Historia del Cine

BIOGRAFIA WALT DISNEY Resumen Vida Creador del Cine Animado

BIOGRAFIA WALT DISNEY Creador del Cine Animado

walt disneyWalter Elias Disney (Chicago 5/12/1901- California 15/12/1966), dibujante, productor, y director de dibujos animados nacido en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901.

Había nacido Walt Disney en Chicago, en 1901.

Su primera juventud fue agitada,  desempeñando diversos oficios y frecuentando con aplicación la Chicago Academy of Art.

Sus primeras armas en el arte las hizo como dibujante de publicidad; le atrajo desde el primer momento el campo cinematográfico de los dibujos animados, pero sus primeros ensayos no lograron éxito alguno.

Firme en su empeño, sin embargo, reunió, con su trabajo publicitario, el dinero preciso, y en unión de su hermano Roy, que había de ser su socio y colaborador, se trasladó a Hollywood, para fundar un modestísimo Disney Studio, andando el tiempo transformado en la poderosa empresa Walt Disney Productions.

Estudió primero en la escuela de Bellas Artes y, más tarde, aprendió en una agencia de publicidad todos los trucos técnicos del dibujo. Cuando tuvo un dinero ahorrado, montó un estudio con otros dibujantes en el que realizó las primeras versiones cinematográficas de cuentos famosos.

Mientras tanto, buscaba algo nuevo que causara un impacto especial en el público, un personaje destinado a ser conocido en todo el mundo.

Después de algunos intentos infructuosos con el personaje Osvaldo el conejo (1926) y una rata llamada Mortimer (1928), Walt Disney buscó un animal susceptible de convertirse en un héroe de dibujos animados, ese género antiguo, como la propia cinematografía, en el cual el dibujante había adquirido cierta notoriedad a mediados de la década de 1920. Ya era 1928.

Tras enrolarse a la edad de dieciséis años como enfermero de ambulancia en la Cruz Roja durante la Primera Guerra mundial y realizar algunas películas publicitarias para una fábrica de máquinas agrícolas en Kansas City, el joven captó astutamente la importancia que tendría en los años venideros la industria del cine.

A sus primeros personajes les faltaba algo de desenfado y picardía.

El éxito vino con Mickey, cuya tercera aparición en una comedia musical (eran los comienzos del cine sonoro), intitulada Steamboat Willie (Willie, el buque de vapor), atrajo multitudes considerables a Broadway en noviembre de 1928. (imagen abajo)

Mickey

Además de un notable manejo trazo, Disney dio prueba de una fantasía que encantó a sus primeros espectadores  recurrió al imaginario de los cuentos tradicionales estadounidenses y europeos al mundo de la granja, y luego imaginó un guión rítmico que incorporaba los chascarros y los disparates (gags), como aquel donde Mickey toca el xilofón en los dientes de una vaca en Steamboat Willie.

Esta sensibilidad poética alcanzaba su plenitud a medida que nacían nuevos personaje Minnie (1928), la compañera de Mickey, a la que la censura impuso llevar puesta una pollera; Pluto y luego Goofy (Tribilin) 1932, finalmente Donald (1934), el irascible, acompañado por sus propias comparsas (Daisy, sus tres sobrinos Uncle Scrooge, alias el Tío McPato), que terminó compitiendo con el propio Mickey llegando incluso a suplantarlo a fin la década de 1930.

En sus primeras producciones, Walt Disney sigue — así en la serie Alice in Cartoonland — las huellas del «Tintero Mágico», de Fleisher, intentando la unión, en un mismo film, de personajes de carne y hueso, y dibujos.

Este no será, sin embargo, su camino. Más adelante, Walt Disney se adentra rápidamente en el favor de las empresas y del público, divirtiendo a grandes y chicos con las aventuras de su gato Félix, de su ratón Mickey, de su pato Donald, creaciones que superará en las Sihy Simphonies, o sinfonías locas, cuando a la gracia del dibujo se añadan los atractivos de la música y el color.

¿Quién de entre nosotros no ha admirado la perfección de Primavera o La danza macabra?

MickeyPlutoTribilin
Minnie (1928)Pluto (1932)Gooby (1932)
 Pato DonaldTío de Donald Mc Pato
Donald (1934)Tío Mc Pato (1934)

¿Cómo nació su famoso ratón? Pensó que debía crear algún tipo de animarillo divertido para el público y se le ocurrió la idea del ratoncito.

Siempre le habían gustado los ratones y solía observar a uno que escarbaba entre el cesto de los papeles, mientas él trabajaba.

En 1920 había concluido el dibujo definitivo y en seguida le dio animación. Lo llamó Mickey Mouse (ratón Mickey, en inglés).

Le siguieron los dibujos de su novia Minnie, Gooffy, Pluto y todo un mundo de fantásticos personajes, cuyas historias iban destinadas tanto a los niños como a los adultos.

WALT DISNEY, UN HOMBRE DE NEGOCIOS:

Para Disney, la Segunda Guerra mundial marcó un claro viraje. Su obra, realizada en cadena, perdía la originalidad inicial.

Con el fracaso de Fantasía (1940), el cineasta comenzó a cuestionarse acerca costo creciente de los largometrajes, y poco a poco el creador pareció desvanecerse ante el hombre de negocios.

Por cierto los estudios Disney continuaron rodando y produciendo numerosas películas con personajes cada vez más antropomórficos (La cenicienta, 1950; Peter Pan, ;La bella durmiente del bosque, 1959…), y filmes que no fueron todos de dibujos animados, como La isla del tesoro (1950), Veinte Mil Leguas de Viaje submarino (1954) o la comedia musical Mary Poppins (1964).

El propio Walt Disney dedicó la mayor de su tiempo a administrar su fortuna y a inventar productos derivados de sus obras, especialmente el célebre parque de atracciones Disneylandia, inaugurado en California en 1955.

Además, durante la «caza de brujas» de la década de 1950, Disney informó al FBI acerca de actores sospechosos de actividades comunistas, lo que no contribuyó a mejorar una reputación ya empañada.

Cuando Disney murió en 1966, dejó más bien un imperio financiero que una verdadera escuela de creadores, capaces de producir otra cosa que escapara al estilo ya por entonces muy estereotipado.

Blancanieves y los 7 enanitos

El proceso de producción de Blancanieves y los Siete Enanitos («Snow White and the Seven Dwarfs») se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937, cuando al estudio se le terminó el dinero.

Para conseguir los fondos necesarios para completar Blancanieves, Disney tuvo que mostrar un montaje previo de la película a los directivos del Bank of America, quienes le prestaron el dinero para terminar el proyecto.

El presupuesto inicial de la película era de 250.000 dólares, pero acabó costando 1.488.000. La película terminada se preestrenó en el Carthay Circle Theater el 21 de diciembre de 1937, y, a su término, recibió una sonora ovación.

Blancanieves, fue el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO.

Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares (equivalentes a unos 98 millones actuales) en su estreno.

El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939.

 VIDEO SOBRE LA VIDA DE WALT DISNEY

En año 1955, Walt Disney inaguro Disneyland, el primer parque temático de la factoría Disney basado en el mundo de sus películas.

Con los años se han creado parques temáticos en Florida, Paris y Japón.

Sus reconstrucciones de carácter histórico y sus espectaculares atracciones lo convirtieron en un foco turístico de primer orden.

