Escritores Españoles Siglo XVIII

Biografia de Becquer Gustavo Adolfo Poeta Romantico

Biografia de Bécquer Gustavo Adolfo Poeta Español

Aun perteneciendo a una generación posterior a la del pleno romanticismo español, Gustavo Adolfo Bécquer encarna una de los cumbres de la poesía romántica en España.

Y esto es debido a que, incluso en medio de la vulgaridad de su vida, Bécquer fue un temperamento apasionado, melancólico y sentimental.

Verdadero artista, fue creador de formas inolvidables de belleza, cuyo delicado sabor se aprecia más y más con el transcurso de los años, sin perder trascendencia a pesar de su popularización.

No tuvo una fuerza lírica considerable, quizás a causa de que su carrera se malogró por su prematura muerte.

Pero, en cambio, sus Rimas poseen una exquisitez sentimental, un divagar alado y un encanto brumoso muy de acuerdo con su espíritu y con el modelo que debió tomar para sus composiciones: Heine.

Las Leyendas de Bécquer superaron a todos los intentos anteriores en este género, y su prosa es considerada como el ejemplo más acabado de la prosa poética en la época del romanticismo.

Biografia de Becquer Gustavo Adolfo
Gustavo Adolfo Becquer: Nació en Sevilla (1836) y quedó huérfano desde muy niño. Creció entonces al cuidado de su madrina, quien lo hizo educar en el Colegio de San Telmo. Muy contraído a la lectura y a la música, pasó su adolescencia retraído en la biblioteca de su tutora y consagrado a componer sus primeros ensayos poéticos.

Hijo de un pintor sevillano, Gustavo Adolfo nació en la antigua Hispalis el 17 de febrero de 1836. A muy tierna edad, quedó huérfano de padre y madre, por lo que fue recogido, junto con su hermano Valeriano, por una tía.

En busca de gloria literaria, marchó después con su hermano Valeriano, pintor, a Madrid (1854). Allí pasó estrecheces económicas y practicó varios oficios, como periodista de notas literarias, autor teatral y escribiente en una oficina del gobierno.

Realizó por ese entonces con su hermano varios viajes artísticos por el interior del país. Se casó luego con Casta Esteban Navarro (1861), con la que tuvo dos hijos.

En 1854 se trasladó a Madrid para ocupar una plaza en la Dirección de Bienes Nacionales; pero perdió su empleo a causa de su inclinación a la poesía.

Desde 1860 figuró en la redacción de El Contemporáneo, en cuyas columnas aparecieron sus Cartas desde mi celda, escritas en 1864 en el monasterio de Veruela, cerca de Tarazona, mientras se recobraba de una enfermedad.

Realizó algunos viajes a distintas ciudades españolas en compañía de su hermano, cuyas impresiones publicó más tarde en la notable Historia de los
templos de España.

Publicó sueltas algunas de sus Rimas y de sus Leyendas. Como su salud se quebrantara, Bécquer salió de Madrid (1863) y fue a descansar al monasterio de Veruela (1864) por varios meses.

Su celebridad la debió a las Rimas, que fueron apareciendo en los últimos años de su vida, junto con una serie de leyendas mórbidas y fantásticas (El rayo de luna, La ajorca de oro, Maese Pedro el Organista, El Miserere, etc.).

Ocupó luego el cargo de fiscal de novelas y continuó publicando artículos, poesías y leyendas. Falleció su hermano Valeriano (1870), y apenas tres meses después, el propio Gustavo (1870).

Al año siguiente sus amigos hicieron una edición de dos tomos de sus Obras.

En 1870 fue nombrado director de La Ilustración de Madrid; pero ocupó muy poco este cargo, ya que moría el 22 de diciembre del mismo año.

El hombre. Un amigo íntimo (Julio Nombela) ha referido en una obra detalles de la vida personal de Bécquer, y lo ha retratado así: «Siempre fue serio. No rechazaba la broma, pero la esquivaba. Nunca lo vi reír; sonreír siempre, hasta cuando sufría. Tampoco le vi llorar; lloraba hacia adentro. Era paciente, sufrido, resignado; amante, bondadoso, Sabía compadecer, perdonar, admirar lo bueno y ocultar asimismo lo mísero y lo malo».

Las «Rimas». La obra poética de Bécquer es muy corta y se reduce a poco más de setenta composiciones (rimas), que el autor no reunió en volumen y sólo aparecieron en periódicos de la época.

Bécquer ha dejado escrito en varias partes su concepción personal de la poesía (Cartas literarias a una amiga).

Para el autor sevillano hay dos clases de poesía: una magnífica y sonora, hija de la meditación y del arte, y otra «natural, breve y seca que brota del alma como una chispa eléctrica, que hiere el sentimiento con una palabra y huye, y desnuda de artificio, desembarazada dentro de una forma libre, despierta, con una que las toca, las mil ideas que duermen en el océano sin fondo de la fantasía…»

A esta segunda clase de poesía pertenece la obra de Bécquer.

Sus poesías son por lo general breves y se distinguen por su gran musicalidad, fluidez de expresión y libertad de formas.

El tono es intimista y melancólico, sobrio y delicado, y da una impresión de ensueño, inmaterialidad y embelesamiento estético.

La poesía becqueriana recoge en esto el eco de algunos poetas nórdicos, en especial del alemán Heine. con qusen se lo ha comparado, y simultáneamente de la más pura tradición poética española, San Juan de la Cruz. Lope y otros.

En su conjunto, las Rimas son «la historia de una gran pasión ideal que tiene mucho de melancólica y alguna vez de sombría» (Hurtado y Palencia).

El tema fundamental es el amor, pero lo combina con el destino humano, la muerte, la soledad, la poesía, la mujer, la gloria y los sueños, es decir, el repertorio típico del lirismo romántico.

En lo formal, usó gran variedad de metros y estrofas, y principalmente, combinó medidas en cada composición (polimetría).

Entre las más recordadas merecen citarse Yo sé un himno gigante y extraño; Del salón en el ángulo oscuro, ¿Qué es poesía?; Cerraron sus ojos; No digáis que agotado su tesoro; Volverán las oscuras golondrinas, etc.

El becquerianismo. Las composiciones de Bécquer se han hecho famosas a través del tiempo »y han sido objeto de muchísimas imitaciones en España y en América.

Bécquer hizo escuela, y de su arte nació el becquerianismo en poesía, aunque ningún artista ha podido igualar al maestro.

La crítica erudita ha rastreado influencias y antecedentes, a su vez, de la poesía de Bécquer, y los ha encontrado y probado en varios casos.

Sin embargo «este poeta lo es por entero, es un gran poeta original, es el más fino lírico español del siglo último» (Dámaso Alonso).

Su innovación literaria y la repercusión de su obra en la historia de la literatura española, ha sido comparada a la de Garcilaso de la Vega.

Las «Leyendas». En prosa escribió varias obras, pero la más importante son las Leyendas, que también fueron apareciendo en publicaciones periódicas sin constituir un volumen único hasta después de su muerte.

Son historias fantásticas escritas en una prosa exquisita y galana, que el poeta sitúa en su mayor parte en la Edad Media española, y excepcionalmente, en otros lugares.

El amor, la muerte, la religión y los ensueños son los motivos principales. Algunas de las leyendas repiten motivos de sus poesías, y el mundo que revelan es un orbe de vaguedad, misterio e indefinición.

Pasajes de sus obras:

Maese Pérez, el organista: Maese Pérez, hombro santo, es el organista del convento de Santa Inés, en Sevilla. Ha consagrado toda su vida a su gran pasión, la música, que ejecuta en un órgano.

Durante una misa de gallo, en Nochebuena, muere frente a su instrumento después de una ejecución admirable.

En la misma fecha del año siguiente, se encarga de la ejecución a un organista rival suyo y fracasado, quien iguala al músico muerto.

Pero al año siguiente, consagrado el sucesor, se lo encarga de la misma tarea en el órgano de la catedral, mientras a la hija de Maese Pérez se le encomienda reemplazar a su padre.

El organista envidioso fracasa en la catedral, mientras la hija, al sentarse en el lugar de su padre, comprueba que el órgano suena solo. El alma de Maese Pérez había bajado del cielo en las dos últimas ocasiones a tocar.

El rayo de luna: Un noble rico, de espíritu romántico y soñador, cree ver una noche mientras vagaba por los claustros de un convento abandonado de los Templarios, a una mujer misteriosa.

Corre tras ella para alcanzarla, presa de un súbito enamoramiento, pero no lo consigue. La busca luego en vano por el Duero y la ciudad de Soria.

Sólo dos meses después, en el mismo convento, vuelve a verla, pero una gran desilusión lo enloquece: su adorada mujer era solo un rayo de luna. La vida es asi, sólo un rayo de luna.

El miserere: Un romero músico se entera de una legendaria tradición y marcha un jueves santo por la noche, a escuchar un misterioso miserere en un convento sacrilegamente incendiado siglos atrás.

Allí, a la medianoche, ve un espectáculo maravilloso: todo se renueva, y ios monjes esqueléticos entonan un magnifico miserere.

El romero se desmaya y quiere luego escribir esta música, pero enloquece en su vano intento. El manuscrito queda así inconcluso.

Fuentes Consultadas: Literatura Española, Hispanoamericana y Argentina de Carlos Alberto Loprete Editorial Plus Ultra

fuentes

Biografia de Jose de Espronceda Poeta Romantico Español – Obra

Biografía de José de Espronceda – Poeta Español

La poesía romántica exaltación de lo irracional, pasión, ímpetu, sentimentalidad, sobrevaloración del individuo — tiene su encarnación más típica en España en el vate José de Espronceda y Delgado —incluso en su derivación hacia los campos de la política y de la concepción revolucionaria de la vida.

Pujante, contradictorio, enérgico y tierno a la vez, su poesía expresa la inquietud de aquella generación, sin base sólida en que agarrarse, dando alas a lo inconexo, a lo confuso y a lo sombrío.

Jose de Espronceda
BIOGRAFIA DE JOSE DE ESPRONCERDA: Nació de casualidad en el palacio del marqués de Monsalud, en Almendralejo, el 25 de marzo de 1808, cuando sus padres, el brigadier Juan de Espronceda y Fernández Pimentel y doña María del Carmen Delgado y Lara, se trasladaban a Badajoz desde Aranjuez con motivo de los inminentes acontecimientos políticos provocados por la intervención francesa en España.

