Antecedentes Historicos del Arte

Biografia de David Siqueiros,Muralista:Resumen de su Obra Artistica

Biografía de David Alfaro Siqueiros- Muralista Mexicano – Resumen Obra Artística y Política

David Alfaro Siqueiros (1896-1974) es, sin duda, junto con José Clemente Orozco y Diego Rivera, el artista que más ha contribuido a la creación y desarrollo del movimiento muralista mexicano, surgido a raíz de la revolución de 1910, y cuyo momento de esplendor se centra entre 1920 y 1940.

Comprometidos igualmente los tres artistas con la revolución, Siqueiros destaca ante todo por ser un personaje esencialmente revolucionario, tanto en el campo de la pintura como en sus ideas y vida social.

De carácter inquieto y luchador, fue un hombre fundamentalmente político y un agitador sindical por excelencia, características éstas que combinará a lo largo de su vida con las de artista creador y progresista.

Fue un hombre formado artística y socialmente al calor de la revolución, nunca separó ideología y arte, manteniendo vivo en todo momento un compromiso revolucionario que le llevará a decir la siguiente frase en la que se resume toda su vida y su obra:

«Contribuir a la transformación política de México, empezando por la restitución de sus libertades democráticas, tiene que ser mi primera tarea como hombre, como ciudadano y como pintor».

David Siqueiros pintor y revolucionario mexicano

► Su Vida:

Nace Siqueiros el 29 de diciembre de 1896 en el estado mexicano de Chihuahua; su padre, Cipriano Alfaro Palomino, era un prestigioso abogado y su madre, Teresa Siqueiros Barcenas, hija de Filippo Siqueiros, hombre político y poeta, muere cuando él tenía sólo dos años.

Así, el pequeño David será educado por sus abuelos paternos hasta los siete años, edad en la que ingresa en el Colegio franco-inglés de los hermanos maristas.

Más tarde continúa sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en Ciudad de México, aunque pronto se verán interrumpidos al estallar el movimiento revolucionario, iniciado en el norte del país, contra el régimen dictatorial cíe,, general Porfirio Díaz.

El joven Siqueiros se une al movimiento cuando apenas cuenta dieciséis años.

Entre 1914 y 1918, Siqueiros tiene una gran actividad política y militar: se incorpora al estado mayor del general Manuel M. Diéguez, formado casi en su totalidad por estudiantes revolucionarios, y participa en vanas batallas en los estados de Jalisco, Guanajuato, Colima, Sonora…

La participación en estas luchas contra la dictadura de Victoriano Huerta le proporciona el conocimiento de su patria y la formación ideológica necesaria para llevar adelante sus compromisos revolucionarios.

► Viaje a Europa

En 1919, el gobierno le envía a Europa con misiones artísticas y diplomáticas. Visita en primer lugar París, donde establece contacto con el arte moderno, desde Cézanne a Picasso.

También allí tiene lugar su decisivo e importante encuentro con Rivera; ambos artistas discuten sobre la necesidad de realizar en su país una pintura monumental y grandiosa, y al mismo tiempo popular, que refleje los problemas planteados por la revolución.

La experiencia europea va a ser decisiva en la formación artística y revolucionaria del joven Siqueiros. Todo lo aprendido en estos años se refleja claramente en su Manifiesto a los artistas de América, publicado en 1921 en Barcelona en la revista Vida americana.

En dicho manifiesto, compuesto por tres breves escritos, hace un llamamiento al «arte monumental y heroico, a un arte humano, a un arte público, con el ejemplo directo y vivo de las grandes y extraordinarias culturas prehispánicas de América».

► El Regreso a su Patria

En 1922, Siqueiros decide regresar a su patria e inicia una etapa de gran dedicación a la pintura mural y a las actividades sindicales y políticas más radicales.

Ingresa en el Partido Comunista y promueve la organización del Sindicato de Pintores, Escultores y Grabadores Revolucionarios.

A su llegada a México, el secretario de Instrucción Pública, José Vasconcelos, le encarga junto a un gran número de jóvenes pintores mexicanos, entre los que cabe señalar a Diego Rivera, Orozco, Xavier Guerrero, Fermín Revueltas, Fernando Leal, Jean Charlot, Amado de la Cueva y Emilio García Cachero, integrantes todos ellos del movimiento muralista, la realización de la primera gran obra mural mexicana, en la Escuela Preparatoria Nacional, donde tendrán la oportunidad de contar, en sus muros, la historia de su propio país.

Durante cuatro años, con una dedicación casi exclusiva a la política de 1926 a 1930, dirige la Federación Minera y la Confederación Obrera de Jalisco; anima las huelgas que se producen en las minas de El Amparo, Cinco minas, La mazata, Piedra bola, Los Jiménez, etc., y participa como representante de los trabajadores en diversos congresos internacionales

Por su compromiso revolucionario, fue encarcelado en varias ocasiones y se vio finalmente obligado al exilio en 1932.

En mayo de 1930 es detenido y permanece hasta diciembre en la penitenciaría del Distrito Federal. Allí realiza una serie de obras de formato pequeño a las que denomina retablos. Durante este período Siqueiros se revela como un artista que domina plenamente sus medios expresivos y con un estilo propio que le diferencia marcadamente de sus colegas.