Después, en la misma línea, abrió sus puertas DisneyWorld, cerca de Orlando, Florida, en 1971, y más recientemente, Eurodisney, en las proximidades de París. (imagen arriba)

Entretanto la compañía abordó la producción de documentales como El desierto vivo (1953), o Los secretos de la vida (1956), y también a comienzos de los cincuenta películas de aventuras con actores reales, como La isla del tesoro (1950), Robin Hood (1951), El extraño caso de Wilby (1959), Un sabio en las nubes (1961), y Mary Poppins (1964).

Las películas de dibujos animados más destacadas de este periodo fueron Peter Pan (1953), Merlín el encantador (1963) y más recientemente Aladdin (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995) Toy Story (1995) , El Jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997), Mulan (1998), Bichos (1998),Tarzan (1999) y Dinosaurios (2000).

También han producido para televisión las series «Davy Crockett», «El club Mickey» y «El Maravilloso mundo de Walt Disney».

Mickey celebra el centenario Disney recordando al hombre y su sueño El ratón Mickey está de cumpleaños, ya que hoy se celebra el primer centenario del nacimiento de Walt Disney, su creador y el genio que está detrás de un mundo de fantasías animadas que han hecho historia.

ALGO MAS…A MODO DE SINTESIS: Nacido en 1901, Walt Disney tuvo desde niño aptitudes para el dibujo.

Después de realizar varias tareas para subsistir empezó a trabajar como cartoonist en un pequeño estudio publicitario.

En 1923 funda una compañía con su hermano Roy en Hollywood. Pero fue en 1928 cuando produjeron juntos el primer filme sonoro en el que además, aparecía un nuevo personaje, Mickey Mouse, que entonces se llamaba Mortimer.

La década de oro de Disney fue la del 40, pues significó el período de perfeccionamiento del característico estilo que convirtió a su empresa en una fábrica multifunción.

Pero mientras Pluto, Tribilín, el pato Donald y el ratón Mickey eran personajes nacidos del technicolor y de la cómica inventiva, los personajes realizados a partir de Blancanieves fueron naturalistas y concebidos desde un punto de vista más blando y sentimental.

Sus movimientos adquirieron la típica característica dada por una técnica llamada rotoscopio, que consistía en filmar primero a la figura humana en movimiento, para luego reproducir de forma gráfica las imágenes resultantes utilizándolas como modelo para el proceso de animación.

Así, Disney se fue volcando a favor de los largometrajes y a un estilo cada vez más definido que se nota en la fuerza dramática de sus primeras realizaciones: Blanca Nieves se vio sometida a limitaciones en algunos países porque las autoridades consideraban que la bruja aterrorizaba a los niños.

La vivacidad y los movimientos de los cortos de Disney de los años 30 fueron remplazados por movimientos más suaves.

Así surgió el diseño de figuras humanizadas como Dumbo (1941) y Bambi (1942).

Aunque el éxito total fue obtenido por Disney con Fantasía (1940) aquella película protagonizada por Mickey donde las escobas bailaban al ritmo de la música clásica compuesta especialmente por Leopold Stokowsky.

Fantasía, sin embargo, fue apreciada primero por la crítica adulta y recién unos años más tarde por los niños, cuando se relanzó.

Mientras tanto, la creciente producción de películas qué reunían a dibujos con personajes reales, la televisión, Disneylandia y la ampliación y di versificación del estudio, redujeron la producción de películas de dibujos animados.

La dama y el vagabundo, de 1955 fue la primera realizada en cinemascope.

La bella durmiente, de 1959, costó seis millones de dólares y fue un desastre financiero.

Esta película marcó el fin de otra era de los estudios Disney pues fue la última dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso sustituido en La noche de las narices frías (1961) por otro sistema más barato, aunque menos creativo: el llamado Xeroxed.

Al éxito de La noche de las narices frías, le siguió el de El libro de la selva (1967) que significó un claro triunfo para la empresa. Pero su creador no lo pudo disfrutar. Walt Disney  falleció el 15 de diciembre de 1967.

Fuente Consultada:
Hicieron Historia Tomo II La Nación –  Wikipedia – adisney.com
Magazine Enciclopedia Popular N°27 Año 3 – La Historia del Dibujo Animado

 

Biografia de Marilyn Monroe Vida y Obra Lista de Peliculas Resumen

Resumen Biografía de Marilyn Monroe Vida y Obra Cinematográfica

BIOGRAFIA DE MARILYN MONROE: De nombre Norma Jean Mortenson nació en Los Ángeles , el 1º de junio de 1926, el mismo año en que salía de este mundo Rodolfo Valentino. La niña creció en un ambiente tan fantasioso que cuando preguntó quién era su padre, le mostraron una foto de Clark Gable.

Ella misma definió el ambiente de Hollywood diciendo que «fracasar allí es como morirse de hambre mientras estás viendo un gran banquete y los aromas de un filet mignon te están volviendo loco».

Desde su nacimiento tuvo todo como para morirse de hambre: su madre, Gladys Mortenson, trabajaba como cortadora de películas en los laboratorios de Consolidated Film Industries.

Bella, traicionada, abandonada, luego viuda y sobre todo víctima de demencia hereditaria, muy pronto se sintió incapaz de cuidar a su hija y la dejó en sucesivos orfelinatos. Marilyn era hija de Martin Edward Mortenson, quien se casó con Gladys en 1924…esta es su historia.

Marilin Monroe Biografia

BIOGRAFÍA: El 11 de junio de 1926, Gladys Mortenson tuvo una niña en el Hospital General de Los Ángeles. Bautizada con el nombre de Norma Jeane Mortenson, pronto sabría que la vida está hecha de alegrías y tristezas.

Su madre la dejó al cuidado de su madrina antes de quedar internada en una institución psiquiátrica.

Su padre —Martin Mortenson— había muerto en 1929, en un accidente con su motocicleta. La pequeña Norma Jeane pasó por orfanatos y hogares sustitutos hasta que por fin pudo establecerse en la casa de una tía lejana, que la cuidaría durante su adolescencia.

MODELO DE REVISTAS Y MUJER CASADA

Norma Jeane creció hasta convertirse en una bella joven de cabellos castaños Y ojos vivaces. La miraban por la calle y ya se había acostumbrado a los piropos, por lo que decidió probar suerte en el mundo del espectáculo, iniciando su carrera como modelo.

Norma Jeane comenzó a aparecer en revistas, y sorpresivamente, a los dieciséis años de edad, se casó. James Dougherty —su marido entre 1944 y 1946— era un muchacho apuesto que vivía cerca de su casa.

Quiso a Marilyn y se preocupó por ella, pero no le gustaba mucho que su mujer trabajara como modelo. Obligado a ausentarse durante largas temporadas debido a su actuación como soldado en la Segunda Guerra Mundial, Jim no podía controlar a su esposa como quería, y el divorcio se hizo realidad.

Malos Momentos: «Tenía casi nueve años y vivía con una familia que tenía alquilada una habitación a un hombre llamado Kimmel. Tenía un aspecto muy serio y todo el mundo lo respetaba y lo llamaba señor Kimmel. Pasaba por su habitación cuando me dijo suavemente: ‘Pasa, por favor…’ Me sonrió y cerró la puerta con llave. Yo me quedé mirándolo. Estaba asustada pero no me atrevía a gritar… Cuando me rodeó con sus brazos, luché y pataleé con todas mis fuerzas, pero no hice ningún ruido. Era más fuerte que yo y no me soltaba. No dejaba de repetirme que fuera buena niña. Cuando abrió la puerta y me dejó ir, corrí a contarle a mi tía. Ella me dijo que jamás dijera nada malo de nuestro huésped, además él me había dado dinero para comprarme un helado.»