Maravilloso a veces por la armonía de su pluma, por la emotividad y belleza de sus versos, cae en otras ocasiones en el desaliño de la improvisación.

Pero también en este aspecto — entre lo sublime de las cimas y el mal gusto de las hondonadas — Espronceda es fiel a sí mismo, a su generación y al romanticismo.

Fue uno de los grandes poetas del romanticismo español y se lo ha comparado en varios aspectos con el inglés Byron.

Su Vida. Nació cerca de Almendralejo, Badajoz (1808) y su padre fue militar. Estudió en Madrid en el Colegio de San Mateo y desde joven se dedicó a la poesía.

Hijo de un matrimonio de edad muy desigual, José fue desde sus más tiernos años el niño prodigio, el encanto de su padre y la desesperación de su madre.

En 1820 residía con su familia en Madrid, y en este mismo año ingresó en el colegio de la calle de San Mateo, donde profesaban Lista y Hermosilla.

Cerrado este centro en 1823, Espronceda siguió a Lista en el colegio que éste estableció en la calle de Valverde, donde bajo la dirección de aquel gran humanista cursó con singular aprovechamiento idiomas antiguos y modernos, matemáticas, retórica, poética, mitología, etc.

Adoptó tempranamente la actitud de un típico revolucionario exaltado y se afilió a una sociedad secreta, Los Numantinos. Por su participación en las luchas políticas contra la monarquía, debió emigrar a Lisboa (1827), ciudad donde se enamoró de Teresa Mancha, hija de un coronel español retirado, la que se convirtió en el gran amor de su vida y sería la protagonista de su poesía Canto a Teresa.

Mientras cursaba estos estudios, la actividad del muchacho abarcaba ya las esferas de la poesía y la política. En 1823 entró a formar parte de la Academia del Mirto, prolongación del colegio de Lista.

En el mismo año fundaba con unos mozalbetes una sociedad secreta, Los Numantinos, con sus ribetes de masonería y sus veleidades revolucionarias.

Denunciada esa asociación a las autoridades en 1825, Espronceda fue procesado y condenado, a causa de su temprana edad, a unos días de reclusión en el convento de San Francisco de Guadalajara, donde residían sus padres. Aquí compuso su primera obra poética, Pelayo.

Deseoso de ver mundo, en un impulso típicamente romántico, dejó su familia y se embarcó en Gibraltar para Lisboa (1826).

Marchó después a Inglaterra, donde volvió a encontrarse con Teresa, a quien sus padres habían casado ya con otro hombre.

Allí conoció Espronceda la literatura romántica inglesa y admiró la obra de Byron. Se fugó más tarde con Teresa a París (1829), conoció a los románticos franceses, en especial a Víctor Hugo, y participó en la revolución de 1830.

De regreso en España (1833) por una ley de amnistía, sufrió otros destierros y condenas en el interior del país. Se convirtió en tribuno y periodista y actuó como exaltado miembro del partido progresista.

Ocupó el cargo de secretario de la legación española en La Haya (1841) y al año siguiente fue elegido diputado por Almería a las Cortes.

Separado desde hacía algún tiempo de Teresa, y mientras preparaba su boda con Bernarda de Beruete, falleció en Madrid (1842), a los treinta años de edad.

Espronceda recibió la secretaría de la legación española en La Haya (de la que tomó posesión el 29 de enero de 1842) y fue elegido diputado por Almería (1841). Por aquella misma época empezó a publicar el Diablo Mundo, obra que le dio gran popularidad y que es sintomática de su genio poético desigual y del romanticismo exaltado. Cuando estaba a punto de casarse con doña Bernarda de Beruete, una infección en la garganta le produjo la muerte en Madrid el 23 de mayo de 1842. Contaba entonces treinta y cuatro años.

Personalidad. Espronceda fue un artista y aventurero turbulento, que encarnó en la realidad el ejemplo de vida romántica.

Su carrera amatoria y política lo revelan como un hombre apasionado y rebelde, que se fija sus propias leyes y principios. Fue «prisionero de su propio proceso cíclico» (G. Brenan), con ambiciones y aspiraciones gigantescas, que al chocar con la realidad, lo condujeron a la desesperación.

Su obra poética. La obra poética de Espronceda es breve y comprende poemas extensos (El estudiante de Salamanca y El diablo mundo), poesías breves y otras páginas.

Poesías Líricas. Las poesías propiamente líricas son pocas y tratan de asuntos amatorios, patrióticos y revolucionarios. En todas ellas el poeta muestra una impetuosidad, un desenfreno y una independencia personalísima.

Compone con un subjetivismo sin límites: su intimidad psíquica transparece a cada momento, así como sus pasiones y sus ideas. Su poesía trasunta además una visión desordenada del mundo, una insaciable voracidad creativa, un total capricho al manejar las formas métricas, y un enfoque visual y luminoso del contorno externo.

Está considerado como un artista original, pues aunque en algunos momentos se puedan identificar reminiscencias de lecturas (sobre todo de Goethe y de Byron), su talento natural no es imitativo.

Algunas composiciones han logrado fama perdurable por la maestría con que están concebidas y realizadas (A Jarifa, en una orgia; Canción del pirata, etc.), a pesar del desenfado sensualista, el pesimismo escéptico, la ironía, y el sentimiento de desesperación que reflejan.

«El estudiante de Salamanca». Es el poema largo mejor logrado de Espronceda y una pequeña obra de arte.

El autor retoma en él, en cierta manera, el tema del hombre libertino y donjuanesco de la tradición española, y lo recrea a través de una acertada caracterización del protagonista, don Félix, y una sucesión de cuadros y escenas de ambiente espectacular.

Don Félix de Montemar, estudiante famoso en Salamanca por sus costumbres disolutas, seduce a Elvira y la abandona. Elvira enferma de dolor y muere después de escribirle una carta de perdón.

Poco después, don Félix encuentra en una taberna a don Diego, el hermano de Elvira, y en un desafío lo mata con su espada. Huye entonces, y al pasar frente a un retablo donde está una imagen de Cristo crucificado, ve una figura cubierta de ropas blancas en actitud de orar.

Don Félix cree que es una mujer y le hace proposiciones amorosas sin verle siquiera el rostro. Sigue entonces a la figura por lugares misteriosos de Salamanca, y ve entonces un extraño cortejo fúnebre con dos féretros, uno el de Diego, hermano de Elvira, el otro el suyo propio.

Continúa luego don Félix marchando detrás de la figura, desciende por una escalerilla en caracol y cae rodando a una estancia oscura, donde la dama está sentada al lado de un negro monumento que semeja una tumba.

De pronto un coro de cien espectros lo rodea; don Félix sin temblar, se acerca a la misteriosa mujer y al levantarle el velo, descubre que es un esqueleto.

Luego se le acerca otro esqueleto, el de don Diego, quien le expresa que esa dama es Elvira. Don Félix, orgulloso y temerario, la acepta por esposa, mientras los esqueletos testigos empiezan una fantástica carrera a su alrededor. Don Félix siente desfallecerse y muere.

Aquella figura cubierta de blanco que había ido a buscarlo, era el diablo mismo, solían recordar las gentes después.Esta pequeña pieza recuerda en muchos sentidos a ciertos aspectos del arte de Quevedo y de Calderón.

«El diablo mundo«: En este otro poema, el poeta intentó desarrollar simbólicamente su pensamiento de que toda la humanidad, como el hombre mismo individualmente, marchan tras una quimera en la vida.

Se compone de una introducción y seis cantos, pero la obra quedó inconclusa por la muerte del poeta.

Es una obra aparentemente sin orden, «una improvisación genial» (José M. Blecua), integrada por fragmentos líricos, épicos, filosóficos, autobiográficos y simbólicos. Pueden reconocerse en ella influencias de Byron, Voltaire y sobre todo del Fausto de Goethe.

A esta obra pertenecen algunas composiciones que se han hecho famosas (Himno a la inmortalidad, del canto I, y A Teresa, canto II).

Valoración. Espronceda fue un poeta extraordinario; si no el mejor, por lo menos el más típico, vital y literariamente considerado, del romanticismo español. Fue moderno y revolucionario, y sobre todo, exaltado y frenético, y acaso, el más poderoso lírico de la época.

La improvisación, la fuerza, la anarquía, la desigualdad artística, la exaltación del yo, son sus características definitorias.

Ver: Citas de José de Espronceda

Fuente Consultada: Literatura Española, Hispanoamericana y Argentina de Carlos Aberto Loprete – Editorial Plus Ultra Entrada: José de Espronceda


Biografia de Flaubert Gustave Escritor Resumen de su Obra Literaria

Biografía de Flaubert Gustave Escritor
Resumen de su Obra Literaria

Gustavo Flaubert fue un escritor francés (Ruán 1821-Croisset, cerca de Ruán 1880). La vida de Gustave Flaubert es la de un artista dedicado de lleno a perfeccionar su arte. Hijo de un cirujano, siendo niño, en 1836, conoció a Elise Foucault, objeto de la gran e insatisfecha pasión de su vida, que le inspiró La educación sentimental.

En 1840 se trasladó a París a estudiar derecho, pero descuidó los estudios para vivir en el mundo de las letras.Es considerado uno de los mejores novelistas occidentales y es conocido principalmente por su novela «Madame Bovary», y por su escrupulosa devoción a su arte y su estilo, cuyo mejor ejemplo fue su interminable búsqueda de le mot juste (la palabra exacta).

biografia de gustavo flaubert

Su padre, Achille Cléophas, era cirujano jefe en el hospital de Ruán cuando, el 12 de diciembre de 1821, nació Gustave, su quinto hijo. Después nacerá Caroline, la hermana menor tan querida; exceptuando a Achille, el mayor, los demás hermanos del escritor morirán muy pronto.

La infancia de Flaubert transcurre en Normandía, en el pueblo de Dévilleles-Ruen, donde su padre ha comprado una casita y donde pasó años felice, hasta que las reglas del colegio real le complicó su tranquilidad infantil. Niño nervioso y enfermizo, pronto sufrirá los primeros ataques de epilepsia; sin embargo, sus estudios se desarrollan normalmente.

