Grandes Artistas

Biografia de Gauguin Paul:Vida y Obra Artistica del Pintor Frances

Biografia de Gauguin Paul:Vida y Obra Artistica del Pintor Frances

GAUGUIN, Pablo (1848-1903), Pintor francés nacido en París.

Fue uno de los protagonistas del posimpresionismo francés. En Pont-Aven, Gauguin y los jóvenes artistas que lo rodeaban desarrollaron un estilo vibrante y decorativo, síntesis de la observación y de la imaginación. A partir de 1891, Gauguin se estableció y trabajó en Tahití y en el Pacífico sur.

Su padre era un conocido periodista. Parte de su infancia transcurrió en Lima (Perú), donde residía la familia de su abuela, la escritora Flora Tristón.

Años después se colocó en París, en una casa de banca, y se casó con una joven dinamarquesa de la que tuvo cuatro hijos.

Dedicó sus ratos de ocio a la pintura, aconsejado por su amigo el artista Camilo Pissarro, y exhibió algunas veces sus obras junto con las de los impresionistas.

En 1883, decidió abandonar su trabajo y dedicarse por entero a la pintura.

No tuvo entonces éxito, se fue a América y residió en la Martinica.

En 1895, y después de hacer una corta visita a su familia, se alejó definitivamente de Europa.

Años después, en 1903, murió solo, enfermo y sin dinero, en la isla de la Dominica, perteneciente al grupo de las Marquesas, en Oceanía.

Biografia de Gauguin Paul:Vida y Obra Artistica del Pintor Frances

«Un consejo, no pinte demasiado copiando la naturaleza. El arte es una abtracción, extráigala de la naturaleza soñando frente a ella y piense más en la creación que resultará.»

Paul Gauguin. carta a su amigo Schuflenecker,agosto 1888

• Biografía y Obra Artística:

Es considerado padre del impresionismo sincretista. De ascendencia española y peruana, vive sus primeros años de vida en el Perú.

Se embarca y hace varios viajes.

Ya casado se instala en Pont Aven y se dedica a los negocios hasta que decide abandonar a su familia y todo lo demás por la pintura.

Viaja a Martinica donde permanece un año tintando, decide regresar e instalarse de nuevo en Pont Aven, allí, rodeado de un grupo de jóvenes pintores crea un taller de pintura.

Entre éstos figuran Denis, Ibels y Maillol.

En 1888 hace amistad con Van Gogh, pero este se encontraba ya enfermo mentalmente, por lo que Gauguin abandona Arles rápidamente.

En Pont Aven pinta algunos de sus cuadros más conocidos, El Cristo amarillo (1889), La lucha de Jacob y el ángel y su famoso Autorretrato, todos de gran sencillez, sin embargo han sido considerados como las mejores pinturas de esa época.

Durante el verano de 1889 Paul Gaughin y su entorno organizaron una exposición de pintores Impresionistas en los altos del Café des Arts, de París, de propiedad de Monsieur Volpini, que prestó gustosamente su establecimiento.

En ella, que se conoce como Exposición Volpini, participaron:

• Paul Gauguin – 17 obras, entre ellas 11 zincografías
• Charles Laval – 10 obras
• Léon Fauché – 5 obras
• Émile Schuffenecker – 20 obras
• Louis Anquetin – 7 obras
• George-Daniel de Monfreid – 3 obras (bajo el nombre de Georges Daniel)
• Émile Bernard – 23 obras
• Louis Roy – 7 obras
• Ludovic Nemo (seudónimo de Émile Bernard) – 2 obras

En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití (en busca de la pureza primitiva) escapando de la civilización europea, una sociedad «gobernada por el oro», y de todo lo que es artificial y convencional.

En la isla empieza a conocer todos los mitos religiosos y culturales que pronto plasma en los cuadros de esta primera estancia: Te Mátete, Noa Noa, Laorana María, Siesta, El mercado, Pastorales tahitianas, Cuándo nos casamos, Manao Tupapao, El espíritu de los muertos vela, etc.

