Frases y citas celebres sobre el valor humano de la verdad.

Biografia de Courbet Gustave Resumen Cronologia y Obra Pictorica

Biografía de Courbet Gustave
Resumen y Cronología de su Vida

BIOGRAFIA: GUSTAVE COURBET, 1819-1877 (Francés). Fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático, republicano, cercano al socialismo revolucionario.Courbe  encarna el realismo por excelencia. Hizo de su vida un auténtico compromiso vital, donde la tarea de pintar se convirtió en una manifestación, ante sí mismo y ante los demás, de su apasionado interés hacia todo lo humano.

Aunque en su formación como pintor no siguió los cauces habituales, que obligaban al riguroso aprendizaje con un maestro consagrado, tuvo un conocimiento directo de los viejos pintores naturalistas del siglo XVII, que entonces no formaban parte todavía de los grandes mitos de la historia del arte, como por ejemplo Caravaggio, la pintura holandesa y la pintura española. Nacío, así, un nuevo concepto de artista, destinado a revelar la verdad al mundo.

Nació el 10 de junio de 1819 en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs alemán, cuyo paisaje refleja en sus cuadros.

Courbet, hijo de campesinos acomodados, era brusco, un tipo duro y bebedor. El padre de Gustave era viticultor del Franco-Condado y deseaba convertirlo en ingeniero, pero acabó dejándolo estudiar derecho en París. Courbet era dueño de una autoestima superlativa, donde el mismo se decía: “soy Courbetista, eso es todo. Mi pintura es la única verdadera. Soy el primero y único pintor del siglo”.

Era una persona con empatía, cercano a la gente, comprometido políticamente y activista (participó en las revoluciones de la Comuna de París).

gustave courbet biografia

El realismo fue un movimiento histórico que aspiró a ofrecer una representación verdadera y objetiva del mundo sensible, basada en la observación detallada de la vida que era contemporánea al artista. Este movimiento afectó, sobre todo, a la literatura y a las artes visuales del mundo occidental, que se vieron desprendidas de los convencionalismos narrativos y figurativos que, hasta entonces, las habían vinculado a una idea de belleza preconcebida, basada en una fórmula consagrada.

Estudió en Besançon y luego en París (1840),  desinteresándose de los estudios, alquiló un taller y se dedicó, a la pintura como autodidacta. Courbet frecuentaba el Louvre y la Academia Suiza.  Pronto adquirió un método de pasta espesa, a menudo aplicado a la espátula, de efecto vigoroso.

En 1844 su «Retrato con perro negro» fue aceptado para la exposición anual del Salón de Arte, sin embardo en los años siguientes, sólo una parte de sus obras serías aceptadas. Data de esa época una espléndida serie de auto-retratos, como «El violinista» y «Hombre con cinturón». Courbet se jactaba de desagradar al jurado del Salón y veía en las recusaciones la prueba de su valor.

Después de viajar a los Países Bajos e Inglaterra, se estableció en París en 1848, donde se relacionó con Baudelaire, Proudhon, Champfleury y Murger.

Políticamente fue un republicano socialista ardiente, donde muy pronto se convirtió en figura notoria por discursos acalorados en los cafés.

En 1850 presentó  «Quebradores de nueces», el primer cuadro de tema proletario y «Entierro en Ornans», cuyo realismo hizo escándalo.

En 1855 envió once obras a la Exposición Universal, siendo rechazada su gran obra «El taller«, llamado por el artista «alegoría real». En ella retrató sus odios y amistades. En el centro, él mismo, pintando un paisaje. Baudelaire, colocado a la derecha, simboliza la poesía realista. Detrás del caballete, un muñeco dependiente representa las convenciones artísticas; una guitarra y un sombrero de mosquetero arrojados al suelo, a la izquierda, su desprecio por el romanticismo.

obra el taller de courbet gustave

Courbet sacudió los dogmas clásicos al encarar la defensa de la causa realista. Rechazó la idealización académica, elevó la representación del pueblo al status de la pintura histórica y restableció el amor por la materia. Su objetivo, tal como él lo definió, era «ser capaz de traducir las costumbres, las ideas, el aspecto de [su] época, según [su] apreciación, ser no sólo un pintor, sino además un hombre; en una palabra, hacer arte vivo […]».

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obra pictorica de courbet el entierro de Ornans

Un cuadro histórico, obra pictorica de Courbet «El entierro de Ornans». No fue tanto el tema lo que ofendió a los burgueses, sino su representación en dimensiones monumentales. Courbet infringió los códigos de la escena de género (retrato de un grupo de población local) al utilizar los códigos de la pintura histórica. El título completo era Cuadro de figuras humanas, reseña histórica de un entierro en Ornans. Su composición en friso no distingue en la escena un centro claramente legible, desconcierta y nivela la representación, lo que va en contra de las reglas clásicas. Por último, en lugar de un marco dorado, Courbet prefirió tablas mal cepilladas.

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courbet caricatura

Courbet tenía una personalidad polémica y bastante caricaturesca: era arrogante, truculento, de risa fácil y vientre prominente. Elaboró -respaldado financiera e intelectualmente por sus amigos Bruyas, Champfleury, Proudhon- estrategias (retrospectiva personal, creación de una escuela taller) para sortear constantemente la institución, así como toda recuperación.

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Courbet decidió hacer una exposición particular de unas cuarenta pinturas que pudo reunir en una sala particular de Refused, pionero de las manifestaciones de los impresionistas contra el arte oficial. En

esa ocasión, la crítica, siempre irónica ante el contenido político-social de sus pinturas, no pudo dejar de reconocer su valor.

Su influencia alcanzó a Bélgica y Alemania, donde había estado en 1858-59.

En 1870 fue elegido presidente de la comisión de museos. Con gran escándalo, rechazó la Legión de Honor, alegando no querer ser condecorado por Napoleón III.