 En 1836 —tiene, pues, quince años— conoce en la playa a Elisa Foucauld, la esposa del editor Schlesinger, que tiene once años más que él y por quien siente una pasión arrolladura que los años no calmarán. La señora Schlesinger será el modelo de la señora Arnoux de La educación sentimental, escrita veintiocho años más tarde.

Ya tiene en cartera varias obras; un drama, Luis XI y muchas narraciones cortas, de valor desigual, aunque interesan porque muchas de ellas anuncian las obras futuras: son Sueño de infierno, Pasión y virtud, Las memorias de un loco, Smahr. Todas rezuman tristeza y pesimismo, sentimientos normales en un joven de nervios frágiles, de gustos fácilmente morbosos (gustaba de presenciar la disección de cadáveres en Ruán); una síntesis angustiosa de Fausto y Don Quijote, las dos obras que más le habían impresionado y que mejor le retratan.

A partir de julio de 1846, Flaubert inicia relaciones amorosas con Louise Colet, con quien intercambiará, a lo largo de los años, de las riñas y de las reconciliaciones, una copiosa correspondencia particularmente reveladora. En vísperas de la revolución de 1848, que presenciará, la actividad de Flaubert se reparte entre varias estancias en París, un viaje por la Turena y Bretaña, relatado en Por los campos y las playas, obra redactada en colaboración con Máxime Du Camp, pero que no se publicaría, y los primeros esbozos para la primera versión de La tentación de san Antonio.

El 4 de noviembre embarcan en Marsella y llegan a El Cairo a finales del mes. La Correspondencia recoge un gran número de cartas dirigidas a la madre del autor y a Bouilhet principalmente, que relatan este largo viaje. Las cartas escritas durante aquel período feliz revelan un Flaubert insospechado, campechano y burlón, rabelesiano en lo sensual y pagano en lo espiritual que en las obras posteriores perdería voz y voto.

Si se acepta que La educación sentimental es una obra de profundas raíces autobiográficas, cabe pensar que el viaje debía servir para distraer al autor de su pasión por la señora Schlesinger, aunque también se ha de decir que no sirvió.

Vuelve a Francia y presencia el golpe de Estado de Napoleón III, el 2 de diciembre de 1851. En septiembre, en Croisset, había empezado Madame Bovary, que acabará en 1856; en el ínterin, riñó un par de veces con Louise Colet, «la Musa», se escribe con Víctor Hugo y con la familia Schlesinger que, arruinada, vive ahora en Badén, y se enamora, por poco tiempo, de la actriz Beatrix Person. Entre enero de este año y el momento de la publicacación había tenido lugar el caso Bovary. Convocado por el juez instructor, Flaubert había tenido que prestar declaración sobre los supuestos pasajes obscenos de su obra. Pero se le absolverá de toda acusación y se beneficiará de esta campaña gratuita.

madame bobary de flaubert libro

«Madame Bobary es considerada una de las mejores novelas de todos los tiempos,  narra la oscura tragedia de Emma Bovary, mujer infelizmente casada, cuyos sueños choca cruelmente con la realidad. La publicación de esta obra en 1857 fue recibida con gran polémica y se procesó a Flaubert por atentar contra la moral. A través del personaje de Madame Bovary, el autor rompe con todas las convenciones morales y literarias de la Burguesía del siglo XIX, tal vez porque nadie antes se había atrevido a presentar un prototipo de heroína de ficción rebelde y tan poco resignada al destino. Hoy existe el término «bovarismo» para aludir aquel cambio del prototipo de la mujer idealizada que difundió el romanticismo, negándole sus derechos a la pasión. Ella actúa de acuerdo a la pasión y necesidad que siente su corazón de avanzar en la búsqueda de su felicidad, pasando por los ideales establecidos para la mujer en esa época. Rompe con el denominado encasillamiento en que la mayoría de las mujeres estaban sometidas.»

Una lectura algo más mal intencionada permite interpretar el personaje de Emma Bovary no como culpable de los desmanes pasionales relatados, sino como víctima de una sutil y poderosa maquinación, de una irresistible conspiración tramada por el poder y destinada a intoxicar las mentes vírgenes o débiles con los fantasmas que llevan a Emma al tedio, a la desesperación y por fin a la muerte.

Después de la publicación de Madame Bovary, Flaubert se conformó con la sociedad en la que le había tocado vivir entregándose, valga la expresión, a la vida de salón. Frecuenta a los literatos, a las cortesanas de moda (entre ellas a la «presidenta» Sabatier, la egeria de Baudelaire) y empieza a escribir Salambó, obra que se elabora en París y Croisset, en medio de achaques de salud y después de un viaje de documentación por Túnez; la obra se publica en noviembre de 1862.

En 1863 empieza el período que se ha dado en llamar «mundano». Flaubert cena en casa de la princesa Matilde, se cartea con George Sand, asiste a las fiestas de la corte imperial. Al tiempo que empieza la redacción de La educación sentimental, se le hace Caballero de la Legión de Honor (1866). Encuentra a Elisa Schlesinger en 1867 y acaba el libro en 1869. Si se compara con la capacidad de un Hugo, la producción de Flaubert se elabora muy lentamente.

Ello tiene varias explicaciones, entre las cuales se ha de descartar la vida disipada del mundano arribista. La mayoría de las obras de Flaubert se escriben a paso de buey de labranza; en primer lugar porque la meticulosa reunión de los materiales que precede cualquier esbozo lleva su tiempo.

En segundo lugar porque entre el momento en que empieza a escribir y el momento en que entrega el manuscrito al editor redacta varias versiones de cada página, de cada frase (no olvidemos que dos de sus libros, La tentación de san Antonio y La educación sentimental los ha repetido íntegramente); corrige incansablemente, y vocifera las frases en una habitación reservada para tal fin que llama su «desgañitadero», hasta darse por satisfecho con el estilo. También se ha de tener en cuenta su estado de salud y las preocupaciones familiares.

Durante los años 1870-1871, sufre varios ataques, trabaja en colaboración con Bouilhet y corrige La tentación de san Antonio, que acaba en 1872. Esta vez, la empresa es más ambiciosa, si cabe, que las anteriores. El tema, sacado al parecer de una obra de Edgar Quinet, y por el que emerge, una vez más, el mito de Fausto, persigue a Flaubert desde su juventud. Flaubert decía que aquél era «el libro de mi vida»; de hecho podría ser también el libro de la vida, el que contesta a la pregunta ¿qué se opone a la libertad del hombre?.

La publicación de este último libro, en 1874, coincide con las graves preocupaciones económicas que aquejan al sobrino del autor, Commanville, y que aquél intenta aliviar con su trabajo, y la venta de sus bienes. En septiembre de 1875, empieza Tres cuentos (La leyenda de San Julián el hospitalario, Un corazón sencillo y Herodías), obra que se publicará en abril de 1877. A pesar de la disparidad de los temas, y de las exigencias peculiares de la narración corta, el estilo soberbio y sencillo a la vez de Flaubert se manifiesta aquí como en las obras anteriores.

La época de los Tres cuentos es, para Flaubert, gris y triste. Su salud deja cada vez más que desear y está arruinado. Louise Colet ha muerto, George Sand también. Es un hombre sólo y aislado que trabaja, en Croisset, en la última de sus obras, Bouvard y Pécuchet, que había empezado en 1874 y que no se publicará hasta después de su muerte. Para ninguna de sus obras anteriores Flaubert llegó a devorar la cantidad de libros que consultó para la documentación del último: ¡Se habla de más de dos mil!.

Flaubert tenía mucho que decir y escribió pocas novelas. En la última quería por fin «descargar todo su odio, sus rencores, dar rienda suelta a su ira…» No lo hizo. Y murió, apoplético, el 8 de mayo de 1880.

Flaubert lleva a la perfección la novela realista y logra la más completa armonía entre el arte y la realidad. Para él, la verdad y la belleza van unidas; por ello pone tanto cuidado en la sintaxis y en la elección del vocabulario y concede tanta importancia a la estructura.

En su obra literaria, no muy extensa, Flaubert aspira a la creación de un conjunto armónico, a la elaboración de todo un entramado simbólico que une a los distintos personajes.

La sensibilidad de Flaubert llega a caer en el sentimentalismo, y en esos momentos se entrega al deísmo y a vagos sentimientos rousseaunianos envueltos en oratoria; pero cuando se recupera de estos desvíos la obra de Flaubert, laborada con un ansia de perfección y un esfuerzo casi dolorosos, es una maravilla de armonía y de realidad.

Fuente Consultada:
Forjadores del Mundo Contemporáneo – Tomo I- Entrada: Gustave Flaubert “El Modelo de la Novela Contemporánea” – Editorial Planeta
Enciclopedia Temática Ilustrada – Tomo de Biografías – Editorial GR.U.P.O. S.A.

 

 

 

Biografia de Tolstoi Leon Resumen Obra Literaria del Escritor Ruso

Biografía de Tolstoi León – Su Obra Literaria

Novelista ruso (Yásnaia Poliana, Tula 1828 -Astápovo, Riazán 1910). De familia de hacendados, siguió la carrera de las armas y todavía joven public

Luego abandonó la milicia y se entregó a diversas tareas sociales, elaborando un nuevo programa educativo. Se casó y formó una familia de trece hijos. En un momento dado se refugió en la fe, y el resto de su vida se caracterizó por una religiosidad personal que le atrajo numerosos discípulos.

Guerra y paz, novela centrada en episodios recientes de la historia rusa, es una larga mirada a vuelo de pájaro sobre el conjunto de la vida humana a lo largo de veinticinco años y sobre el hormigueo de innumerables personajes.

En Guerra y paz, Tolstói evoca maravillosamente las vidas tanto de las personas como de las colectividades.

Es un fresco grandioso en que los personajes aman, odian, pelean, intrigan, se enriquecen, se casan, se divorcian, tienen hijos y buscan a tientas el sentido de la vida.

Ana Karénina es una obra muy compleja. Su tema central es el suicidio de una mujer joven que. a través del problema del adulterio, plantea el problema del mal.

