcla de noche, tristeza y zaguán, lo que hizo posible que en cada una de sus composiciones e interpretaciones se transmitieran las sensaciones vividas en el patio del conventillo bajo la suave luz de la luna y el aroma irresistible de los malvones.

Todo eso tienen las composiciones de Troilo, y en definitiva todo eso es Tango. Según las palabras de Horacio Ferrer, gran conocedor de la historia del Tango: “Troilo fue el que cambió el tango.

El tango moderno lo inventó él con sus pocos conocimientos musicales pero con su condición de gran músico. Tenía la sensibilidad y la capacidad de ser un director con todas las de la ley. Nació para eso”. Y es tan cierto que Troilo había nacido para eso, que cuando se sentaba a tocar el bandoneón se producía una comunión absoluta entre el ejecutor y el instrumento, mimetizándose ambos en una unidad creadora.

Así, podíamos disfrutar de una melodía única, mientras contemplábamos la típica imagen de Troilo con los ojos cerrados, la cabeza inclinada hacia un costado, y una expresión en su rostro que nos revelaba que el músico experimentaba un verdadero transe, un viaje por el interior de su alma. Había nacido el 11 de julio de 1914 en la ciudad de Buenos Aires, y poco después de llegar a este mundo fue bautizado por su padre con el alias de Pichuco, a lo que siempre Troilo recordaba: “Parece que mi padre tenía un amigo a quien llamaban Pichuco.

Sobre mis primeras lágrimas de niño, con su dulzura de hombre, acaso feliz, mi padre trató de calmarme: ‘Bueno, Pichuco, bueno’. Dijo Pichuco y me quedó para siempre”. En su barrio, como en cada rincón de la ciudad a orillas del Rio de la Plata, sonaba el ritmo nervioso y cadencioso del tango, y Pichuco creció escuchando aquel compás que lo enamoró para siempre, mientras permanecía sentado en los umbrales de los bares donde sólo se respiraba el aroma de esa sensiblera música ciudadana.

A los 10 años, y después de varios intentos fallidos, finalmente logró que su madre le comprara su primer bandoneón usado en una casa de empeño, y tan sólo tres años después Pichuco comenzaba su carrera, de lo cual recordaría tiempo después: Mi debut ocurrió en el Café Ferrraro, en Pueyrredón y Córdoba, yo tenía trece años y los bolsillos llenos de miedo”. Luego de aquella primera presentación, Aníbal Troilo se incorporó como bandoneonista estable de una orquesta de señoritas, y al cumplir 14 años, convencido de que la música era la misión de su vida, conformó su primer quinteto.

Poco tiempo debió pasar para que el talento de este joven bandoneonista de tango comenzara a generar repercusiones en el ambiente, por lo que en 1930 fue contratado para formar parte de una afamado sexteto compuesto por músicos de la talla de los violinistas Elvino Vardaro y Alfredo Gobbi, el pianista Osvaldo Pugliese, y el bandoneonista Ciriaco Ortiz.

Fue precisamente su paso por dicho sexteto, que dio origen a una gran amistad entre Troilo y Ciriaco, de quien Pichuco aprendió la mayoría de los aspectos técnicos de la interpretación del instrumento, que le permitiría alcanzar el virtuosismo que lo convertiría en el Bandoneón Mayor. A partir de aquel momento, y gracias a su capacidad interpretativa, Troilo comenzó a ser requerido y contratado por diversas orquestas ya consagradas, como fue el caso de Julio de Caro, Juan Carlos Cobián, Juan Pacho Maglio, Juan D´Arienzo y Ángel D´Agostino.

No obstante, el punto máximo de su éxito y fama llegarían con la conformación de su propia orquesta típica, la cual nació en el año 1937, estando en aquel momento conformada por Enrique Díaz, Orlando Goñi, Juan Miguel Rodríguez, Roberto Gianitelli y el cantor Francisco Fiorentino.

Dos años después se sumaría el gran Astor Piazzolla, el Gato como lo llamaba Pichuco, quien con su impecable estilística, tanto como bandoneonista y como arreglador, aportaría a la orquesta de Troilo un caudal interpretativo único. A lo largo de los años en que duró su orquesta, la cual se convirtió en una de las más requeridas para los bailes en los clubes más importantes de Buenos Aires, por sus filas transitaron algunas de las más destacadas figuras del tango, entre los que se inscribieron pianistas como José Basso, Orlando Goñi, Carlos Figari, Osvaldo Manzi, José Colángelo y Osvaldo Berlingheri.

Otro tanto ocurrió con los cantores, iniciándose con el Tano Fiorentino y continuando con voces como las de Raúl Berón, Aldo Calderón, Jorge Casal, Floreal Ruiz, Roberto Goyeneche, Alberto Marino, Tito Reyes y Edmundo Rivero, entre muchos otros.

Después de una intensa vida, en la que por supuesto no faltó el amor incondicional de su esposa Zita y de sus miles de amigos, Troilo abandonó la vida terrenal un 18 de mayo de 1975, dejando un legado invaluable, sobre todo capturado en sus grandes composiciones, como es el caso de tangos como “Toda mi vida”, “Pa’ que bailen los muchachos”, “Responso”, “Barrio de tango”, “Sur”, y una innumerable lista que con sus melodías nos retrotraen al barrio y al aroma de glicinas y malvones. Tiempo antes de morir, Troilo dijo: “Uno no se muere de golpe, se va muriendo de a poco, con cada amigo que desaparece y así llega un momento en que de Pichuco no queda nada”, como una forma de despedida a la vida, que tanto le costó pero que valió la pena.

Fuente Consultada: Graciela Marker Para Planeta Sedna

Biografia de Guillermo Vilas Mejor Tenista Argentino Torneos Ganados

Guillermo Vilas: talentoso, sacrificado y fervoroso en el esfuerzo, Vilas disfrutó cada uno de los 62 torneos que lo vieron triunfador, es el séptimo tenista del mundo con mayor número de victorias. Pero su máxima alegría (que contagió a todo un país) la vivió el domingo 11 de septiembre de 1977. Ese día venció a Jimmy Connors en la final del Abierto de EE.UU., y se ubicó en la cima del mundo.

Biografia de Guillermo Vilas Mejor Tenista Argentino Torneos GanadosConsiderado con toda justicia el mejor tenista argentino de todos los tiempos, Guillermo “Willy” Vilas nació en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires el 17 de agosto de 1952, consagrado Ciudadano Ilustre de la ciudad capital en 2006.

Willy fue número 2 del mundo en el ránking Grand Prix de 1974, 1975 y 1977, año este en que construyó su mejor temporada tras ganar 16 torneos sobre 33 disputados. Entre ellos, Roland Garros y Forest Hills.

Fue indiscutiblemente el mejor del mundo ese año (1977), aunque quedó para el anecdotario que el sistema de puntuación que se inauguraba mostró su vulnerabilidad y lo registró en el segundo puesto del ránkingATP.

Durante ese 1977 cosechó 128 victorias y apenas 14 derrotas. Estableció el récord de 50 victorias consecutivas. Llegó al 90,1% de efectividad. Además, sobre polvo de ladrillo acumulé 53 partidos invicto, marca que recién alcanzó el español Rafael Nadal 29 años después.

Nadie como él rompió el molde de una frase hecha. Nadie como él produjo una revolución tan profunda y sin retorno en la vida de un deporte nacional. Ese deporte blanco y minoritario que, desde su brazo izquierdo talentoso y potente, saltó a la consideración mundial y reprodujo su imagen ganadora en miles y miles de jóvenes varones y mujeres, que descubrieron el tenis gracias a la magia, y sobre todo a la tenacidad de Guillermo Vilas, marplatense por sentimiento, ciudadano del mundo, a caballo de su inacabable colección de éxitos.

Guillermo logró su primer torneo profesional en noviembre de 1973 y el último, en julio de 1983. En 1973 ganó su primer torneo de Grand Prix en el Abierto de la República Argentina y un año más tarde logró quedarse con el Masters de Australia.

Felipe Loccicero fue el primer maestro. “Que hacen los campeones?”, le preguntó Guillermo.
“Entrenan 4 horas diarias”, fue la respuesta, “Yo entrenaré seis por día”, respondió Vilas

Una década de imparable ascenso, jalonada por sus consagraciones en Australia (dos veces), y las ediciones de Roland Garros y el Abierto de los Estados Unidos, en 1977, hitos del Grand Siam que no minimizaron otros galardones como, por ejemplo, sus tres liderazgos del Grand Prix, sus 61 torneos, su medio centenar de partidos ganados en forma consecutiva, a lo largo y ancho del planeta, sin dejar de lado su inapreciable colaboración para el impensado crecimiento argentino en la Copa Davis, incluido un inolvidable triunfo sobre los Estados Unidos en el court del Buenos Aires Lawn Tennis Club.

Más allá de medallas y fortuna, Vilas es ya una marca registrada, como su Gran Willie, esa maniobra de malabarismo tenístico, propia de los elegidos. Su deporte y él mismo son casi la misma cosa, son sinónimos. A tanto ha llegado su influencia.
Vilas dejó un legado: todo es posible con trabajo y dedicación. Lo sabe quien lo vio jugar. Pero sobre todo quien presenció sus extenuantes entrenamientos.

Reconocido entre los mejores 24 jugadores de la historia de este deporte, entre hombres y mujeres; se destacé por su perseverancia y su adaptación a jugar sobre todas las superficies, además de contar con un físico privilegiado y un gran talento.

Vilas en toda su carrera ganó sesenta y dos títulos en singles, entre ellos cuatro de Grand Slam, Roland Garros, US Open, y dos veces Australia, y quince en dobles, hecho que lo ubica 7° a nivel mundial e histórico, detrás deJimmy Connors, Ivan Lendl, John McEnroe, Roger Federer, Pete Sampras y Björn Borg.

En 1991 ingresó junto a Ashley Cooper e Ilie Năstase en el Salón Internacional de la Fama del tenis. Su nombre es, junto a Maradona, el más representativo del deporte argentino. Por muchos años decir en Europa: I ´m argentine, la respuesta era: ¡Oh!, yes, Vilas, Maradona.

En el 2005 recibió la Mención de Honor “Senador Domingo Faustino Sarmiento” en el Senado de la Nación otorgada por el vicepresidente de la Nación, Daniel Scioli.

Biografía de Tato Bores Humorista Político Argentino Tato Bores

Tato Bores: “30 años metiendo libreto debajo de esta peluca”

Con un impecable gusto por el buen humor afilado y crítico de una realidad argentina transcurrida en varias décadas, un hombre que supo ser al mismo tiempo capocómico e historiador. Es que al volver a ver los monólogos de Tato Bores no quedan dudas de que gran parte de la historia política de la Argentina ha sido narrada de una manera admirable por este mito de la pantalla chica nacional. Mediante un libreto que reunió características de comicidad, crítica a la sociedad, y realidades innegables, aquel hombre ataviado con un frac, una peluca, un par de anteojos de marco grueso y un habano, supo conquistar el corazón de los argentinos, quienes se volvieron seguidores incondicionales de sus shows televisivos, donde los monólogos sabían encontrar la risa de los televidentes. En realidad no fue un cómico más; Tato era único.

Nació el 27 de abril de 1927 en Buenos Aires, bajo el nombre de Mauricio Rajmín Borensztein, en el seno de una familia judía de clase media, que por aquella época no sólo se debía enfrentar a la crisis económica mundial, sino también a la discriminación que constantemente los golpeaba en el corazón. En este contexto creció el pequeño Mauricio, que a pesar de la disciplina que le imponían sus padres siempre demostró un escaso interés por los estudios, lo que lo llevó durante la primaria a ser expulsado de la Escuela Julio A. Roca. Es que su verdadera vocación había comenzado a rondar en su mente, y sabía que lo suyo era el arte.

Por eso con sólo 15 años decidió abandonar para siempre los estudios y dedicarse al trabajo, iniciándose como asistente de la orquesta de Luis Rolero y René Cóspito, lo que lo llevó a aprender música, tomando clases de clarinete. Pero la música no era realmente lo que le importaba. Él sabía que había nacido para otra cosa y, no dudó en perseguir su sueño. Casualmente, su debut como cómico estuvo lejos de lo que sería Tato Bores en el futuro, pero en realidad fue el puntapié inicial para decidir su camino en la vida.

Todo ocurrió durante la despedida de soltero del músico Santos Lipesker, durante la cual Mauricio se paró frente al público y ofició de cómico, haciendo reír a los presentes con sus ocurrentes chistes. En la fiesta estaban presentes el guionista Julio Porter y el cómico Pepe Iglesias “El Zorro”, quienes al observar el excelente desenvolvimiento del joven decidieron convocarlo para trabajar en Radio Splendid. A partir de aquel momento nació Tato Bores, con el seudónimo creado por Julio Porter, que lo convertiría en uno de los grandes cómicos de la Argentina. Varias fueron las oportunidades que siguieron al debut, las cuales lentamente permitieron generar un interés cada vez mayor del público hacia el querido Tato.

No obstante, su máxima consagración llegó de la mano de la televisión, comenzando en el año 1957 con su participación en el ciclo “La familia GESA se divierte”, y posteriormente convirtiéndose en uno de los artistas más requeridos por los empresarios nacionales. Llegarían así sus propios ciclos televisivos, tales como “Tato, siempre en domingo” por canal 9, “Por siempre Tato” en Canal 11, “Dígale sí a Tato” y “Déle crédito a Tato” por Canal 13, “Tato para todos”, “Tato Diet”, “Tato de América” y, por supuesto su inolvidable “Good Show”.

Cada uno de los ciclos televisivos encabezados por este mito de la comicidad argentina, inmediatamente se consagraba en éxito absoluto, demostrando el interés del público en el mensaje que expresaba Tato Bores, que a la vez hacía poner incómodos a los políticos de turno. Fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y, pocos años después, la muerte llegó implacable el 11 de enero de 1996.