Siqueiros decide expatriarse se establece en Estados Unidos, concretamente en California, por estar más cerca de la frontera de su país. La Chouinard School of Art de Los Angeles le invita a dar un curso sobre pintura mural.

Siguiendo su teoría de que las artes plásticas sólo pueden aprenderse con la práctica, como se hacía en los talleres del Renacimiento, forma con sus alumnos un equipo de trabajo denominado Mural Block of Painters y programa la realización de una pintura al fresco en la pared exterior de la escuela.

Como consecuencia de la publicidad que este mural le proporciona, la institución Plaza Art Center, patrocinada por numerosas empresas relacionadas con la venta de aparatos y materiales para la pintura, le invita a ejecutar un mural, también exterior, de 270 metros cuadrados, con el tema América tropical.

A su vuelta a México, en 1934, es nombrado presidente de la Liga Nacional contra el Fascismo y la Guerra.

En esta misma época sostiene una fuerte polémica con Rivera (y, a través de éste, con casi todos sus antiguos colegas del período muralista anterior) que significó el inicio de la revisión de todo lo que se había hecho en el campo de las artes plásticas después de la revolución.

► Una Experiencia en New York

Con el fin de ampliar su experiencia de Los Angeles y continuar la búsqueda e investigación de nuevos materiales para su pintura, Siqueiros funda a finales de 1935 en Nueva York un taller experimental el Siqueiros Experimental Workshop, donde con ayuda de especialistas profundiza tanto en el conocimiento de los nuevos materiales cromáticos que facilita la industria, como en nuevos métodos y herramientas para la realización de sus murales.

Pronto abandonará Siqueiros, una vez más, todo lo relacionado con el mundo de la pintura para dedicarse de lleno a sus actividades políticas: en 1937 llega a España para participar en la guerra civil en las filas del ejército republicano, en el que ejercerá cargos de gran responsabilidad.

A su vuelta a México, en 1939, Siqueiros retorna a la pintura mural. Termina así una fase técnico-experimental e inaugura una gran etapa en la que realiza las obras más importantes de su trayectoria artística.

►Primer Mural Mexicano

El primer mural que pintará en su país, en ese mismo año, es el titulado Retrato de la burguesía, en la sede del Sindicato de la electricidad, en el que intenta reflejar todas las contradicciones de la sociedad.

En 1940, se le acusa de tomar parte en la lucha política contra León Trotski y será encarcelado. Una vez puesto en libertad, abandona de nuevo su país. Se traslada a Chile, y en la población de Chillan realiza, en 1941, para la biblioteca de la Escuela México, un importante mural: Muerte al invasor, en el que se describe la lucha de los pueblos mexicano y araucano por su libertad e independencia.

Cuauhtémoc será uno de los personajes preferidos de Siqueiros y un tema sobre el que vuelve en varias ocasiones.

Durante los años de la segunda guerra mundial y tras su experiencia en Chillan, Siqueiros inicia una serie de viajes a países de Latinoamérica -Cuba, Ecuador, Colombia, Perú, Panamá- donde pronuncia varias conferencias, incitando a los artistas a luchar con su arte por la victoria de la democracia contra el nazismo.

En Cuba pinta, en 1943, tres murales, de los cuales sólo quedan referencias fotográficas, ya que han sido destruidos: Alegoría de la igualdad y de la fraternidad de las razas blanca y negra y El nuevo día de las democracias.

Al terminar la guerra; Siqueiros quiere culminar las actividades que durante tantos años había desarrollado en contra del fascismo y lleva a cabo una obra de grandes dimensiones en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.

Era un encargo del gobierno mexicano para conmemorar el aniversario de la revolución de 1910 y la victoria militar de las democracias.

En 1944, Siqueiros está de nuevo en México, donde crea el Centro de Arte Realista, con el fin de hacer nuevos experimentos en el campo de la pintura.

Invitado en 1948 por la Escuela de Bellas Artes de San Miguel Allende a dar un curso sobre pintura mural, decide, tal como lo había hecho anteriormente en Los Angeles, realizar con sus alumnos un mural donde llevar a la práctica sus teorías.

Para ello elige un salón abovedado del antiguo convento de Santa Rosa, sede de la Escuela, y en él desarrolla el tema Monumento al general Allende.

Su reconocimiento internacional se produce en la bienal de Venecia de 1950, en la que estuvo presente con un pabellón personal que fue galardonado con el segundo premio, otorgándose el primero a Matisse.

Su triunfo supuso además la valoración de la pintura mexicana moderna en el mundo de la cultura.

En 1955 visita Francia, Polonia y la Unión Soviética, y será entonces cuando en su Carta abierta a los pintores escultores y grabadores soviéticos, exponga las posiciones de los artistas del realismo mexicano frente al formalismo soviético y occidental.

►La Revolución Mexicana en Mural

En el mural que en 1957 inicia en el Museo Nacional de Historia de Chapultepec, desarrolla Siqueiros por vez primera el tema de la revolución mexicana.

Como otras veces, en 1959, vuelve Siqueiros a sus actividades políticas y revolucionarias; viaja a La Habana y a Caracas, donde pronuncia una serie de conferencias y, a su regreso a México, la represión del gobierno del presidente Adolfo López Mateos contra la huelga de los ferroviarios le lleva a participar activamente en la fundación y en las actividades del Comité de Defensa de Presos Políticos.