En conjunto, por su modo de construir y tratar la novela, Tolstói es el más occidental de los grandes novelistas rusos y refleja con maestría sin par los ambientes campesinos o ciudadanos de Rusia.

leon tolstoi escritor ruso

BIOGRAFÍA: León (Liev) Nikoláievich Tolstói nació en la propiedad familiar de Yásnaia Poliana (en el gobierno de Tula, en la Rusia central, al sur de Moscú) el 9 de septiembre de 1828.

Era hijo de unos ricos terratenientes de condición aristocrática, el conde Nikolai Ilich y María Nikolaievna, princesa Volkonskaia.

Huérfano de padre en 1830. En 1844 ingresó en la facultad de Letras de la universidad de Kazan para estudiar lenguas orientales, y se inició en el árabe y el turco, al año siguiente pasó a la facultad de Derecho y por fin en 1847 dejó la universidad sin terminar ninguna carrera; regresó entonces a Yásnaia Poliana, que había formado parte de la dote de su madre fallecida en 1837, y que tras el reparto de la herencia fue a parar a sus manos.

Pero ese joven propietario que aún no ha cumplido los veinte años tiene ideas muy peculiares y completamente distintas de las de los demás terratenientes; muy influido por sus lecturas favoritas de esta época (la Biblia y, sobre todo, Jean-Jacques Rousseau), se lanza a una serie de intentos de reforma social con el fin de mejorar las condiciones de vida de sus campesinos.

No obstante, Yásnaia Poliana, donde vivían unos trescientos cincuenta siervos varones, con sus familias, era un mundo demasiado complicado para su inexperiencia, que sólo se nutría de teorías, y sus generosas tentativas de altruismo fracasaron.

Sigue luego un período de desánimo y excitación que suele llamarse mundano.

En 1848 viaja a San Petersburgo y en 1851 se enrola en el ejército. Su primera experiencia militar es en el Cáucaso, donde comparte la existencia de los oficiales de artillería y empieza a redactar un escrito autobiográfico titulado Infancia.

Este librito, que apareció en 1852 en la revista El contemporáneo, es mucho más que un tanteo primerizo; se trata de una verdadera obra maestra, de evocación finísima y emocionada, que evidencia un arte muy seguro.

También en El contemporáneo iba a aparecer, de una parte Adolescencia (1854), que prolongaba los recuerdos de Infancia, y Los relatos de Sebastopol (1855-1856), donde la guerra aparece sin ningún relumbrón heroico, en toda su cruda realidad, registrada por un gran talento de observador.

Estamos ya ante el esbozo de las dos grandes vertientes que se fundirán en su obra maestra, Guerra y paz.

La guerra, descrita y analizada con un arte extraordinario que se funda en lo vivido y en una gran documentación, y la paz por antonomasia que Tolstói identifica con el ambiente idílico de su niñez.

La alta sociedad de San Petersburgo le adula, pero estos ambientes no le hacen feliz; sin embargo, sus tentativas de hacer la felicidad de los humildes que dependen de él tampoco tienen éxito: ofrece la libertad a sus siervos y éstos la rechazan recelando maniobras ocultas. Emprende luego su primer viaje al extranjero (1856-1857): visita Alemania, Francia, Suiza y el norte de Italia, y vuelve a su patria con mal sabor de boca, reprochando a Occidente su materialismo y su crueldad. Publica ahora en 1857 Juventud y Lucerna, y en 1858 Tres muertes.

Al año siguiente se lanza a una gran actividad pedagógica y funda una escuela en Yásnaia Poliana, en la que él mismo enseña a los hijos de sus campesinos. Le obsesiona la búsqueda de una especie de «cristianismo práctico», sin dogmas ni institución, que pueda proporcionar la felicidad en la tierra y contribuir a la hermandad y al progreso de los hombres. Publica Felicidad conyugal (1859), que tiene su origen en sus relaciones amorosas con Valeria Arsenieva, y en 1860 emprende su segundo viaje al extranjero.

El año 1862 es también el año de su boda; en el mes de septiembre, en una de las iglesias del Kremlin, contrae matrimonio con Sofía Andréievna Behrs —a la que él llamará siempre Sonia—, de dieciocho años, hija de un médico de Moscú. En junio del año siguiente nace su primer hijo, Sergei. Su unión matrimonial será borrascosa, pero a pesar de las diferencias que separan a los esposos, por estos años se inicia una época de relativo equilibrio que será de gran fecundidad literaria.

familia de tolstoi

Tolstói, mientras ve crecer su familia, se ocupa activamente de la agricultura y de la ganadería, mejora sus tierras, aumenta su propiedad con nuevas adquisiciones. Parece llevar una vida más estable y serena, y ello repercute en la calidad y la ambición de su obra narrativa.

Guerra y paz, escrito entre 1863 y 1868, publicada en la revista El mensajero ruso —de carácter conservador, porque Tolstói se había separado de los liberales de El contemporáneo— entre 1865 y 1868, y posteriormente en volumen en 1869, suele considerarse por los críticos más exigentes como una de las mejores novelas del siglo xix y una de las más importantes de toda la historia de la literatura.

En ella se describe un período crucial de la Rusia moderna, el que corresponde a las guerras napoleónicas (aproximadamente entre 1805 y 1812), con un nutridísimo repertorio de personajes cuyas vidas se entrecruzan produciendo una admirable sensación de realidad vivida y analizada hasta en sus últimos secretos.

Después de la cumbre de Guerra y paz, era casi inevitable que la obra de Tolstói, en cierto sentido, decayera. Aún va a escribir otra mole novelesca muy ambiciosa, Ana Karénina, en la que empezó a trabajar en 1873 y que publicó en El mensajero ruso entre 1875 y 1877. La obra acusa una manifiesta falta de unidad, ya que se compone de dos historias soldadas artificialmente, la de un matrimonio feliz (Levin y Kitty) y la de un hogar destruido por el adulterio de Ana, quien abandona a su marido y a su hijo para seguir a su amante, el conde Vronski.

Ana Karénina, a pesar de los reparos que se le puedan formular, es una gran novela que representa otros aspectos capitales de la gran personalidad tolstoyana. En Guerra y paz se debatían los problemas del destino del individuo dentro del torbellino de la historia, con una proyección hacia el pasado; Ana Karénina insiste sobre todo en los aspectos morales, sociales y sicológicos, dentro de un ámbito novelesco mucho más limitado, pero enfrentándose directamente con los conflictos de la vida contemporánea. En la primera novela resuena el fragor de las batallas napoleónicas; en la segunda, la imagen que conservará el lector en su memoria es la de ese tren, símbolo del progreso y de la nueva Rusia.

En 1882 la familia se traslada a Moscú por necesidades de la educación de los hijos, y Tolstói descubre entonces la miseria del proletariado urbano y la sordidez de las grandes aglomeraciones ciudadanas, reafirmándose en sus ideas del retorno a la vida natural.

Mas tarde  publica obras verdaderamente interesantes como La muerte de Iván llich (1886) y el poderoso drama El poder de las tinieblas (1886). No obstante, sus ideas obsesivas deforman su gran capacidad artística y una novela como La sonata a Kreutzer (1889), terrible alegato contra el matrimonio, cuenta mucho más como reflejo de sus tensiones interiores que como literatura.

En los últimos años del siglo XIX su fama y su influencia son inmensas, pero el gran artista de antaño ha sido sustituido por el teórico y el hombre de acción. Cuando a partir de 1891 se suceden en la Rusia central las malas cosechas y aparece el azote del hambre, participa directamente en la ayuda a los campesinos, publica artículos sobre este tema y escribe al zar. El reino de los Cielos está en nosotros (1891-1893) es un tratado moral y religioso de acuerdo con su peculiar doctrina, ¿Qué es el arte? (1897) combate todo género de artificios de carácter artístico y literario.

La fallida revolución rusa en 1905 significó para él una gran convulsión; Tolstói se había declarado repetidamente enemigo de la autocracia, el despotismo y las instituciones que consideraba de carácter represivo, pero está en total desacuerdo con la revolución y con la violencia de sus medios.

Estos acontecimientos y la represión que les siguió aislaron aún más al viejo profeta y a sus ideas de anarquismo social. En Yásnaia Poliana, rodeado de su numerosa familia y atormentado por incontables escrúpulos de conciencia, Tolstói se afanaba por ser literalmente fiel a sus convicciones: renunciaba a todos sus bienes, él mismo se hacía los zapatos y araba sus campos, adoptaba el régimen vegetariano, y ofrecía a sus frecuentes visitantes el extraño aspecto de un mujik descalzo y barbudo que clamaba contra el horror y el desvarío del mundo circundante.

La tragedia de su país, en sus dos vertientes que abominaba por igual, la represión policíaca y los asesinatos terroristas, le desazonaba, y sus desavenencias conyugales contribuían también a su desequilibrio.

El 10 de noviembre de 1910 huyó de Yásnaia Poliana rumbo a lo desconocido, como un nuevo Pierre en busca de un ideal inalcanzable. Tenía entonces ochenta y dos años. Como un viejo peregrino alucinado recorrió a pie una considerable distancia, hasta caer enfermo en una pequeña estación ferroviaria de Astapovo, en el gobierno de Riazán. Y allí murió de una neumonía.

Fuente Consultada:
Forjadores del Mundo Contemporáneo – Tomo I- Entrada: Liev Tolstoi “El Titánde las Letras Rusas” – Editorial Planeta
Enciclopedia Temática Ilustrada – Tomo de Biografías – Editorial GR.U.P.O. S.A.

Biografia de Dostoievski Fiodor Escritor Ruso Obra Literaria Resumen

Biografía de Dostoievski Escritor Ruso Obra Literaria

Fiódor Dostoievski, nació en Moscú en 1821 (Calendario gregoriano) y fallece en San Patersburgo en 188, es uno de los principales escritores de la Rusia zarista, cuya literatura explora la psicología humana en el complejo contexto político, social y espiritual de la sociedad rusa del siglo XIX.

También se los considera casi sin duda como uno de los mayores novelistas de todos los tiempos, donde echa mano de las abundantes herramientas estilísticas de su época, pero abandona pronto el exitoso realismo de su primera publicación de 1846, llamado «Pobres gentes» y se adentra por caminos singulares y tortuosos como en «El doble», «Noches blancas» que le restan popularidad. También dedicó una etapa de su vda al periodismo.