Participando de la Comuna de París, decretó el desmontaje de la columna Vendôme. Restablecida la orden, fue responsabilizado por la depredación y condenado a seis meses de prisión.

En 1873, obligado a pagar la reconstrucción de la columna, se refugió en Suiza, donde volvió a pintar retratos y paisajes.

Su salud sacudida se agravó con la noticia de la venta en subasta pública de sus bienes, incluso los cuadros, llegando a morir de cirrosis en  diciembre de 1877.

Fue enorme la influencia de Courbet. Combinando el arte académico convencional, creó un estilo enérgico que da nueva importancia a los menores hechos de la vida cotidiana, abriendo camino a los impresionistas.

La materia: El realismo de Courbet se encontraba primero en su voluntad de restituir mediante la pintura el «espesor» de las cosas, de los cuerpos, sus pesos y su vida. Ello chocó al público en una época en que se prefería la representación idealizada y afectada de diosas tales como la Venus de Cabanel.

«Considero que la pintura es un arte esencialmente concreto y que solamente puede consistir en la representación de las cosas reales y existentes. Es un lenguaje enteramente físico, cuyas palabras son todos los objetos visibles», escribió Courbet en 1861 con ocasión de la inauguración de su escuela en la calle Notre-Dame-des-Champs, donde no concibió transmitir un método, sino formar pintores que supieran rendir cuenta de su tiempo, ya que «cada época debe tener artistas que la expresen y la reproduzcan para la posteridad«.

obra pictorica la siesta de courbet gustave

LA SIESTA (1866) – El gusto por la provocación. El tema de esta tela, que también llevó por títulos El sueño, Las amigas, Pereza y lujuria, habría sido elegido para denunciar la depravación de las costumbres y el lesblanlsmo durante el Segundo Imperio. Pero esta hipótesis toma poco en cuenta el gusto de Courbet por la representación carnal. Se trata aquí de un encargo del coleccionista Khalil-Bey (comitente de El origen del mundo y primer comprador de El baño turco de Ingres), que se convenció del genio de Courbet después de haber visto Venus y Psique (El despertar), un motivo con pretexto mitológico pero cargado de erotismo.

CRONOLOGÍA DE SU VIDA:

1819-1836: El 10 de junio, a las tres de la mañana, de Suzanne-Silvie Oudot, esposa de Eléonor-Régis-Jean-Joseph-Stanislas Courbet, nace en Ornans, en el Franco Condado, Jean-Désiré-Gustave. Al día siguiente, se registra el nacimiento en el municipio. Gustave Courbet es el primer hijo de la familia; después de él nacerán cuatro hermanas: Zoé, Zélie, Juliette, Clarisse; esta última morirá joven.

Gustave hace sus primeros estudios en el Colegio de Ornans, dirigido por los abates Oudot y Lemontey. El provecho que obtiene es muy escaso pero en compensación gana todos los años el premio de música, mientras su amigo Promayet obtiene los premios de dibujo. Su carácter rebelde se manifiesta ya a los catorce años cuando se rehusa a hacer la primera comunión. Para persuadirlo, debe intervenir el cardenal de Rohan, obispo de Besangon. De todos modos, inmediatamente después se negará obstinadamente a confesarse y a recibir los otros sacramentos.

1837-1839: Entra en el Colegio Real de Besangon. Tiene dieciocho años y ningún deseo de dedicarse a estudios que no le interesan. ..Lo_ único que lo apasiona es el dibujo. El curso es dictado por Charles-Antoine Fla-joulot, que sigue un método de lincamiento? neoclásicos. Los dibujos de Courbet recuerdan a los de los mejores alumnos de David.

1840-1844: Crece en él el deseo de ir a París para estudiar pintura. Y en efecto, en este año parte para la capital, pero el padre lo inscribe en la Escuela de Derecho. Courbet, sin embargo, no se rinde y algunos meses después comienza a frecuentar una escuela libre de arte, la Academia Suisse, nombre de su fundador, la misma que algunos años más tarde será frecuentada por Pissarro y Cézanne.

En ese período conoce a Frangois Bonvin, que lo acompaña al Louvre y discute con él problemas de pintura. Juntos frecuentan después el atelier de un tal Dusprez llamado «Pére Lapin», donde se puede pintar y esculpir realmente por seis francos al mes. Estudia y trabaja intensamente. Hace también copias: La cabeza de caballo, de Géricault, Dante y Virgilio, de Delacroix. En 1844 pinta el Autorretrato, más conocido por El hombre del cinturón de cuero y también El hombre herido. Conoce también al escritor y crítico Max Buchón.

1845: Por primera vez un cuadro suyo es aceptado en el Salón. Se trata del Guitarrero. Conoce a Baudelaire y lo aloja en su estudio.

1847-1849: Viaja a Holanda, donde tiene oportunidad de admirar las obras maestras de Rembrandt. Entre tanto ha conocido a los escritores y críticos Castagnary y Francis Wey. Son los años decisivos. En el Salón del 49 se hace presente con Sobremesa en Ornans y otro grupo de cuadros.

El éxito se festeja en la cervecería Andler-Keller, en la Rue Hautefeuille 24, la misma calle en la que Courbet tiene su estudio y donde, desde hace algún tiempo, se reúne aquel pequeño grupo de literatos» y artistas del que surgirá después el movimiento artístico realista: Bonvin, Champfleury, Trapadoux, Wallon. En este mismo año, de regreso a su ciudad natal; pirita el Entierro en Ornans.

1850-1851: En diciembre participa en el Salón con el Entierro, el Retorno a la feria y Los picapedreros.