Todos son una búsqueda del espíritu maorí, y por fin Gauguin parece haber encontrado lo que tanto buscaba.

En una segunda etapa de su vida artística, las escenas que representa en sus cuadros son de carácter filosófico enmarcados por inquietudes del destino humano que expresa en Maternidad (1896), ¿Quiénes somos?, ¿A dónde vamos?, ¿De dónde venimos? (1897, Boston).

El estilo que emplea es de un colorido arbitrario, siempre al encuentro de lo exótico y tratando de liberar al arte de la naturaleza, pues sólo así puede expresar su mundo interior.

Define el plano pictórico y la profundidad de la pintura con el sincretismo.

La obra la sitúa entre el sueño y la realidad y sus últimos trabajos los realiza en la isla de Hiva-Ova; las composiciones de jinetes en la playa y El oro de los cuerpos son una exaltación de la barbarie y la emoción.

La llamada (1902, Museo de Cleveland) y Caballos en la playa (1902, Colección Niarchos, París) son sus últimas obras.

No podemos olvidar sus tallas en madera, la labor literaria que desempeñó ni su grandiosa influencia en el rumbo a la pintura moderna.

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Autoretrato

Gauguin, que se estableció en 1889 en Pouldu para aislarse de Pont-Aven, que se había vuelto según él demasiado turístico, se retrató delante de dos obras que acababa de terminar: un bote de tabaco en forma de autorretrato y El Cristo amarillo (pintura realizada según el Cristo de la iglesia de Trámalo), que aparece invertido, ya que lo pintó mirándose al espejo.

A fines de 1889, Gauguin pintó una serie de cuadros cada vez más libres, coloreados, partiendo de la percepción de la dura realidad, incluso primitiva, de la Bretaña de aquel tiempo. Realizó cerámicas sarcásticas en las que se representaba sobre botes de tabaco o sobre jarros.

• Algunas Fechas

1848.- Nace en París, hijo de un periodista francés y de una peruana criolla, cuya madre era Flora Tristan.
1851-1855.- Exilio en Lima.
1868.-1871 Sirve en la marina.
1872.-Inicia una brillante carrera con el agente de bolsa Bertin.
1873.-Matrimonio con una danesa, Mette Gad.
1876.-Presentación de ta primera tela en el Salón Oficial.
1883-1885 Viajes por Europa.
1886-Primera estada en Pont-Aven.
1887-Viaje a Martinica.
1888-Segunda estada en Pont-Aven: La siega del heno en Bretaña.
Encuentro con Van Gogh y fracaso del proyecto de creación de un taller-común en Arles.
1889.- Pasa una temporada en Pouldu: El Cristo amarillo; La bella Angela. 1891-1893.- Primpr viaje a Tahití.
1895.-Retorno definitivo a Tahití: Noa Noa, narración Ilustrada de su estada. 1897.-¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adonde vamos?
1903.-Muere en Atuona.

La Bretaña como catalizador: En 1886. Gauguin pasó su primera temporada en Pont-Aven, pequeña villa bretona que atrajo entonces una colonia artística proveniente de todos los horizontes. Allí prosiguió su búsqueda del «estilo» lejos de la vida urbana, que comenzó a ser considerada por él «física y moralmente corrupta», y pronto se le unieron otros artistas, como Emile Bernard y Paul Sérusier. Pont-Aven se transformó en un centro de investigación y de intercambio con los autores simbolistas.

Biografia de Gauguin Paul:Vida y Obra Artistica del Pintor Frances

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Fuente Consultada:Historia Visual del Arte Editorial LAROUSSE -La Nación-

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Enlace Externo:• Obra Artistica de Gauguin Paul

La Musica en el Barroco Compositores del Barroco Músicos Castrados

La Música en el Barroco
Compositores del Barroco

Sociedad y cultura en el Barroco:

En el Barroco cobró un enorme auge la exaltación de los sentimientos frente a la serenidad y a la mirada puesta en el hombre que habían sido propias del período anterior.