Biografia Mijáilovich Dostoievski escritor ruso

Se graduó como ingeniero en 1843, carrera que abandonó para dedicarse a la literatura y frecuentar los medios liberales. En 1846 escribió Pobres Gentes.

Posteriormente, publicó una serie de relatos (El doble, 1846; La patrono Joziaika, 1847; Corazón débil y Noches blancas, 1848).

Después ingresó en un círculo de jóvenes socialistas, quienes fueron acusados de un complot contra el Estado y condenados a muerte.

Pero la pena les fue conmutada por el zar Nicolás I, por cuatro años de trabajos forzados en Siberia y su cumplimiento acentuó su epilepsia.

Regresó a San Petersburgo en 1859 y su producción desde entonces fue muy abundante, a pesar de sufrir penurias económicas hasta su muerte, causadas por su afición al juego.

Sus principales obras son: la casa de los muertos (1861), Humillados y ofendidos (1861), Memorias del subsuelo (1864), Crimen y castigo (1866), El idiota (1868), Los endemoniados (1870) y Los hermanos Karamazov (1880), considerada su obra maestra.

Los ejes de sus relatos son: la psicología profunda de sus personajes y la relación de esos personajes con los ideales de la Rusia.

Fiódor Mijáilovich Dostoievski nació el 30 de octubre de 1821 en el Hospital de los pobres de Moscú, donde su padre era médico.

Éste, Mijaíl Dostoievski, era un extraño y sombrío personaje, hijo de un pope, que había iniciado la carrera eclesiástica en un seminario del que terminó por huir en 1809 para estudiar medicina y verse convertido al cabo de muy poco tiempo, a causa de las necesidades de la guerra, en cirujano militar durante las campañas napoleónicas.

Poco después de concluir la contienda se casó, tuvo un primer hijo, Mijaíl (nacido en 1820) y se retiró del servicio incorporándose al Hospital de los pobres moscovita. Suele describírsele como un hombre de mal carácter, atrabiliario, violento y despótico, avaro y excesivamente aficionado al alcohol.

La madre del escritor, María Fiódorovna Necháieva, nacida en 1800 y once años más joven que su marido, sensible, afectuosa e inteligente, tuvo una existencia triste y a menudo humillante que su hijo iba a recordar siempre con emoción.

Fiódor y su hermano mayor empiezan sus estudios en escuelas privadas y en 1834 ingresan en el internado de Chermak, donde ambos se apasionan por los autores rusos y extranjeros que entonces estaban más de moda: entre los rusos, Pushkin, Lérmontov, Gógol; entre los extranjeros, Walter Scott, Schiller, Goethe, Balzac, Víctor Hugo

Años más tarde, uno de sus antiguos condiscípulos describiría al Dostoievski de esta época como «un muchacho serio, pensativo, rubio, de rostro pálido. Los juegos apenas le atraían.

Y durante los recreos casi nunca dejaba los libros». Su gran ilusión es ya escribir y empieza efectivamente una novela tomando como modelo a la novelista inglesa Ann Radcliffe, entonces muy en boga.

En  1838, siguiendo las indicaciones de su padre, pasa a la Escuela de Ingenieros, y allí recibe la trágica noticia de la muerte de su padre, asesinado por sus siervos en junio de 1839; las circunstancias de este crimen nunca llegaron a aclararse, pero sin lugar a dudas el hecho impresionó muchísimo a Dostoievski, quien se sentía moralmente culpable por haber deseado de un modo más o menos inconsciente la desaparición de este padre vicioso y tiránico.

Dos meses después de morir éste, Fiódor tuvo otra grave crisis de epilepsia que se produjo al presenciar un cortejo fúnebre por las calles, y el tema del parricidio será el núcleo de su última e impresionante novela, Los hermanos Karamázov.

En agosto de 1843 termina la carrera y se le destina a un modesto cargo del departamento de ingenieros de San Petersburgo, con un sueldo de tres mil rublos anuales. Pero se siente, como él dice, «poeta y no ingeniero» y sólo sueña con escribir, ir al teatro, a la ópera y también comienza sus primeros pasos como autor literario.

Su primera novela, Pobres gentes, entusiasmará también a todos cuando el manuscrito empieza a circular en 1845; sus amigos se declaran maravillados, pero para Dostoievski vale más la opinión del famoso crítico Bielinski, quien afirma que es una obra maestra.

Súbitamente es la fama, las obras que publica a continuación encuentran una mala acogida. El doble, El señor Projarchin y La patrona, las tres de 1846, no gustan y llega la depresión y el desaliento.

En diciembre de 1846 empieza a publicar otra novela, Niétochka Nezvánova

En otoño de 1847 y Dostoievski publica una serie de relatos y novelas cortas: Polzúnov, Un corazón débil, El ladrón honrado, Un árbol de Navidad y una boda, La mujer de otro y Noches blancas, todas en 1848.

En enero del año siguiente el proyecto de la imprenta clandestina ya está en marcha, y el 23 de abril de 1849, a las cuatro de la madrugada, Dostoievski es detenido por la policía y encerrado, junto con los demás conspiradores en la fortaleza de Pedro y Pablo.

A fines de septiembre se inició el proceso que terminó con un veredicto de culpabilidad, lo cual significaba la muerte, pena que será modificada a pocos minutos de su fusilamiento cuando llega un correo del Zar, con un indulto, donde lo envían a realizar trabajos forzados a la Siberia por cuatro años.

Esta experiencia le permite una observación minuciosa de la gente del pueblo y le conduce a descubrir los Evangelios, lo que influye poderosamente en su carácter. Recuerdos de la casa de los muertos es una terrible descripción de estos años de presidio.

Dostoievski, como otros novelistas de su siglo (Dickens, Balzac), publica sus novelas por entregas en diversos periódicos. Así aparece Humillados y ofendidos. El escritor viaja, batalla con la censura y lleva una vida muy activa.

En 1866 enviuda y escribe El jugador, estremecedora confesión, basada en su propia experiencia, de un hombre poseído por la pasión del juego. En este mismo año escribe Crimen y castigo. El idiota le otorga nueva celebridad. Su última gran novela es Los hermanos Karamazov.

Su estilo, inconfundible, se distingue por una tensión nerviosa exacerbada, por una especie de vibración interior. Los protagonistas son generalmente criminales, enfermos o locos, siempre fuera de la normalidad.

Son personajes que viven en una crisis continua; en su interior se produce una dramática lucha entre las fuerzas del bien y del mal.

Con frecuencia el protagonista, humillado bajo el peso de las injusticias sociales, se muestra a sí mismo como un bufón y parece experimentar un placer morboso en su decadencia.

En esta situación es objeto de visiones y alucinaciones que dan al relato un tono estremecido. El envilecimiento de la persona, el pecado y la redención son otros tantos aspectos siempre presentes en la obra de Dostoievski.

A partir de 1876 se publica el Diario de un escritor en forma de revista, y en la misma van apareciendo también diversos relatos como El mujik Marev (1876), La sumisa (1876) y El sueño de un hombre ridiculo (1877).

Su fama ha llegado a un punto culminante, todo el mundo quiere conocerle y sin darse cuenta le roban un tiempo precioso, es elegido miembro de la Academia de Ciencias, sección de lengua y literatura rusa (1877), el propio zar le ruega que hable con sus hijos, «sobre quienes podría usted tener una benéfica influencia».

En 1878, cuando muere su hijo Alexéi, ya está trabajando en la que será la última de sus novelas, Los hermanos Karamázov, de la que lee diversos fragmentos en actos públicos en el curso de 1879.

Los hermanos Karamázov, que terminó en noviembre de 1880, es considerada unánimemente como la síntesis genial de toda la obra dostoievskiana.

Los grandes temas del escritor —la fe, el sufrimiento de los niños, la voluntad de parricidio, la desazón de la culpa, la soberbia de la inteligencia, etc.— forman aquí una vertiginosa sinfonía que representa en los diversos personajes de los cuatro hermanos —todos en el fondo asesinos de su padre— otras tantas facetas de la propia personalidad de Dostoievski.

Libro insondable y arrebatador, es el gran testamento de un hombre enfermo y agotado, que se sabe a las puertas de la muerte, y que revive en su imaginación el drama de su niñez, actualizado por la reciente muerte de su hijo y madurado a lo largo de toda una torturada existencia.

Todavía en los meses que le quedan de vida va a conocer el fervor popular con motivo de la inauguración del monumento a Pushkin en Moscú (junio de 1880).

Dostoievski pronuncia entonces un famoso discurso que resume su pensamiento y que es acogido con un gran entusiasmo.

Vuelve a su refugio de Stáraia Rusa y en octubre regresa a San Petersburgo ya a punto de terminar Los hermanos Karamázov.

Además de la epilepsia, cuyos ataques se habían hecho menos frecuentes aunque más intensos, sufría una enfermedad pulmonar que se iba agravando y que el 26 de enero de 1881 le produjo dos hemorragias. El día 27 de 1881 se reprodujeron las hemorragias y a las ocho y media de la tarde murió.

Fuente Consultada:
Forjadores del Mundo Contemporáneo – Tomo I- Entrada: Dostoievski Fiódor, “El Analista de las Profundiades del Alma” – Editorial Planeta
Enciclopedia Temática Ilustrada – Tomo de Biografías – Editorial GR.U.P.O. S.A.

Escritores Españoles Del Siglo XVII:Gracián Baltasar Tirso Molina

Breves Biografías de Escritores Españoles
Baltasar Gracián, Tirso Molina , Calderón de la Barca y Otros

La poesía vive en el siglo XVII una época de máximo esplendor, con gran variedad de temas tonos y estilos. Los poetas barrocos toman como modelo a los autores renacentistas También buscan inspiración en la literatura popular. Los tres grandes autores de la poesía barroca son Lope de Vega, Luis de Góngora, Francisco de Quevedo.

Durante el siglo XVII se publican numerosas novelas picarescas, que en una medida u otra siguen el modelo del Lazarillo de Tormes, Destacan el Guzmán de Alfarache, de Mateo Alemán, y el Buscón, de Francisco de Quevedo. Junto a ellas, la prosa de ficción desarrolla otros géneros, como la novela corta y los relatos lucianescos y costumbristas.