Aún pasados los años de su desaparición física, la sagacidad de sus comentarios continúan siendo su mayor virtud, el hecho por el cual conquistó los corazones de los televidentes, quienes ante una reposición televisiva de sus ciclos no pueden evitar sentir nostalgia ante las frases más famosas del cómico, como aquella que decía: “Así que mis queridos chichipíos, la neurona atenta, vermouth con papas fritas y, ¡Good Show!”.

Biografia de Raúl Soldi Artista Plásrico Argentino Vida y Obras

Inició sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes, y en el año 1921 viaja a Europa. Estuvo en Alemania hasta 1923 en que se traslada a Italia, ingresando en la Real Academia de Brera (Milán) donde permaneció hasta el año 1932. En Italia se relaciona con un grupo de artistas de vanguardia. En 1933 regresa a la Argentina y es becado por la Comisión Nacional de Cultura y recorre Estados Unidos, trabaja como escenógrafo en Hollywood. Desde 1930 presenta obras en el Salón Nacional de Cultura, y en diversos Salones provinciales, en la Exposición Internacional de París (1937), en Nueva York (1941-1943) y a partir de 1934 comienzan sus muestras individuales.

Los temas que trató son variados, paisajes, retratos, temas relativos al teatro y al circo, naturalezas muertas. En el año 1953 pinta los famosos frescos de Ia Iglesia de Santa Ana de Glew. En 1966 realizó la decoración de la Cúpula del Teatro Colón de Buenos Aires, cuya técnica es la tela pintada al óleo y luego adherida al muro.

Sus obras figuran en muchos museos entre ellos, el de Arte Moderno de Nueva York y los de Florencia y Milán. Fue uno de los artistas argentinos que donó gran parte de su obra, que sería muy extenso detallar. 1947, Obtiene el Primer Premio en el Salón Nacional. 1948, Primer Premio de Ia Bienal de San Pablo. 1951, Premio Palanza otorgado por La Academia Nacional de Bellas Artes, de la que fue miembro. 1960, Mención de Honor en la II Bienal de México. Ilustró también libros de poesía. En 1968 viaja a Israel, pinta en la Basílica de Ia Anunciación en Nazaret, un mural inspirado en el milagro de In Virgen de Luján. El Museo del Vaticano en Roma incorpora en 1987 una obra suya titulada “La Virgen y el Niño” con esta última suman dos los cuadros que posee La Santa Sede, la anterior se titula “Santa Ana y La Virgen Niña” A partir de este último año hasta la fecha de su fallecimiento, realizó varias exposiciones, la más destacada en el Museo Arte Decorativo.

La Galería de Arte Moderno de Milán incorpora a su colección un autorretrato. Ademas de su talento, el destino le había reservado otros privilegios, haber conocido en vida La fama y La gloria y participar en 1993, un año antes de su fallecimiento, de una mega exposición que mostró en el Salón Nacional de Exposiciones “Palais de Glace” La maravilla de su obra, convocando a millares de visitantes que disfrutaron incansablemente el refinado e incomparable espectáculo de su obra. Quizás nada más Justo, que también él pudiera llevar en su retina, semejante acontecimiento.

Raúl Soldi Obras 1905 Nace el 27 de Marzo en Buenos Aires. 1923 Viaja a Alemania e Italia. 1924 Vuelve a Italia y comienza estudios en la Academia de Brera, Milán. 1932 Regresa a la Argentina. 1933 Primera exposición individual. Premio al conjunto en el Salón de Acuarelistas. 1934 Trabaja como escenógrafo cinematográfico. 1935 Primer Premio en el Salón de Acuarelistas. 1937 Interviene en la Exposición Internacional de París. 1939 Exposición en San Francisco y en la Internacional de Nueva York. 1940 Participa en la Exposición Latinoamericana del River Side Museum de Nueva York. 1942 Beca de perfeccionamiento en escenografía cinematográfica. Exposición de dibujos y témperas en Nueva York. 1948 Primer Premio en el Salón Nacional. 1951 Premio “Augusto Palanza” otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, de la cual es miembro. 1953 Empieza la decoración de la capilla de Santa Ana de Glew y de la Galería Santa Fe. 1958 Exposición retrospectiva con 110 obras en Witcomb. Premio en la Bienal de San Pablo, Brasil. 1960 Invitado de honor en la Segunda Bienal de México. 1966 Inauguración de la cúpula del Teatro Colón. 1968 Frescos para una capilla de la Basílica de la Anunciación en Nazaret. Expósición retrospectiva en Art Gallery International, Buenos Aires. 1979 Se crea la Fundación Santa Ana de Glew, centro cultural y retrospectiva permanente. SOLDI, RAUL

Una de sus obras para mostrar el estilo de las mismas

Esponsales de María y José

Biografia de Sandro Roberto Sanchez El Gitano Elvis Argentino

Sandro: El Elvis argentino: Un caluroso 4 de enero de 2010 una terrible noticia invadía los hogares de la Argentina a través de los medios de comunicación del país, los cuales se hicieron eco de la tragedia y anunciaban: “A los 64 años ha muerto Sandro, el Gitano”.

Pocas horas pasaron para que la muerte de Roberto Sánchez concitara la atención de todos los medios de comunicación, incluso trascendiendo las fronteras del Plata, ya que su figura dentro del mundo de la música había logrado derribar los límites de su país natal.

Durante la despedida final, sus “nenas”, como solía llamar a sus fanáticas el ídolo, se mostraron ante las cámaras de televisión en medio de un luto incontenible que despertó el llanto incluso de aquellos ciudadanos que jamás cultivaron la música de Sandro.

Es que este hombre, de fuerte figura masculina, cabello oscuro y profundos ojos, ya había dejado de ser un simple músico, para convertirse en un verdadero icono que representaba la idiosincrasia del argentino.

Para despedirlo, sus fanáticas decidieron emprender un último homenaje, el cual consistió en la creación de una página web titulada “Tu bombacha para Sandro”, en la que participaban todas las seguidoras del cantante, enviando fotografías de su ropa íntima favorita para obsequiarle al ídolo.

http://www.tubombachaparasandro.com/

Hoy, la mencionada web se mantiene un tanto inactiva, pero demuestra la pasión incontenible que ha despertado Sandro en la mujeres durante décadas, y más allá de las diferencias de generaciones incluso, porque lo más curioso de todo es que el Gitano había logrado acaparar la atención de féminas contemporáneas a su edad, como así también de las hijas y las nietas de aquellas.

Por ello es que muchos consideran que el fanatismo por Sandro se convirtió en una especie de herencia entre las mujeres, que al igual que un objeto preciado de la familia, se traspasaba generación tras generación.

Roberto Sánchez había nacido un 19 de agosto de 1945 en el nosocomio público Maternidad Sardá, emplazado en el barrio porteño de Parque Patricios, fruto del matrimonio compuesto por Vicente Sánchez e Irma Nydia Ocampo.

Se cuenta que cuando el pequeño nació, sus padres intentaron anotarlo legalmente con el nombre de Sandro, pero para aquella época las normas que regían al Registro Civil de las Personas no permitían ese tipo de nombres, por lo que eligieron bautizarlo como Roberto.

De todas formas, con los años y durante su incipiente carrera en la música, el joven haría honor no sólo a la elección del nombre de pila que habían soñado sus padres con utilizar, sino también a las raíces húngaras de su abuelo, de apellido Popadópulos, motivo por el cual se lo apodo el Gitano.

Sandro vivió una infancia feliz, rodeado de todo el afecto de la familia, ya que era hijo único y por ello tanto los padres como los abuelos intentaban darle al pequeño todo lo que necesitaba. Durante su infancia y adolescencia residió en el barrio Valentín Alsina, de Lanús, en el Gran Buenos Aires.

Tal era su amor por la zona que una vez convertido en músico destacado, y habiendo ganado millones con sus discos y actuaciones, decidió adquirir una mansión ubicada dentro del área residencial de Banfield, en la que vivió hasta sus últimos momentos.

Algunos vecinos del lugar aún recuerdan cuando el joven Sandro, que recién comenzaba en la música se paseaba con su flamante Torino, luciendo una brillantes botas y una capa, vestimenta que contrastaba por completo con las entonces polvorientas calles de Valentín Alsina.

De pequeño, realizó sus estudios primarios en la Escuela Nº 3 República de Brasil, y ese fue precisamente el lugar donde nacería su verdadera vocación, gracias al apoyo que desde siempre encontró en su maestra de música, que siempre incluía en los actos del colegio la imitación que Roberto solía hacer de su gran ídolo: Elvis Presley.

No en vano, con los años Sandro fue considerado el Elvis Presley argentino, ya que en realidad ha sido uno de los pioneros del rock en español.

Durante su adolescencia, el joven Roberto realizó diversos trabajos para ayudar a la economía familiar, y mientras, dedicaba sus momentos libres a cultivarse en el terreno de la música. Para esta época Sandro ya tenía una meta: convertirse en un ídolo popular.

En una oportunidad, el músico mencionaba la importancia vital que tuvo el rock en su vida, y al respecto aseguraba: “Yo me nutrí con el rock. Gracias al rock dejé las calles, las navajas y las cadenas, y agarré una guitarra. Dejé la campera de cuero y las pandillas. El rock me salvó. Me salvó de que fuera quizás un delincuente”.

La primera incursión destacada y profesional de Roberto Sánchez tuvo lugar a principios de la década del sesenta, cuando junto a Héctor Centurión, Enrique Irigoytía, Armando Cacho Quiroga y Juan José Sandri, fundó la banda llamada “Sandro y Los de Fuego”, una de las agrupaciones pioneras del rock argentino.

El éxito de la banda, sobre todo por el talento y el carisma de Sandro, logró que la agrupación captara la atención del público, por lo que comenzaron a ser invitados en diversos programas televisivos de gran éxito en esa época, como fue el caso de los ciclos “Aquí la Juventud” y “Sábados Circulares de Pipo Mancera”.

Sin embrago, el comportamiento desenfadado y el modo de moverse con gran connotación sexual que caracterizaban las actuaciones de Sandro, le costó a la banda que fueran excluidos de la pantalla chica, ante las fuertes críticas originadas en el sector de los fundamentalistas católicos.

Cuando a finales de la década del 60 el joven Roberto Sánchez decidió comenzar su carrera solista, jamás imaginó que se transformaría en una de las figuras más importantes del ambiente artístico, no sólo de Argentina, sino también de toda América.

Su talento y originalidad fueron los promotores del origen de una nueva corriente, por lo que es considerado un pionero de la balada romántica latinoamericana, ya que Sandro logró llevar adelante una empresa que parecía imposible, incluyendo en las canciones románticas y los boleros, los ritmos, el baile y las temáticas propias del rock and roll.

Durante el último adiós al Gitano, en aquella calurosa mañana del 5 de enero de 2010, más de 30.000 personas se acercaron en largas filas al Salón de los Pasos Perdidos, en el Congreso de la Nación Argentina, para despedir para siempre a uno de los más grandes artistas que sin dudas ha tenido nuestro país.

Para ser una de las nenas (mote que le puso Sandro a sus seguidoras más fieles) no hay requisito de edad: abuelas, hijas y nietas comparten la devoción por Roberto Sánchez. Lo que si es inevitable es cumplir con ciertos pilares de la cultura del fanatismo: hay que estar dispuesta a hacer guardia en su cumpleaños pese a las bajas temperaturas que el mes de agosto se reserva generalmente, para participar de la legendaria Batalla del 19: hay que retener un arsenal de datos y anécdotas en la memoria; y, sobre todo, hay que saber mantener viva la llama de la histeria en los recitales, alarido y llanto a flor de piel y aprender a manejar el arte del lanzamiento de bombacha (hay que al escenario), deporte nacional de la sandromanía. Las nenas tiene páginas de Internet y hasta un programa de radio enteramente dedicado al Gitano. Si la fanática no tuvo nunca la posibilidad de conocer en persona al cantante puede pedirle a su marido, eternamente rezagado al segundo lugar, que le contrate para su cumpleaños a un reconocido doble de Sandro, veterano. y devoto imitador, que le cantará una especie de serenata consuelo.

Fuente Consultada: Graciela Marker

Ver: Grandes Bandas de Rock en Argentina

Biografia de Gabriela Sabatini Tenista Argentina Figura del Tenis

Biografía de Gabriela Sabatini:
La pasión del tenis

tenista argentina

Su talento quedó totalmente demostrado desde el primer momento en que piso la cancha de polvo de ladrillos. Aquella pequeña niña delgada y de cabellos oscuros sorprendió gratamente a sus entrenadores, y poco después debutó en el circuito del tenis internacional, con tan sólo 15 años de edad.

Su estilo único, su método, su disciplina hicieron que la raqueta se convirtiera en una extensión de su brazo derecho, y con el correr de los años se transformara en un orgullo para el deporte argentino, siendo una de las representantes más destacadas a nivel mundial.

La historia de Gabriela Sabatini se inició el 16 de mayo de 1970, cuando llegó a este mundo luego de que su madre diera a luz en el Hospital Italiano de Buenos Aires. Con su familia, que la apoyo constantemente para alcanzar su máximo sueño, vivió toda su infancia en el barrio porteño de Villa Devoto.

Tenía tan sólo seis años de edad cuando le pidió a sus padres que le compraran su primera raqueta, y poco después comenzó a practicar un deporte que para ella fue su vocación, improvisando partidos de tenis en el frontón del Club Atlético River Plate.

En realidad, fue su hermano Osvaldo el que la instó a practicar tenis, ya que desde hacía unos meses él había comenzado a disfrutar de este deporte en River, bajo las directivas del profesor Daniel Fidalgo.

Poco después de que Gabriela comenzara a tomar clases, su entrenador vislumbró el talento innato que poseía la niña, por lo que no dudo en invitarla a ser parte de la escuelita de tenis del club. Los años pasaban y mientras Gabriela continuaba sus estudios, la pasión por el tenis crecía en su interior de manera avasallante.