NACE UNA ESTRELLA:

En 1945, la belleza de Norma Jean se hizo inmensamente popular. Su imagen llegó a aparecer en la tapa de 33 de las más famosas revistas de la época. Aprovechando el éxito, un año después se despidió de su trabajo de operaría y se dedicó tiempo completo a su carrera de modelo.

Pronto recibió la propuesta de trabajar en cine y el 23 de julio de 1946 firmó contrato con la 20th Century-Fox, por un salario de U$S125 a la semana.

Durante aquellos comienzos, muchas personas se consagraron para aportarle algún atributo a su mitología. Emmeline Snively, la directora de la Blue Book Model Agency, se encargó más que nadie de sacarla del montón.

La relación entre ambas mujeres fue tomada por varios biógrafos para fundamentar la hipótesis sobre la bi-sexualidad de Marilyn.

Lo cierto es que la experta en mujeres bonitas consideró que la nueva promesa tenía una nariz demasiado larga y, sobretodo, que la distancia entre la nariz y el labio superior era demasiado corta. Solucionó el problema enseñándole a bajar el labio superior al abrir la boca.

Con el correr de los años se podía detectar un leve temblor en la boca de Marilyn al sonreír, que se convirtió en uno de sus rasgos característicos.

En el moldeado de su pupila, Snively también la convenció de que se convirtiera en rubia platinada y le enseñó a tirar la pelvis para atrás y el pecho hacia adelante al caminar.

El contoneo de las caderas, recurso que fue explotado en muchas de sus pelí culas, se atribuye a este consejo pero también al hecho de que el calzado de Marilyn escondía un truco. Algunos aseguran que le limaban uno de los tacos hasta quitarle un centímetro. De modo tal que para evitar la renquera, la caminante conseguía aquel irse tan provocativo.

Tiempo después, en algunos reportajes, la estrella negó toda posibilidad de artificio al respecto. El dato, sin embargo, sirvió para alimentar el mito. Su particular forma de hablar fue invención del director del film.

No estamos casados, quien, en 1952, durante el rodaje de la película, la ayudó a resaltar su voz suave y a la vez ronca, mediante el recurso de aspirar apenas y rápidamente antes de recitar cada frase.

El director de casting de la Twenty Century Fox, Ben Lyon le puso el nombre: Marilyn sonaba bien y se inspiraba en una actriz anterior, Marilyn Miller. El apellido lo eligió ella misma: Monroe, como su abuela.

NORMA LLEGA AL CINE:

Otra vez libre, Norma Jean logró finalmente un contrato con la 2Oth Century-Fox para trabajar en las películas de la productora.

Ben Lyon, el hombre que la descubrió, fue quien le sugirió que cambiara su nombre por otro mas cinematográfico”.

Y así nació Marílyn Monroe. Con el tiempo, la electrólisis retrasaría la línea de nacimiento de sus cabellos y la cirugía corregiría defectos en la dentadura, la nariz y el mentón. Faltaba un solo detalle, y Marilyn no dudó: el tono castaño de su cabello se convirtió en el rubio platinado por el que muchos suspirarían. A partir de 1950, cuando comienza a triunfar como actriz, Marilyn actuó en las siguientes películas:

A ticket to Tomahawk (dirigida por Richard Sale, en 1950).

La jungla de asfalto (dirigida por John Huston, en 1950).

Eva al desnudo (dirigida por Joseph Leo Mankiewicz, en 1950).

The fireball (dirigida por Tay Garnett, en 1950).

Right cross (dirigida por John Sturges, en 1950).

Hometown story (dirigida por Arthur Pierson, en 1951).

As young as you feel (dirigida por Harmon Jones, en 1951).

Love nest (dirigida por Joseph Newman, en 1951).

Lets make it legal (dirigida por Richard Sale, en 1951).

Clash by night (dirigida por Fritz Lang, en 1951).

No estamos casados (dirigida por Edmund Goulding, en 1952).

Niebla en el alma (dirigida por Roy Baker, en 1952).

Me siento rejuvenecer (dirigida por Howard Hawks, en 1952).

Cuatro páginas de la vida (dirigida por Henry Koster, en 1952).

Niágara (dirigida por Henry Hathaway, en 1953).

Los caballeros las prefieren rubias (dirigida por Howard Hawks, en 1953).

Cómo casarse con un millonario (dirigida por Jean Negulesco, en 1953).

Río sin retorno (dirigida por Otto Premiger, en 1954).

Luces de candilejas (dirigida por Walter Lang, en 1954).

La comezón del séptimo año (dirigida por Billy Wilder, en 1955).

Bus stop (dirigida por Joshua Logan, en 1956).

El príncipe y la corista (con Laurence Olivier, como director y coprotagonista, en 1957).

Con faldas y a lo loco (dirigida por Billy Wilder, en 1958).

El multimillonario (dirigida por George Cukor, en 1960).

Los inadaptados (dirigida por John Huston, en 1961).

Somcthings got to give (dirigida por George Cukor, en 1962, que quedó inconclusa con la muerte de la actriz).

Biografia de Marilyn Monroe Amores Famosos del Cine Sus Peliculas

Los inadaptados fue la última película que filmaron tanto Marilyn como sus dos compañeros de reparto: Clark Gable y Montgomery Clift.

Quienes asistieron al rodaje afirman que Gable tuvo infinita paciencia con la estrella, que llegaba tarde al estudio o, directamente, no se presentaba a trabajar.

La última mujer de Clark, Kay Spreckles, afirm6 que su marido había muerto debido al intenso estrés que significó filmar una película en esas condiciones.

JOE DI MAGGIO, EL HOMBRE QUE LA AMO

Biografia de Marilyn Monroe Amores Famosos del Cine Sus PeliculasMarilyn tenía veintiocho años cuando se casó con el famoso beisbolista Joe Di Maggio.

Era el tercer matrimonio de la mujer que ya era famosa y deseada por todos, (pues a Jim Dougherty le había sucedido el guionista Robert Slatze, con quien estuvo casada tan sólo un fin de semana).

Di Maggio persiguió a Marilyn con flores y atenciones hasta convencerla de casarse con él, pero para ella fue muy difícil mantenerse fiel a ese hombre que le exigía estar en casa temprano para cocinar la cena.

Di Maggio, que había abandonado a su esposa para casarse con la estrella, perseguía a Marilyn y montaba escenas de celos descomunales.

Criticaba los vestidos demasiado ajustados de su mujer y se negaba a acompañarla a los estrenos, pues no soportaba el asedio masculino, del que ella era objeto.

El matrimonio duró lo que un suspiro: el divorcio sobrevino el mismo año en que se habían casado, en 1954.

Una Marilyn demacrada y con marcas de golpes apareció ante los periodistas para anunciar que todo había terminado entre el popular beisbolista y ella.

A pesar de las discusiones y los golpes, Di Maggio nunca dejó de verse con Marilyn. Ella recurría a él —y lo hizo hasta pocos días antes de su misteriosa muerte— cada vez que atravesaba alguna de sus muchas crisis de    presivas.

ARTHUT MILLER PADRE Y MARIDO

En los comienzos de 1956, Marilyn estaba en el  apogeo de su carrera.

Sus actitudes provocativas fuera de la pantalla y los papeles de rubia explosiva para los que era convocada hicieron que en poco tiempo figurara en la lista de las diez estrellas más populares de Hollywood.

Era libre y los amantes se sucedían unos a otros. Marilyn, siempre necesitada de afecto, encontraba en el sexo una excusa para sentirse querida.