El Barroco: El término barroco proviene del portugués y, en su origen, significó «perla irregular y deforme». Se empleó para describir de manera peyorativa las formas artísticas demasiado recargadas.

Música en el Barroco

Hasta el siglo XIX el término barroco se utilizó como expresión desaprobatoria.

Sin embargo, hoy en día ya no es así aunque se sigue usando cuando se considera que algo es excesivamente complejo o recargado.

El Barroco fue una época en la que se produjeron grandes avances científicos y descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo.

Durante el Barroco se incrementó la ornamentación en todas las artes hasta llegar, en ocasiones, al exceso.

La música, por su parte, experimentó un enorme desarrollo.

Aspectos sociopolíticos:

El siglo XVII, y más concretamente su segunda mitad, está marcado por el triunfo del absolutismo en toda Europa, con la excepción de Holanda e Inglaterra.

El poder político de los monarcas se fortaleció hasta eliminar toda representatividad, dando lugar a las monarquías absolutas.

Los intereses nacionales se exacerbaron y pretendieron imponerse hegemónicamente.

Durante el siglo XVI fue España la nación hegemónica, y en el siglo siguiente lo fue Francia.

Las hegemonías terminaron en el siglo XVIII, fortaleciéndose la idea de equilibrio.

La sociedad estaba organizada en tres grupos, llamados estamentos o estados: nobleza, clero y tercer estado o estado llano.

Los dos primeros estamentos eran los privilegiados; el otro estamento poseía escasos recursos económicos y estaba excluido de la participación política.

Unido al éxito de la monarquía absoluta, el mercantilismo se fue imponiendo en Europa desde mediados del siglo XVII.

El Estado desarrolló una política económica intervencionista prohibiendo la salida de los metales preciosos.

Se trataba de un auténtico nacionalismo económico que reforzaba el nacionalismo político.

La cultura del Barroco

El Barroco reaccionó frente a la rigidez de las reglas y se convirtió en un arte abierto, libre, que buscaba lo grandioso y lo dinámico.

El Barroco, a la vez que fomentaba el interés por el hombre y la naturaleza, exaltaba el absolutismo real y el sentido victorioso y propagandístico de la Contrarreforma católica.

La expresión artística estaba en consonancia con el desarrollo de la sociedad.

La cultura tendió a encontrar razones justificativas del poder absoluto de los monarcas y a presentar siempre la monarquía en un contexto de «sublime emergencia» sobre el resto de la sociedad.

Las luchas religiosas y el enfrentamiento entre reformados y católicos tuvo grandes repercusiones en el arte y la cultura.

En el campo católico, el arte sirvió para realzar la figura de la Virgen y de los santos, produciendo retablos e imaginería de gran valor.

La arquitectura se caracterizó por el movimiento, el claroscuro y la grandiosidad.

Grandes arquitectos italianos fueron Bernini, Borromini y, algo más tarde, Juvara.

• En la escultura triunfó el afán de movimiento y se dio preferencia a los gestos exaltados y la teatralidad. Destacaron Bernini, en Italia, y Gregorio Fernández, Martínez Montañés y Alonso Cano, en España.

• La pintura se caracterizó por el naturalismo, la fuerte expresividad y el claroscuro. Destacaron Caravaggio, Rembrandt, Murillo y Velázquez.

• En la literatura se asiste al desarrollo del tema religioso a través de la mística, en el siglo XVI, con San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús, y de los autos sacramentales, en el siglo XVII, con Pedro Calderón de la Barca.

• En el pensamiento surgió el racionalismo con Descartes y se inició la ciencia moderna, basada en la experiencia y la inducción. La filosofía empirista fue desarrollada por un grupo de filósofos ingleses a cuya cabeza estuvo Bacon.

En el Barroco, la música tuvo un desarrollo espectacular. Los músicos adoptaron el término barroco para referirse al período de ciento cincuenta años que va desde los inicios de la ópera, hacia 1600, hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750.