Por todo ello será encarcelado el 9 de abril de 1960 y aunque su condena fue de ocho años, sólo permanece cuatro en la penitenciaría de Lecumberri, pues en julio de 1964 le indultan en reconocimiento de su obra artística.

Durante estos años de cárcel, Siqueiros se dedica por entero a la pintura y realiza más de doscientas obras, aunque en condiciones poco favorables, pues además de tener que pintar en su propia celda, se vio obligado, por falta de espacio, a realizar cuadros de caballete y de reducidas dimensiones, algo totalmente contrario a sus teorías pictóricas.

►Un Proyecto Gigante

Su último y gigantesco proyecto será: Historia de la humanidad, para la sala de la Unión de Congresos del Parque Lama de Ciudad de México.

Esta inmensa obra, comenzada en 1965 e inaugurada oficialmente en 1971, la realiza cuando contaba ya 70 años y a ella se va a dedicar con ilusionada y juvenil pasión los últimos de su vida.

Es la pintura mural más grande que se haya ejecutado jamás, con 4.600 metros cuadrados de superficie continua.

Consigue así uno de sus mayores deseos: crear un mural sin fin, que cubriera por dentro y por fuera, en bóvedas y paredes, una superficie gigantesca.

marcha de la humanidad siqueiros

Cuando Siqueiros tiene 72 años, después de su salida de la cárcel, recibe del gobierno de su país el Premio Nacional de Arte, otorgado con anterioridad a Orozco y Rivera, que significaba el mayor reconocimiento oficial.

Siqueiros fue también un prolífico escritor y publicó varios ensayos en los que expuso tanto sus doctrinas políticas como las técnicas y artísticas.

Siqueiros vivió y trabajó, hasta su muerte, acaecida el 7 de enero de 1974, con la mente puesta en los destinos de su pueblo y del hombre en general.

Ver: Obras Artísticas de David Siqueiros

Fuente Consultada:
Enciclopedia de los Forjadores del Mundo Contemporáneo – Tomo IV- Entrada: David Alvaro Siqueiros  “pintor y revolucionario” – Editorial Planeta

Biografía de Canova Antonio y Su Obra :Escultor Italiano

Biografía de Canova Antonio y Su Obra Artística
Escultor Italiano

Antonio Canova ocupó el primer lugar entre los escultores de su época. Trabajó durante veinte años en un estado total de pobreza, al margen de cualquier rivalidad y poniendo siempre su arte por encima de todo.

El estilo neoclásico, basado en el arte antiguo de Grecia y Roma, alcanzó su apogeo máximo a finales del siglo XVIII. Antonio Canova, de la Venus, está considerado como el mejor escultor de este estilo artístico.

Canova Antonio escultor italiano

Antonio Canova nació en Pessagno, cerca de Bassano (Italia) en el año 1757. Su arte alcanzó la plenitud siendo él muy joven. Niño aún, trabajaba en una cantera en compañía de su abuelo.

Complacíase en manipular la piedra y trataba de darle diferentes formas, revelando ya su inclinación. El abuelo trabajaba también como jardinero en la mansión del senador Faliero. Fue allí donde el joven Antonio esculpió sus primeras estatuillas en mármol.

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La Venus, una de sus grandes obras artísticas, Canova está considerado como el mejor escultor de este estilo neoclásico.

El duro y frío mármol puede reflejar vida, acción y sentimiento sólo cuando un gran artista consigue modelar en él las formas perfectas de un ser viviente y dotarlas de expresión.

Pero pocos son los que logran ese milagro, ya que las obras de los grandes escultores representan un gigantesco esfuerzo creador.

Antonio Canova fue uno de esos grandes artistas incomparables, capaces de animar la materia inerte.

Nada, en sus años mozos, pudo hacer presentir que llegaría hasta la cúspide del arte.

Sin embargo, sabemos que le gustaba trabajar la piedra, y a ella —como a una amiga— confiaba sus sueños infantiles.

Antonio Canova nació en Pessagno, cerca de Bassano (Italia), el 10 de noviembre de 1757. A los tres años de edad perdió a su padre.

Al poco tiempo la madre contrajo nuevas nupcias y fue a vivir a otra ciudad, dejando al pequeño Antonio al cuidado del abuelo.

La familia Canova, otrora rica, estaba ahora arruinada a causa de ciertas especulaciones infortunadas.

Por lo tanto, el abuelo viose en la necesidad de hacerle aprender un oficio al niño y eligió el de cantero (el que labra las piedras).

A pesar del trabajo penoso, el joven aprendiz nunca se quejó. Por el contrario, gustábale manejar el mármol y sus pequeñas manos, aún inexpertas, lo acariciaban y hasta se esforzaban en darle forma. El oficio de cantero, en el siglo XVIII, era duro y difícil; el trabajo se hacía con cincel y martillo.

Pero Antonio no se desanimó, trabajó con tesón y, a ios pocos años, llegó a esculpir estatuillas llenas de expresiva gracia.