1852: jtín el Salón de este año está presente con Las señoritas del pueblo. El golpe de estado del 2 de diciembre lo sorprende ocupado en la gran tela de los Bomberos que corren al lugar del incendio, que quedará inconclusa. Max Buchón es obligado a exiliarse y con él, otros amigos suyos. Courbet se retira a Ornans. En este año estrecha amistad con Pierre-Joseph Proudhon.

1853-1854: Nace Van Gogh. Pinta Las bañistas, La hilandera adormecida, Las ahechaduras. Conoce a Jacques-Louis-Alfred Bruyas, que se convierte en Hautefeiulle, se celebra la «Fiesta del realismo», de la que participa también Baudelaire y todos los amigos, escritores y pintores. Algunos días después parte para Ornans.

1861-1863: Aparece el libro de Champfleury, Grandes figuras de ayer y de hoy, uno de cuyos protagonistas es Courbet, junto con Balzac y Wagner. Expone en el Salón cinco obras entre las cuales está El combate de los ciervos. Max Buchón regresa del exilio. Viaja a Bélgica donde su pintura está obteniendo un consenso entusiasta entre los jóvenes. Hacia el fin del verano, funda el «Atelier Cour-bert», en la Rué Notre-Dame-des Champs 83.

La experiencia dura poco tiempo. Courbet acepta la invitación de Etienne Baudry, un propietario de viñedos, y arriba a Sain-tonge, en el oeste de Francia. También llega Corot y van juntos a pintar. Courbet regresa a París en marzo del año 1863, después de haber pintado numerosos paisajes y un tupido grupo de naturalezas muertas con flores. En este mismo año pinta la famosa tela de inspiración anticlerica.

El regreso de la conferencia. Muere Delacroix.

1864-1865: Pinta Venus y Psiquis, rechazado en el Salón. El 19 de enero muere Proudhon. Pinta entonces el conocido cuadro Proudhon y sus hijos, titulado inicialmente Proudhon y su familia. En el primer borrador, en efecto, aparece también la mujer de Proudhon, que en una sucesiva reelaboración desapareció de la tela. En junio aparece —en forma postuma— el libro que Proudhon ha dedicado a su pintura: Del principio del arte y de su destino social.

1866-1867: Zola escribe Mi Salón, dedicándolo a Cézanné. Courbet expone en el Salón la Mujer con el papagallo y El refugio de los gamos. Reside en Deauville, donde pinta una serie de marinas. Participa en la Exposición Universal del 67 al mismo tiempo que prepara una muestra antológica propia. Mueren Baudelaire e Ingres.

1868-1870: Envía al Salón, El otoño de un mendigo en Ornans; al año siguiente presenta La siesta y un cuadro de caza; en el 70 expone La ola. Es el último Salón en el que participa. Rechaza la Cruz de la Legión de Honor ofrecida por el gobierno. Estalla la guerra con Prusia, Francia es invadida, cae el Imperio de Napoleón III. Con la proclamación de la República, Courbet es nombrado presidente de la Comisión de los artistas y lugarteniente de estado mayor del  batallón 45., Se ocupa de la protección de los monumentos y de las obras de  arte amenazadas por los cañones prusianos.

Adhiere a la Comuna y promueve la Constitución de la Federación de los Artistas. El 16 de mayo es derribada la Columna Vendóme. En nombre de la Federación, Courbet suprime la Academia y la Escuela de Bellas Artes, junto con las Escuelas de Roma y Atenas. Caída la Comuna, Courbet es arrestado, procesado y condenado. Pasa cerca de siete meses en prisión y debe ser internado en una clínica, casi al terminar la pena, porque su salud es muy precaria. En marzo está libre. Regresa a Ornans, donde ha muerto la madre durante el periodo de su prisión.

1873-1874: En mayo la Asamblea nacional lo inculpa del derribamiento de la Columna Vendóme. Las persecuciones aumentan. Esconde sus cuadros, los envía a Suiza. Finalmente, también él se marcha y llega a Suiza en diligencia. Se establece en Tour-de-Peilz, fracción Vevey, en una vieja casa a orillas del lago. El discípulo Chérubino Pata va a vivir con él. El pintor Auguste Morel, un viejo comunero de Marsella,  se establece también con su mujer en la misma’ casa: todos juntos cuidan a Courbet y lo acompañan. Muere Millet. Primera muestra de los impresionistas en París.

1875-1877: Muere Corot. Courbet pinta paisajes y recibe amigos. Pero su salud empeora. El diagnóstico de sus males es grave. De París llega el doctor Paul Collin. Toda cura es inútil. Courbet muere el 31 de diciembre de 1877, a los cincuenta y ocho años. Tres días después sus restos se depositan en el cementerio de Tour.

1915: Los restos de Courbet son transportados a Ornans. En el cementerio de Tour-de-Peilz permanece, como recuerdo, esta inscripción: «Aquí reposó desde 1878 hasta 1915 el cuerpo del pintor Gustave Courbet nacido en Ornans el 10 de junio de 1819 — muerto en Tour-de-Peilz el 31 de diciembre de 1877.

LISTA DE OBRAS PICTORICAS DE GUSTAVE COURBET

1842, El hombre del perro negro
1849, El hombre de la pipa
1850, Entierro en Ornans
1850, Los campesinos de Flagey volviendo de la feria
1853, Las bañistas
1854, Les Bords de la mer a Palavas
1854, Las cribadoras de trigo
1854, El encuentro
1855, Alegoría real o El estudio
1858, La Merà Palavas
1864, Le Chêne de Flagey
1864, Las fuentes del Loue
1865, Retrato de Proudhon y sus hijos
1866, La Femme au perroquet
1866, La Trombe
1866, Las durmientes
1866, La remesa de corzos en el arroyo de Plaisir-Fontaine Doubs
1868, l’Hiver
1868, La mujer de la ola
1868, La fuente
1869, La vague
1869, Mer calme
1870, El mar tormentoso
1871, Manzanas y granadas en una copa
1874, Autorretrato en Sainte-Pélagie
1877, Gran panorama de los Alpes

Fuente Consultada:

La Enciclopedia del Estudiante Tomo 19 Historia de la Filosofia La Nación
Enciclopedia Temática Ilustrada – Tomo de Biografías – Editorial GR.U.P.O. S.A.