Había comenzado a refugiarse en el alcohol, y tomaba pastillas para dormir por las noches y para mantenerse despierta durante el día.

Tenía veintinueve años y suspiraba por un hombre al que conocía de vista: Arthur Miller.

El dramaturgo, casado y con hijos, no parecía reparar en la estrella, hasta que ella se le acercó demasiado durante una fiesta. El flechazo fue instantáneo y, en poco tiempo, Arthur y Marilyn comenzaron una relación sólida y estable.

En los comienzos de su noviazgo con Miller, Marilyn filmó El principe y la corista, la película en la que compartió cartel con el gran actor y director Laurence

Olivier. Durante el rodaje —que se llevó a cabo en Inglaterra— Arthur la llamaba por teléfono desde los Estados Unidos todas las noches utilizando el seudónimo de «Mr. Leslie”.

Marilyn estaba ansiosa por casarse; pero Arthur Miller prefería tramitar un divorcio pacífico de su esposa y no quería provocar ningún escándalo. Atenta, cariñosa y comprensiva, la estrella tuvo la paciencia necesaria para esperar a ese hombre que tanto la atraía.

El casamiento se hizo el 29 de junio de 1956. Marilyn ya conocía a sus futuros suegros y creía que por fin tendría una familia.

Si bien los primeros tiempos de la pareja fueron buenos, pronto comenzaron los problemas. Marilyn se aburría en la casa mientras Arthur se encerraba a escribir el guión de Los inadaptados; y él perdía la paciencia cada vez que Marilyn se encerraba a llorar en su cuarto, pidiendo atención.

Cuatro años después de la boda, y cansado de las infidelidades y los caprichos de su mujer, en 1960 Arthur Miller solicitó el divorcio. Habían quedado atrás los tiempos en que Marilyn lo llamaba “pa” y le cocinaba sus platos favoritos.

Uno de los hechos que desencadenaron la crisis definitiva de la pareja fue la aventura amorosa de Marilyn con el actor Yves Montand, con quien compartió cartel en la película El multimillonario.

Tanto Arthur Miller como Simone Signoret —la mujer de Montand— soportaron estoicamente el publicitado romance hasta que Montand se cansó de Marilyn y volvió con su esposa.

UNA EVA Y DOS ADANES

El divorcio de Arthur Miller fue demasiado para el frágil carácter de Marilyn; y sólo después de una serie de crisis depresivas y de un par de intentos de suicidio, logró estabilizarse su delicado equilibrio emocional.

Los hombres se sucedían unos a otros. Marilyn buscaba desesperadamente un poco de afecto, pero no lo encontraba.

Había conocido a John Fitzgerald Kennedy en 1954, y se había sentido irremediablemente atraída hacia él; pero pasarían años antes de que comenzara uno de los romances más sonados y prohibidos de la historia.

En 1954, Kennedy, un mujeriego empedernido, le había pedido a su cuñado, el actor Peter Lawford, que le presentara a Marílyn, pues quería pasar una noche con la rubia más sexy de los Estados Unidos.

El misterio que rodeó desde siempre a la relación hizo que los detalles fueran ambiguos; pero se supone que las relaciones entre la estrella y el ascendente político comenzaron en 1955, cuando Marilyn estaba divorciada de Joe Di Maggio y aún no se había casado con Arthur Miller.

Se dice que los encuentros furtivos continuaron durante el matrimonio con Miller y que se intensificaron en 1960, cuando Marilyn se divorció.

Jackie Kennedy, la esposa de John, siempre supo que su marido la engañaba, pero toleró la situación con entereza.

Marilyn, ingenuamente, creía que él se divorciaría para casarse con ella; pero la historia tendría un final diferente. John F. Kennedy, que sólo quería divertirse, ni siquiera pensaba en divorciarse y, como era su costumbre, decidió compartir a su nueva amante con su hermano menor, Robert Kennedy.

Así, Marilyn comenzó a tener relaciones con el Fiscal General de la Nación y con el futuro Presidente de la Nación.

MUERE UN MUJER Y NACE UNA LEYENDA: Hay quienes dicen que los Kennedy le habían confiado secretos que ella, despechada, estaba dispuesta a rebelar, y que ésa fue su sentencia de muerte.

Otros opinan que, abandonada por los hermanos y en medio de una profunda crisis depresiva, decidió tomar más pastillas de las que acostumbraba.

Lo cierto es que, la madrugada del 5 de agosto de 1962, se encontró el cuerpo sin vida de Marilyn, tendido en su cama. Tenía treinta y seis años y aún era dueña de la escultural figura que volvía locos a los hombres.

Se investigó poco y nada sobre su misteriosa muerte, pues la rubia más famosa estaba implicada nada menos que con el presidente de los Estados Unidos.

Para el funeral, el cuerpo de Marilyn fue colocado en un féretro de bronce, forrado por dentro con terciopelo color champagne. Le pusieron un vestido verde de Pucci y colocaron entre sus manos un delicado ramo de rosas. Cumpliendo la promesa hecha años antes, su maquillador favorito se presentó en la casa mortuoria con una modista y una peinadora, y trabajaron arduamente con la idea de quesu última imagen fuera la más deslumbrante.

Joe Di Maggio, su tercer marido, organizó su funeral y prohibió la entrada a la mayoría de los compañeros de trabajo de Marilyn. Durante el velatorio, junto a su féretro, lloró y besó a su ex-mujer, y la despidió para siempre con un simple “te amo”.

Joe Di Maggio siempre creyó que los Kennedy eran responsables del trágico final de Marilyn. Tres años después de la muerte de su ex-esposa, Robert Kennedy se acercó a estrechar la mano del ex-beisbolista durante un partido de homenaje a los Yanquis; pero éste dio un paso atrás y se negó a saludar al político.

TESTAMENTO DE MARILYN MONROE

Yo, Marilyn Monroe, digo, publico y declaro que ésta es mi última voluntad y testamento.

Primero
Mediante el presente documento, revoco todos los testamentos anteriores.

Segundo
Encargo al ejecutor de este testamento que pague mis deudas, los gastos de mi funeral y todos los impuestos lo más pronto sea posible después de mi muerte.

Tercero
Dejo en herencia a Berenice Miracle, si me sobrevive, la suma de 10.000 dólares. A May Reis, 10.000. A Norman y Hedda Rosten, y en el caso de que ambos me precedieran, a su hija Patricia Rosten, la suma de 5000 que debe ser usada para la educación de Patricia Rosten. Dejo en herencia todos mis efectos personales y mis ropas a Lee Strasberg. Es mi deseo que él los distribuya a discreción entre mis amigos, colegas y personas que yo haya querido.

Cuarto
Dejo en herencia la suma de 100.000 dólares para que sea repartida de la siguiente forma:
a) Para mantenerla, invertir y reinvertir de tal manera que se produzcan ganancias e intereses.
b) Destinar, de los intereses, 5000 dólares por año para el mantenimiento de mi madre mientras viva.
c) Para la Dra. Marianne Kris para que lo use con el fin de ayudar al trabajo de alguna institución psiquiátrica que ella considere relevante.