Al cumplir los 12 años participó de uno de los primeros grandes torneos de su vida, precisamente el llamado Mundialito Infantil, que tuvo lugar en Caracas. Allí, la pequeña Sabatini demostró su capacidad, logrando quedarse con el primer lugar de la competencia, y ratificando una vez más el talento que ya había exhibido durante su participación en certámenes infantiles metropolitanos y nacionales.

Dos años más tarde, Gabriela logró consagrarse como Campeona Mundial Juvenil en singles y dobles, cuando participó y ganó el Roland Garros de Francia y otros cinco torneos internacionales de menor importancia. Allí, la joven Sabatini hizo su debut triunfal dentro del ámbito profesional del tenis, además de convertirse en la semifinalista más joven de la historia de Roland Garros.

No obstante, fue recién al año siguiente, precisamente en octubre de 1985, cuando Sabatini se adjudicó su primer triunfo total a nivel profesional, con su participación en el Abierto de Japón.

Fue para el año 1988 que se comenzaron a suceder los más importantes triunfos de la carrera de la tenista a nivel internacional, y al mismo tiempo logró alcanzar la medalla de plata en los Juegos Olímpicos de Seúl. Por otra parte, durante esos años comenzó a tomar cada vez mayor preponderancia los partidos disputados por Sabatini frente a una de sus máximas rivales: Steffi Graf. Aquello dio lugar al fanatismo, colocando la pasión del público en favor de alguna de las dos competidoras.

Es que para la década del noventa, que recién comenzaba, las máximas representantes del tenis a nivel mundial eran sin lugar a dudas Gabriela Sabatini y Steffi Graf, quienes también en alguna oportunidad participaron en torneos dobles como pareja.

Por otra parte, de acuerdo a la opinión de la mayoría de los avezados en el tema, a partir de la década del noventa comienza uno de los mejores períodos de la carrera de Sabatini, algo que muchos aseguran está ligado al entrenador brasileño Carlos Kirmair, quien se encargó de preparar a la tenista a partir de 1990.

A partir de aquel momento, una nueva competidora había comenzado a opacar a la figura de Gabriela Sabatini. Se trataba de la imbatible Mónica Seles, quien a pesar de su gran performance fue derrotada por la tenista argentina en el año 1992, durante la final del Abierto de Italia.

Sin embrago, a pesar de los logros conseguidos hasta el momento, y luego de aquel gran triunfo frente a una de sus más importantes rivales, la carrera de Gabriela Sabatini ingresó en un declive paulatino y permanente. Fue el 20 de noviembre de 1994 que la tenista logró alcanzar su último título profesional, durante el Masters femenino disputado en el Madison Square Garden de Nueva York. Luego de aquello decidió retirarse del ámbito profesional.

Hoy, Gabriela Sabatini disfruta de las ganancias económicas que le han dejado sus triunfos, con una fortuna valuada en los 8.785.850 dólares, pero sobre todo del cariño de la gente, que a pesar de los años continúan recordando su grandeza como jugadora.

Biografia de Rodrigo Bueno Rey del cuarteto cordobes

Biografía de Rodrigo Bueno
Rey del Cuarteto Cordobés

Biografia de Rodrigo Bueno Rey del cuarteto cordobesRodrigo Bueno: El cuartetero cordobés que cautivó al mundo:

Ante el estupor de sus fanáticos, y posiblemente la conmoción de todo un país, en las primeras horas del 24 de junio del 2000 se anunciaba la muerte de Rodrigo Bueno, el cuartetero cordobés que había logrado conquistar a un público que incluso, trascendió las barreras de la bailanta.

Ese mismo día, paradójicamente los tangueros volvían nuevamente a conmemorar la desaparición física de otro argentino: Carlos Gardel. Pero no fue el tango lo que sonó en las radios y canales televisivos del país ese día, sino la voz alegre de Rodrigo al ritmo del cuarteto.

Rodrigo Alejandro Bueno tenía 27 años y había nacido el 24 de mayo de 1973, en la capital de la provincia de Córdoba. Hijo de Eduardo Alberto “Pichín” Bueno y Olga Beatriz Olave Bellido. De la mano de la Mona Jiménez, Rodrigo se subió por primera vez a un escenario, a los dos años, en un programa de televisión llamado Fiesta del cuarteto.

Un trágico accidente automovilístico ocurrido en la madrugada de ese 24 de junio en la Autopista Buenos Aires-La Plata ponía fin a la vida de este joven músico de 27 años, que había planeado convertirse en referente musical de la juventud, y que luego de perder la vida pasó a los anales de la historia como un mártir de la implacable industria de las bailantas, como un mito musical de su generación, y en algunos casos como un santo que propicia milagros para muchos de sus seguidores.

Rodrigo Alejandro Bueno, tal su nombre real, había llegado a este mundo el 24 de mayo de 1973 en Córdoba, y se crió en un ambiente musical, porque en su casa sólo se escuchaba cuarteto. Además recibían asiduamente la visita de la Mona Jiménez, ya que la madre de Rodrigo era una gran amiga del músico.

Este contexto fue el pretexto adecuado para que Rodrigo se sintiera atraído por la música desde muy pequeño, incluso mostraba tanto interés en ello, que al cumplir los dos años su tío, que era carpintero, le obsequió un micrófono de madera que hizo con sus propias manos. A partir de allí, el pequeño comenzó a jugar con ser cantante.

El accidente automovilístico le costó también la vida de Fernando Olmedo, hijo del popular cómico. Ambos volvían de City Bell en una camioneta Ford Explorer que volcó ante una mala maniobra en la autopista que une La Plata con Buenos Aires.

Por aquella época tuvo la oportunidad de sentir por primera vez la adrenalina que provoca estar sobre un escenario frente a cientos de personas, cuando en el programa televisivo “Fiesta del Cuarteto”, la Mona Jiménez lo invitó a estar con él en escena.

Debió pasar menos de una década para que llegara el debut, el cual concretó con el grupo Chévere, presentándose ante públicos que colmaban los locales bailables. Sólo tenía 11 años, pero ya todos querían escuchar cantar a Rodrigo.

Decidido por completo a dedicarse a la música, abandonó los estudios sin concluir la primaria ya que había sido contratado por la agrupación Manto Negro para ocupar el puesto de cantante. El paso por aquella banda le permitió cobrar su primer sueldo como profesional.

A los 17 años, y continuando con su actitud de artista precoz, se lanzó como solista y comenzó a componer sus propias canciones, lo que le permitió editar su primer disco en 1987, titulado “La foto de tu cuerpo”, el mismo nombre de la primera canción que compuso en su vida, hacía varios años atrás.

Desde Córdoba capital llegó a Buenos Aires para presentar su segundo trabajo discográfico, llamado “Aprendiendo a vivir”. Estaba comenzando una nueva década, y los gustos musicales de los jóvenes habían sufrido un vuelco que permitió la inserción de la música popular de las bailantas dentro de los boliches de mayor renombre.

De esta forma, Rodrigo, que era conocido como El Potro, logró imponerse como el máximo representante del cuarteto cordobés en Buenos Aires, o mejor dicho en todo el país, e incluso en naciones limítrofes. Su ascensión a la fama absoluta sólo le llevó unos pocos años, y cuando en 1995 lanzó su canción “Lo mejor del amor” se convirtió en uno de los músicos más exitosos de la Argentina.

“Fue lo mejor del amor lo que he vivido contigo…” se convirtió en una de las frases cantadas que se repetían en radio, televisión, boliches e incluso en las calles, entonadas por los jóvenes como un himno a los sentimientos más profundos de la vida.

En medio de tanto éxito, la tragedia golpeó a Rodrigo, cuando en una oportunidad antes de salir a escena vio morir a su padre. Aquello lo llevó a replantearse su futuro, e incluso pensó en dejar la música para siempre, pero él sabía que había nacido con una misión, por lo que continuó su carrera.

Poco antes de morir lanzó uno de los trabajos discográficos que lo consagrarían, “Rodrigo a 2000”, el disco más vendido del cantante, cuyas canciones como “Yerba Mala”, “Como le digo”, “Soy cordobés”, “Amor Clasificado”, “Que Ironía”, entre otras sonaron a lo largo y ancho de todo el país.

En 1996, con el sello discográfico Magenta, Rodrigo lanzó Lo mejor del amor. Por este trabajo recibió el premio ACE. Al año siguiente, Rodrigo tuvo un hijo con Patricia Pacheco. Meses más tarde, grabó el disco La leyenda continúa. Este trabajo se convirtió rápidamente en disco de oro. Su despegue definitivo fue con el trabajo Cuarteteando.

En aquella época, simultáneamente Rodrigo Bueno vivió uno de los mejores momentos de su carrera, cuando logró un récord en el mundo de la música, llegando a realizar 15 funciones en el Luna Park.

Su carisma, su espontaneidad, su faceta de músico divertido, alegre y que hacía lo que quería, sus constantes cambios, que podían observarse incluso en el color de su pelo, hicieron que Rodrigo se convirtiera en un verdadero ídolo popular, y un mito que trascendió la muerte.

La cultura popular tiene un extraño mecanismo por el cual ciertas figuras carismáticas pierden su carácter humano e individual para convertirse en seres de otra índole, objetos de una devoción casi religiosa. Antes de Rodrigo la música tropical tuvo a Gilda, que al igual que él, murió en un accidente automovilístico.

En el caso de Rodrigo el primer indicio de su canonización popular fue el santuario improvisado en el kilómetro 24 de la ruta Buenos Aires – La Plata. A 400 metros de donde la Ford Explorer roja se hizo trizas, los fanáticos del Potro se fueron acercando, primero para rendir culto a su ídolo y luego, cuando corrió la voz de ciertos actos milagrosos (El del póster do), a pedirle buena fortuna.

Según dicen, “San Rodrigo” da trabajo y reestablece la salud de sus fieles. El lugar se convirtió en un auténtico santuario. Más relacionado con el mundo terrenal es el homenaje que le hicieron los habitantes del asentamiento linderode Buenos Aires, que le pusieron Rodrigo Bueno a su barrio.

Ver También Otro Fenómeno: “Gilda”

Fuente: Graciela Marker Para Historia y Biografías

Vida y Obra de Rodin Auguste Escultor Biografia El Pensador obra icono

Vida y Obra de Rodin Auguste Escultor

Vida y Obra de Rodin Auguste Escultor BiografiaAuguste René Rodín, escultor francés nacido en París. (París, 12 de noviembre de 1840-Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista.

UN PASAJE DE SU VIDA: Bajo la mirada atenta y benévola del reverendo Eymard, superior del convento parisiense del Santo Sacramento, los novicios pasean por el claustro absortos en la meditación vespertina.

El padre superior observa especialmente a uno: se llama Augusto Rodin y es un joven de veintitrés años. Ha entrado en el monasterio hace ya unos meses, pero aún no parece haberse familiarizado con aquella vida de devoción y oraciones. Cumple con escrupulosa diligencia todos sus deberes, sí. pero le falta el fervor, la serenidad y la alegría necesarios para vivir en aquel lugar. En una palabra: le falta la vocación religiosa.

Tiene otra vocación, y ésta sí que es profunda. El padre Eymard se da cuenta de ello al entrar en el pequeño estudio de escultor que al novicio Rodin le permiten utilizar en sus horas libres. Ha aceptado posar para él, con el objeto de que esculpa un busto suyo. La mirada del joven novicio se fija penetrante en su rostro y estudia sus rasgos como si quisiera grabárselos en la mente antes de reproducirlos en la arcilla. El superior sonríe y mueve la cabeza; aquel joven no será jamás un buen monje. Es preciso decírselo. Aquella misma noche le dirige un largo y paternal discurso: “Deja el convento, Augusto. Esta no es tu vida. Puedes en cambio se un escultor, un gran escultor…”

¿ARTESANO O ARTISTA?
¡Qué minúscula y apretada pareció al ex novicio, habituado a los salones del convento, la casita de sus padres! Augusto nació, en 1840, en aquella casita de París, y allí pasó los felices años de la juventud. Los cuatro Rodin, el padre, la madre y los dos hijos, María y Augusto, estaban muy unidos. Los vecinos los veían el domingo, cuando regresaban juntos de misa, con su paquetito de dulces; el ambiente de aquella simpática familia era siempre alegre y festivo.

EL PENSADOR RODIN


A. Rodin: “El Pensador”, París, Museo Rodin – Esta magnífica estatua no nació con el título que hoy le damos. Simbolizaba la figura del poeta, y fue concebida para que dominara la puerta con las escenas del “Infierno”, de Dante, encargada a Rodin por el Museo de las Artes Decorativas, de París. La expresión absorta y concentrada del hombre se pone perfectamente de relieve por la actitud recogida de los miembros, como si la figura quisiera encerrarse más en sí misma.

En aquellos años, Rodin asistió a la escuela profesional de dibujo; el padre se había visto obligado a matricularlo en ella, puesto que el dibujo era lo único que interesaba a Augusto.

Terminados los estudios, las necesidades familiares lo forzaron a buscar un empleo; trabajó de decorador, de grabador, de ebanista. Pero, por la noche, terminado el trabajo, Augusto manipulaba yeso, arcilla y útiles para dedicarse a lo que verdaderamente le gustaba: la escultura. Por el momento se limitaba a trazar algún boceto, algunas obritas, pero Augusto no perdía la esperanza de llegar a ser algo más que un buen artesano. Soñaba con llegar, algún día, a ser un artista de verdad, un auténtico y gran escultor.

Pero iban a empezar los años duros. Augusto intentó por tres veces ser admitido en la Escuela de Bellas Artes, y las tres fue rechazado. Luego ocurrieron cosas peores: murió su hermana María. El dolor por aquella pérdida afectó a Augusto de una forma indescriptible. Decidió consagrarse a la vida religiosa, y fue entonces cuando ingresó en el convento. La silenciosa soledad del claustro le hizo bien: le aclaró las ideas y le devolvió la serenidad. Después, las palabras del padre Eymard fueron muy alentadoras para él. Cuando regresó del convento, Augusto pensó abandonar el trabajo de decoración y la ebanistería. Dejaría de ser un artesano para ser un artista.