 

Biografia de Niemeyer Oscar Caracteristicas Arquitectura de Brasilia

Biografía de Niemeyer Oscar
Características Arquitectura de Brasilia

La construcción de Brasilia, la flamante capital del Brasil, ha hecho poner los ojos con extraordinario interés en el momento actual de la arquitectura brasileña. Ya desde hace unos años, las obras de los jóvenes maestros brasileños habían atraído la atención de los estudiosos de este arte.

En Brasil, país poderoso, rico y en trance de un desarrollo económico realmente maravilloso, la arquitectura ha venido cobrando una importancia creciente, llamada a resolver tantos problemas puramente arquitectónicos y urbanísticos como sociales. Se trata de dar solución a todo ese cúmulo de interrogantes, de nuevas necesidades que se plantean siempre en los momentos de crecimiento masivo de un país, muchas de ellas directamente relacionadas con el arte de la arquitectura.

En Brasilia, la nueva ciudad federal brasileña surgida en la meseta interior de Goiás, el trabajo del arquitecto Oscar Niemeyer es a todas luces el más interesante. El plan piloto de la nueva capital es el de Lucio Costa, un arquitecto de fama y hasta de nacionalidad casi internacional, que ganó el concurso entre otros veintiséis proyectos.

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Oscar Niemeyer Soares Filho nació el 15 de diciembre de 1907. Sintió siempre una gran afición por las matemáticas. Realizó sus estudios primarios y secundarios en el «Barnabitas College», de donde salió en 1929 firmemente decidido por su carrera futura de arquitecto.

Un año más tarde, fortalecida aún más su vocación profesional merced a unos viajes realizados por el interior del país, en los que se puso en contacto con la arquitectura histórica y moderna brasileña, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro, matriculándose en los cursos de arquitectura. En cuatro años terminó sus estudios superiores, siempre con las máximas calificaciones, reputado por sus compañeros y profesores como el más aventajado de su promoción.

La familia paterna de Oscar Niemeyer es de ascendencia alemana. De ella ha heredado su mente casi matemática, que sólo el clima social y cultural de su país natal ha podido templar, en un proceso de humanización progresiva que se observa a lo largo de su producción arquitectónica. Al terminar su carrera en la Escuela Superior de Río, empezó a trabajar de arquitecto en la oficina de Lucio Costa, que por entonces era jefe del Servicio del Patrimonio Histórico Artístico Nacional.

La raíz italiana de Costa, su verdadero primer maestro, supone ya mucho en el desarrollo posterior de su carrera. Por estos años, la contemplación y estudio de los edificios históricos brasileños, pareja a la dirección clásicamente mediterránea de Lucio Costa, ponen en la obra del futuro maestro de Brasilia sus primeras preocupaciones por la humanización de la arquitectura. Su deseo de dar solución a tantos problemas estéticos, en el fondo, respondía a su preocupación social.

Si Oscar Niemeyer no hubiera tenido más maestro que Lucio Costa, si no hubiera viajado tanto por Europa —«de Lisboa a Moscú», suele decir él a todo el mundo—, su producción arquitectónica quizá no hubiera alcanzado su cima actual. Podría haberse quedado en una serie de hábiles soluciones, en una serie ininterrumpida de hallazgos estéticos.

Su arquitectura habría sido reputada como obra de un buen técnico también, pero un poco como fruto discreto y acertado de un arquitecto que no se enfrentó con los más graves problemas que se plantean cada día a todo arquitecto contemporáneo.

Pero en la vida y en la obra de Niemeyer están además la presencia decisiva de Le Corbusier, el gran maestro del racionalismo europeo, y sus contactos directos con los problemas arquitectónicos y urbanísticos de Europa, agravados a la terminación de la última guerra.

El trato de Niemeyer con Le Corbusier fue mucho más corto que el que ha tenido y tiene con Costa, pero la personalidad del maestro suizo-francés, el volumen de su obra, la serie de sus soluciones arquitectónicas, han sabido dejar su huella en la obra del brasileño.

Niemeyer fue uno de los colaboradores de Le Corbusier en el proyecto del campus de la ciudad universitaria de Río de Janeiro, encargo hecho al arquitecto europeo por el entonces ministro de Educación, Gustavo Capanema. De este corto contacto, Niemeyer obtuvo unas experiencias técnicas que inteligentemente ha sumado posteriormente a su obra.

El respeto suyo por las líneas y los volúmenes puros, el aire ligero de sus construcciones, la presencia del paisaje, racionalmente incorporado a los edificios, son otras tantas notas «lecorbusianas» en la obra del maestro de Brasilia.

La lista de la producción de Oscar Niemeyer es bastante voluminosa y no menos variada. Ha realizado tanto pequeños edificios privados como grandes construcciones para uso público. Sus obras revisten siempre un carácter marcadamente nacional, que es otra de las notas que puede añadirse a su producción.

Esta característica —la presencia de la geografía, de los tipos de construcción brasileños en la producción de un arquitecto moderno—, ya es sabido que no es privativo del Brasil. Pero sí es cierto que en pocos arquitectos, descartada la obra del fallecido Frank Lloyd Wright, se da un más perfecto equilibrio de las últimas realizaciones técnicas con la fisonomía nacional, con la incorporación buscada al paisaje propio del lugar.