Las artes y el estilo musical del Barroco:

La música acompañó en todo momento os profundos cambios experimentados en la sociedad, la cultura y el arte y el Barroco se convirtió en la época del virtuosismo musical, con grandes intérpretes y un enorme desarrollo de la orquesta y de las técnicas de construcción de instrumentos.

Consecuencia del racionalismo científico que dominó el pensamiento de la época, la música barroca redujo todos los modos musicales eclesiásticos a solo dos: el modo mayor y el modo menor.

Con estos modos se escribieron la mayoría de las obras musicales que han llegado hasta nosotros.

Por otro lado, el método científico propició el nacimiento de la ciencia de la armonía (estudio de los acordes), teorizada por Gioseffo Zarlino (1517-1590), que buscó en la naturaleza la fuente de toda legitimidad.

Los efectos que excitaban los sentimientos en los conjuntos de los grandes escultores barrocos trató de conseguirlos el músico con el uso del acorde consonante y disonante.

La alternancia de estas relaciones sonoras provocó movimientos espirituales que suscitaron efectos en uno u otro sentido.

La arquitectura de línea curva y ornamentación exuberante tuvo su reflejo sonoro en las melodías llenas de adornos y acrobacias vocales, sobre todo con la aparición de voces artificiales: los castroti, cantantes de sexo masculino que eran castrados antes de llegar a la pubertad para preservar su voz de soprano o contralto.

Esta práctica decayó cuando las mujeres, a finales del siglo XVIII, se incorporaron a la escena operística.

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LOS CASTRATI: Los primeros músicos de la historia en alcanzar la categoría de estrellas fueron los castrati, para cuyas voces se componía la ópera italiana en los siglos XVII y XVIII.

Un castrato era una maravilla vocal, un precioso instrumento musical vivo, de una belleza y extensión asombrosas.

Los castrati eran varones, procedentes de los ambientes más pobres, y elegidos por la belleza de su voz infantil, a los que se castraba antes de que llegaran a la pubertad.

Por este cruel procedimiento se conseguía que estos cantantes conservaran el timbre de una voz blanca, pero unido a la capacidad pulmonar de un varón adulto.

Los castrati recibían una esmeradísima educación musical, y los que triunfaban amasaban grandes fortunas, por lo que su destino se consideraba envidiable.

Su extraordinaria capacidad pulmonar y la limpia ejecución de las más intrincadas coloraturas, complejas acrobacias vocales escritas por los compositores para ellos, los enorgullecía más que la tesitura aguda; femenina, de sus voces.

Podían sostener una nota durante minutos enteros, yen muchas ocasiones se enzarzaban en duelos con algún instrumentista de viento, con el que rivalizaban en resistencia para admiración del público.

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La pintura realista y de fuertes contrastes guió a los compositores en sus obras instrumentales y los impulsó a buscar el colorido tímbrico, con la aparición y perfeccionamiento de nuevos instrumentos, y el contraste sonoro, con el uso del estilo concertante, en el que a un solista o grupo de solistas se opone o contrasta el resto de la orquesta.

La monarquía absoluta impuso el uso de una melodía principal, con lo que desapareció el resto de voces del estilo polifónico; y también surgió el virtuoso, que, en cierto modo, acabó ejerciendo un absolutismo instrumental sobre el resto de la orquesta.

La aparición de teatros donde se representaban obras dramáticas con música, las óperas, hizo que se produjera un mayor acercamiento entre los diferentes estamentos sociales de la época.

Características del Barroco musical:

Las principales características que definen la música barroca son estas:

• Predominio del estilo vertical u homofónico.

• Nacimiento del bajo cifrado o bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. La voz superior es la melodía. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar.

• Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música.

• Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental.

• Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera, cantata, etc.

• Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.

• Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado.

• Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia.

• Supremacía de la música profana sobre la música religiosa.

• El compositor practica todos los géneros de su época.