UNA FAMA DURAMENTE CONQUISTADA
A pesar de sus buenos propósitos, Augusto no lograba vivir como quería. Se había casado y tenía un hijo. Para mantener a su familia tuvo que volver a su actividad de siempre: de artesano decorador durante el día, y artista por la noche. Al fin pareció que llegaba la gran ocasión para darse a conocer; presentó en el Salón de las Exposiciones su primera obra, una vigorosa cabeza de hombre barbudo, titulada “El hombre de la nariz partida”. Pero fue rechazada.

Sin embargo, Augusto era tenaz; había decidido seguir su camino y no se dejaba desanimar por los fracasos. Ahorrando todo lo que podía, consiguió abrir un estudio de escultor en una fría habitación, en la calle Le Brun. Como no tenía dinero para pagar modelos, era su mujer la que posaba para él.

Pasaban los años sin que el escultor pudiera permitirse un descanso. En 1871 le ofrecieron un trabajo en Bélgica: decorar el Palacio de la Bolsa de Bruselas. No era mucho, pero Augusto aceptó.

En aquellos años hizo un viaje a Italia para admirar a Donatello y Miguel Ángel. Al volver a París, tenía cerca de cuarenta años. De improviso se hizo famoso con el escándalo provocado por una escultura suya: la conocida con el nombre de “La edad de bronce”. La figura de hombre que Rodin había representado tenía tal naturalidad, que algunos críticos lo acusaron de haber hecho un vaciado sobre un cuerpo real. Pero, tiempo después, fue el propio Estado quien adquirió la escultura y ofreció, además, a Rodin que hiciera una puerta de bronce para el Museo de las Artes Decorativas. Rodin quiso representar en ella a los personajes del “Infierno” de Dante, su poeta preferido, pero jamás la llevó a término.

Cada nueva estatua que salía del gran estudio que el Estado había puesto a su disposición, provocaba protestas y elogios desmesurados. Así ocurrió con los monumentos a Balzac y a Víctor Hugo. Cuando le rechazaban una obra, Rodin aceptaba las críticas tranquilamente, sin inmutarse. Volvía a llevar la estatua a su estudio, y se sentía feliz al poder contemplarla a gusto. Estaba convencido de que su arte, en el que creía profundamente, acabaría por imponerse. Y no se equivocaba: en los últimos años de su vida, Rodin llegó a ser casi el símbolo de la escultura francesa. El público se había acostumbrado ya a verlo fotografiado junto a los personajes más famosos de la época. Al morir, en 1917, nombró heredero de todas sus obras, no a su hijo o a sus parientes, sino al Estado, para que las reuniese en un museo, donde todos pudieran verlas libremente.

CIUDADANOS DE CALAIS

A. Rodin: “Los ciudadanos de Calais”, París, Museo Rodin.
– En 1347, seis ciudadanos de Calais salvaron a la patria, amenazada de destrucción por el rey de Inglaterra, ofreciendo en sacrificio sus vidas. Para glorificar su memoria, la ciudad de Calais encargó a Rodin un monumento. Como siempre que una obra le interesaba mucho, e! escultor !a preparó minuciosamente. En ella puso de relieve el carácter de cada personaje y la forma distinta en que cada uno afrontó el duro destino.

honorec balzac rodin
A. Rodin: “Honoré de Balzac”, París, Museo Rodin – Esto escultura de yeso del gran escritor francés, costó a Rodin siete años de trabaje y un número infinito de bocetos, apuntes y dibujos preparatorios. Es una auténtica obra maestra. Sin terminarla en todos sus detalles, el escultor ha delineado con gran energía los rasgos físicos más destacados del modelo, plasmando en ellos su carácter un tanto irónico, bonachón, pero consciente de su propia grandeza.

Fuente: Enciclopedia del Estudiante Superior Fascículo N°37

Biografia de Carlos Reutemann Piloto de Formula I Gobernador de Santa fe

Carlos Reutemann: ¡Vamos Lole!

Seducido por la política, este gran deportista argentino que con su talento logró conquistar los circuitos más destacados del mundo de la Formula 1, desde el año 1991 profesa su militancia justicialista y su pasión por el quehacer político del país, habiendo logrado ocupar diversos cargos.

En este sentido, fue Gobernador de la Provincia de Santa Fe en el período que abarca desde 1991 a 1995. Luego fue electo Senador de la Nación en 1995. Asimismo cumplió un segundo mandato como Gobernador de Santa Fe entre los años 1999 a 2003. Después de aquello fue nuevamente electo Senador, cargo que cumple actualmente.

Ese es un pequeño pantallazo acerca de la carrera política de Carlos Reutemann, que principalmente se destacó en los más prestigiosos circuitos de Fórmula 1, siendo aún considero uno de los más grandes pilotos de dicha categoría. Nació bajo el nombre de Carlos Alberto Reutemann el 12 de abril de 1942 en la provincia de Santa Fe, y desde muy pequeño se sintió atraído por los automóviles, pasión que con los años lo llevaría a desarrollar una importante carrera de piloto, siendo conductor de Fórmula 1 por un período que se inició en el año 1972 y culminó una década después.

Su rapidez, su estrategia de corredor basada en la evaluación constante de las carreras, sumada a su extrema caballerosidad en las pistas, lo convirtieron en uno de los preferidos, tanto del público como así también infinitamente admirado por sus competidores. Por aquella época todos lo llamaban cariñosamente “El Lole”.

Durante su trayectoria como piloto de Fórmula 1, dentro de la máxima categoría de la disciplina, Reutemann logró obtener un total de 12 victorias puntables, 2 no puntables, y 6 pole positions, en un total de 144 carreras en las que participó y dejó su marca. Entre sus logros más destacados, se encuentra el haber ganado el gran premio de Gran Bretaña en el año 1978, compitiendo en aquella oportunidad con el imbatible Niki Lauda.

No obstante, una de las carreras más recordadas es aquella que protagonizó en 1981 cuando se alzó con el primer puesto en el Gran Premio de Brasil, en el que no sólo debió competir con los más grandes pilotos de la época, sino que además debió desafiar al clima, con lluvias torrenciales que desdibujaban el circuito de Jacarépagua en Barra de Tijuca, Río de Janeiro.

Había debutado en el automovilismo el 30 de mayo de 1965, cuando participó en una carrera de Turismo Mejorado, que se llevó a cabo en la ciudad de La Cumbre, ubicada en la provincia de Córdoba. Pero aquel no fue su primer triunfo, aunque llegaría poco después, precisamente el 11 de julio de ese mismo año, cuando a bordo de un Fiat 1500, Carlos Reutemann se consagra ganador en la prueba de Turismo Mejorado desarrollada en Villa Carlos Paz, en Córdoba.

INCREÍBLE: El 13 de enero de 1974, en el Gran Premio de Fórmula 1 de la Argentina, cuando punteaba con comodidad, Carlos Reutemann, en el Autódromo Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, se quedó sin nafta: le faltaba media vuelta para ganar la carrera. Según crónicas de la época, fue la toma de aire, colocada detrás y sobre su cabeza, la que al desprenderse en el giro 39 hizo que el motor quemara combustible más rápido que lo habitual. (ver final del video abajo)

A partir de allí, su desenvolvimiento en las pistas lo convirtió en uno de los más grandes del momento, y las competencias internacionales reclamaron su presencia. Incluso fue uno de los pilotos oficiales de la escudería de Ferrari a partir de 1977, compartiendo el honor con Lauda. Posteriormente, también fue conductor de las escuderías de Lotus, y del equipo de Williams. Con una carrera que aún tenía mucho por delante, Carlos Reutemann decidió anunciar su retiro y hacerlo efectivo.

Aquello ocurrió luego de su participación en el Gran Premio de Sudáfrica, en el que obtuvo el segundo puesto. Los años pasaron y la política seguramente ocupó el lugar que había dejado en su interior la pasión por los autos, aunque en las reiteradas oportunidades en que el piloto fue consultado acerca de si está arrepentido de aquella decisión, no duda en asegurar: “Cuando pienso en eso recuerdo que, cuando era niño, debía ir a la escuela a caballo y de allí llegué a ser piloto de Fórmula 1. Ese placer no me lo quitará nadie”.

Video Sobre Formula 1 en Buenos Aires.

Biografia del Padre Mario Sacerdote Curador de Gonzalez Catan Vida y Obra

Biografia del Padre Mario Sacerdote Curador

Biografia del Padre Mario Sacerdore Curador Padre Mario: Elegido por Dios

A casi dos décadas de la muerte del Padre Mario, miles de devotos que tuvieron la oportunidad de presenciar la gran labor humanitaria que realizaba el sacerdote, continúan en la actualidad llevando adelante los proyectos en los que él había depositado su sueño, para mejorar la vida de los más humildes, vulnerables y necesitados.

Por ello, desde la página web oficial de la Fundación Padre Mario, las autoridades de la entidad sin fines de lucro aseguran: “Todos somos la Obra del Padre Mario”.

En definitiva su mensaje logró trascender más allá de su muerte física, y sus seguidores comprendieron las palabras que siempre repetía el sacerdote: “Si el hombre no puede ser amigo del hombre, jamás podrá ser amigo de Dios”.

Giuseppe Mario Pantaleón, tal su nombre completo, había nacido el 1 de agosto de 1915 en Italia, pero debido a la pobreza que debieron enfrentar sus padres luego de la Primera Guerra Mundial, decidieron zarpar hacia la Argentina, en busca de mejores oportunidades.

Giuseppe era muy pequeño cuando su familia se radicó en la ciudad de Alta Gracia, provincia de Córdoba, por lo que siempre se consideró un verdadero argentino, ya que pasó gran parte de su vida en estas tierras.

Una vez que la familia llegó al nuevo continente, decidieron que lo mejor era enviar al pequeño Giuseppe Mario a un colegio salesiano con modalidad de internado. Allí pasó casi toda su niñez y adolescencia, prácticamente sin mantener contacto con sus padres y sus hermanos, y observando cómo crecía vertiginosamente su fe en Dios.

Para continuar su educación, en 1931 los padres de Mario decidieron que viajara a Italia para ingresar al seminario de Arezzo, y finalmente el 3 de diciembre de 1944 finaliza sus estudios en el seminario de Matera, y a partir no sólo comienza a oficiar misas, sino también a llamarse definitivamente José Mario Pantaleón.

Mientras continuaba en Italia añoraba una tierra que en realidad no había tenido la oportunidad de conocer, pero ansiaba con volver a la Argentina. Por ello, cuando en 1948 llegó a sus oídos la noticia de que eran requeridos sacerdotes para la Argentina, el Padre Mario no dudo en ofrecerse. De esta forma, el 4 de marzo de ese año, Pantaleón desembarca otra vez en el nuevo continente, pero en esta oportunidad para pasar el resto de su vida.

A su llegada, fue designado para trabajar en la iglesia de San Pedro en Casilda, y como capellán del Hospital Provincial de Rosario. Fue precisamente en ese lugar donde el Padre Mario llegó a conocer a un grupo de personas que a partir de ese momento estuvieron ligadas para siempre a él, colaborando con su obra, como es el caso de Perla Garaveli, a quien Pantaleón logró curar y que luego se convirtió en su principal ayudante.

Diez años después, precisamente en 1958, fue el momento en que el Padre Mario comenzó a ser conocido por todos como el cura sanador, en momento en que se encontraba realizando su labor en los Hospitales Ferroviario y Santojanni. Sus curaciones hicieron que cada vez más devotos se acercaran a verlo para solicitarle ser sanados. Por ello, Pantaleón decidió buscar un espacio para comenzar su obra. Ese lugar fue González Catán.

Allí pasó el resto de su vida y fue también donde comenzó a moldear su obra que aún continúa, y a través de la cual se crearon dos fundaciones humanitarias, un colegio primario y secundario, un jardín de infantes, una escuela para discapacitados, un polideportivo, un centro de atención a mayores, un centro de capacitación laboral, una panadería y fábrica de pastas manejada por personas discapacitadas, un centro médico, una guardería para hijos de mujeres trabajadoras, una biblioteca con miles de títulos y un taller textil.

Sin embargo, su constante labor humanitaria fue quizás de alguna manera opacada por otra de sus facetas: el don que poseía para poder curar a través de la imposición de manos. Por ello, era habitual ver grandes filas de automóviles, micros y gente a pie que se acercaba hasta la morada del Padre Mario para poder verlo, tener contacto y finalmente sanar.

Entre anónimos también se mezclaban figuras famosas del país, como el historiador Félix Luna, el escritor Ernesto Sábato, el pintor Raúl Soldi y el ex presidente Carlos Menem, entre muchos otros.

Pocos comprendieron la verdadera dimensión del poder de su don, y cuando le preguntaban, con toda la humildad que lo caracterizaba él respondía: “Tengo el poder de diagnosticar y curar porque Dios lo dispuso. Soy un brujito malandra que tiene a Dios de su lado”.

A pocos días de haber cumplido los 77 años, precisamente el 19 de agosto de 1992, el padre José Mario Pantaleón dejó la vida terrenal, pero sabiendo que su obra continuaría gracias a sus colaboradores.

Hoy un gran grupo de voluntarios, directivos, amigos, trabajadores, empresarios, donantes, funcionarios y miembros de toda la comunidad han asumido la responsabilidad de continuar el trabajo del sacerdote, mientras él seguramente los mira desde el cielo.

Fuente Consultada: Graciela Marker Para Planeta Sedna

Biografia del Padre Grassi Vida y Obra Fundacion Felices son los Niños

BIOGRAFÍA DEL PADRE GRASSI

BIOGRAFIA PADRE GRASSIPadre Grassi: Escándalos y fe

Quizás la Justicia de los hombres tenga razones suficientes para haber decidido finalmente que la mejor opción era el sobreseimiento del Padre Grassi. No obstante, son muchos aun los que consideran que el cura párroco es culpable del delito que se le adjudicó en el año 2002, cuando se inició la causa por presunta corrupción de menores en la provincia de Santa Cruz.