En la carrera profesional de Oscar Niemeyer puede darse un corte claramente diferenciado. Antes y después de su largo viaje por Europa, que, según él, le ha hecho dar un completo cambio de rumbo en las directrices de su producción. Ya en 1937 realiza su primera obra: una Nursery en Río de Janeiro, edificio de pequeños alcances, en el que ya observa una gran preocupación por el jardín.

De 1938 datan tres obras importantes: el pabellón brasileño de la Feria de Nueva York y dos casas de descanso, una para Oswaldo de Andreade y otra para Miguel Pereira, en las que logró una adecuación perfecta de las formas arquitectónicas a las de la naturaleza.

En el pabellón para la Feria de Nueva York, realizado en colaboración con Lucio Costa y Paul Lester Wiener, la distribución de las distintas plantas sigue una fórmula marcadamente de Le Corbusier. De 1939 es el hotel de Ouro Preto, en el estado de Minas Gerais.

En 1941 construye el «Standpipe» de Riberao das Lages, en Río de Janeiro, el «Centro Atlético Nacional» de la capital federal, y continúa la construcción del ministerio de Educación y Cultura, que había comenzado en 1937 y que no habría de terminarse hasta 1943.

Al construir en el Centro Atlético el enorme Estadio, Oscar Niemeyer se sitúa ya entre los maestros. Para ubicar a los ciento treinta mil espectadores, el arquitecto realizó una de sus mejores obras. En la distribución de los diferentes bloques de edificios, las zonas verdes, los campos de los distintos deportes siguió la técnica ya tradicional en la arquitectura moderna, de aislar las diferentes zonas con espacios verdes, lagos y estanques.

1942 es el año en que Oscar Niemeyer construye su estudio-residencia en la Sección Gavea de Río de Janeiro, edificio de tres plantas, abierto al lago Rodrigo de Freitas, en el que dio entrada a las muestras más modernas de muebles, añadiendo así otro frente a sus preocupaciones artísticas.

Del mismo año es el casino de Pampulha, un suburbio de Belo Horizonte, donde repitió algo la estructura de su pabellón neoyorquino.

En Pampulha hizo también en 1942 un restaurante, el Club de Yates, y comenzó la famosísima iglesia de San Francisco de Asís, que, decorada con murales del pintor Cándido Portinari, tuvo que superar algunas dificultades de tipo litúrgico antes de su consagración.

También de 1943 es el hotel Resort y la casa de descanso del futuro presidente Juscelino Kubitschek, ambos en Pampulha, la residencia de Carlos Ofair en Río, la de Francisco Peixoto y la de la señora Prudente de Moráis, terminada en 1949, la más personal de las construcciones que ha levantado de este tipo, en la que modificó de manera muy original los famosos «pilotis» patentados por Le Corbusier.

Entre 1943 y 1950, Oscar Niemeyer realizó una veintena de obras importantes. Varios hoteles, edificios para grandes bancos, algunos clubs deportivos, factorías industriales como la de Carlos de Britto, numerosas residencias particulares en la ciudad y en el campo, bloques de departamentos y el bellísimo monumento a Barboza en Río de Janeiro, con un curioso mural de Cándido Portinari.

Desde 1950 a 1955, Osear Niemeyer ha ocupado casi toda su actividad en las obras del parque Ibirapuera de Río de Janeiro, donde ha construido los palacios de la Industria, de la Agricultura, de las Artes y el Gran Mercado. Con estas obras ya estaba magníficamente preparado para la realización del Museo de Caracas y para los múltiples edificios de Brasilia, en los que se acusa de manera notable el cambio dado a sus criterios técnicos y estéticos, fruto de su viaje a Europa y de su contacto con las más recientes obras de la arquitectura internacional.

«Los trabajos de Brasilia definen, con el proyecto del Museo de Caracas, una nueva etapa de mi trabajo profesional. Éste se caracteriza por una búsqueda constante de concisión y de pureza, así como por una mayor aplicación a los problemas fundamentales de la arquitectura. Esta etapa… fue la consecuencia de un proceso honrado de fría revisión de mi trabajo de arquitecto.

En verdad, después de mi regreso de Europa, que recorrí de Lisboa a Moscú, examinando atentamente cuanto pudiera tener relación con la arquitectura, mi actitud profesional ha cambiado mucho.» Estas palabras de Oscar Niemeyer, pronunciadas con motivo de iniciar los trabajos de Brasilia, resumen la nueva actitud del maestro, que, en un desarrollo lógico de toda su obra, ha llegado a una nueva cima.

Examinando sus construcciones de Brasilia, en las que un aire total, extraordinariamente armónico, envuelve en una sola obra todo su trabajo en la nueva capital, es necesario pensar que el maestro brasileño ha conseguido una gran simplificación, no sólo de resultados formales, sino de actitudes previas y criterios arquitectónicos.

Puede decirse que antes de este momento, la labor arquitectónica era emprendida por Oscar Niemeyer con cierto sentido de servicio a otras actividades humanas. Se trataba de realizaciones parciales, complementarias de otras muchas cosas que no eran la arquitectura.

Hoy, contemplando sobre todo su plaza de los Tres Poderes, se aprecia bien claramente cómo Niemeyer ha llegado a una concepción total de la arquitectura, en la que este arte sirve de soporte y ámbito a los demás y está perfectamente integrado en la realidad social, política y cultural brasileña, como un elemento de síntesis y de armonización.

El palacio de la Alborada, residencia oficial del presidente; los palacios —el Legislativo, el Ejecutivo y el Judicial—, Centro Residencial con sus viviendas, iglesias, escuelas, liceos y mercados, la Cámara de Diputados y el Senado —curiosísimas construcciones a base de medias esferas situadas sobre una enorme plataforma artificial—, el recinto bancario, con modernos y elevados edificios para la banca nacional y extranjera, etc., son el legado más importante de la obra de Oscar Niemeyer, un arquitecto en el que juegan con la mayor gracia y perfección las lecciones técnicas, racionalistas y exactas de Le Corbusier, con la sensibilidad que regalan a su obra el paisaje, densamente humano de su tierra natal y el clasicismo mediterráneo de Lucio Costa, su primer maestro.