La música al servicio de la religión y la monarquía: El Barroco fue un estilo artístico conformado por las ideas dominantes de la época: el absolutismo en política, que presenta como ideal la monarquía absoluta, y la Contrarreforma, la reacción cultural de los países católicos del sur de Europa frente a la Reforma protestante del norte.

Al igual que había sucedido durante el Renacimiento, durante el Barroco, la música culta o ilustrada, en oposición a la popular, únicamente se cultivaba en el seno de los dos estamentos rectores de la vida política y espiritual: el aristocrático (las diversas cortes europeas) y el eclesiástico.

Un tercer sector social —el burgués— entró, sin embargo, durante esta época en el universo musical gracias a la ópera comercial, que permitía el acceso al teatro mediante el pago de una entrada.

En los primeros días de la ópera, la concurrencia solía ser la comunidad entera, separada jerárquicamente en pisos y gradas de acuerdo con su posición social.

La sala de ópera era un modelo de la sociedad del siglo XVII, en tanto que los mitos griegos y romanos de donde provenían casi todos los argumentos que se ponían en escena reflejaban los valores aristocráticos de los estamentos sociales dirigentes.

Fuente Consultada: Enciclopedia del Estudiante Tomo 18 – Música – Santillana

Enlace Externo:Introducción al arte Barroco

Biografía de Paganini Violinista Italiano Anecdotas de su Vida Niccolo

Biografía de Paganini Violinista Italiano

EL GRAN VIOLINISTA ITALIANO:

Compositor italiano y virtuoso del violín. Nació en Génova el 27 de octubre de 1782. Considerado un genio de la música.

Su padre le compró un violín de segunda mano, y con él el pequeño Niccoló descubría aspectos insospechados del arte musical.

Estudió con músicos locales y a los cuatro años conocía perfectamente los rudimentos de la música.

Su habilidad en tocar el violín era extraordinaria.

Tenía largos dedos y largos brazos lo que le permitió hacerse construir un arco más largo de lo normal y abarcar más espacio en las cuerdas.

Tenía doce años cuando su padre le mandó al maestro Alessandro Rolla para que siguiese sus lecciones.

A los pocos días el maestro vio que Paganini seguía a primera vista un concierto, harto difícil, y no pudo menos de decirle: -Has venido para aprender; pero no tengo nada que enseñarte.

Hizo su primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece.

No obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín.

En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de María Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón.

Niccolo sentía una sensación de abuso por parte de su padre que manejaba sus presentaciones y a la vez el dinero.

Éste siempre le mangoneó y se aprovechó de él para conseguir pingües beneficios.

 Harto de todo, Paganini se lanzó a una carrera de desenfreno en la que todo tenía cabida, derrochando en el juego el dinero conseguido con los conciertos.

Tras estos breves años de disipación y desidia, abandonó todo para irse a vivir con una noble italiana, bastante mayor que él, y deseaba dejar la música para dedicarse a al agricultura.

Cuando sucede esto aún no tiene ni veinte años, y ya ha vivido momentos de grandes excesos que más adelante le pasarán factura.

Una anécdota de Paganini:

En Ferrara, una tal Pallerini, de oficio bailarina, había cantado en sustitución de la soprano Marcolini, ídolo del público, que se encontraba indispuesta; los espectadores la silbaron y Paganini, a quien le tocaba actuar inmediatamente, decidió vengarla.

Ante el público y con su violín imitó el trino de diversos pájaros, el grito de diferentes animales y por fin el rebuznar del asno, y dijo: -Ésta es la voz de aquellos que han silbado a la Pallerini.

El alboroto que se armó fue muy grande y Paganini tuvo que presentar excusas y no volvió a tocar en Ferrara.

Era tan extraordinaria la habilidad de Paganini al tocar el violín, que se creyó que no era posible haberlo alcanzado por medios naturales y se creó una leyenda a su alrededor.

Se dijo que Paganini había matado a un rival y condenado por ello a presidio y que en él había pactado con el diablo entregándole su alma a cambio de la libertad y la maravillosa técnica violinista que mostraba.