Mientras tanto, el Tribunal Oral de Morón no fue tan benévolo con el acusado, ya que luego de una investigación que duró más de ocho años, lo encontraron culpable por el abuso de un menor de edad, condenándolo a 15 años de prisión, aunque hasta el momento el Padre Grassi continúa en libertad, debido a que dicha resolución no se encuentra firme.

A pesar de las idas y vueltas de la justicia, las diferencias entre los distintos tribunales, y las investigaciones que se realizaron tanto en base a la psicología del acusado como de las víctimas, lo cierto es que el Padre Grassi ha sido condenado por la sociedad, y debe enfrentar diariamente el repudio de miles de personas que lo consideran culpable, y sobre todo de uno de los delitos más aberrantes.

En este contexto, el cura párroco hace oídos sordos a lo que él considera como calumnias hacia su persona, y continua encomendándose a Dios, en una fe que se convirtió en la misión de su vida, pero que seguramente lo abandonó en varias oportunidades.

Nacido el 14 de agosto de 1956 en Lomas de Zamora, fue bautizado bajo el nombre de Julio César Grassi y criado en el seno de una familia estricta y religiosa. Quizás ello o tal vez su devoción en la fe católica fue lo que hizo que a sus 14 años decidiera comenzar a participar de manera activa en la iglesia, siendo primero catequista, y posteriormente sumándose a los grupos que llevaban a cabo trabajos comunitarios en las villas del Partido de Lanús.

Cuando cumplió 16 años su pasión por la fe y amor hacia Dios habían crecido considerablemente, por lo que decidió viajar a El Calafate para llevar a cabo labores de misionero, y de esta forma comenzar a interiorizarse con la verdadera misión de la iglesia en lugares realmente alejados.

Una vez que finalizó sus estudios secundarios, y ya estando totalmente decidido por cuál sería el rumbo que debía seguir su vida, ingresó a un noviciado salesiano en la provincia de Santa Fe, donde en principio se graduó como Profesor de Filosofía y Ciencias de la Educación y de las Ciencias Sagradas, y en 1987 fue finalmente ordenado sacerdote.

Fue precisamente en El Calafate donde comenzó su tarea religiosa, ya ocupando el lugar de cura párroco. Mientras tanto, atesoraba un sueño que puedo concretar en el año 1993, cuando creó la fundación Felices los Niños, la cual se inició en su actual sede central de Hurlingham.

Aquella fundación buscaba ser la respuesta para los niños que necesitan un hogar, cariño y contención, al igual que sucede con centenares de organizaciones similares, y que según las propias palabras del cura párroco, tiene el objetivo de “rescatar a los chicos de la calle y formarlos como honrados ciudadanos y buenos cristianos, al estilo de Don Bosco”. Pero a diferencia de otras organizaciones, la fundación de Grassi logró alcanzar una repercusión tal, que en poco tiempo hizo posible que la misma se extendiera por todo el país.

Muchos aseguran que aquello fue posible gracias a los contactos que el Padre Grassi logró sembrar dentro del mundo del poder, de la política y de la farándula, que le sirvieron como medio de difusión. Recordemos por ejemplo el escándalo que se disparó cuando en el programa televisivo de Susana Giménez se realizó un concurso telefónico cuyo fin era recaudar fondos para la fundación Felices los Niños, y tiempo después Grassi denunció que el trato no había sido cumplido.

Lo cierto es que todo se desmoronó, cuando en el año 2002 se emitió una investigación televisiva en Canal 13, en la que un grupo de personas acusaron al sacerdote de abuso sexual contra menores, que finalmente terminó en juicio y en una investigación que se extendió por casi una década.

Hoy todavía continúan las repercusiones del caso, y mientras Grassi asegura que ha vuelto a creer en la Justicia, luego del sobreseimiento de Santa Fe, la opinión pública no cesa de preguntar en búsqueda de la verdad.

Actualmente está cumpliendo su condena de 15 años de presión en la Cárcel de Campana (a 100 Km. de Capital Federal), desde mediados de 2013. Hace pocas horas se publicó un nuevo escándalo porque aparentemente por su poder, tiene ciertos privilegios en la cárcel, como baño privado, frigo bar, teléfonos celulares, que utiliza diariamente para ordenar y dirigir  a sus seguidores de la fundación “Felices Los Niños”. Dos de sus fieles acólitos proveen al presidio semanalmente alimentos y hasta muebles que la gente dona y que deberían ser destinados a los niños de la fundación que él mismo había creado. Obviamente, hoy 28 de julio de 2014 estamos al borde del inicio de otro gran alboroto inmoral que complicará aún mas al polémico padre.

Fuente Consultada: Graciela Marker Para Planeta Sedna

Puerto Madero Historia Ubicacion Proyectos Origen

Puerto Madero

Las áreas urbanas siempre están en continua transformación lo que demuestra los cambios en el uso del suelo en distintos espacios.  En la ciudad de Buenos Aires encontramos un caso que refleja tal situación: Puerto Madero, actualmente un área con múltiples usos del suelo vinculadas la mayoría de ellos a actividades terciarias; y en el pasado era netamente portuaria.

Como esta área había perdido protagonismo, el gobierno nacional junto con el gobierno de la ciudad de Buenos Aires, proyectaron esta transformación a través de una planificación urbana, con el objetivo de revitalizar el área y establecer una vinculación más precisa entre la ciudad y el Río de la Plata, a través del Puerto.

Durante el siglo XIX, la adecuación del puerto a las necesidades del momento fue mediante la realización de algunas obras, porque las características físicas del lugar no eran las más adecuadas, se trataba de una zona costera baja y pantanosa.

Eduardo Madero, fue quien proyecto la construcción del puerto, emplazada junto al centro histórico de la ciudad y completado en 1899.  Para entonces, las dificultades se seguían presentando en el puerto, por ello se construyeron nuevas obras que dieron lugar a otra área portuaria en 1926; el Puerto Nuevo.

Para es entonces, Puerto Madero retirada de su función original comenzó a ser objeto de numerosos proyectos para desafiar nuevos usos del suelo en el área. Pero el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, recién en 1989 inició las gestiones de conversión, debido a conflictos jurisdiccionales, ya que pertenecían a catorce organismos diferentes del Estado nacional.

En ese mismo año, después de ser firmado el decreto presidencial de recuperación se creó la Corporación Puerto Madero, constituida por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires y el Estado Nacional, con un 50% de las tierras pertenecientes a cada uno de ellos (en total de 178 hectáreas).

Su objetivo era llevar a cabo un proyecto de renovación urbana, en este caso el más grande en la historia de la ciudad de Buenos Aires. Así los cuatro diques de Puerto Madero pasan a convertirse en un nuevo barrio porteño, el número 47. Del cual recibe el nombre oficialmente en 1998, recordando al ingeniero que diseñó y construyó el antiguo puerto de Buenos Aires. Este nuevo barrio está limitado por las avenidas Ingeniero Huergo y Eduardo Madero, las calles Elvira Rawson de Dellepiane y Cecilia Grierson y la actual costanera Sur.

Podría decirse que significa una gran inversión, este plan de urbanización debido a la apertura de calles, veredas, instalación de servicios, parquización y redes cloacales, que debieron realizarse.

Sin embargo, poseen protección patrimonial histórica algunos de los edificios, por lo que sólo puede reciclarse es su interior y deben mantenerse intactas las fachadas externas; un claro ejemplo de esto es lo que se conoce como La Catedral, el cual era un antiguo depósito de granos.

Puerto Madero es uno de los 48 barrios en los que se divide legalmente la Ciudad de Buenos Aires, Argentina. Su ubicación cercana a la zona céntrica de la ciudad, lo extenso de su área y su vista al río hacen de este distrito uno de los más exclusivos de Buenos Aires. El barrio debe su nombre a Eduardo Madero, comerciante de la ciudad que presentó tres proyectos de puerto, el último de los cuales fue aprobado por el entonces Presidente de la Nación Julio Argentino Roca en 1882.

En cambio, si fueron demolidos grandes cantidades de silos, que simbolizaban principios del siglo XX, el modelo económico que empleaba Argentina: el agroexportador o conocido como “granero del mundo”. Y en su lugar, fueron construidos viviendas, oficinas y edificios con propósitos culturales.

Con una localización privilegia por la cercanía al microcentro y una grandiosa vista al río de la Plata, actualmente Puerto Madero es un barrio en donde los usos predominantes se relacionan con el sector terciario. Allí se asientan oficinas, cines restaurantes, bares y viviendas tipo Loft.

En los últimos años, esta zona se convirtió en uno de los sectores más exclusivos de la ciudad, creciendo paulatinamente gracias  las inversiones grandes que se realizaron allí.

Es por esto que para Buenos Aires y su actividad económica, se convirtió en un punto de referencia, ya que numerosas se empresas se radicaron en el lugar y es uno de los sitios más concurridos por los turistas del interior y exterior del país.

Sin embargo, lo que caracteriza esta urbanización es el equilibrio existente entre las superficies libres y las construidas, cuestión que hace que el impacto de las obras construidas sean intrascendentes.

UBICACIÓN: El barrio de Puerto Madero está comprendido por las calles Brasil, Av. Ingeniero Huergo, Av. Eduardo Madero, Cecilia Grierson, y por el Río de la Plata, el Riachuelo y la Dársena Sur.  Limita con los barrios de Boca al sudoeste, San Telmo, Monserrat y San Nicolás al oeste y Retiro al norte, con la localidad de Dock Sud al sur, y con el Río de la Plata al este.

Profesora de Geografía: Claudia Nagel.
Fuente: Geografía Mundial y los desafíos del SXXI. Editorial Santillana. Geografía Mundial, Editorial Puerto de Palos.  

Historias Anecdotas y Curiosidades Mas Importantes de la Historia

10 CURIOSIDADES DEL PLANETA Y DE LA HISTORIA

 

 

 

 

 


 


 

 


 

 

 

 Curiosidades e Inquietudes De Los Navegantes

UN COMENTARIO SOBRE LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD:

Desde un punto de vista físico, el hombre es uno de los seres más débiles de la Creación. El relato de cómo ha conseguido superar esta debilidad frente a especies más fuertes, y de qué modo ha llegado a dominar el mundo hasta el momento en que se dispone a conquistar el espacio extraterrestre, constituye la Historia del Hombre.

Durante innumerables siglos tuvo que luchar para sobrevivir, para dominar el hambre, el frío, las enfermedades y los ataques de otras especies enemigas. Pero desde los tiempos más remotos, en que se unía en una organización tribal, acomodaba una vivienda y construía sus utensilios de barro, sus instrumentos de hueso o sus armas de piedra, comenzó a pensar y a crear, es decir, a progresar.

La lucha por el poder y el dominio ha sido llevada constantemente a compás de la conquista de la Verdad, la Belleza y el Bien. La Filosofía y la Ciencia, la organización de la Política, la Moral y la Religión, el Arte… se encuentran ya como tendencias en las sociedades más primitivas, y precisamente este combate de tipo espiritual es lo que ha diferenciado al Hombre de cualquier otra especie que se caracteriza por no tener historia, es decir, evolución, cambio o progreso.

La reconstrucción del pasado ha llegado a una gran perfección. La Ciencia ha puesto en manos de los historiadores medios maravillosos para descifrar escrituras, interpretar restos o datar yacimientos. Innumerables ciencias auxiliares prestan su apoyo a la Historia.

En esta tarea, el historiador se encuentra con fuentes, es decir, materiales para reconstruir Historia, de todas clases. Unos son claros como los documentos, las inscripciones y los relatos, mientras en otros casos, cuando el investigador se enfrenta con restos mudos, piedras, cerámica, armas, monumentos, etc., una sagaz labor detectivesca debe guiar la intuición del estudioso para averiguar cómo, cuándo y en qué forma ocurrió el hecho que se propone historiar. En cualquier caso, el que dedica sus afanes a los estudios históricos sabe que es un ciego servidor de la verdad, a veces tan difícil de discernir del error o de la falsedad.

Pero no se trata sólo de reproducir fríamente lo que ocurrió. Cicerón decía que la Historia era la gran maestra de la vida. Interpretar el sentido del Pasado es algo sumamente difícil y arriesgado cuando la trayectoria conocida del Hombre sobre la Tierra es aún tan corta.

En efecto, ante los millares de siglos que abarca la Prehistoria, un período de la vida humana sobre la cual sólo es posible conjeturar, ya que no existen documentos escritos, ¿qué importancia tienen los dos mil años de nuestra Era, o los seis mil que abarca la historia escrita del Hombre?

Algunos historiadores han querido encontrar el sentido de este devenir y se han preguntado si los hechos se repiten, tal como cree el vulgo, y de este modo, de acuerdo con Cicerón, sería posible prever el futuro aleccionados por el pasado. La Filosofía ha expuesto con sobrada variedad de tonos las tendencias fatalistas o deterministas, providencialistas o libres ante el misterio de la conducta humana.

Es evidente que, a lo largo de los tiempos, han florecido imperios los cuales, una vez llegados a su mayor esplendor, han experimentado una decadencia, unida a la cúspide del poder, de la riqueza y de la molicie, a a continuación de la cual han llegado a desaparecer totalmente; los hititas, los pueblos de la Mesopotamia, los mayas, los aztecas, etc., constituyen algunos ejemplos.

El historiador inglés Toynbee afirma que para cada pueblo existe un ciclo que abarca cuatro fases: génesis, crecimiento, crisis y desintegración. Mas para él un pueblo no está fatalmente obligado a sufrirlas ciegamente, sino que es capaz de reaccionar y superar los estadios más bajos de este proceso.

A partir de Carlos Marx, la interpretación económica de la Historia ha pesado notablemente en el ánimo de muchos historiadores. Las guerras, las invasiones, incluso los movimientos espirituales, tendrían, según este criterio, una causa material. Así, la invasión de los bárbaros tuvo su origen en unas sequías espantosas que asolaron el Asia central.