La síntesis, personalísima, es la producción del arquitecto brasileño Oscar Niemeyer Soares Filho.

Óscar Niemeyer murió el 5 de diciembre de 2012 en Río de Janeiro a los 104 años.

LISTA DE SU MEJORES OBRAS

1947 – Sede de las Naciones Unidas en Nueva York

Niemeyer participó junto a un reputado grupos de arquitectos (entre ellos Le Corbusier) en la elaboración del proyecto del edifico principal de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York en 1952.

1958 – Palacio Planalto

Sede del poder ejecutivo del Gobierno Federal brasileño, el edificio comenzó a construirse en 1958 como parte del proyecto de Niemeyer en Brasilia. Consta de cuatro pisos de altura y tiene una superficie de 36.000 m². Su idea era proyectar una imagen de simplicidad y modernidad utilizando líneas y ondas para componer las columnas y estructuras exteriores.

1960 – Congreso Nacional brasileño

La obra, inaugurada en 1960, significó la transferencia de la capitanía de Río de Janeiro a Brasilia. Sede del poder legislativo federal en Brasil, la estructura está compuesta por dos semiesferas a los lados (Senado y Cámara de Diputados) junto a dos torres de oficinas.

1970 – Catedral de Brasilia

Terminada en 1970, se trata de la catedral metropolitana de la ciudad de Brasilia. Una enorme estructura hiperboloide de secciones asimétricas construida sobre hormigón y cuyo techo de vidrio parece abrirse al cielo.

1991 – Museo de Arte Contemporáneo de Niterói

Realizada por Niemeyer a los 100 años de edad, el museo se levantó en la ciudad de Niterói y es una de sus señas de identidad. El edificio tenía 16 metros de alto y una cúpula con un diámetro de 50 metros con tres pisos.

2011 – Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer

Tiene una estética provocadora, resumen de la mejor arquitectura del brasileño. El propio arquitecto lo ha descrito como «una gran plaza abierta a todos los hombres y mujeres del mundo, un gran palco de teatro sobre la ría y la ciudad vieja. Un lugar para la educación, la cultura y la paz».

Ver Fotos de las Mejores Obras de Niemeyer

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Biografia de Brecht Bertolt Resumen de su Obra Artistica y Vida

Biografía de Brecht Bertolt
Resumen de su Obra Artística y Vida

Bertolt Brecht nació el 10 de febrero de 1898 en Augsburgo, Bavaria, Alemania, ciertamente en el seno de una familia acomodada. Su padre era un pequeño industrial y regentaba una fábrica de papel en la ciudad. Como artista y como hombre, Brecht tuvo la oportunidad y el valor de escoger por sí mismo el camino a seguir y el carácter que quería conferir a su futuro; un futuro presidido por la tragedia de un mundo en guerra, donde hombres, estados y clases sociales se enfrentaban sin tregua.

Bertolt Brecht

Respecto a los primeros años de su vida, Brecht nunca confirió demasiada importancia a los aspectos religiosos de su educación aunque algunos biógrafos creyeron ver en su formación fundamentalmente protestante una posible explicación del carácter de su obra. El padre de Bertolt era católico y su madre protestante. Realizó sus primeros estudios en Augsburgo, donde se graduó en la escuela secundaria. Su vocación inicial fue la medicina, por lo que en 1917 ingresó en la universidad de Munich.

Los primeros contactos con las ciencias médicas no resultaron demasiado satisfactorios. Brecht demostró más interés por la literatura:y el drama que por el estudio de la anatomía humana. Ya en 1914, antes de ingresar en la universidad, había escrito sus primeros cuentos y poesías para un periódico de Augsburgo, el Augsburger Neueste Nachrichten.

En 1918, último año de la primera guerra mundial, Brecht fue llamado a filas. Gracias a las influencias de su padre consiguió colocarse en el hospital militar de su ciudad natal. Estuvo destinado en el pabellón de enfermedades venéreas, por lo que no vivió directamente la crudeza de la contienda, aunque para un joven de su sensibilidad el contacto con el sufrimiento humano dejó una importante huella en su personalidad.

El servicio militar y la guerra permitieron a Brecht conocer de cerca los ambientes populares de su tiempo, vivió directamente los hechos de 1918 y asistió con amargura al fracaso del movimiento revolucionario de los espartaquistas frente a los sectores socialdemócratas ortodoxos.

Desde el triunfo de la revolución rusa, los espartaquistas habían intentado repetir el proceso en Alemania, a pesar de la oposición del socialismo tradicional y de la resistencia del poder establecido. En 1918, Brecht se hallaba integrado en el Consejo Revolucionario de soldados y obreros de Augsburgo que se formó en la ciudad durante la efímera existencia de la República Soviética Bávara.

Al finalizar la guerra, abandonó su familia y se dirigió a Munich, con el propósito de entrar en contacto con los círculos políticos de izquierda y con los grupos artísticos de vanguardia. Allí conoció a los primeros grupos expresionistas, uno de los movimientos de vanguardia que mayor influencia iban a ejercer sobre su obra.

En Munich, Brecht optó claramente por su vocación artística y olvidó definitivamente sus estudios de medicina. Su interés se centró especialmente en el teatro y la literatura.

En 1918 escribió su primera obra, Baal, al tiempo que trabajaba en varios proyectos escénicos. De 1919 a 1921 colaboró asiduamente como crítico teatral en el periódico Der Volkswille de Augsburgo y, en 1919, presentó su segunda obra, Tambores en la noche, que fue estrenada el 29 de setiembre de 1922 y obtuvo una gran acogida de crítica y público, y le concedió cierta fama.