Quinto
Todo lo que queda, de lo que poseo, de lo que posea a la hora de la muerte, que haya heredado se repartirá de la siguiente manera: 25% a May Res 25% a Marianne Kris
Lo que resta de este balance será entregado a Lee Strasberg

Marilyn Monroe 14 de enero de 1961 Nueva York

Fuente Consultada:
Romances Famosos de la Década de los 50
Revista Semanal LEGADOS Nº5 Vida de Marilyn Monroe – Pagina 12- Autora Liliana Viola

Biografia de Marilyn Monroe Amores Famosos

Biografia de Norma Jeane Mortenson Resumen

Biografía de Norma Jean Mortenson

Resumen Biografía de Norma Jean Mortenson
Todas las hadas malignas se congregaron alrededor de su cuna: la locura, la ilegitimidad, la ignorancia, la pobreza. Aun así, Marilyn logró superar muchas de las limitaciones que le fueron impuestas por su origen y su ambiente; pero aunque llegó a ser envidiada, admirada y rica, no pudo realizar su sueño: tener un hijo.Biografia de Norma Jean Mortenson

De origen humilde y carácter tímido, pero dueña de una figura extraordinariamente sensual y un rostro perfecto, Norma Jean Baker logró convertirse en uno de los mitos eróticos más célebres del siglo XX, condición que le permitió acumular gloria y fama bajo el nombre que le impuso «un cazador de talentos» apenas empezó a escalar los peldaños de la fama: Marilyn Monroe.

Los miedos y las inseguridades que la acosaban le labraron, sin embargo, un infierno de frustraciones y de soledad del que acabó por evadirse, voluntaria o accidentalmente, por el mortal trampolín de los barbitúricos.

Su historia empezó el 1° de junio de 1926 en Los Angeles (California), y estuvo signada desde el comienzo por la ilegitimidad y la locura. Hija de padre desconocido, desde muy temprano debió afrontar el desamparo y la falta de afecto: en 1931, su madre, aquejada de una enfermedad mental hereditaria, debió ser recluida para siempre en un manicomio.

Desde ese momento la niña quedó bajo la tutela estatal y fue alojada en el Orfelinato del Condado de Los Angeles, institución que de vez en cuando la confiaba a familias que percibían veinte dólares mensuales por albergar y alimentar a criaturas huérfanas o abandonadas. Eran tiempos de crisis, y el oficio de padres adoptivos proveía de ciertos recursos a algunas familias venidas a menos.

El deambular entre el orfanato y los hogares postizos concluyó en 1938, cuando un matrimonio de apellido Goddard la adoptó formalmente. Pocos años después, Norma Jean alcanzó su talla definitiva (un metro sesenta y tres) y se transformó precozmente en una hermosa mujer de largo pelo rubio, capaz de despertar el creciente interés de los jóvenes.

Uno de ellos, de dieciocho años, no vaciló en proponerle casamiento, y fue así como el 19 de junio de 1942, seis meses después de que la segunda guerra mundial comenzara para Estados Unidos, Norma Jean Baker, que acababa de cumplir dieciséis años, se convirtió en la señora de James Dougherty, obrero de una fábrica de armamentos.

Seis meses después el amor dejaba lugar a la indiferencia. James se enroló en la marina de guerra y los azares de la guerra lo llevaron al frente. Norma Jean, por su parte, comenzó a trabajar en una fábrica de para-caídas donde conoció a un fotógrafo que la indujo a probar suerte como modelo publicitaria.

La muchacha, como tantas otras jóvenes norteamericanas, y especialmente de la zona de Los Angeles, aspiraba a ser estrella de cine y vio la propuesta con muy buenos ojos. Su imagen no tardó en aparecer en Pie, Click, Laugh, Sir, revistas acostumbradas a conjugar puritanamente lo erótico y lo pornográfico.

Como corolario de su nueva actividad, en octubre de 1946 (sesenta días antes de divorciarse) obtuvo un pequeño contrato de la poderosa empresa cinematográfica Twentieth Century Fox, uno de cuyos directivos, Ben Lyon, la convenció de que adoptara el seudónimo de Marilyn Monroe.

EN LA FABRICA DE LOS SUEÑOS
Los papeles que en cumplimiento del contrato le confió la Fox no pasaron de fugaces apariciones en Tormentas de odio y Juventud en peligro. De nada le valió, tampoco, intervenir en Las chicas del coro, producción del sello Columbia. En mayo de 1948 Marilyn Monroe se encontró sin trabajo y sin dinero. Decidió entonces retornar a la publicidad, y a cambio de cincuenta dólares se avino a posar desnuda, sobre un fondo de terciopelo rojo, para un almanaque. Otras fotografías por ese estilo le permitieron, aunque a duras penas, subsistir durante 1949.

A principios de 1950 fue incorporada al reparto de Locos de atar, película con que los hermanos Marx se despidieron del cine. Para ella, en cambio, fue el comienzo de una etapa de intensa actividad; antes de que concluyera 1951 había intervenido en otros nueve filmes: Mujer al fin, Mientras la ciudad duerme, La malvada, Fama sin gloria, El águila y la serpiente, Hometown story («Cuento del pueblo natal»), As young as you feel («Tan joven como te sientas») -estas dos no estrenadas—, Viudas adorables y Me jugué mi mujer. Este conjunto de títulos le sirvió de pasaporte para su primer papel importante: Tempestad de pasiones, que data de principios de 1952; su nombre figuró inmediatamente después del de los protagonistas.

Simultáneamente se publicó el almanaque para el que había posado desnuda, de manera que la aureola del escándalo sirvió para publicitar sus siguientes trabajos: Travesuras entre matrimonios, Almas desesperadas, Vitaminas para el amor y Lágrimas y risas.

Hacia el final de ese año conoció a Joe Di Maggio y se enamoró enseguida de ese ex astro del béisbol que no se cansaba de hablar de su familia, de sus ocho hermanos y de lo hermoso que es tener una parentela numerosa. En 1953 alcanzó el estrellato absoluto en Torrente pasional, cuya producción costó un millón de dólares pero rindió seis veces esa suma. Tan estruendoso triunfo personal se reiteró con Los caballeros las prefieren rubias y Cómo pescar un millonario.

Alborozada como una chiquilla, el 1° de enero de 1954 contrajo enlace con Di Maggio: sin embargo, nueve meses después anunció con tristeza la terminación de su matrimonio. Entre ambas fechas protagonizó Almas perdidas. Después del divorcio, en un esfuerzo por superar la postración en que había quedado sumida, filmó El mundo de la fantasía. A esa altura de su carrera, Marilyn Monroe ya se había convertido en la viva encarnación del sex-appeal, en una vestal erótica contemplada codiciosamente por millones de hombres.

Su figura sensual asomaba, desnuda o semidesnuda, en fotografías que adornaban piezas de solteros, lugares de trabajo y cualquier sitio donde predominara la presencia masculina, y su cuerpo voluptuoso se consagró como prototipo de la perfección femenina.

La desmesura del éxito cinematográfico, acompañado, no obstante, de su segundo fracaso sentimental, exacerbaron los defectos y las debilidades de Marilyn, que se sintió más aislada, más rechazada que nunca; a partir de ese momento y cada vez con mayor frecuencia, agravió a sus compañeros de tareas con arranques temperamentales, faltas de puntualidad y desconsideración. Convencida de que nadie la estimaba, se dejó abrumar por la melancolía y la depresión, y contrajo el hábito de tomar somníferos para conciliar el sueño.