En la actualidad los estudios de Geopolítica, que determina el espacio vital, Geografía política y Geografía histórica, tienden a enjuiciar los hechos pasados tomando en consideración todos los elementos físicos, humanos y económicos que pudieron determinarlos o condicionarlos. No debe olvidarse nunca el factor hombre. El esplendor de Macedonia o del Imperio Árabe no se pueden concebir sin las figuras de Alejandro Magno y Mahoma, respectivamente.

Se han ciado movimientos cuya génesis es de orden puramente espiritual, por lo menos en sus principios, como fueron las Cruzadas o el Humanismo. De otra parte, el hallazgo de nuevos caminos para el trabajo, debidos a la Ciencia, ha producido cambios tanto o más profundos que el alumbramiento de una nueva doctrina. Así, la Revolución Industrial, nacida a raíz de las aplicaciones del vapor, tuvo una importancia tanto o más decisiva que la Revolución Francesa.

Espíritu y Técnica parecen enfrentados en nuestros días. En los últimos sesenta años la Ciencia ha ofrecido tantos y tan extraordinarios descubrimientos que la Técnica ha trastornado la vida del hombre. Vivimos una fase histórica en la que el Espíritu parece batirse en retirada, o por lo menos realiza denodados esfuerzos para no dejarse avasallar por un alud de maquinaria.

Las fases de crisis, y a nosotros nos corresponde vivir una, son connaturales a todo estadio de crecimiento. El historiador no se pregunta nunca qué sucederá en el futuro, o si la Humanidad está en trance de perecer. El conocimiento del camino recorrido por el Hombre sirve maravillosamente para reafirmar el optimismo hacia el porvenir.

 

Biografia de Ginobili Manu Gran Basquetbolista Argentino Jugador NBA

Manu Ginobili: El Batman de Bahía Blanca 

BIOGRAFÍA DE: Manu Ginobili: "El Batman de Bahía Blanca"

Cuando comenzó su carrera profesional, allá a mediados de la década de los noventa, muchos expertos en deportes auguraban un futuro incierto para el joven Manu Ginobili, asegurando que era posible que quedara opacado por las figuras de su padre y su hermano.

Es que en realidad Emanuel, tal su nombre real, proviene de una familia con una fuerte tradición en el deporte, sobre todo en el básquet, ya que por un lado su padre fue jugador, entrenador y presidente del Club Bahiense del Norte de Bahía Blanca, precisamente el club donde Manu había aprendido a jugar, y por el otro, su hermano mayor fue hasta el año 2003, integrante del plantel estable de la liga argentina.

Ambos antecedentes ponían en riesgo el futuro de aquel joven que deseaba seguir los pasos de su padre y de su hermano, pero que al mismo tiempo debía demostrar que su talento superaba cualquier especulación y expectativa.

Lo cierto es que su gran capacidad en el campo y su estilo de juego, con un impecable manejo de la pelota, una gran destreza atlética y método que siempre le ha permitido definir sus jugadas cerca del canasto, hicieron que Manu Ginobili se convirtiera en uno de los preferidos del público.

Su gran debut a nivel profesional llegó en 1995, cuando pasó a integrar la Liga Nacional de Básquet. Al poco tiempo de ingresar en el equipo, Ginobili fue nombrado como el mejor debutante de la Liga, demostrando de esta forma el gran talento del jugador. Dentro de la liga nacional, se desenvolvió como jugador en el Club Andino y posteriormente en el Promesas Mar del Plata, donde su capacidad fue nuevamente galardonada, en esta ocasión con el premio al mayor progreso de la LNB.

Dos años después, y una vez que Manu Ginobili comenzó a ganar preponderancia dentro del mundo del Básquet, fue requerido para sumarse a la Liga Italiana, comenzando allí dos temporadas en el Basket Viola Reggio Calabria, a la que le seguirían otras dos temporadas para el Kinder Bolonia.

Su fama crecía a la par que aumentaba notablemente su desempeño en la cancha, y durante el período mencionado fue campeón junto a su equipo de varios torneos como la Copa de Italia y la Euroliga, entre otros, consagrándose así como el mejor jugador de básquet de Europa.

Esto hizo que por un lado fuera seleccionado en tres oportunidades para ser parte del All-Star, y que al mismo tiempo, los directivos de la NBA comenzaran a interesarse en este joven jugador argentino, que nada ni nadie podían detener.

Así fue que Ginobili llegó a los Estados Unidos luego de aceptar la propuesta de San Antonio Spurs, y así fue que el 29 de octubre de 2002 jugó su primer partido en la NBA, competencia que demostró nuevamente el talento de Manu, cuando derrotaron a los implacables Los Angeles Lakers.

Fue precisamente en los primeros años del siglo, que el jugador alcanzó uno de los momentos más importantes de su carrera, cuando ganó su primer Olimpia de Oro de la Argentina como deportista del año. Simultáneamente, al promediar la nueva década fue seleccionado por los entrenadores de la NBA para jugar el All-Star Game, lo que significó pasar a ocupar un lugar en la elite de la NBA.

Lo cierto es que a pesar de su capacidad deportiva y su talento en la cancha, que hicieron que fuera requerido por los equipos más prestigiosos del mundo, aquel joven que había nacido el 28 de julio de 1977 en Bahía Blanca, no se convirtió en una figura popular en su país hasta 1998, cuando ingresó como jugador en la Selección Argentina de Básquet, para participar en el Mundial de Atenas.

Aquello lo convirtió en una figura pública, aunque Ginobili siempre ha asegurado que prefiere mantener un perfil bajo, y disfrutar de su tiempo libre sin preocupaciones, junto a su esposa Marianela Oroño y sus hijos Dante y Nicola.

SELECCIÓN ARGENTINA DE BASQUETBOL: MEDALLA DE ORO JUEGO OLÍMPICOS DE ATENAS EN 2004

ASÍ LO VIVIÓ EL ARTÍFICE DEL DÍA MAS DORADO DEL DEPORTE


ATENAS.- ¡Esto es increíble! Lo que sentí esta noche no lo podré olvidar jamás y me gustaría poder explicarlo. Un minuto antes de que terminara el partido tenía la piel de gallina. Cuando me abracé con Pepe (Sánchez) y el Puma (Montecchia) tenía ganas de llorar. ¡Veía las caras de ellos y era peor! Después de la gran desilusión de Indianápolis, todas las sensaciones de ayer fueron más fuertes.

Salió todo como lo deseábamos. En realidad, vinimos a buscar una medalla. No sabíamos de qué color. Había que ver cómo se presentaba el torneo y se nos fue dando, con un cruce favorable, con un gran partido ante los Estados Unidos y este gran trabajo frente a los italianos. Hoy nos costó mucho laburo ganar. Ellos no tendrán tanto talento, pero son un equipo fuerte, muy peligroso en las posiciones de base y escolta, y con grandes tiradores. Hubo que defender muy duro. La idea era que corriéramos mucho porque los pivotes son grandes y algo lentos. Creo que allí sacamos ventaja.

Estoy feliz porque empecé con algunas dudas el torneo, venia de no hacer una buena preparación con el resto del equipo por el tema del casamiento y no estuve muy seguro. Pero a medida de que fueron transcurriendo los partidos tomé confianza, tuve mucho contacto con el balón, me empecé a sentir bien y me gustó.

Tuve mucha participación ofensiva, pero también sin perder nunca el sentido colectivo y haciendo de todo para el equipo. La idea es producir algo positivo siempre. Hoy me preguntaba en qué momento sentí que ganábamos el partido. En realidad, a los 40 minutos. Era tantas la atención y las ganas de no equivocarnos que no quisimos suponer nada de antemano. Ni siquiera cuando sacamos 12 puntos cerca del final. Estábamos muy mentalizados para ganar.

También me pidieron que comparara el anillo en la NBA que obtuve con los San Antonio Spurs en 2003 con la medalla olímpica. Es imposible. Son cosas muy distintas y muy grandes. Yo digo que conseguí dos cosas únicas. Me encantaría volver a Buenos Aires para seguir festejando con la gente y saber cómo vivieron allá esta medalla dorada, pero lamentablemente tengo compromisos que cumplir en Europa y no voy a regresar hasta mediados del mes próximo.

Hubiese sido hermoso, me imagino, repetir lo del Mundial de Indianápolis en el aeropuerto de Ezeiza, todos juntos y festejando.

Acá los festejos siguen, estamos todos enloquecidos. Lo que pasa es que en pocas horas todos empezaremos a tomar rumbos diferentes y queremos disfrutar las pocas horas que nos quedan. La verdad es que no sé cuándo nos volveremos a juntar los muchachos del seleccionado. Yo seguramente me tomaré un año porque necesito hacer una preparación especial y descansar un poco. Han sido más de dos años muy intensos y con poco descanso. Desde ya que me gustaría estar en otros Juegos Olímpicos, pero falta mucho para Pekín 2008.

Nada se puede prever ahora. Además, quiero vivir esta fiesta que todavía parece un sueño. Es el sueño de mi vida.

Fuente Consultada: La Nación 135 Años Testimonios de Tres Siglos

Biografia Susana Gimenez Diva de la Television Argentina Conductora Exitosa

SUSANA GIMENEZ BREVE BIOGRAFÍA DE LA ESTRELLA ARGENTINA EN TELEVISIÓN, CINE Y TEATRO NACIONASusana Gimenez:
La diva de la televisión argentina 

Para una gran porción de argentinos, seguramente Susana Gimenez se haya convertido con los años en un personaje que trasciende por completo la pantalla televisiva, ingresando a aquellos hogares donde las personas que viven en soledad encuentran la compañía ideal al disfrutar de su programa domingo tras domingo.

Y es que muchos han dejado de ser simples espectadores a partir del momento en que han comenzado el rito casi místico de abrir la puerta ficticia de la televisión e invitar a Susana Gimenez a compartir la

mesa, aunque sea de forma irreal.

Al hablar de Susana Gimenez a una gran parte de argentinos se nos viene a la mente una imagen lejana, en blanco y negro, perteneciente a aquel viejo comercial que a finales de la década del sesenta presentaba a una bella y atrevida joven exclamando “¡Shock!”, con el fin de convencernos de las bondades del jabón “Cadum”.

No obstante, es indudable también que el nombre Susana Gimenez es sinónimo indiscutible de aquel personaje llamado La Mary, que protagonizara la actriz en una de las películas a cargo de Daniel Tinayre, en la que compartía el protagónico con Carlos Monzón, uno de los boxeadores más importantes de nuestro país.

La gran diva de la televisión argentina nació bajo el signo de acuario, un caluroso 29 de enero del año 1944, en el seno de una familia humilde y disfuncional, ya que sus padres, María Luisa Sanders y Augusto Johnny Giménez Aubert, mantenían constantes peleas que los conducía a reiteradas separaciones.

En medio de este difícil entorno, la pequeña que había sido bautizada como María Susana Giménez Aubert debió afrontar una niñez conflictiva y una adolescencia signada por los sueños que aún no podía alcanzar.

Si bien en un permanente esfuerzo y dedicación la joven logró graduarse con el título de Maestra de Enseñanza Primaria, jamás llegó a ejercer la profesión de docente, debido a aquella constante búsqueda de la realización de sus sueños.

Así fue que decidió que lo mejor para su vida era concretar sus anhelos en el ambiente del cine y la televisión, intentando lograr ser una artista, para lo cual debió luchar arduamente por conseguir un lugar apto en un mundo terriblemente hostil, y demostrando de esta forma su constante ánimo de superación personal.

Con apenas 17 años de edad, la joven contrajo matrimonio con Mario Sarabayrouse, con quien tuvo a su única hija llamada Mercedes, quien con el paso de los años le diera dos nietos, Lucía y Manuel.

Mientras se desenvolvía como madre, esposa y ama de casa, Susana trabaja como secretaria en una fábrica, hasta el año 1968, cuando La Giménez comenzó a vislumbrar la posibilidad de convertir sus sueños en realidad, en el preciso instante en que conoció a Héctor Cavallero, un hombre de negocios y empresario dedicado al mundo del espectáculo.

El romance nació entre ellos inmediatamente, y este sería el punto de partida determinante para que Susana Gimenez comenzara a transitar sus primeros pasos en el mundo artístico, primero como modelo, y luego como actriz, vedette, conductora televisiva, e incluso empresaria.

La primera etapa de su carrera estuvo vinculada al modelaje, durante la cual Susana posó en infinidad de portadas de las más conocidas revistas argentinas de actualidad, que la llevaron a convertirse en la modelo publicitaria de la marca de jabón “Cadum” en el comercial televisivo del año 1969, con el cual saltó rápidamente a la fama.

A partir de allí la vida de esta sencilla joven se transformó por completo, y comenzó a ser una de las figuras más requeridas del ambiente, debutando no sólo en la televisión argentina, sino también volviéndose un verdadero icono del séptimo arte nacional.

En lo que respecta a su trayectoria actoral, desde su debut en la obra teatral “Las mariposas son libres”, del año 1971, su talento y carisma la llevaron a convertirse en protagonista de una larga lista de películas, tales como “La Mary” de Daniel Tinayre en 1974, en la que conoció a una de sus parejas más controvertidas, el boxeador Carlos Monzón.

También compartió cartel con dos de los cómicos más importantes del país, Alberto Olmedo y Jorge Porcel, con quienes protagonizó algunas cintas cinematográficas inolvidables, en las que se ponía de relieve la comedia basada en la sensualidad de sus protagonistas femeninas en contrapartida al ridículo de los roles masculinos.

Ejemplo de ello son “Los hombres sólo piensan en eso”, “El rey de los exhortos”, “A los cirujanos se les va la mano” y “Las mujeres son cosa de guapos”, entre otros memorables y queribles films.

Por supuesto que a nadie le quedan dudas de que el medio que mejor supo conquistar Susana Gimenez ha sido la pantalla chica, donde después de debutar en el año 1987 con su ciclo “Hola Susana” en ATC, se convirtiera en la indiscutida diva de la televisión.