En noviembre de 1922 se casó con la actriz Marianne Josephine Zoff y al año siguiente nació su hija, Hanne Marianne, que años más tarde se convertiría en una famosa actriz conocida con el nombre de Hanne Hiob.

En 1924, Brecht se instaló en Berlín, donde trabajó por un tiempo como dramaturgo en el Deutsches Theatre de Max Reinhardt. Allí  conoció a la actriz Helene Weigel con la que se casaría en 1928, tras divorciarse de su primera mujer en 1927, y con la que tuvo dos hijos, Stephan en 1924 y Bárbara en 1930. En este nuevo círculo de relaciones encontró Brecht también a Elisabeth Hauptmann, que sería su compañera definitiva.

El descubrimiento del marxismo como filosofía influyó poderosamente en la obra de Brecht, orientando sus preocupaciones ideológicas y artísticas hacia la consideración moral y política de las relaciones humanas en el mundo moderno.

Su primer gran éxito (1928) lo consiguió a los 30 años, con La ópera de cuatro cuartos, estrenada en el Theater am Schiffbauerdamm. La obra se basaba en la Beggar’s Opera de John Gay y fue musicada por Kurt Weil. En 1943 se publicó una versión novelada de esta obra.

Durante estos años desarrolló una gran actividad como actor y como director teatral. Colaboró con Erwin Piscator en la puesta en escena de las Aventuras del buen soldado Schweyk (1927), basada en la novela de Jaroslav Hasek.

En 1930 empezó a publicar los Experimentos. Se trataba de cuadernos en los que recogía piezas teatrales, poesías, páginas narrativas, escritos teóricos. Escribió las piezas didácticas La línea de conducta y La excepción y la regla. Esta última nunca llegó a representarse en Alemania.

El éxito y la fama que Brecht iba asumiendo se vieron truncados por el desarrollo de los acontecimientos políticos en Alemania. Los años treinta fueron los años del ascenso del nacionalsocialismo al poder y de una completa transformación de la escenografía social alemana.

En enero de 1933, una representación de La línea de conducta fue suspendida por la policía en Erfurt.

El 27 de febrero tuvo lugar el incendio del Reichstag. Al día siguiente, Brecht abandonó Alemania con su familia, huyendo del régimen instaurado por el Partido Nacionalsocialista de Hitler.

Al abandonar Alemania, Pasó por Praga, Viena, Zurich, y se estableció en Dinamarca donde residió, con interrupciones, entre 1933 y 1939. Durante esta época colaboró en varias revistas de los exiliados alemanes y concibió su obra Los Horacios y los Curiáceos que no se representó hasta 1958.

En junio de 1935 participó en París en el Congreso internacional de escritores para la defensa de la paz. Le fue retirada la ciudadanía alemana.

En 1938 acabó su obra antinazi Terror y miseria del tercer Reich y empezó Galileo Galileo, reelaborada varias veces hasta 1956. Se trasladó a Suiza en 1939 y en abril compuso el drama radiofónico El interrogatorio de Lúculo, más adelante convertido en libreto de ópera para la música de Paul Dessau y representada en Berlín en 1951 con el título La condena de Lúculo.

En 1941 concluyó una de sus grandes obras: Madre Coraje y sus hijos. Con ella, Brecht retomó el mito materno ya utilizado en su versión de La madre de Gorki, y en Los fusiles de la señora Carrar.

Brecht decidió emigrar a Estados Unidos, donde residió desde 1941 hasta 1947.

Instalado en Hollywood, entró en contacto con el grupo de intelectuales alemanes exiliados (Freuchtwanger, Leonhard Frank, Fritz Lang) y tuvo ocasión de conocer a Charlie Chaplin.

En Hollywood, intentó aprovechar su experiencia teatral para trabajar en la industria cinematográfica, aunque sin abandonar su producción literaria.

Trabajó como guionista para el director Fritz Lang y escribió varias obras: La increíble ascensión de Arturo Ui (1941-1942), La buena persona de Sezuan (1942), El círculo de tiza caucasiano (1944-1945) y Galileo Galilei.

En 1947 abandonó E.U.A., tras ser interrogado por el Comité de actividades antinorteamericanas, y regresó a Europa, para instalarse en Suiza.

Allí continuó desarrollando sus actividades teatrales. Reelaboró la Antígona de Sófocles, estrenada en Coira en 1948. Este mismo año, en Zurich, estrenó el drama popular El señor Puntila y su criado Matti. También escribió el Pequeño órgano para el teatro, editado en 1949, quizá su escrito teórico más maduro e importante.

En octubre de 1949, volvió a Alemania, fijando su residencia en Berlín Oriental. Allí fundó su compañía teatral, el Berliner Ensemble.

Nombrado miembro de la Academia de las Artes, en 1950 reelaboró, para el Berliner Ensemble, El preceptor de J.M.R. Lenz. Este mismo año le fue otorgada la ciudadanía austríaca, pero no dejó su residencia de Berlín, donde vivió hasta su muerte.

En la última etapa de su vida, se dedicó especialmente a la adaptación de obras de otros autores Don Juan de Moliere en 1952, Coriolan de Shakespeare en 1953, El oficial reclutador de G. Farquhar en 1955 con el título Tambores y trompetas, etc..

El 14 de agosto de 1956 murió víctima de un infarto de miocardio en Berlín Oriental. Fue enterrado en el Dorotheenfriedhof, al lado de la tumba de Hegel.

A su muerte, su obra adquirió un significado decisivo para el conjunto de la cultura occidental y fue reivindicada por la mayor parte de los renovadores de la escena teatral europea. Concretamente Chiarini, distinguió cuatro fases en la evolución del teatro de Brecht.