Mientras tanto el abuelo, en la mansión del senador Faliero, en Pedfazzi d’Asolo, desempeñábase como albañil y jardinero. Allí vivía un nieto del senador, mancebo de familia noble y acaudalada, quien demostró su simpatía y afecto por el adolescente modelador que ofrecía a su nuevo amigo todas las estatuillas que esculpía con tanto entusiasmo.

Y un día llegó la oportunidad decisiva para la vida de Canova.

Se daba una gran fiesta en el palacio senatorial. El cocinero quería destacarse en la presentación de los manjares y buscaba ideas originales.

Encontró al nieta del jardinero, lo llevó a las cocinas y, mostrándole un enorme trozo de manteca, le dijo: «¿Ves esa manteca? Debí ir a la mesa del senador, y yo quisiera darle un aspect: artístico. .. Me agradaría que representara algo…»

Antonio tenía tan sólo diez años de edad, pero puso manos a la obra y lo que realizó con la manteca colmó al máximo los deseos del maestro de cocina.

En la mesa, magníficamente preparada, apareció el león alado de San Marcos. ¡Era el trozo de manteza que, en las manos del joven Antonio, había adquirido esa forma original!. Es fácil imaginar la sorpresa, el asombro y la admiración de los convidados. Pidieron conocer al autor de esa maravilla y lo felicitaron efusivamente.

Al final de la cena, el dueño de casa, presintiendo el futuro del niño, decidió enviarlo a Venecia y hacerlo ingresar en los talleres del escultor José Torretti.

En Venecia los temas de estudio no le faltaron: allí todo embelesaba su alma de artista, todo le brindaba belleza en sus aspectos más delicados. Trabajó mucho hasta llegar a sus dieciséis años de edad. Entonces se produjo el fallecimiento de su maestro Torretti. Pero el joven escultor ya no necesitaba enseñanzas.

Su protector lo comprendió tan bien, que no titubeó en confiarle la ejecución de dos grandes estatuas en tamaño natural. Se trataba de Orfeo y Eurídice. La tarea podía parecer demasiado ardua para un escultor tan joven, mas Canova no se desanimó y esas estatuas, por el candor y la espontaneidad de su expresión y la armonía de su línea, figuran entre sus grandes obras.

En los años que siguieron esculpió numerosos trabajos: estelas funerarias, una estatua de Esculapio y un grupo de Dédalo e Icaro. Los expuso en Venecia, en el año 1779, el día de la Ascensión. El triunfo fue tal que hubiera despertado el orgullo del más grande artista. Canova experimentó, es cierto, una gran alegría, pero, en lugar de envanecerse, decidió esforzarse y perfeccionar aún más su producción. Venecia ya no le ofrecía un campo de acción suficientemente amplio. Decidió instalarse en Roma donde el papa había inaugurado un Museo de Antigüedades.

Después de Roma volvió a Venecia y luego visitó Ñapóles. Nada disminuía su fiebre de trabajo y de saber. En la Ciudad Eterna esculpió el mausoleo de Clemente XIV y Teseo vencedor del Minotauro.

Los encargos afluían. El príncipe Rezzónico y sus dos hermanos, ambos cardenales, le encargaron un monumento funerario destinado a la basílica de San Pedro, para el papa Clemente XIII.

Durante cuatro años Canova se consagró, sin descanso, a ese trabajo, haciendo caso omiso de las dificultades propias de la tarea, de la lucha de los envidiosos y del estado deplorable de sus finanzas.

Al terminar el mausoleo, todo su cuerpo llevaba las huellas del esfuerzo cumplido y de los sufrimientos soportados.

La presión del trépano sobre el esternón, durante largos días, le había provocado una deformación del hueso que, al apoyarse sobre el estómago, le ocasionaba grandes molestias y dolores.

Observando la finura de los detalles, el maravilloso relieve de los encajes que adornan las vestimentas de la estatua de Clemente XIII, admiramos en Canova, además de su arte, la «artesanía» que lo obligaba a extremar la minuciosidad y la precisión hasta lograr un trabajo perfecto.

En ciertas obras suyas, la piedra resucita la mirada de los que ya no existen, y hasta su alma parece aflorar en la expresión humana y vivida.

El viernes santo del año 1792, día de la inauguración del monumento, fue, para Canova, un día de triunfo.

Pero las fuerzas del artista estaban muy resentidas por el exceso de trabajo.

Tomó un corto descanso en Venecia y luego volvió a Roma donde ejecutó un monumento para el almirante Ángel Emo, destinado al palacio ducal de Venecia.

La pasión que experimentaba hacia los temas mitológicos le permitió ejecutar dos grupos: Venus y Adonis y El Amor y Psique.

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Canova fue llamado varias veces por Bonaparte. Entre sus obras se destaca una admirable Venus victoriosa que tenía los rasgos de Paulina Borghese (Paulina Bonaparte), y una Polimnia representando a Elisa Bonaparte. Canova fue elegido miembro extranjero del Instituto de Francia.

Su fama iba creciendo. El duque Caetani le encargó un grupo representando a Hércules y Licas. Canova ejecutó un monumento colosal que,a causa de la poderosa musculatura de Hércules, produce una imprecisión de fuerza que no era generalmente buscada por el artista.