Criticada en reiteradas oportunidades por diversos sectores de la sociedad, a raíz de sus declaraciones públicas en relación al reclamo de la creación de una ley de pena de muerte, o la expresión de dichos en los que asegura que los “derechos humanos son estupideces”, Susana ha sabido en estos años ganarse tanto el amor como el odio de los argentinos.

Perseguida en todo momento por la prensa dedicada al espectáculo, ya sea por sus turbulentos romances o bien por su inclinación hacia las cirugías estéticas, La Gimenez es sin dudas una de las mujeres más populares del país.

Por ello, miles de argentinos la reclaman todos los años, para compartir con ella la gran ilusión que nos vende la pantalla de la caja boba.

Fuente Consultada: Graciela Marker Para Planeta Sedna

Tiene sus cosas, “Después de mi separación de Jorge Rodríguez estuve un año y pico reflexionando, leyendo libros espirituales que me hacían bien: desde (el autor de técnicas de integración cuerpo-mente, Deepak) hasta el yogui (Paramahansa) Yogananda. Leí metafísica. Nunca tuve mucho tiempo para eso: siempre tuve que laburar como tina bestia”.

Por lo demás, Susana es bastante pragmática: “Rezo. Cada vez que subo a un avión, le rezo a San Cristóbal [el llamado santo de los viajeros]. Y cuando bajo también. Además de pragmática, amplia. A fines de enero último, aprovechando que en Telefé le propusieron un viaje a la India para grabar un programa, Susana gestionó una audiencia con el Dalai Lama. Conocedor de las bondades de la publicidad, el líder espiritual de un sector budista la recibió el lunes 21, a las 8,45, en el Taj Hotel, de Delhi. Charlaron en inglés y quedaron en volver a verse cuando él pase por Buenos Aires.

Siempre en la India, el martes 29, Susana festejó su cumpleaños en un orfanato de la beata Teresa de Calcuta, adonde llegó con una torta de chocolate. Y después, ya con la cuota de espiritualidad cumplida, tomó de. la mano a su novio Jorge Rama, y ambos volaron hacia Miami, donde, para ella, está el glamour.

Biografia de Gilda Vida y Milagros Curaciones Culto Mirian Bianchi

Biografia de Gilda Vida y Milagros Curaciones Culto Mirian BianchiGilda: Entre el cielo y la tierra

De reina de la bailanta a santa cumplidora de milagros. Así son las pasiones que en ocasiones pueden despertar ciertos personajes en los argentinos.

Su nombre real era Miriam Alejandra Bianchi, aunque en realidad sólo los verdaderos fanáticos de la cantante recuerdan ese nombre. Para todo el resto, siempre fue y sigue siendo Gilda, la intérprete de cumbias románticas, cuyas melodías y letras traspasaron el mundo de la bailanta, para convertirse en canciones populares conocidas por todos.

Había nacido en el barrio porteño de Villa Devoto el 11 de octubre de 1961. Aunque desde pequeña demostró tener un interés muy profundo por la música, quizás la muerte de su padre durante su adolescencia le hizo pensar que su vida no estaba hecha para cumplir con sus sueños. Fue entonces que decidió seguir la carrera de maestra, lo que en pocos años la llevó a dar clases en un colegio católico.

A los 18 años conoció al primer amor de su vida y no dudo al recibir su propuesta de casamiento. De aquella pareja nacieron dos hijos, que se convirtieron en la principal razón de la vida de Miriam y le devolvieron el sentido de la existencia y la creencia en poder concretar los sueños.

Mientras tanto, en el colegio donde trabajaba se había convertido en la maestra preferida de todos. Ella se encargaba de preparar y organizar las fiestas y festivales de la escuela, dirigir a los alumnos en las obras que ponían en escena, y allí fue que comenzó a cantar en público. Su voz inundaba el patio de recreos, y era el disfrute de alumnos, padres y profesores, que no hacían más que oírla embelesados con la melodía que surgía de su garganta.

En una oportunidad, su amigo de la infancia Toti Giménez, que en aquella época trabajaba con Ricky Maravilla, presenció uno de estos festivales en los que Miriam regalaba sus melodías, y a penas la escuchó supo que tenía ante él un talento invaluable para el mundo de la cumbia melódica. Así que fue que le propuso a Miriam convertirse en cantante, haciendo posible que el sueño que había atesorado desde que era muy pequeña se convirtiera en realidad.

A penas fue presentada ante el público se convirtió en un éxito inmediato, y dejó de ser Miriam para siempre, para convertirse en Gilda, nombre que había elegido debido a su gran admiración por la actriz Rita Hayworth, quien encarnó el personaje de la película del mismo nombre. Otros cambios llegaron a su vida, ya que al iniciar una relación no sólo profesional sino también amorosa con Toti Giménez, decidió divorciarse de su primer marido.

Al llegar el año 1996 Gilda ya se había convertido en un éxito insuperable, logrando alcanzar con la venta de sus álbumes los galardones de discos de oro, platino y doble platino, y realizando permanentes giras por la Argentina y los países limítrofes.

Nada parecía poder parar este huracán. Sin embargo, el 7 de septiembre de 1996 encontró la muerte en el kilómetro 129 de la ruta nacional 12, conocida como “ruta de la muerte”, cuando un camión embistió de frente el micro en el que se trasladaba la cantante junto a su familia y los músicos que la acompañaban en los shows.

A partir de allí, comienza la segunda parte de la historia de Gilda, convertida por sus seguidores en una mártir que partió del mundo terrenal para transformarse en una especie de santa que posibilita la realización de milagros.

Hoy, son miles los devotos de esta fe, que asiduamente se acercan a su tumba en el Cementerio de la Chacarita o al Santuario ubicado en el lugar de la tragedia para pedir que se realicen sus sueños, para pedir milagros, y por supuesto llevar las más variadas ofrendas.

Ellos no dudan en asegurar que Gilda tiene poderes, y que desde donde éste los conforta y los ayuda a vivir.

El culto: Actualmente miles de devotos se movilizan a pedirle ayuda tanto a su tumba en el primer piso, galería 24 del Cementerio de la Chacarita como hasta el Santuario levantado en Paranacito, llevándole ositos, cartas de amor, flores, cintas, dibujos, prendas, escarpines, ramos de novia y rosarios, etc. En la provincia de Tucumán, una calle de un barrio lleva su nombre, y también un barrio en el partido de Ensenada, Buenos Aires.

En el kilómetro 129 de la ruta 12, lugar dónde sucedió el accidente, alguien colocó una cruz de madera y comenzaron a llevar flores. Con el tiempo colocaron un monolito blanco que indicaba el lugar exacto de la tragedia. Desde ese momento comenzó la constante peregrinación de sus devotos.

Tres cruces custodiaban la entrada y en un cartel puede leerse una frase de Oscar Wilde: “Las grandes obras las sueñan los santos locos, las realizan los luchadores natos, las disfrutan los sagrados cuerdos y las critican los inútiles crónicos.”

Ver También Otro Fenómeno: “Rodrigo”

Fuente: Graciela Marker Para Planeta Sedna

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Biografía de Lola Mora – Escultora Argentina

Dolores Mora y Vega nació el 17 de noviembre de 1866 en La Candelaria, provincia de Tucumán. Aunque en aquellos años no era una actividad bien vista para una muchacha, desde muy joven se dedicó al estudio de la pintura. Para escándalo de muchos, cambió los pinceles por el buril y el cincel, y se dedicó a la escultura. Sus manos, que comenzaron a comulgar con la arcilla, la piedra y el mármol, no siguieron el rumbo que sus mayores hubiesen querido: el del tejido, el bordado o, al menos, el piano.

La vida de la escultora argentina está sembrada de misterios y lagunas que ningún biógrafo o historiador a sido capaz de desentrañar, y que muchos han intentado salvar especulaciones y conjeturas. Sus actividades cotidianas, fuera de la escultura, configuran un verdadero rompecabezas con demasiadas piezas , que hace imposible reconstruir con certeza los parajes íntimos de su paso por este mundo.

Biografia de Lola MoraEn realidad, respecto a su lugar de nacimiento hay dos versiones, una que nació en Buenos Aires y otra la mas posible, es que haya nacido en El Tala, en la provincia de Salta el 17 de noviembre de 1866.

Hija de Romualdo Mora, comerciante y hacendado de clase media de buena posición económica, que con el tiempo logró amasar una importante fortuna, pero que no fue suficiente para llegar a ocupar un cargo privilegiado en la cerrada sociedad tucumana, posiblemente debido a que su madre (Regina Vera), tenía un hijo natural de soltera.

Regina tuvo siete hijos con Romualdo, tres varones y cuatro mujeres. Siempre intentaron dar una buena formación educativa a todos sus hijos, y Lola se destacó desde su infancia, obteniendo siempre buenas calificaciones.

Romualdo fallece de modo inesperado, cuando tenía  48 años, un  14 de septiembre de 1885 a causa de una neumonía; dos días más tarde fallece Regina de un “hipertrófico de corazón”, tal como figura en su acta de defunción. Pero los hermanos no quedaron a la deriva. Paula Mora, que por entonces tenía 25 años, contrajo matrimonio dos semanas después de la muerte de sus padres con el ingeniero Guillermo Rücker, quien en un principio se hizo cargo de los huérfanos.

A los veinte años Lola pudo estudiar bellas artes en la provincia de Tucumán, de la mano del pintor italiano Santiago Falcucci (1856-1922), quien comenzó a brindarle clases particulares y mas tarde continúa sus estudios luego en Roma, Italia país en donde tiene como principal maestro a Giulio Monteverde. A partir de este momento comenzará su prolífica y excepcional carrera artística profesional, que la llevará al éxito, aunque su verdadero reconocimiento nacional seria posterior a su fallecimiento.

 

Por aquella época el mundo oficial de la cultura sólo llegó a admitirla como curiosidad pero nunca como lo que realmente era una artista genial. Es así como Lola Mora -ella nunca volvió a reconocerse a sí misma como Dolores Mora y Vega- sufrió la incomprensión de sus contemporáneos. El destino de su hermoso conjunto La fuente de las Nereidas es una prueba de ello. Tras realizarla en Europa y enviarla a la Argentina, en 1903 fue emplazada en Buenos Aires, en el Paseo de Julio -hoy avenida Leandro N. Alem-, pero a los pocos días ciertos círculos objetaron la moralidad de esa Venus que se atrevía a nacer desnuda en plena vía pública. Una custodia policial debió proteger la obra de los agresores, quienes, en nombre del buen nombre y honor, no titubeaban en escribir sobre el mármol todo tipo de groserías.

Olvido y memoria:  Lola Mora es sin duda un personaje relegado en la historia del arte nacional. Ensalzada primero y olvidada después, pocos análisis concienzudos reflejan su legado artístico.

Es cierto que no han faltado, tras su muerte, iniciativas reivindicatorias, sobre todo de su obra más popular: la Puente de las Nereidas.

Convertida en Monumento Nacional Histórico en 1997, protegida del vandalismo por un muro de vidrio desde el año 2000, y celebrada inéditamente por la Dirección de Museos del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en el aniversario de 2003, este magnifico conjunto de mármol es prácticamente el único trabajo que los paisanos de Lola le reconocen.

Imagen: La Libertad

Los pocos estudios que se han hecho sobre la obra de la tucumana, con frecuencia se han esforzado por escindir la obra de la artista de lo que fue su exclusivo círculo de amistades (gracias al cual logró tantos importantes encargos y también se opacó su capacidad creadora). Es el caso del estudio que José León Pagano incluyó en El arte de los argentinos de 1940, o el que Abelardo Arias publicó en 1962.

Clasicismo y precisión técnica

Ciertamente Lola Mora no rompió con ningún canon ni fue una adelantada. Se abstuvo de experimentar fuera de los preceptos que internalizó en Roma al lado de sus afamados maestros. Pero llegó a combinar el naturalismo con la iconografía clásica de una manera que resulta llamativa y conmovedora. Nadie podría negar la precisión técnica de sus homenajes a Alberdi y a Avellaneda, que sumada a esa afición suya por el detallismo —el bordado de una media o los infinitos pliegues de un vestido— demuestran la sensibilidad y delicadeza que era capaz de imprimir a sus figuras.

Una figura polémica: Los detalles de su vida son los que más se buscan, los que más se consultan, de lo que mas se habla cuando se habla de Lola Mora. Sin duda resultan interesantes. Y si en su arte no hubo revoluciones, sí fue una revolución que una mujer lograra lo que ella logró en su tiempo. Y si no fue feminista ni se interesó en congraciarse con sus congéneres, sí fue un ser desprejuiciado y libre, que jamás pudo haber pensado en la inferioridad de su sexo. Despreciada después de la primera década del siglo XX, la figura de Lola Mora fue ascendiendo en la imaginación de posteriores estudiosos y admiradores que incontables veces idealizaron su figura, atribuyéndole rasgos que nadie podría corroborar (que fumaba, que era bisexual…). Más interesante que seguir alimentando habladurías —las mismas que persiguieron a Lola en vida— sería otorgarle, a través del estudio serio y la difusión, un justo sitial en la fecunda historia del arte argentino.

Las dimensiones de su creación Ella producía a lo grande, para la ciudad y su público. Casi no se le conocen obras transportables ni intereses fuera de los encargos oficiales. No obstante, lo que hizo en ese contexto sobra para merecer un lugar de relieve en la historia de la escultura nacional.

Imagen: La Justicia

Aparte de las obvias consideraciones acerca de su estatuto de mujer independiente, de la peculiar actividad que había elegido, de su capacidad para salir airosa en un mundo masculino, la obra de Lola Mora es capaz de hablar por sí misma.

En ella se evidencia un profundo conocimiento de las técnicas del arte; se aprecia una privilegiada inteligencia detrás de la concepción del espacio, la seguridad en el planteo, la capacidad para reproducir complicadísimas posturas y otorgar una enorme vitalidad a los gestos. Nada de esto le fue regalado; ella trabajaba sin descanso, y su talento y perseverancia no tienen nada que ver con las amistades que quiso cultivar y la vida que le gustaba llevar.