Florece también en esta época la prosa didáctica y moralizante, con obras como El Criticón, de Baltasar Gracián, en las que se refleja el tono de desconfianza propio del Barroco.

El gran teatro clásico de la literatura española se forma en el Barroco. Su creador fue Lope de Vega, quien supo dar con una fórmula teatral la llamada comedia nacionalque satisfizo los gustos del público. Otros grandes de los dramaturgos importantes de la época fueron Pedro Calderón de la Barca, autor de dramas filosóficos y principal cultivador del auto sacramental, y Gabriel Téllez alias  «Tirso de Molina».

Los lugares fundamentales para a representación durante el Barroco fueron los corrales de comedías, las cortes de reyes y nobles y las plazas públicas.

El desarrollo del teatro supuso un fenómeno social importante, puesto que se convirtió en el principal entretenimiento de la época. Esto ocasionó también la expansión del fenómeno teatral como un negocio la profesionallzación de las personas que intervenían en este espectáculo.

Baltasar Gracián — Este gran pensador nació en Belmonte, cerca de Calatayud, el 5 de enero de 1601 y murió en Tarazona el 6 de diciembre de 1658. Perteneció a la Compañía de Jesús y fue rector del Colegio de dicha Orden en Tarragona, donde explicó humanidades, filosofía y teología.

Baltasar Gracian

«Lo bueno, si breve, dos veces bueno», frase conceptista por excelencia, corresponde al escritor Baltasar Gracián. Sagaz escrutador de lo humano, llegó a igualar a los grandes maestros de la sátira con El criticón. Este fragmento pertenece a esta obra, considerada la más representativa de la novela alegórica española.

Había formado parte, como capellán castrense, del ejército del marqués de Leganés en la guerra de Cataluña, en tiempos de Felipe IV. Su obra más famosa es El Criticón, que publicó sin consentimiento de sus superiores, por lo que fue amonestado, pero dos años más tarde (1653) apareció la segunda parte, titulada Juiciosa cortesana filosofía en el otoño de la varonil edad, autorizada por Lorenzo Gracián, hermano de Baltasar y de estado seglar.

Por este motivo se le sancionó nuevamente, prohibiéndosele que publicara más libros.

Mas en 1657 y también firmada por Lorenzo, salió a la luz la tercera parte llamada En el invierno de la vejez, por lo que Baltasar fue castigado con reprensión ante la comunidad, ayuno a pan y agua, y privado de su cátedra. Se le relegó al Colegio de Graus y después al de Tarazona, donde murió al poco tiempo.

Gracián era un moralista sagaz y profundo. Su estilo era conciso y enjundioso. Sus obras principales, además de las reseñadas fueron El Héroe, Agudeza y Arte de Ingenio y El discreto. Olvidado pronto, fue exhumada su obra por Schopenhauer. Su nombre figura en el Catálogo de Autoridades de la Lengua, publicado por la Real Academia Española.

Sus Obras Literarias Mas Importantes

    • El Criticón (1651)
    • El Discreto (1646)
    • Oráculo manual y arte de prudencia (1647)
    • Agudeza y arte de ingenio (1648)
    • El Héroe (1637)
    • El Político (1640)

Frases Famosas de Baltasar Garcián:

Saber y saberlo demostrar es saber dos veces.

Lo bueno, si breve, dos veces bueno.

Donde acaba el deseo comienza el temor.

Las serpientes son las maestras de toda sagacidad: ellas nos muestran el camino de la prudencia.

Pon un gramo de audacia en todo lo que hagas.

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Fray Gabriel Téllez, «Tirso de Molina». — Nació en Madrid en octubre de 1571 y murió en Soria el 12 de marzo de 1648.

Fue fraile de la Merced, predicador, maestro en Teología y excelente y fecundo autor dramático (influído por Lope de Vega). Sus primeros estudios los hizo en el Colegio de la Orden de Madrid y después en Alcalá de Henares.»Tirso Molina» es su seudónimo.

Tellez Molina Escritor Español

Lo culto y lo popular se combinan perfectamente con la acción en las comedias de Tirso de Molina, uno de los comediógrafos más reconocidos del siglo de oro español. La ilustración es un retrato anónimo del siglo XVII que se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid (España).

Residió en Guadalajara y Toledo, y en 1616 se embarcó para América; estuvo unos dos años en Santo Domingo y retornó a España; pasó a Toledo, su residencia habitual, y vivió luego una larga temporada en Madrid, donde frecuentó el trato de Lope de Vega, continuando los rumbos trazados por el Fénix de los Ingenios y mejorando la escena.

La bibliografía teatral de Tirso de Molina (pues tal era el seudónimo que usaba) es abundante y no toda se conserva. Sus producciones más célebres son El Burlador de Sevilla o El Convidado de piedra, escrito sobre una leyenda que debió conocer en Sevilla, El vergonzoso en Talado, La prudencia en la mujer y El condenado por desconfiado.

Fue autor de fértil imaginación y ameno y desenfadado estilo. Sus andanzas literarias y teatrales le produjeron algunas mortificaciones a instigación de sus enemigos, llegando en una ocasión a ser alejado de la corte, con indicación de que dejara de escribir para  el teatro.

Sus Obras Literarias Importantes:

    • El vergonzoso en palacio (1611)
    • Marta la piadosa (1614)
    • El condenado por desconfiado (1615)
    • El burlador de Sevilla (1620)
    • Desde Toledo a Madrid (1626)
    • Deleitar aprovechando (1635)

Frases Famosas de Tirso Molina:

A una verdad, le añaden muchos ceros.

En las promesas almíbar y en el cumplimiento acíbar.

Quien a ser traidor se inclina, tarde volverá en su acuerdo.

El traidor es traidor porque es cobarde.

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Pedro Calderón de la Barca —Este gran poeta y autor dramático nació en Madrid el 17 de enero de 1600 y murió en la misma villa el 25 de mayo de 1681. Estudió en Madrid y Salamanca, llevando una juventud agitada.

En 1625 se dedicó a la profesión militar que, según consta, ejerció hasta 1641, perdiéndose su pista en este aspecto desde esa fecha. Durante el sitio de Lérida fue herido y se le otorgo una licencia y pensión vitalicia en 1642.

Calderon de la Barca

El dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) es el máximo representante del auto sacramental, una representación dramática alegórica sobre la Eucaristía, en la que se dramatizan conceptos abstractos de la teología católica convirtiéndolos en personajes, para que al público le resulten más concretos. En escena aparece Dios, la Discreción, la Hermosura y otros entes abstractos. Escribió unos ochenta, entre los más conocidos se encuentra El gran teatro del mundo. Un actor recita un fragmento del conocido monólogo de Segismundo en La vida es sueño.

En 1651 abrazó el estado sacerdotal, pero sin abandonar la producción teatral, aunque se decía que ese era su propósito. Su genio poético alcanzó alta estimación por la elevación de sentimiento y la propiedad de la expresión. Su producción es numerosa, tanto en autos sacramentales como en dramas religiosos y profanos.

Entre éstos los más conocidos y representados son El Alcalde de Zalamea y La vida es sueño, habiendo un auto sacramental de idéntico nombre. Entre los  dramas religiosos citaremos El Príncipe constante.

Los restos de Calderón que, tras de varios traslados, se hallaban depositados en una arqueta en la iglesia de Los Dolores de Madrid, de la que había sido cura el insigne dramaturgo, desaparecieron al ser incendiada dicha iglesia en 1936 por las turbas rojas.

Disfrutó del máximo prestigio en la brillante corte de Felipe IV y su nombre va asociado a la inauguración del palacio del Buen Retiro de Madrid, en 1635, y a numerosas representaciones teatrales palaciegas. El rey le honró otorgándole el hábito de Santiago.

Sus Obras Literarias Importantes:

    • La vida es sueño (1636)
    • El príncipe constante (1629)
    • La dama duende (1629)
    • El médico de su honra (1637)
    • El mágico prodigioso (1637)
  • Amor, honor y poder (1623)

Frases Famosas de Calderón dela Barca:

No hay razón donde hay fuerza.

⊕ Quien vive sin pensar no puede decir que vive.

⊕ El silencio es retórica de amantes.

⊕ Quien daña al saber, homicida es de sí mismo.

⊕ El caer no ha de quitar la gloria del haber subido.

⊕ Es muy propio hablar más el que más teme.

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Fray Félix Lope de Vega Carpió. — Este fecundo autor teatral nació en Madrid el 25 de noviembre de 1562 y murió en la misma capital el 27 de agosto de 1635. Cervantes, de quien fue contemporáneo, en razón a su fecundidad e inspirada vena poética, le llamaba admirativamente «Monstruo de la Naturaleza».

Lope de Vega Escritor Español

El dramaturgo español y creador del teatro nacional, Lope de Vega (1562-1635), abruma en su grandeza; Miguel de Cervantes le llamó «monstruo de la Naturaleza» con cierta envidia y desprecio aunque también reconoció que había logrado «el cetro de la monarquía teatral». La fecundidad literaria de Lope de Vega es impresionante; cultivó todos los géneros vigentes en su tiempo, dando además forma a la comedia. Escribió unas 1.500 obras teatrales, muchas de ellas perdidas, entre las que se encuentran auténticas joyas de la literatura universal como El caballero de Olmedo. El fragmento leído corresponde al final del acto III, cuando Tello encuentra a su señor moribundo.

Aparte de sus indiscutibles méritos como autor y poeta, resaltaba entre sus facultades la facilidad y rapidez en la composición de piezas teatrales. Es conocidísimo el pareado que él mismo compuso alusivo a la fecundidad de su producción: «Y más. de ciento, en horas veinticuatro — pasaron de las Musas al teatro».

Autor fecundísimo, Lope de Vega (1562-1635) caló en el espíritu popular con obras que perduran por su fuerza dramática, el estilo elegante y puro, y la perfección técnica.

Sus obras son numerosas (se aproxima su cifra a las 2.000 y se han impreso de ellas unas 300 o más). La inspiración que las anima, la gracia, el ingenio, la fina observación, lo oportuno y ajustado de su diálogo, han hecho de la ingente obra de este poeta dramático una inagotable cantera de donde han tomado materiales muchísimos literatos y autores. Es muy difícil señalar calidades en las obras teatrales de Lope de Vega, dado el gran número de las que se representaron y el mayor aún de las que se han publicado.