Ya en la cumbre de la celebridad y de la fortuna, fue llamado por Bonaparte, a París, para ejecutar el busto del Gran Corso. Poco después le fue encargado el Mausoleo de Victorio Alfieri. Luego afluyeron pedidos de soberanos y viajó a Napóles. Roma. Viena y París.

escultura de Canova cabeza de Perseo

Cabeza de Perseo, escultura de Canova Antonio

Escultura de Napoleón de Canova

Busto de Napoleón Bonaparte, escultura de Canova Antonio

Los amplísimos talleres donde trabajaba ya no podían contener sus obras. Entre éstas se encontraba una estatua colosal de Napoleón, que actualmente se exhibe en el palacio Brera de Milán.

Canova: fue encargado de reproducir otros miembros de la familia Bonaparte, y es así como le fue dado representar a la hermosa princesa Paulina Borghese bajo el aspecto de Venus victoriosa.

Luego del destierro de Napoleón en Santa Elena, Canova fue enviado especialmente a París por el papa para pedir la devolución de los monumentos quitados a Italia.

De regreso a su patria, esculpió otras obras notables: Las tres Gracias, el monumento de La Guerra y la Paz, y la estatua de Washington que le había sido encomendada por el Senado de Carolina (Estados Unidos).

El 21 de setiembre de 1821 regresó a Pessagno, su ciudad natal, con el propósito de reponer su quebrantada salud. Pero no pudo resignarse a la inactividad.

Quiso volver a Roma, pero durante el viaje se detuvo en Venecia donde expiró el 13 de octubre de 1821.

Canova no fue solamente un artista de primer orden, sjno también un hombre amado por su desinterés, su bondad y su afabilidad. Siempre se mostró generoso y nadie pidió en vano su ayuda.

El arte fue su única razón de vivir.

En su juventud habíase enamorado de una hija del grabador veneciano Volpato, la que durante un corto tiempo fue su novia.

Luego, no se sabe por qué causa, rompió el compromiso, y la delicada sensibilidad del artista no se curó jamás de esa herida.

Cultivó también la pintura, aunque sin alcanzar en ella la misma perfección que en la escultura.

Sin embargo, su genio maravilloso realizó también el milagro de su autorretrato.

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Biografía de Pushkin Aleksandr:Escritor Ruso y Su Obra Literaria

Biografía de Pushkin Aleksandr
Vida y Obra del Escritor Ruso

El escritor ruso del siglo XIX Aleksandr Pushkin fue una de las primeras figuras de la literatura rusa. Maestro  versátil, escribió poesías, relatos, novelas y obras teatrales.

Entre sus escritos más conocidos se encuentran el drama Borís Godunov (1825) y el poema épico Eugene Onegin (1823-1831).

Contribuyó a crear una larga tradición literaria en su país, y su obra influyó en muchos autores posteriores.

En el mundo de la poesía rusa, la figura de Pushkin domina incontrastada por la grandeza, la potencia y la sensibilidad de su expresión artística.

Nació en Moscú en el año 1799 y pertenecía a una familia de antiguo y noble origen.

pushkin alejandro escritor ruso

«Todo aquello que Aleksandr Pushkin dice en sus versos o en sus prosas lamas pudo ser dicho de otro modo más que como él lo dijo.» Así se expresó el famoso escritor León Tolstoi al referirse al más grande poeta ruso del siglo XIX, quien legó a la inmortalidad la célebre tragedia histórica Boris Godunov y la no menos conocida novela Eugenio Oneguin.

Aleksandr Pushkin nació en Moscú, de una familia de la antigua nobleza, en el año 1799.

Su infancia transcurrió en un ambiente mundano y despreocupado que ejerció en el muchacho doble influencia: por un lado lo arrastró hacia una vida de holganza y placeres, y por el otro lo empujó a desarrollar su innata vocación literaria.

El tío de Aleksandr, que fue un discreto poeta, y su padre, que también sentía fuerte afición por la poesía, tuvieron amistad con los más grandes literatos de la época, entre los que se encontraban Karamzin y Zukovsky, quienes influyeron, asimismo, en la formación artística del joven Pushkin.

De espíritu apasionado y de fuerte inclinación hacia todas las formas de la cultura literaria, pudo Aleksandr Pushkin satisfacer fácilmente su sed de aprender en la nutrida biblioteca paterna, adonde por primera vez tomó contacto con los más conocidos escritores clásicos franceses.

Vivió así en un clima en un todo de acuerdo con sus gustos y preferencias.

Biografía de Pushkin Aleksandr Obra Literaria Resumen

En el año 1811 se inscribió en el liceo de Tsarskoe Selo, en el que cursó estudios durante seis años y estuvo nuevamente rodeado de una atmósfera literaria caracterizada por la presencia de muchos estudiantes que, al pasar los años, se convirtieron en famosos pensadores y poetas.

Durante el tiempo transcurrido en el liceo se fueron operando algunos cambios en el espíritu de Pushkin.

Allí, el diario y continuo contacto con profesores de tendencias liberales hizo que fuera asimilando lentamente los ideales de una escuela no del todo conforme con la política imperialista que regía en Rusia.

Por otra parte tuvo ocasión de enterarse de los problemas que agitaban al pueblo, oprimido por el gobierno del zar.

De aquella época estudiantil datan dos composiciones líricas: Los recuerdos de Tsarskoe Selo y la oda Por el retorno a París del emperador. Estas poesías no sólo revelan ya los nacientes caracteres literarios de Pushkin, sino que además indican su estilo futuro.