Fuente: Lola Mora Pasión Por La Forma Tomo 2 La Nación.

Biografia de Carlos Monzón Figura Boxeo Argentino Idolos Argentinos

Biografia de Carlos Monzón Campeón Mundial De Boxeo

En 1970 en deportes, el triunfo de Carlos Monzón, constituye un motivo de suma alegría al conquistar la corona  mundial de boxeo, en la categoría mediano, en Roma, venciendo a Nino Benvenuti.

Biografia de Carlos MonzónVida de Carlos Monzón Amalia Ledesma y Roque Monzón tuvieron el 7 de Agosto de 1942 a su quinto hijo y lo llamaron Carlos. En San Javier (Santa Fe) vivió los primeros años de su vida y fue ahí donde comenzó su verdadera pelea que se basaba en defenderse y subsistir a una infancia sin juguetes, de pobreza y con muchos inconvenientes.

En 1951, toda la familia se mudó hacia el barrio Barranquita. Desde chico, Carlos percibía que lo suyo no era el estudio y por tal motivo dejó la escuela en tercer grado. Esto lo motivó y lo obligó a trabajar para ayudar a sus padres. Para conseguir un mango se las rebuscaba como sodero, lechero o diariero, mientras que compañeros de su edad estudiaban o se reunían para jugar.

Todavía no boxeaba, pero en la vida estaba cayendo por puntos. Buscando un camino y un rumbo dentro del pugilismo recorrió distintos gimnasios. Sus ocasionales “managers” eran el “Mono” Martínez y Roberto Agrafogo. Empezaba a mantenerse haciendo lo que más le gustaba. Con un peso de 64 kilos disputó su primer enfrentamiento, en el pabellón de la Industria ubicado en su ciudad, frente a José Cardozo. El resultado indicó un empate en tres asaltos y recibió un viático de 50 pesos. Las peleas, estilo callejeras, por montos irrisorios, eran moneda corriente hasta que…

Monzón y Amílcar Brusa: el destino los unió:

Carlos necesitaba confiar en alguien y por eso en una de las primeras charlas le aclaró: “Mire, Brusa, a mí hace poco me robaron con un porcentaje.

 Yo sé que usted no roba. Por eso vengo a verlo”. Desde entonces se formó un verdadero trabajo entre ambos y en conjunto con profesionales de la talla de José Lemos, Adolfo Inocencio Robledo y Pedro Coria, también pupilos de Amílcar. La regla base consistió en incorporar conocimientos técnicos y sociales. Brusa hacía las veces de entrenador – amigo – padre.

Un triángulo que daría muchas satisfacciones. Una derecha terrible, frío, calculador, guapo, tenaz, contundente, feroz, eran algunas de sus virtudes con las cuales demolía rivales.

El 12 de Diciembre de 1962 venció por puntos, en 5 asaltos, a Bienvenido Cejas. Ahí culminó la etapa inicial de su carrera, porque ese fue su último combate como amateur. Había llegado el tiempo de pegar el salto al profesionalismo. Eran días claves para el santafesino. La decisión fue acertada, no se equivocó. 

PAGO EL DERECHO DE PISO

u debut rentado se produjo en Febrero de 1963, cuando venció a Ramón Montenegro, en 2 asaltos. Sólo Dios sabía lo que vendría. ¿Podrá lograr el título mundial?, dudaban algunos. Carlos trabajaba y no se guiaba por comentarios, críticas o rumores. Vivía para entrenar, viajar y pelear. Del tren al ómnibus y viceversa. ¿Por qué tanta prisa? Principalmente por el dinero. En total realizó 22 enfrentamientos en dos años y recorrió Posadas, Paraná, Córdoba, Buenos Aires, Reconquista y Santa Fe, su provincia natal. El récord marcó apenas tres derrotas.

  • 28 de Agosto de 1963, en el Luna Park (Argentina), frente al platense Antonio Aguilar. Fue una contienda difícil. Para colmo, Amílcar Brusa no estuvo en el rincón, ya que su pupilo Roberto Chetta se medía ante Federico Thompson, en Santa Fe. Monzón había sido atendido y cuidado por Genaro Ramusio, Alfredo Luna y Manuel Hermida.
  • 28 de junio de 1964, Río de Janeiro (Brasil), ante Felipe Cambeiro, a raíz de tres caídas, de un físico aún no estabilizado y de un viaje apurado para dejar algunas cosas atrás.
  • 9 de Octubre de 1964, en Córdoba (Argentina), ante Alberto Massi, después de un combate parejo y durísimo.

LECTURE: UN HERMANO

A fines de los 60, la televisión trasmitía los miércoles a la noche, en el Luna Park, las disputas que promocionaban Ulises Barrera o Ricardo Arias en la conducción y que presentaba a promesas como Carlos Salinas, Antonio Aguilar, acompañados por los consagrados Horacio Saldaño, Abel Cachazu, Avenamar Peralta, Pedro Rimovsky, Ramón La Cruz, Victor Emilio Galíndez, en la categoría mediano.

Todos anhelaban un lugar de privilegio y muchos soñaban con la posibilidad de enfrentar a Jorge Fernández, campeón de los medianos. El mismo que había intentado la corona mundial welter en 1962 ante Emile Griffith, en las Vegas, y cayó por nocaut  técnico. Monzón poco a poco fue venciendo a Antonio Aguilar, Celedonio Lima, Carlos Salinas en la final del ” Cinturón Eduardo Lausse”, una competencia pugilística organizada por Tito Lectoure.

Con esos valiosos triunfos se fue ganando el lugar de privilegio y tuvo la oportunidad de estar frente a frente con Fernández. Ese boxeador flaco de largas piernas, de 24 años, el 13 de Septiembre de 1966, obtuvo su primera meta importante: el título argentino y con esto sorprendió al mismísimo Lectoure. El, justamente, le trajo, en 1967, el primer oponente extranjero llamado Bennie Briscoe ( en 1972 se enfrentarían por la corona de los medianos), que empató con el argentino. Al poco tiempo, Monzón derrotó, nuevamente, a Fernández sacándole en este caso el campeonato Sudamericano. Lectoure trabajaba en un aspecto fundamental: una posibilidad por el título mundial.

Mientras tanto, le conseguía contrincantes extranjeros (Douglas Hountley, Thommy Bethea, entre otros) para foguearlo y hacerlo subir en el ranking. En 1979, se le dio la chance que todos esperaban. El combate era con Benvenuti, en Roma, el 7 de Noviembre y con una bolsa de 15.000 dólares. El round 12 fue el de la consagración, ya que el italiano sintió el derechazo y no resistió. El santafesino alcanzaba la gloria triunfando por nocaut y se anotó como el cuarto campeón del mundo que daba el país. Comenzaría entonces un ciclo brillante y único en la historia de este deporte.

DEFENSAS EXITOSAS:

Fecha Lugar Rival Resultado
7-11 – 1970 Roma Nino Benvenuti (1) GKO 12
8- 5 – 1971 Montecarlo Nino Benvenuti GKO 3
25- 9 – 1971 Buenos Aires Emili Griffith GKOT 14
4- 3 – 1972 Roma Denny Moyer GKOT 5
17- 6 – 1972 París Jean Claude Bouttier GKO 13
19- 8 – 1972 Copenhague Tom Bogs GKO 5
11-11 – 1972 Buenos Aires Bennie Briscoe GPP 15
2- 6 – 1973 Montecarlo Emile Griffith GPP 15
29- 9 – 1973 París Jean Claude Bouttier GPP 15
9- 2 – 1974 París “Mantequilla” Napoles (2) GKOT 7
5-10 – 1974 Buenos Aires Tony Mundine GKO 7
30- 6 – 1975 Nueva York Tony Licata GKOT 10
13-12 – 1975 París Gratien Tonna GKO 5
26- 6 – 1976 Montecarlo Rodrigo Valdés (3) GKO 5
30- 7 – 1977 Montecarlo Rodrigo Valdés GPP 15
29- 8 – 1977 Buenos Aires Anuncia oficialmente su retiro GPP 15
  1. Obtiene el Campeonato Mundial reconocido por la AMB y el CMB.
  2. Después de esta pelea, el CMB le quita su reconocimiento.
  3. Unifica nuevamente el Campeonato Mundial mediano.

Su récord de 14 peleas exitosas aún permanece imbatido en el historial de los medianos.

MOMENTOS :

  • París, el 14 de Junio de 1972 frente a Jean Claude Bouttier. En su tercer defensa Monzón la pasó mal. Los dos anduvieron por el piso, pero la energía del argentino prevaleció.
  • Buenos Aires (Luna Park), Noviembre 11 frente a Bennie Briscoe. Ganó por puntos en fallo unánime, tras sufrir el asedio del norteamericano en el 9° round.
  • París, 9 de Febrero de 1974, contra José “Mantequilla” Nápoles. Uno de las encuentros más esperados promovido por la estrella de cine francés Alain Delon. Nocaut técnico indicó el final. Carlos Monzón se consolidaba en Europa.
  • Montecarlo, 26 de Junio de 1976. Superó al colombiano Rodrigo Valdés y a su título de la Asociación Mundial de Boxeo le sumó el del Consejo Mundial.
  • Montecarlo, 30 de Junio de 1977. Venció por puntos en fallo unánime a Rodrigo Valdés. Sin embargo el trámite en el cuadrilátero resultó tremendamente difícil. La fortaleza anímica le permitió sobreponerse de una caída en el 2° round. Un rato más tarde, Monzón haría oficial su retiro. Catorce defensas exitosas se abrochaban en los libros y recuerdos de los aficionados de esta disciplina.

UNA PAGINA APARTE  :

Estaba en su etapa de esplendor y el destino lo unió con la actriz Susana Giménez. Filmaron juntos, en 1974, la película “La Mary” y comenzaron a salir. La estrella de cine no le gustaba el boxeo y por eso le pidió que largara. Desde entonces comenzaron los inconvenientes entre Lectoure-Brusa-Monzón. El campeón no demostraba ser el mismo. Después de enfrentar a “Mantequilla” Nápoles realizó el intento inicial para dejar. Viajes juntos, gastos de todo tipo, la alternativa de colgar los guantes, desacuerdos amorosos, ocupaban su mente. El retiro se produjo en 1977. Al año por mutuo acuerdo se separó de Susana, en Mar del Plata. Algunos indican que el alcohol y las malas compañías formaban parte de su vida. Se casó con Alicia Muñiz y tuvieron a Maximiliano Roque.

La desgracia se vivió el 14 de Febrero de 1988, en Mar del Plata. Luego de una discusión, Alicia resultó muerta y Monzón fue culpado, juzgado y llevado a prisión por homicidio simple, teniendo que cumplir una pena de 11 años. Cuando estaba en la última parte de su condena, y ya gozaba de libertad restringida que le permitía salir del penal, murió en un accidente automovilístico el domingo 8 de enero de 1995, en Los Cerrillos, a cuarenta kilómetros de Santa Fe. En esa provincia empezó a luchar contra la adversidad, los problemas y en el mismo lugar terminó. De todas maneras fue, es y será un grande del deporte.

Biografía a cargo de: Leonardo Espósito

EL DINERO DE MONZÓN:

Monzón es un excelente ejemplo del arquetipo del joven muy pobre que alcanza la fama y el dinero a través de su talento deportivo. Como otros boxeadores, salió de la mayor pobreza. Todo lo consiguió por su innegable habilidad sobre el ring y algunas participaciones en cine y televisión. Monzón decía que la mayor bolsa que cobró fue de 500.000 dólares (su última pelea ante Valdéz). Y se jactaba del buen uso que hizo del dinero que había ganado.

En una nota de 1980, describió su guardarropa: “46 trajes, 200 camisas, 300 corbatas y pares de zapatos”. Pero en 1989, ante la jueza Ofelia Gobbi, decía que no podía pasar más de 10.000 australes para Maximiliano (los Muñiz exigían 16.000). El destino de la fortuna de Monzón es confuso. Cuando Lectoure le pasó la posta de la representación del boxeador a Steinberg, en 1974, el boxeador ya tenía más de 1,3 millón de dólares.

En julio de 1995, Iván Raimondi (abogado de Monzón entre 1970 y 1977) reveló que cuando dejó al boxeador, éste tenía 6 millones de dólares, 35 departamentos, 2 casas, un campo, 7 camionetas y 3 Mercedes Benz. Aseguró que sus bienes sumaban unos 10 millones de dólares. Pero en la misma nota, el apoderado de Monzón entre 1987 y 1995, Juan José Netri, rechaza estos datos. “Nunca tuvo tanto dinero”, dijo. Agregó que, según había investigado, en ese entonces no tenía más de 100.000 dólares…

La disputa por Maximiliano tuvo mucha relación con el dinero y posiblemente haya sido uno de los principales desencadenantes de la tragedia de 1988. Maxi nació en 1981, poco después del casamiento (en Miami) de Monzón y Alicia. El boxeador no lo volvió a ver después del 13 de febrero de 1988. Tras perder a su madre, el chico quedó bajo la custodia de sus abuelos, Alba Calatayud y Héctor Muñiz García. En 1997, la apoderada de esta familia, Alejandra Mastricardi, dijo que la protección legal tendrá vigencia hasta que Maximiliano cumpla la mayoría de edad o se emancipe. La relación entre Monzón y Maximiliano fue buena durante mucho tiempo.

Hay fotos en las que se ve a Monzón y Lectoure probándole guantes de boxeo al chico. Luego, en la cárcel, Monzón se lamentó una y otra vez de haber sido alejado de su hijo menor. Resulta conmovedora una carta adjudicada al chico y publicada en la revista Caras: “Odiado papá, no te pienso ver nunca en la vida y no te voy a mandar ni media foto mía. No te quiero , aseguran que le escribió mientras Monzón estaba tras las rejas. Seguramente, la muerte del “odiado papá” y el paso del tiempo habrán tenido algún efecto estos sentimientos.