HASTA LA CAÍDA
Toda su labor de 1955 se resumió en el film La comezón del séptimo año. Aunque el director , Billy Wilder se mostraba paciente y paternal con ella, Marilyn desde el primer día comenzó a hacer que todo marchara mal: llegaba tarde a las filmaciones, no saludaba a nadie, se enojaba por cualquier motivo. Por entonces unos amigos le presentaron a Arthur Miller, el dramaturgo que ya se había consagrado con La muerte de un viajante y Todos eran mis hijos. Fascinada por la inteligencia del escritor, asombrada de la cultura de ese hombre alto y de exterior severo que la trataba como si ella fuera su igual, Marilyn no vaciló en responderle afirmativamente cuando él le propuso que se casaran.

La boda se efectuó el 29 de junio de 1959. El divorcio sobrevino al cabo de cuatro años y cuatro meses. En ese lapso Marilyn protagonizó Nunca fui santa (1956), El príncipe y la corista (1957), Una eva y dos adanes (1959), La adorable pecadora y Los inadaptados (basada esta en un guión de Miller). El 11 de noviembre de 1960, al anunciar su tercer fracaso conyugal, Marilyn manifestó que en el escritor famoso solo había hallado a un hombre egoísta, indiferente a cuanto no fuera él mismo y su obra.

El derrumbe interior de Marilyn fue total. Jaqueada por el temor a la locura, defraudada (como consecuencia de abortos espontáneos) en sus aspiraciones de ser madre, insatisfecha con sus películas, vapuleada por los críticos que la juzgaban «un montón de carne» sin inteligencia y que la zaherían cuando manifestaba deseos de interpretar a alguna heroína de Dostoievsky, el 8 de febrero de 1961 se internó en una clínica psiquiátrica para someterse a una cura de sueño.

El 5 de marzo regresó a su hogar y el 22 de mayo empezó a filmar Something’s got to give (Algo tiene que reventar), producción en la que habría de mostrarse completamente desnuda. Pero al cabo de unos días dejó de concurrir a los estudios.

El 21 dejunio la empresa productora resolvió interrumpir definitivamente el rodaje.
El sábado 4 de agosto de 1961 fue el último día de su vida. La certidumbre de haberse quedado irremisiblemente gola impulsó a Marilyn a tomar una dosis de somníferos superior a la habitual: el suicidio le pareció el único camino apto para aliviar su terrible angustia.

Fuente Consultada:
Vida y Pasión de Grandes Mujeres – Las Reinas – Elsa Felder
Fascículos Ser Mujer Editorial Abril
Enciclopedia Protagonistas de la Historia Espasa Calpe
Wikipedia

Biografia Charles Chaplin Resumen Primeras Peliculas del Cine Mudo

Resumen Biografía Charles Chaplin y las Primeras Películas del Cine Mudo

Al crear el personaje de Charlot, Chaplin dotó a la comedia burlesca de una calidad expresiva que pocos actores alcanzarían en el futuro.

Así nació uno de los mayores mitos del cine y uno de los héroes más populares y a la vez reservados del mundo.

En el catálogo de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos figura la obra Charles Chaplin Own Story (La historia de Charles Chaplin contada por él mismo), publicada en Indianápolis el año 1916.

Es éste el único ejemplar que existe en el mundo, pues los demás fueron destruídos por orden del autor.

Tal actitud es muestra de la reserva con que Chaplin se enfrenta con el público, de tal modo que aun siendo la figura cinematográfica sobre .la que más se ha escrito en el mundo, nadie ha conseguido descifrar totalmente su compleja personalidad.

El personaje de «Charlot» fue, y es, universal en el espacio y en el tiempo, e incluso puede tener cualquier edad. En él halló Chaplin una vena de comicidad y sentimiento con la que expresó su concepto del «hombre corriente, de cualquier hombre, de mí mismo».

biografia de chaplin charles

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BREVE FICHA BIOGRAFICA DE CHAPLIN

•  Nació en Londres en 1889, en una familia de artistas.

• Cinco años después murió su padre y, al poco tiempo, su madre fue internada en un asilo.

• Se unió a un grupo de bailarines callejeros y empezó a recorrer Londres.

• En 1912 realizó una gira a los Estados Unidos, en donde fue descubierto por un productor de cine.

• Dos años después realizó la primera película donde aparece su personaje: «Carlitas».

• Por la película «El circo» se le concedió en 1928 un Oscar.

• En 1940 filmó «El gran dictador», su primer película hablada.

• En 1943, luego del fracaso de tres matrimonios, se casó con Oona O’Neill.
Un cómico distinguido

• En 1952 viajó a Londres para el estreno de «Candilejas». Allí se enteró de que había sido declarado persona no grata para los Estados Unidos y se estableció en Europa.

• En 1954 recibió el Premio Internacional le la Paz, en Berlín.

• En 1967 estrenó su única película en color, «La condesa de Hong Kong».
En 1972 regresó a los Estados Unidos para recibir un Oscar.

• En 1975 la reina de Inglaterra le otorgó el título de sir.

• Murió en Corsier-sur-Vevey (Suiza), en 1977.

«Más que máquinas, necesitamos humanidad; más que inteligencia, tener bondad y dulzura; sin estas cualidades la vida será violenta, se perderá todo.»

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AMPLIA BIOGRAFIA DE CHARLES CHAPLIN

Charles Chaplin (1889-1977), actor, compositor, productor y director inglés, alcanzó fama internacional con sus películas mudas y es considerado uno de los grandes creadores de la historia del cine. Su nombre completo era sir Charles Spencer Chaplin.

Charles ChaplinNació en Londres, en una familia de artistas de variedades, y comenzó a actuar ya de niño en musicales y pantomimas.

En 1910 viajó a Estados Unidos en una gira con la compañía para la que trabajaba, y se estableció allí definitivamente dos años después.

Chaplin apareció por primera vez en el cine en 1913, en las películas de la Keystone, de Mack Sennett.

En Carreras de autos para niños (o Carreras sofocantes, 1914) hizo por vez primera el personaje del vagabundo Charlot, con unos anchísimos pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, papel que interpretaría luego en más de 60 películas, incluida El vagabundo (o Charlot vagabundo, en 1915).

En este año se asoció con la compañía Essanay, después con la Mutual y con la First National, hasta tener sus propios estudios en Hollywood en 1918.

SU FAMA: Dos giras a Estados Unidos le cambia el curso de su vida.

En diciembre de tras dejar su Inglaterra natal, Chaplin ingresó en la Mack

Sennetts Keystone Company. Al mismo tiempo reemplaza el teatro por el cine.

Sólo durante 1914 rodó 35 cortometrajes, que hicieron famoso Charlot, su personaje de vagabundo.

Entonces Chaplin reclamó su independencia y se alejó de Mack Sennett e ingresó Mutual Film Corporation, que le ofreció medios técnicos y financieros considerables.

Sin embargo, ésta no era totalmente de su agrado, y en 1917 escogió la First National por una retribución que superaba el millón de dólares.

Rompiendo las tradiciones de Hollywood, Chaplin quería controlar la totalidad de sus películas, desde la escritura del guión la distribución. Con este fin creó la dad independiente United Artists, con Douglas Fairbanks y Mary Pickford.

Desde entonces tuvo sus propios estudios y produjo sus películas. (imagen abajo)

La Primera Guerra mundial, en la cual participó Estados Unidos desde 1917, le ofreció a Chaplin un gran público, los soldados aliados, y un tema, el esfuerzo de guerra.

Algunos cortometrajes del cineasta constituían explícitamente propaganda.

Sus apariciones públicas atraían grandes multitudes. El 8 de abril de 1918, 30.000 personas asistieron al mitin organizado en Wall Street, Nueva York, con Chaplin, Mary Fickford y Douglas Fairbanks.

«En este mismo momento, los alemanes nos han tomado la delantera y necesitamos dólares.