Se notan en ellas gran habilidad para transmitir sus sentimientos, como también capacidad para utilizar argumentos diversos.

Terminados sus estudios, le fue ofrecido, en 1817, un empleo de secretario en el Ministerio de Asuntos Exteriores, en Moscú.

Una vez en esa ciudad se introdujo rápidamente en la vida mundana e ingresó a la sociedad de la Lámpara Verde, en la cual se agrupaban los poetas, escritores y músicos más conocidos de Rusia.

Pushkin compone en Moscú dos famosas odas: A la libertad y El campo, en los que manifiesta claramente sus ideas políticas adversas al imperialismo, y el no menos conocido poema Ruslan y Ludmila, una violenta sátira ridiculizando a la sociedad de la época.

El zar Alejandro I, al enterarse del contenido de las obras de Pushkin, se siente ofendido y lo envía exilado a Ekaterinoslav. Se inicia así para el poeta un triste peregrinaje sin término.

Después de un período transcurrido en el Cáucaso y en Crimea, parte para Kisínev en Besarabia.

Su producción no se interrumpe en este ir y venir sino que, por el contrario, necesita desahogar en la poesía su temperamento apasionado y escribe asi el poema Los Gitanos y numerosas otras obras líricas, algunas de las cuales probablemente fueron inspiradas en el amor que sintió por María Raevskaja.

Estando en Kisinev, Pushkin esbozó la novela Eugenio Oneguin, que compuso definitivamente en el año 1831.

En 1823 Pushkin recibe la orden de dirigirse a Odesa adonde debe presentarse al general Voroncov, quien le impone un duro régimen de vida y lo somete a trabajos humillantes.

No obstante la triste condición en que se encuentra, conserva aún el ánimo como para escribir; de su pluma salen entonces: la famosa poesía Al mar, los poemas Los hermanos soldados, que no terminó, y El prisionero del Cáucaso, que había iniciado con anterioridad, en el año 1821.

Acusado de ateísmo, a causa de expresiones vertidas en una carta que se le secuestró, el poeta fue condenado a permanecer en Mijailovskoe, en donde poseía una propiedad heredada de su padre.

Allí, rodeado de las bellezas que le brindaba la naturaleza del lugar e inundado su espíritu de paz, se dedicó a estudiar y meditar, completando su formación artística. En realidad fue éste un período feliz para Pushkin.

Nacieron así de su genio otras muchas poesías, entre las que se cuentan Tarde de invierno y Recuerdo el divino momento.

También de esta época es Boris Godunov, tragedia histórica inspirada en la proclamación del personaje como zar. Este famoso drama inspirará más tarde a un gran músico ruso, Mussorgski, quien compuso una ópera que tituló del mismo modo.

Pushkin, ya en el apogeo de su vida literaria, se desvincula definitivamente de la influencia de los clásicos franceses y del poeta inglés Byron, para adquirir un estilo personal propio e inconfundible, potente y conciso, vivaz y sobrio. Presenta sus personajes con verdadera maestría, bastándole pocas palabras para animarlos y referir sus caracteres psicológicos.

No ajeno a su madurez artística fue su profundo conocimiento de Shakespeare, quien le facilitó los elementos de realismo que caracterizaron la tragedia Boris Godunov y también Eugenio Oneguin.

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La tragedia histórica Boris Godunov es una de las mejores obras de Aleksandr Pushkin. Este drama narra la ascensión al trono imperial ruso de Godunov, el ministro que asesinó al joven zar Dimitri, Pero el remordimiento perseguirá siempre a Boris durante toda su vida inquieta y obsesionada por el delito cometido. Este drama sirvió de libreto a la ópera compuesta por Mussorgski.

En 1826, inmediatamente después de la muerte de Alejandro I, obtiene la gracia del nuevo zar Nicolás I y regresa a Moscú, donde en seguida toma contacto con el mundo literario y se interesa por los problemas del pueblo ruso.

Sus composiciones de aquellos años, La plebe, Poltava y El poeta, revelan un dejo de melancolía más profundo que el de sus primeras obras. El recuerdo de su triste exilio le atormenta, al punto de llevar por mucho tiempo una existencia de misántropo (huye del trato con personas)

En 1831 casa con Natalia Goncharova, de quien se había enamorado en 1829. Publica, seguidamente, algunos poemas: El caballero avaro, Mozart y Salieñ, El convidado de piedra y Cuentos de Belkin.

En el mismo año de su casamiento se traslada a San Petersburgo, donde recibe el encargo de escribir la biografía de Pedro el Grande, que le absorbe mucho tiempo.

De los apuntes compilados en los archivos de la gran ciudad, Pushkin reúne material para la Historia de la revuelta de Pugachev, escribiendo al mismo tiempo otra obra cumbre, en prosa, publicada en el año 1836: La hija del capitán, novela de amor ambientada en los sucesos históricos de la famosa revuelta de Pugachev, ocurrida en la época de Catalina la Grande.

Su argumento no es una simple invención del autor sino que los personajes que la componen vivieron y actuaron en el tiempo en que se desarrolla. No fue, tampoco, una novela psicológica: se trataba de una epopeya de la vida rusa.