El vulgo creyó en la leyenda y no faltó quien asegurase que, durante un concierto, había visto con sus propios ojos al diablo al lado del violinista ayudándole en los momentos difíciles.

Tuvo fama de avaro, y no era verdad. No fue dispendioso, pero tampoco avariento, como lo prueba el caso de Berlioz, que era entonces un desconocido, y que a duras penas consiguió que en un concierto se ejecutara su misa.

En la sala se encontraba Paganini, quien se dio cuenta en seguida del valor del joven compositor.

Cuando terminó el concierto fue a verle, se arrodilló a sus pies -no se olvide que se estaba en la época romántica y estas efusiones hoy risibles eran corrientes entonces y le dijo que era el rey de los músicos.

No contento con esto, aquella misma noche hizo llegar a Berlioz un pagaré de veinte mil francos contra la Banca Rothschild para ayudarle económicamente.

A Paganini le molestaba mucho que le invitasen a comer para luego tener que ejecutar algunas piezas gratis ante sus anfitriones.

Cuando le invitaban y le decían: «No olvide el violín», respondía invariablemente: -Mi violín no come nunca fuera de casa.

Se unió sentimentalmente -como ahora suele decirse a una cantante llamada Antonia Bianchi, de la que tuvo un hijo al que llamó Aquiles.

Un día, cuando estaba en Milán, pasó por una calle y un tentador olor a pescado frito le llamó la atención y se dispuso a entrar en el local cuando el dueño del mismo, señalando el estuche de su violín del que casi nunca se separaba, le mostró al mismo tiempo un letrero fijado en la puerta: «Prohibida la entrada a los músicos ambulantes.» Y aquel día Paganini no comió pescado frito.

Durante su estancia en París, en 1831, en la cual cosechó triunfos muy sonados, tuvo una noche que alquilar un coche de punto para que le llevase a la sala donde debía dar el concierto.

Al llegar allí le preguntó al cochero:

-¿Cuánto le debo? -Veinte francos. -¿Veinte francos? ¿Tan caros son los coches en París? -Mi querido señor -respondió el cochero, que le había reconocido-.

Cuando se ganan cuatro mil francos en una noche por tocar con una sola cuerda, se pueden pagar veinte francos por una carrera.

Paganini se enteró por el portero de la sala del precio justo y volvió al coche. -He aquí los dos francos, que es lo que le debo; los otros dieciocho se los daré cuando sepa conducir el coche con una sola rueda.

Era vanidoso, pero se reía de su propia vanidad.

Un día, conversando con un pianista, éste le dijo que, en un concierto que había dado, el gentío era tan numeroso que ocupaba los pasillos del local.

-Esto no es nada -replicó Paganini-: cuando yo doy un recital hay tanta gente que hasta yo debo estar de pie.

Sobre su muerte corrieron muchas versiones. Una de ellas aseguraba que el sacerdote que le atendía en sus últimos momentos, influido por la leyenda demoníaca que aureolaba al gran músico, le preguntó qué contenía, en realidad, el estuche de su violín.

Paganini se incorporó en el lecho gritando: -¡El diablo! ¡Esto es lo que contiene, el demonio! y tomando el violín en sus manos lo empezó a tocar hasta que lo lanzó contra la pared, expirando al tiempo que el instrumento se rompía. La historia es falsa.

El violín de Paganini se conserva, en el museo de Génova.

Lo cierto es que, aquejado de laringitis tuberculosa, el músico se trasladó a Niza y de allí a Génova.

Vuelto a Niza, murió allí el 27 de mayo de 1840.

Tenía 56 años.

Pero también es verdad que su fama de endemoniado le persiguió después de su muerte.

El obispo de Niza le negó la sepultura eclesiástica y tuvo que ser enterrado en el cementerio del lazareto de Villefranche.

Su cadáver fue trasladado después por su hijo Aquiles a varias poblaciones hasta encontrar definitivo reposo en el cementerio de Parma.

Fuente Consultada: Historias de las Historia de Carlos Fisas