Deberíamos hacer la travesía para expulsar de Francia a ese viejo demonio de Kaiser», declaraba Charlie Chaplin.

Sin duda, uno de los mayores éxitos del cine de guerra fue ¡Armas al hombro!, que se estreno, el 30 de octubre de 1918, poco antes del armisticio del 11 de noviembre.

Durante estos años de películas cortas, desarrolló paulatinamente el personaje del vagabundo, pasando del estereotipo del payaso travieso a la figura humana y compasiva que calaría en los espectadores de todo el mundo.

En 1919 fundó, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D.W. Griffith la United Artists Corporation, en la que seguiría hasta el año 1952.

Sus películas más importantes como actor, director y productor fueron las mudas: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), todas ellas récords sucesivos de taquilla, pese a realizarse ya durante la época del cine sonoro.

A éstas siguieron El gran dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), donde aparece por última vez su personaje de Charlot, Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957).

Aparte dirigió, sin protagonizarlas, Una mujer de París (1923) y La condesa de Hong Kong (1967), donde hace un pequeño papel. También compuso la música de la mayoría de sus películas.

Chaplin rechazó de plano al cine sonoro , pensaba que «el sonido estropea el arte más antiguo del mundo, la pantomima,y anula la gran belleza del silencio».

Su obra maestra, Tiempos modernos, una sátira sobre la civilización de las máquinas, fue todavía muda

Chaplin perfeccionó un estilo personal de interpretación, derivado del payaso de circo y del mimo, combinando la elegancia acrobática, la expresividad del gesto y la elocuencia facial, con un sentido del ritmo impecable.

Su creación del pequeño vagabundo Charlot, un símbolo universal de la individualidad indestructible, triunfante contra la adversidad y la persecución, tanto humana como mecánica, le dio fama mundial como comediante y actor dramático.

La llegada del sonoro a finales de la década de 1920 no perjudicó la efectividad de su pantomima, de la que dependía en gran parte su creación.

Al mismo tiempo, comenzó a manifestar su preocupación por los problemas sociales de su época.

Más tarde abandonó el papel del vagabundo para hacer personajes específicos, en una transición que marca El gran dictador, donde ya utiliza plenamente los recursos del sonoro.

El enfoque chapliniano combina la sátira y el patetismo melodramático, bajo los que late el amor a la humanidad y a la libertad individual. Escribió dos libros Mi autobiografía (1964) y Mi vida en el cine (1975).

A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, Chaplin sufrió la persecución del Comité de Actividades Antiamericanas, por su pensamiento político de izquierdas; abandonó Estados Unidos en 195.

Ya en 1947 Chaplin había sido agredido por un centenar de periodistas en una conferencia de prensa, acusado de mantener actividades antinorteamericanas.

Fue imputado de ser comunista. Su defensa siempre fue la de ser un luchador por la paz, por la democracia y por los derechos humanos.

Fue, al igual que otros hombres vinculados a las letras y al arte cinematográfico, una de las víctimas más destacadas del maccarthysmo.

Escogió Suiza, realizó dos películas más, Un rey en Nueva York (1957) y La condesa de Hong Kong (1967), y escribió su autobiografía.

Ni siquiera el Oscar especial que le concedieron en 1972 por el conjunto de su obra logró disipar totalmente el rencor que Chaplin mantenía contra el sistema de Hollywood.

Ennoblecido por la reina de Inglaterra, Sir Charles Spencer Chaplin prefirió sus orígenes europeos a los Estados Unidos.

Charles Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra.

En los últimos años de su vida se mantuvo alejado del mundo en su mansión de Corsiersur-Vevey (Suiza), donde falleció mientras dormía.

SUS ULTIMOS AÑOS: Desde su finca de Vevey (Suiza), donde reparte su tiempo entre el trabajo y la vida familiar con Oona y sus seis hijos, Chaplin hizo un viaje a Londres a principios de 1959 para tratar, junto con sus banqueros, un arreglo con el fisco norteamericano, y ambas partes llegaron al acuerdo de fijar en cuatrocientos veinticinco mil dólares la cantidad que pagará el actor como liquidación definitiva de su deuda. Interrumpida, al parecer, su producción cinematográfica,

Chaplin ha reeditado en 1960 Vida de perro, Armas al hombro y El peregrino, reuniéndolas bajo el título general de La Revista de Charlot.

Una editorial inglesa publicó en 1965 su autobiografía Historia de mi vida, que pronto ha sido traducida en todas las lenguas importantes.

La importancia de la obra de Charles Chaplin en la cultura del siglo XX ha sido extraordinaria.

En su época dorada —entre 1915 y 1940— constituyó un caso único de admiración y reconocimiento universal. El personaje que creó, el vagabundo trashumante y melancólico, es una figura inmortal que ocupa ya un puesto propio dentro de la historia del mundo.

Actores como Jean-Louis Barrault, directores como De Sica y Rene Clair, han declarado abiertamente la influencia chapliniana en su obra, y la unánime aclamación popular permitió a Chaplin una independencia económica gracias a la cual pudo conservar su autonomía creativa libre de los compromisos comerciales de Hollywood.

Y las recientes reposiciones de sus cintas le han ganado igualmente el aplauso de las nuevas generaciones, lo que demuestra el valor de una producción que puede admirarse veinte —o más— años después sin haber perdido nada de su atractivo. No se conoce un caso semejante, aparte de Walt Disney, desde la aparición del cine.

Respecto a la ideología política de Chaplin, no se sabe nada con seguridad. En 1947 declaró en una conferencia de prensa: «No soy comunista. Durante la guerra simpaticé con los rusos que luchaban en el frente. Creo que les debemos agradecimiento, y en ese sentido simpaticé con ellos.»

En otra ocasión se ha definido a sí mismo como «anarquista social». Se negó siempre a nacionalizarse americano, afirmando: «No creo en los sistemas políticos; nunca he votado ni nunca me adherí a ningún partido.»

Su ideología: «La defensa del pobre hombre, y de su derecho a un hogar, un trabajo y una familia.» Unida esta benevolencia social a una carencia casi absoluta de formación intelectual y a una gran ingenuidad en las declaraciones públicas, su nombre ha sido fácilmente utilizable por la propaganda soviética oficial y sus simpatizantes.

Su vanidad ante la fama y la riqueza, que le inundaron en plena juventud, se juntó a lo que definió un amigo suyo como «su intolerancia de artista para todo cuanto represente estupidez, hipocresía o estrechez mental».

Su defensiva reserva ha sido impenetrable para cuantos han convivido con él, que con frecuencia han hallado difícil aceptar sus inesperados y caprichosos cambios de humor y de planes. Nadie ha conseguido llegar al fondo de su carácter, y nadie podrá sacar una consecuencia clara del examen de sus contradictorias declaraciones y actividades.

Indudablemente el peso de los años y las responsabilidades de la fortuna han hecho más conservador al antiguo «revolucionario de salón», pero en cuanto se refiere a una comprensión total de esta compleja personalidad, Charles Chaplin, como casi todos los hombres geniales, es por ahora un enigma.

LA FIEBRE DEL ORO

La más famoa fue La fiebre del oro (1925). Pero, antes había estrenado ya, El chico —en la que Charlot adopta un niño al que no puede ofrecer otra cosa que su amor y su visión del mundo, expresadas con una mímica entre el estupor y la sonrisa, incluso ante la más terrible adversidad— y también Día de paga y El peregrino.