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Enamorado de Natalia Goncharova, Pushkin la desposó en el año 1831; pero a causa de la vida lujosa y mundana que los dos jóvenes llevaban, sobre todo por voluntad de la mujer, Aleksandr no pudo sostener su hogar solamente con su actividad poética. En seguida obtuvo algunos encargos de la corte que le ayudaron a restablecer el presupuesto familiar. Durante su estada en San Petersburgo el matrimonio frecuentó la corte imperial.

Bien pronto la reputación de Pushkin disminuye, debido a varias causas: los celos y rivalidades suscitados en su contra por los favoritos del zar y las intrigas palaciegas que le rodeaban. No bastó para consolarlo la estima y amistad que le demostraron los más grandes escritores rusos de la época, tales como Zukovsky y Gogol.

A fin de defenderse de los ataques de que era objeto por parte de la prensa de Moscú, fundó un diario, «El Contemporáneo«, que tuvo una vasta resonancia debido a su posición de vanguardia.

La situación se agrava y se precipita a causa de los comentarios provocados por el comportamiento de su joven esposa.Habiendo recibido una ofensa de su cuñado Dantés, Pushkin, a fin de salvar su honor, lo desafía a duelo. En el lance es herido gravemente.

Después de dos días de agonía fallece, el 29 de enero de 1837, en la plenitud de su genio. Aleksandr Pushkin fue poeta en cada una de sus fibras. En él se unían y se integraban la pureza y la perfección. Poseía una particular justeza en la expresión, que lo hizo ser un verdadero maestro en la literatura universal.

Fuente Consultada:
LO SE TODO Tomo IV Editorial Larousse – Historia: Biografía de Alejandro Pushkin –
Enciclopedia Electrónica ENCARTA Microsoft

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Biografía de Twain Mark y su Obra Literaria

Samuel Langhorne Clemens (1835-1910), fue un escritor y humorista estadounidense, cuyo seudónimo era Mark Twain. Ha trascendido por unas obras en que la ironía y el humor se entremezclan con gracia y oportunidad. Aventuras de Tom Sawyer, Aventuras de Huckleberry Finn y Un yanqui en la corte del rey Arturo son sus principales obras. Nació en 1835 y falleció en  1915.

Sus mejores obras se caracterizan por un franco y a veces irreverente sentido del humor rayano en la sátira social, además de por un acentuado realismo en cuanto al lugar en que se desarrollan sus historias y al lenguaje utilizado por sus memorables personajes, y por un profundo odio a la hipocresía y la opresión.

Twain Mark

Twain obtuvo un gran éxito de librería con sus obras, sacando, además, grandes beneficios, pero los invirtió todos en una audaz empresa en la que también comprometió el fruto de sus futuros libros. Cuando tenía 58 años reemprendió sus viajes, por cuenta de los diarios, yendo a Australia, Asia y Europa.

Entre los grandes escritores americanos cuya prosa y estilo fueron personales y pertenecen a la literatura de todos los tiempos hay que citar a Mark Twain, cuyas obras son todavía, en gran parte, traducidas a todos los idiomas.

Mark Twain, cuyo verdadero nombre era Samuel Langhorne Clemens, había nacido el 30 de noviembre de 1835 en Florida, una aldea del Estado de Misurí. Algún tiempo después la familia se estableció en Hannibal, ciudad importante situada a orillas del Misisipí.

Samuel era un niño cuando muño su padre, perdida dolorosamente sufrida por toda la familia y en particular por el hijo, pues desde su más tierna infancia demostró dones muy definidos para el estudio sin que, desgraciadamente, la madre dispusiera de los medios suficientes para enviarlo a la escuela.

Ya en sus primeros años se interesó por la literatura   y   consagró   largas   horas   a   la   lectura   de novelas. Además, aunque permanecía aislado de las clases y de sus compañeros, adquirió, por sí mismo, cierta formación literaria.

Sin duda debemos a estos primeros sufrimientos y sacrificios la sensibilidad delicada del joven Samuel, condición que fue en aumento a través de las penosas experiencias que tuvo en su vida.

Después de haber trabajado como dependiente en una imprenta, Samuel, a quien le gustaban el mar y la vida de aventuras, se embarcó como piloto en uno de esos navios que aseguraban el servicio postal en las aguas del Misisipí.

Este género de vida apasionó al jovencito, hasta el punto de que más tarde, durante su plena actividad de escritor, se inspiró en aquellos lejanos recuerdos —las aguas claras y los valles verdes del gran río— para pintar los ambientes en los cuales se desarrollaban sus novelas.

En la Vida sobre el Misisipí, publicada en 1883, Hannibal, pequeña ciudad silenciosa y tranquila del borde del Misisipí, conocía un solo momento de animación: el de la llegada del barco cargado de pasajeros y de mercaderías.

En esta atmósfera creció Samuel Langhorne Clemens, que ahora conocemos bajo el seudónimo de Mark Twain.

Relata las peripecias de la navegación.

Al recordar algunos episodios de su juventud, el autor cuenta cómo, en un determinado momento, eligió el seudónimo de Mark Twain.