En su primera época, denunció la alienación y la soledad del hombre en una sociedad de masas que convertía al individuo en un simple número. La solución brechtiana a este hecho era la vuelta a los orígenes, a una vida más primitiva y animal. Las obras más representativas de esta época fueron Baal, Tambores en la noche y En la jungla de la ciudad.

La segunda época del teatro brechtiano se caracterizó por la atención hacia las actitudes colectivas, en un intento de desvelar las razones sociales que determinan la psicología del individuo. Esta etapa se inició con Hombre por hombre (1924-1926) y se cerró con la La ópera de cuatro cuartos (1928) y Grandeza y decadencia de la ciudad de Mahagonny (1927-1929).

La tercera etapa se inició en la década de los años treinta y se caracterizó por la aparición de las llamadas «piezas didácticas», de tipo pedagógico e influenciadas por el marxismo. En esta época, Brecht realizó su adaptación de La madre de Gorki y Santa Juana de los mataderos.

La cuarta y última etapa puso de manifiesto la extraordinaria capacidad brechtiana para penetrar hasta el fondo de los conflictos planteados por el mundo burgués, supeditando su teatro a la perspectiva concreta del socialismo. Pertenecen a esta época Galileo Galileo (1938-1939) y La buena persona de Sezuan (1938-1940); así como El círculo de tiza caucasiano (1935-1940) y La increíble ascensión de Arturo Ui (1941), entre otras.

Fuente Consultada:
Forjadores del Mundo Contemporáneo – Tomo IV- Entrada: Bertolt Brecht “teorico y autor del teatro contemporáneo” – Editorial Planeta

Frases Sobre La Verdad y Sinceridad Citas Inteligentes Sabias

Frases Sobre La Verdad y Sinceridad-Citas Célebres

decir siempre la verdad

“La verdad siempre sale a flote como la gota de aceite en el vaso de agua.”

Lola Flores

“La verdad no triunfa jamás, pero sus adversarios acaban por morir.”

Max Planck

“Nunca es igual saber la verdad sobre uno mismo que tener que escucharla por otro.”

Aldous Nuxíey

“Cree a aquellos que buscan la verdad, duda de los que la han encontrado.”

André Gide

“Lo verdadero es demasiado sencillo, pero siempre se llega a ello por lo más complicado.”

Aurore Duplo (George Sand)

“Lo malo de quienes se creen en posesión de la verdad es que cuando tienen que demostrarlo no aciertan ni una.”

Camilo José Cela

“Una verdad sin interés puede ser eclipsada por una falsedad emocionante.”

Aldous Huxley

“No hace ninguna falta que los buenos ejemplos sean verdad. Basta que sean, de verdad, ejemplares.”

Anatole France

“Aquel que reconoce la verdad del cuerpo puede entonces conocer la verdad del universo.”

Proverbio hindú

“Después de la verdad, nada hay tan bello como la ficción.”

Antonio Machado

“Muchos hombres cometen el error de sustituir el conocimiento por la afirmación de que es verdad lo que ellos desean.”

Bertrand Russell

“Cuando bromeo digo la verdad. Aún sigue siendo la mayor diversión de la tierra.”

George Bernard Shaw

“La verdad es hija del tiempo.”

Aulo Gelio

“Cuando la verdad sea demasiado débil para defender-se tendrá que pasar al ataque.”

Bertolt Brecht

“La única manera de persuadir es decirla verdad.”

Ma Diosdado

“La mentira es un triste sustituto de la verdad, pero es el único que se ha descubierto hasta ahora.”

Elbert Hubbard

“Una idea es verdad cuando aún no se ha impuesto.”

Eugéne Ionesco

“Con el tiempo es mejor una verdad dolorosa que una mentira útil.”

Thomas Mann

“Intento comprender la verdad, aunque esto comprometa mi ideología.”

Graham Greene

“La verdad, si no es entera, se convierte en aliada de lo falso.”

Javier Sádaba

“Un vaso medio vacio de vino es también uno medio lleno, pero una mentira a medías, de ningún modo es una media verdad.”

Jean Cocteau

“La modestia en el hombre de talento es cosa honesta; en los grandes genios, hipocresía.”

Juan Luis Vives

“Existen verdades que pueden matar a un pueblo.”

Jean Giraudox

“Como todos los soñadores, confundí el desencanto con la verdad.”

Jean-Paul Sartre

“Los científicos no persiguen la verdad, es ésta la que los persigue a ellos.”

Karl Schlechta

“El que busca la verdad corre riesgo de encontrarla.”

Manuel Vicent

“Decir la verdad es imposible; o es nefanda o es inefable.”

Maria Zambrano

“Un buen orador debe tener algo de escritor, no ha de tomarse la verdad con precisión matemática.”

Otto von Bismarck

“El sentido común es el instinto de la verdad.”

Max Jacob

“Las mentiras son la religión de los señores y vasallos; la verdad, la divinidad del hombre libre.”

Máximo Gorki

“La verdad nunca tiene un aspecto impetuoso.”

Nicholas Boileau-Despreaux

 

“Lo opuesto de una formulación correcta es una formulación falsa. Pero lo opuesto de una verdad profunda puede ser muy bien otra verdad profunda.”

Niels Henrik David Bohr

 

“La verdad siempre resplandece al final, cuando ya se ha ido todo el mundo.”

Julio Cerón

“Aunque sólo existiera una verdad única, no se podría pintar cien cuadros sobre el mismo tema.”

Pablo Ruiz Picasso

“La verdad es un ácido corrosivo que salpica casi siempre al que la maneja.”

Santiago Ramón y Cajal

“Quienes buscan la verdad merecen el castigo de encontrarla.”

Santiago Rusiñol

“Desde el momento que se sigue a alguien se deja de seguir la verdad.”

Krishnamurti