Les siguieron El circo y Luces de la ciudad. Pero, mientras se sucedían sus éxitos, el cine comenzaba a introducir el sonido.

Cuando rodó El gran dictador, Chaplin estaba en la cima de la fama. La película, realizada en 1940, marcó un giro en su obra, puesto que se trataba de su primera película hablada. El personaje se apartó un poco del estereotipo del vagabundo representado por Charlot.

En efecto, Chaplin puso en escena a dos protagonistas: Adenoid Hynkel; el dictador, que es la copia fiel de Adolf Hitler, y un pequeño barbero judío un doble, que se cambia por Hynkel y lo ridiculiza.

Por su fuerza evocadora, el momento en que el dictador hace malabarismos con el globo terráqueo permaneció como escena de antología.

Chaplin denunció el nazismo y el fascismo; también aludió a Benito Mussolini, presentado como Benzino Napaloni. El gran dictador es un vibrante alegato contra las ideologías totalitarias. «En este mundo hay lugar para todos», suelta el barbero judío como un último mensaje de fraternidad universal contra la barbarie.

EL CINE DE LA ÉPOCA: Tres de las mayores estrellas de Hollywood, Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, y su director más prestigioso, D. W. Griffith, unieron sus fuerzas en 1919 para crear la United Artists, el primer estudio que pertenecía a talentos creativos y estaba dirigido por ellos.

En aquella época, los cuatro eran los reyes indiscutibles del negocio. Si anunciaban que Chaplin actuaba, inmediatamente se formaban colas frente a las boleterías de los teatros. Griffith era venerado por haber creado El nacimiento de una nación.

Fairbanks, el ídolo de las funciones de la tarde, protagonizaba sátiras ligeras de éxito espectacular. Su futura mujer Mary Pickford (se casaron al año siguiente) era «la novia de América», el mayor éxito de boletería de la industria, así como una sagaz mujer de negocios.

En contraste con su imagen de mujer-niña dulce y empalagosa, Pickford se enfrentó a los hombres más fuertes de Hollywood dirigiendo las batallas de los actores para conseguir más dinero y más control artístico.

La United Artists tuvo un inicio inestable y perdió dinero durante los años 20. Griffith pronto abandonaría. Pero las bravuconadas de Fairbanks y las comedias de Chaplin tuvieron éxito y gracias a una administración apropiada, la compañía se mantuvo a flote.

UN HÉROE DIPLOMÁTICO
La personalidad y el genio de Charles Chaplin habían trascendido el ámbito del cine. En 1948, la Asociación Francesa de la Crítica Cinematográfica se dirigió a la Fundación Nobel en Suecia pidiendo el Premio Nobel de la Paz para Chaplin.

Tras su difícil salida de los Estados Unidos, preparó nuevas películas, siendo «Un rey en Nueva York» (una mordaz sátira en contra del macartysmo) la más afortunada. No sucedió lo mismo con su última película «La condesa de Hong Kong» en donde tuvo como protagonista a Sophia Loren.

Convertido en personaje y mito universal, Chaplin tuvo la oportunidad de relacionarse con figuras destacadas de la política mundial. En uno de sus viajes a Londres, los Chaplin recibieron una nota diciendo que Jruschov y Bulganin querían invitarlos a una recepción dada por la Embajada soviética en el Hotel Claridge.

De la misma forma, sostuvo encuentros amistosos con Sir Winston Churchill, quien, en una ocasión, le solicitó «Candilejas» para proyectarla en su casa. En otra ocasión, la Embajada china en Ginebra le solicitó una copia de «Luces de la ciudad» para proyectarla ante Chu En-lai. Eran los años de la crisis coreana y en torno a Chu En-lai giraba la decisión de paz o guerra.

El líder chino invitó a comer a Chaplin y según señala el artista en sus Memorias: «Aquella noche Chu En-lai nos contó una historia emocionante sobre la entrada triunfal de Mao Tsé-tung en Pekín.

Había un millón de chinos presentes para darle la bienvenida.

Habían levantado una gran tribuna, de quince pies de altura, en un extremo de la gran plaza, y cuando iba subiendo los escalones, por la parte de atrás apareció la parte superior de su cabeza, y un rugido de bienvenida brotó de las gargantas de un millón de personas, creciendo y creciendo a medida que la figura solitaria se hacía totalmente visible.

Y cuando Mao Tsé-tung, el conquistador de China. vio aquella enorme multitud, permaneció en pie durante un momento y luego, de repente, se cubrió la cara con las manos y lloró».

A través de su instinto creativo, redimiendo a personajes de su solemnidad, Charles Chaplin se convirtió en un símbolo común para cualquier país y cualquier ideología libertaria.

En materia cinematográfica podría decirse que nada se ha ideado después de él. «Notoria es, por ejemplo, su influencia sobre Fellini -señala el crítico Mariano Silva- Gelsomina de ‘La Strada’ es Charlot. También hay descubrimientos en su técnica fílmica, en su lenguaje, concebido en función de lo que quería mostrar de la acción y de los personajes (plano secuencia).

Vio que la colocación de la cámara (distancia y ángulo) no era sólo una cuestión psicológica, sino que constituía la articulación de la escena, era la base del estilo cinematográfico. Si la cámara está demasiado cerca o demasiado lejos, puede resaltar un defecto o estropear un efecto.

El actor no debe caminar innecesariamente. En suma -decía—, la colocación de la cámara es como el acento del lenguaje del cine».

Al cumplir los 80 años, tres estudiosos franceses de su obra le escriben una Carta Abierta pidiéndole que reedite los filmes que están bajo su control, permitiendo así que su magnífica obra sea conocida en años posteriores por las nuevas generaciones. Charles Chaplin respondió asegurando que no guardaría su obra…
Por eso, Garlitos romántico, vagabundo, anticonformista, seguirá viviendo, amando y luchando mientras haya algo que transformar en esta sociedad.

EL FAMOSO FILM: TIEMPOS MODERNOS: Charles Chaplin quiso hacer en Modern Times una crítica de la deshumanización que comporta la ultratecnificación del trabajo industrial y de la barbarie del capitalismo.

carteleta de Tiempos Modernos de Chaplin

Según el historiador del cine R. Gubem, Modera Times es «un retablo trágico-cómico social de los años de la depresión, que no es tanto una crítica contra el maquinismo industrial como una crítica de la explotación inhumana del hombre por el hombre».

El filme se rodó en 1936, cuando los efectos de la depresión económica iniciada en 1929 estaban en su momento álgido y EE. UU. conocía las peores secuelas del capitalismo: crisis, cierre de empresas, paro y miseria.

La película no tiene un argumento lineal, sino que más bien es un encadenamiento de sketchs en torno a la figura del protagonista y de su enfrentamiento con la máquina y con la sociedad en general. Rodada en unos momentos en los que se imponía el cine sonoro, Chaplin quiso señalar, con el mutismo del personaje, la impotencia del hombre ante la compleja maquinaria social.

La película se sitúa a caballo entre el cine mudo y el sonoro, ya que sigue todas las directrices de la estética muda y la pantomima, pero introduce una banda musical, numerosos efectos sonoros e incluso algunas palabras.

A pesar de que el filme sea cronológicamente posterior al período que acabamos de estudiar, Modern Times constituye un documento de trabajo perfectamente útil para reflexionar sobre los efectos del maquinismo (taylorismo) y sobre la era del gran capitalismo.

pasaje de Tiempos Modernos de Chaplin

Fuente Consultada:
HECHOS Sucesos que estremecieron al siglo «La Vida de Chaplin»