Escribió también autos sacramentales, en gran número, y romances pastoriles; pero su celebridad la debe exclusivamente a su obra teatral. La vida de Lope fue agitada y tormentosa. En su juventud fue soldado de las galeras en una ocasión, y tripulante del navio San Juan en la Armada Invencible, en la que hizo la campaña contra Inglaterra.

Fue después procesado y .condenado por difamación; tuvo muchas aventuras amorosas que le dieron no poca descendencia ilegítima y, finalmente, ingresó en la Congregación de la Orden Tercera de San Francisco y desempeñó cargos en la Curia eclesiástica, pero sin enmendar su conducta, a pesar de cuyos antecedentes y del espíritu de la época, alcanzó gran consideración porque su genio teatral y literario eclipsaba sus tachas morales. Sus restos, al igual que los de Cervantes,  también   se  han  perdido.

Sus Obras Literarias Importantes:

    • El caballero de Olmedo (1626)
    • La Arcadia (1598)
    • La hermosura de Angélica (1602)
    • El villano en su rincón (1611)
    • La dama boba (1613)
  • El perro del hortelano (1615)

Frases Famosas de Félix Lope de Vega:

⊕ “La poesía es pintura de los oídos, como la pintura poesía de los ojos”.

⊕ “El amor tiene fácil la entrada y difícil la salida”.

⊕ «No sé la razón de la sinrazón que a mi razón aqueja».

⊕ «Piezas somos de ajedrez y el loco mundo es la tabla, pero en la talega juntos peones y reyes andan».

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Luis de Góngora y Argote (1561-1627), poeta español, cima de la elegancia de la poesía barroca y modelo de poetas posteriores. Góngora estudió Leyes en la Universidad de Salamanca. El poeta manifiesta tempranamente su vocación literaria y, aunque comienza su carrera eclesiástica, fue conocida su afición por cuestiones mundanas como el juego, que le ocasionó dificultades económicas.

luis de góndora

Góngora tuvo en vida defensores apasionados y críticos implacables. El carácter mismo de su poesía haría que esta división de opiniones continuara después de su muerte y llegara aún a nuestros días. Sus críticos mas famosos fueron Lope de Vega y Quevedo.

Estuvo relacionado con la corte, tanto en Valladolid como en Madrid, donde se instala en 1617. Allí convivió con los políticos y escritores más destacados de su tiempo y llegó a gozar en vida de enorme fama. Góngora fue capellán real de Felipe III, gracias a la mediación del duque de Lerma.

Pero la muerte de este, así como la de su amigo el conde de Villamediana, le situaron en una compleja relación con el conde-duque de Olivares. Los últimos años de su vida suponen el debilitamiento de los apoyos políticos y de la protección de la que había gozado en los tiempos del monarca anterior. Este empeoramiento de su situación social se refleja en su obra, en la que se acrecienta el tono desengañado.

Fue el máximo representante del estilo culterano. En su obra se distinguen actualmente dos vertientes: los poemas cultos y los poemas populares.

En su poesía de influencia culta, escrita en su mayoría en arte mayor, usó la métrica de origen italiano y los recursos propios del culteranismo. Se incluyen en esta línea sus sonetos y dos extensos poemas:

La Fábula de Polifemo y Galatea relata la historia mitológica del amor del cíclope Polifemo por la ninfa Galatea. La ninfa está enamorada de Acis, hijo de un fauno de una ninfa, al que Polifemo mata dejándole caer encima una peña. Los dioses, apiadados, convierten a Acis en río. En esta obra aparece reflejado el contraste barroco entre la belleza y lo monstruoso a través de sus protagonistas.

Las Soledades narran la historia de un joven náufrago que es acogido por unos cabreros . por unos pescadores, lo que le da la oportunidad de conocer el mundo idílico de estos personajes. El propósito de Góngora era escribir cuatro soledades, oero el poema quedó truncado en la segunda. En esta obra se defiende el contacto con la naturaleza y el alejamiento de la ciudad. Sin embargo, esta alabanza de la vida sencilla en la que se centra el tema de la obra contrasta con el tratamiento extremadamente complejo al que Góngora somete el lenguaje. El tópico de! beatus ¡lie ahora menosprecio de corte), que había sido tan común en el Renacimiento, se presenta en esta obra mediante el desequilibrio barroco.

Góngora cultivó además una poesía de influencia popular, como romances y letrillas, que son composiciones sobre temas diversos (moriscos, pastoriles, burlescos, religiosos), en las que utilizó un estilo menos artificioso. Muchos de estos poemas adquieren un tono sátirico y en ellos se caricaturiza a diversos tipos sociales.

Las composiciones escritas en arte menor presentan, en general, un lenguaje más próximo a la estética renacentista, Una de las creaciones más famosas de este tipo es la Fábula de Píramo y Tisbe, compuesta en omance. En ella se narran, en tono burlesco, la historia mitológica de la cita entre Piramo y Tisbe y los equívocos que les llevan a ambos a la muerte. Se manifiesta de nuevo en esta obra el contraste barroco: un tema elevado es tratado en un tono humorístico y con formas populares.

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Fuente Consultada:
Historia Universal de la Civilización  Editorial Ramón Sopena Tomo II del Renacimiento a la Era Atómica
La Enciclopedia del Estudiante   Tomo N°15 Literatura Española e Hispanoamericana

El Siglo de Oro Español en Literatura y Arte Caracteristicas

Características del Siglo de Oro Español – El Renacimiento Siglo XVI

La Edad de Oro: Se la suele designar también con el nombre de Siglo de Oro, y comprende la segunda mitad del siglo XVI y todo el siglo XVII. Algunos autores incluyen también al Renacimiento anterior dentro de la Edad de Oro, de modo que esta época abarcaría así dos siglos completos, el xvi y el xvn. Convencionalmente suele tomarse como conclusión de este período la fecha de la muerte del gran dramaturgo Calderón «(1681).

ANTECEDENTES HISTÓRICOS: Los viajes y los descubrimientos de los marinos portugueses y españoles cambiaron de manera radical la relación de Europa con el mundo.

Desde la Antigüedad, cada una de las grandes civilizaciones mantuvo vínculos con una región limitada del globo. Las exploraciones europeas permitieron por primera vez que todos los continentes se relacionaran entre sí. En este sentido, la circunnavegación de la Tierra realizada por Magallanes resulta ejemplarizadora.

La llegada de los portugueses no rompió los equilibrios locales, ya que éstos sólo establecieron factorías en el litoral. Sin embargo, la colonización de América por los españoles representó un viraje decisivo, una redistribución de los recursos humanos y económicos.

A fines de siglo, los planisferios trazados por Mercator consagraron la extensión de los conocimientos y las pretensiones de los europeos de apoderarse del mundo. Entre tanto, los ingleses, holandeses y franceses cuestionaban la hegemonía ibérica.

El predominio español
En 1580, Felipe II de España fue coronado rey de Portugal y reunió bajo su soberanía los dos dominios.

El imperio marítimo lusitano multiplicó sus factorías en las costas de África, India, Malasia e Indonesia, y envió expediciones a China y a Japón. Además, la corona velaba celosamente por su monopolio del comercio con las Indias (pimienta, especias, seda, porcelana, perfumes, perlas y piedras preciosas). Las Azores, Madera y Brasil iniciaron su transformación económica con las plantaciones azucareras.

Con excepción de las Filipinas, el imperio español era americano y continental. Después de explorar el mundo caribeño, los conquistadores se apropiaron, entre 1520 y 1533, de México, que estaba en manos de los aztecas, y luego de Perú, gobernado por los incas.

Como los indígenas fueron diezmados por la violencia, los trabajos forzados y las epidemias, se inició la importación de esclavos africanos.

La lucha de los misioneros, como fray Bartolomé de las Casas, que intentaban defender a los indios oprimidos, no encontró mucho apoyo. La trata de negros no escandalizaba a nadie.

En cambio, muchos intelectuales sentían una gran curiosidad por la descripción de los «salvajes», de los cuales se formaron una imagen idealizada que fomentó la creación de utopías.

No hay duda, que los siglos XVI y XVII fueron de una extraordinaria riqueza y creatividad en la producción artística en todos los países europeos.

En España y en los Países Bajos, este período de la historia del arte se denomina el Siglo de Oro.

Los artistas de esta época no se ocuparon ya exclusivamente de temas religiosos y, poco a poco, la literatura y el arte comenzaron a reflejar la sociedad de su tiempo.

EL RENACIMIENTO ESPAÑOL:

El Renacimiento es el retorno al cultivo de las humanidades clásicas y de las formas arquitectónicas y plásticas derivadas de la cultura de Grecia y Roma antiguas. Este movimiento cultural se inició en Italia y de allí se difundió inmediatamente por el continente europeo.

Históricamente, el Renacimiento coincide con la unión de los reinos de Castilla y de Aragón, por el matrimonio de Isabel y Fernando, los Reyes Católicos.

Esta unidad política se complementa con otros acontecimientos que determinan la formación de una verdadera unidad espiritual: el establecimiento de la Inquisición (1478); la conquista del último reducto musulmán, el reino moro de Granada (1492); la expulsión de los judíos del territorio peninsular (1492); la reforma interna de la Iglesia católica; el descubrimiento de América (1492) y el nacimiento del poderío español en el mundo, y la aparición de la idea imperial.

Traducciones de la Eneida y de la Divina Comedia, tratados sobre el arte del «bien rimar», libros de medicina, de magia, de ocultismo, de arte culinaria: éstos y otros temas parecidos cultivó Enrique de Aragón, marqués de Villena, escritor de la primera mitad del siglo XV.

La personalidad de tan extraño individuo, que llegó a ser famosísimo (pero cuya biblioteca, debido a la acusación de herejía que pesaba sobre él, fue quemada después de su muerte), puede darnos una idea del clima literario que se respiraba en la España de aquel tiempo.

Aunque la vida había llegado a ser lujosa, e incluso corrompida, la fuerza militar de los poderosos ejércitos de tierra y de las casi invencibles flotas españolas continuó creciendo, y el papel de España en el cuadro de la política europea, sobre todo tras las conquistas en Italia, se hizo primordial.

Al mismo tiempo, la espléndida atmósfera de riqueza que empezaba a respirarse en los ambientes nobiliarios influyó notablemente sobre la cultura.

El Renacimiento español, como el italiano, consistió, fundamentalmente, en la extensión del campo de acción de la literatura y en el despertar de la curiosidad de los escritores hacia los más dispares temas.

En este sentido, la influencia italiana fue de gran importancia durante este período: los poetas, prosistas y estudiosos del país de Dante fueron traducidos, imitados, seguidos.

Paralelamente, sin embargo, se afirmó una forma literaria típicamente española, en la que debemos ver uno de los frutos más válidos de esta época: el romance.

El romance es una forma de poesía popular, descendiente directa de los «cantares» de otros tiempos a diferencia de éstos, sin embargo, su destino no era el de ser cantada por los juglares en la corte de los nobles, ya que tenía un carácter estrictamente popular.

La forma era fija: versos de ocho sílabas con rima asonante alternativa, según un sistema de versificación muy sencillo y común a otras formas de poesía popular europea.

Hay algo, sin embargo, que hace inconfundible el Romancero (así se llama la recopilación de todos los romances, inicialmente transmitidos de viva voz y luego escritos), y es lo que sigue: aunque la materia tratada procedía, en muchas ocasiones, de relatos y leyendas extranjeros, el «Romancero» se halla típica y profundamente ligado al espíritu del pueblo español.

Víctor Hugo, el gran escritor francés, lo definió «Ilíada de España», exponiendo así la opinión de que los romances significaban para la nación ibérica lo que el poema homérico para la antigua Grecia: una auténtica epopeya de toda la historia nacional.

Muchos autores de los siglos siguientes encontraron ideas para sus novelas, dramas y poemas en este inagotable caudal de mitos, leyendas y hechos heroicos, que durante tanto tiempo supo encender la fantasía del pueblo.

Portada de la edición de La Celestina aparecida en Sevilla en 1523. En esta Tragicomedia de Calisto y Melibea, de autor anónimo, la incitación a concebir la vida como goce está presente en todos los personajes. Celestina exclama: Dios no hizo cosa mala!

La arquitectura de estos años produjo obras de carácter monumental. El monasterio de San Lorenzo de El Escorial es uno de los más reconocidos. Los planos para su construcción fueron realizados por el arquitecto Juan de Herrera y su construcción llevó más de veinte años de trabajo. En ¿1 residió el rey Felipe u con su corte

El período que en la literatura española se conoce con el nombre de Siglo de Oro abarca, en realidad, casi doscientos años. Sin duda, el momento de mayor esplendor correspondió a la época de Carlos I.

El rasgo original que permite diferenciar la producción de los artistas españoles de la de otros europeos, fue el indeleble sabor  cristiano.

Una de las características del Siglo de Oro fue la variedad de géneros literarios que se desarrollaron: la poesía mística y lírica, con San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús; y el teatro con Lope de Vega y Calderón de la Barca. En la narrativa se diferenciaron tres corrientes: la historia de caballería; la anécdota pastoril y la crónica picaresca.

El desarrollo de la novela se inicia con La Celestina y culmina con el Quijote de Cervantes. Otros escritores como Quevedo y Gracián extendieron su labor al ensayo, la teoría política o el tratado moral.

Página inicial de la primera edición de Don Quijote. Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1609) fue el creador del Quijote, una de las novelas muís importantes de la literatura universal. Después de la Biblia, ésta fíe la obra más leída en el mundo y de la que más ediciones se han hecho. Fue traducido a casi todas las lenguas. En la actualidad se calcula que hay unas 1.500 ediciones del Quijote en diversos idiomas. Don Q uijote y su escudero Sancho son los protagonistas principales de la obra

Diego Velázquez (1599-1669) fue una de las figuras más notables de la pintura española del Siglo XVII. Fue pintor de la corte del rey Felipe II y, por ello, una gran cantidad de sus obras tienen como protagonistas a miembros de la familia real. En la imagen podernos apreciar Las Meninas, una de las obras más fumosas de Velázquez.

La Virgen del Rosario y Muchachos comiendo uvas de Bartolomé Esteban Murillo

La Virgen del Rosario y Muchachos comiendo uvas de Bartolomé Esteban Murillo. Murillo (1618-1682) fue otro de los grandes pintores españoles del siglo XVII. Logró dar a sus obras una gran expresividad que se observa, especialmente, en los rostros de sus imágenes religiosas; también el realismo en las composiciones facilité una clara comprensión de ellas. La Virgen del Rosario es uno de los mejores ejemplos de su obra. Muchachos comiendo uvas es una pintura dedicada a tenias de la vida cotidiana a los que consagró la última etapa de su producción

Ver: Siglo de Oro Italiano

EL SIGLO DE ORO  ESPAÑOL      
Toda la potencia, la grandeza y el brillo de la nación española «explotaron» en el siglo XVI.

La gloria del imperio español, desde la primera mitad del siglo XVI hasta la segunda del XVII, es sólo comparable al esplendor del Imperio Romano.

Y mientras se estabilizaba la preponderancia política de España en Europa y sus naves surcaban los océanos a la conquista de nuevos continentes, también la vida espiritual y cultural de la nación florecía.

Estamos en el período «clásico» de la literatura y el arte español: un período en el que la fe religiosa y la conciencia de la propia grandeza produjeron grandes obras maestras.

En este breve retrato de una época, nos limitaremos a dar los nombres de los artistas más famosos, resumiendo así los diversos «filones» existentes en la producción literaria de este «siglo de oro».

La poesía – Bajo el influjo de la escuela italiana, y también como reacción ante ella, la lírica alcanzó una riqueza expresiva y una fuerza estilística fuera de lo común.

El camino fue señalado, a principios del siglo, por Garcilaso de la Vega, (imagen abajo) poeta de azarosa existencia que ejerció una enorme influencia en la evolución del estilo. Pero el mayor lírico de este período fue Luis de Góngora, «genio máximo», «Homero español», «príncipe de la poesía».

garcilaso de la vega siglo oro español

La mística – En el candente clima religioso de la época, los espíritus más fervientes se entregaron a la fe con un impulso casi sobrehumano.

Entre los místicos españoles, el nombre más importante fue una mujer, santa por añadidura: Teresa, de Cepeda y Ahumada, que ha pasado a la posteridad con el nombre de Teresa de Jesús.

Sus obras, dejando aparte el contenido espiritual, ocupan un lugar preferente en el campo literario, por la fuerza, el calor y la riquísima espontaneidad con que expresan su fe.

El Teatro: A finales del siglo XV, el pueblo español, despertando a la conciencia de su genio nacional, permitirá al teatro un desarrollo igualmente decisivo.

El Imperio español está en pleno auge. Tras la influencia italiana, la originalidad profunda y radiante del teatro español florece en obras gracias a las cuales el mundo entero llamará a esta centuria el Siglo de Oro, uno de los más gloriosos de la historia universal del teatro.

Es un teatro obsesionado, como lo era el hombre de su época, por la idea del honor. La Iglesia se halla, por su parte, en plena lucha contra la herejía. La todopoderosa Inquisición conseguirá suprimir toda libertad religiosa o política. Sin embargo, renuncia a luchar contra el teatro, prefiriendo servirse de él en la medida de lo posible.

Y lo hará, esencialmente, sugiriendo temas a los autores dramáticos, y censurándolos después.

El período heroico del teatro empieza realmente con el remado de Felipe II, que verá el florecimiento de la poesía lírica y de la épica, y el esplendor de los grandes místicos, como Teresa de Jesús y Juan de la Cruz.

Los grandes nombres del teatro son: Miguel de Cervantes –genial novelista, y no tan grande como dramaturgo-, Tirso de Molina, Pedro Calderón de la Barca, Juan Ruiz de Alarcón y, por supuesto, Lope de Vega.

De todas las artes, el teatro fue el que manifiestamente sirvió mejor a los fines de la política interior de Felipe IV.

La reputación del fasto y el esplendor de una corte que todavía pretendía asombrar al mundo, y en la que se representaban tantas obras y comedias palaciegas, servía para enmascarar ante el pueblo la decadencia política y social de la monarquía de los Austrias, comenzada con guerras desgraciadas y tratados desastrosos que culminaron en el agotamiento de las arcas reales.

El teatro de toda esta época, amado por los reyes, por la aristocracia y por el pueblo, quiere ser, y lo consigue, eminentemente popular. Los dramaturgos viven profundamente su época, y la reflejan.

Todos los historiadores están de acuerdo en que la aristocracia ocupa los altos cargos pero tiene poca influencia. El rey, seguido por su pueblo, tiene toda la autoridad material, mientras que la Iglesia, que ha mantenido durante ocho siglos una encarnizada pugna contra el Islam, lucha ahora contra el protestantismo y posee toda la autoridad espiritual y moral, que impone por medio de la Inquisición.

Se puede situar en el reinado de Carlos II, es decir, en los últimos años del Siglo de Oro, el fin, al menos en bloque, del gran genio dramático español, uno de los más grandes que hayan existido.

El fin del Siglo de Oro Español
La decadencia política y económica de la España de los sucesores de Felipe II estaba disimulada por los fastos de la corte y por una producción artística brillante, tanto en el ámbito literario como en el pictórico.

Pero el país se debilitaba: el enrarecimiento de los metales preciosos de América agravó el déficit de las finanzas reales, mientras que el dominio de territorios dispersos, la conservación de su hegemonía y la defensa del catolicismo exigían fuertes gastos militares.

El ejército sufrió reveses en la guerra contra Francia; estallaron revueltas en Cataluña, Nápoles y Sicilia; Portugal recuperó su independencia. La sucesión de Carlos II desencadenó luchas encarnizadas entre las familias principescas, que, temiendo la hegemonía francesa, rehusaron reconocer a Felipe V, nieto de Luis XIV.

Si el príncipe Borbón pudo finalmente, después de un conflicto ruinoso, instalarse en Madrid, ello fue a costa del desmembramiento de las posesiones españolas de Italia y de Flandes.

También: Grandes Escritores del Siglo XVII