Fue en el curso de un viaje, mientras estaba en el timón, mirando siempre frente a él a un marino, provisto de una sonda, que le comunicaba, en forma intermitente, la profundidad exacta del agua, gritando Mark Twain, es decir, «faltan dos brazadas».

Este grito que tantas veces oyó repetir gustó mucho a nuestro piloto y cambió su nombre por el de Mark Twain.

Pero, de naturaleza inconstante, el futuro escritor dejó pronto la navegación. En 1859 abandonó el pilotaje para seguir a esos equipos de buscadores de oro que penetraban en el oeste en búsqueda de fortuna.

Fue expedicionario algunos años, y en 1867 reunió en un libro las aventuras más notables de los buscadores de oro, entre las que, posiblemente, El célebre sapo saltarín del condado de Calaveras sea la mejor y la que ha influido más en la rápida y segura fama del escritor.

Las primeras novelas de aventuras, en efecto, lo hicieron conocer en todas partes; un grupo de diarios le confió la misión de corresponsal en algunos países mediterráneos, tarea que aceptó con entusiasmo.

En esta nueva experiencia se inspiró para la realización de otra novela: Los ingenuos en el extranjero, que suscitó una cálida aceptación por parte de los lectores.

Mark Twain tenía auténtico sentido del humor y consecuentemente los episodios que relataba eran ágiles y divertidos.

Por otra parte, no falseaba nunca la realidad de las cosas y no permitía que los hombres empañasen sus acciones con imperdonable hipocresía, ni con el mínimo deseo de deformar los acontecimientos, por más insignificantes que fueran. Este rasgo fundamental que como hombre y como escritor tenía el novelista se nota en varias de sus obras.

En vista de los triunfos logrados en el año 1870 se casó con Olivia Langdon, y se estableció primero en Hartford, estado de Connectieut, y más tarde en Redding, pero debido a su fama viajó incansablemente dando conferencias y escribiendo con una actividad y constancia asombrosas.

Su popularidad, tanto en los Estados Unidos como en Inglaterra, fue increíble y sus entradas llegaron a ser tan abundantes que no sólo le permitieron cubrir las pérdidas ocasionadas por sus malas inversiones comerciales, sino que aún tuvo suficiente para vivir con holgura en los últimos años de su vida.

El autor logró un triunfo superior y más inmediato todavía con sus novelas para niños, algunos de cuyos episodios son autobiográficos.

Los personajes de sus cuentos son chicos descriptos con marcada agudeza psicológica y en forma muy colorida y amena.

Las aventuras de Tom Sawyer, aparecida en 1876, y Las aventuras de Huckleberry Finn, editada en 1885, se desarrollan en una atmósfera exclusivamente infantil. La vida de esos dos protagonistas transcurre en lugares muy queridos por el autor en las regiones verdes y prósperas bañadas por las aguas del Misisipí.

En esos relatos Mark Twain revive las horas felices e ingenuas de su infancia y resucita los acontecimientos que más le impresionaron y agradaron en su niñez.

En Las aventuras de Huckleberry Finn cuenta con estilo fantástico el viaje realizado por un niño, Huck Finn, quien, acompañado por un negro muy simpático, Jim, parte desde las orillas del Illinois y llega hasta Nueva Orleáns.

El negro acompañante había logrado escapar de los malos tratos de su dueño, y luego, con Huck, vive maravillosas aventuras, muchas de ellas a bordo de una pequeña embarcación.

En Las aventuras de Tom Sawyer relata las experiencias verdaderas que todo niño ha realizado. La naturaleza impulsiva y el temperamento generoso de este niño presentan ciertas similitudes, y, por otra parte, la confesión del autor lo confirma, con el espíritu aventurero del novelista.

En la creación del personaje Tom Sawyer el autor reunió, por así decirlo, los diferentes caracteres infantiles que había estudiado, logrando un solo tipo muy original.

La vida de Tom transcurre en el ambiente familiar, en la escuela y con los amigos.

A pesar de que el libro comienza con un episodio

completamente infantil, los acontecimientos relatados más adelante exaltan la naturaleza de un niño simple pero heroico.

Tom y su primer amigo, Huck, van una noche al cementerio para enterrar dignamente a su gatito muerto. Escondidos entre las tumbas se ven obligados a presenciar un crimen.

Al día siguiente se acusa del hecho a un pobre borracho, Muff Potter; la intervención de Tom permite salvar al inocente de una condena infamante.

Tom Sawyer en el extranjero, relato que es muy imaginativo y se asemeja mucho a un cuento de hadas, narra las aventuras ocurridas en el viaje en aeróstato emprendido por el protagonista, su inseparable Huck, el esclavo negro Jim y el sabio constructor del aparato, un loco, que se precipitó al océano dejando librados a los otros tres ocupantes a su suerte e inexperiencia.

Los diálogos entre Tom y sus dos compañeros son muy divertidos, pero bajo esa alegre apariencia se descubren la seriedad y la tristeza que son base de la magnífica sátira humorística de Mark Twain.

En efecto, Tom había visto que el asesino era un hindú, y decide revelar toda la verdad.

El criminal huye por el bosque para evitar el castigo, y cuando Tom, mientras lo busca, se pierde en las cercanías de una gruta, intenta vengarse cruelmente de él, pero Tom logra escapar, y el libro termina con la muerte del hindú y la victoria del niño.

El autor publicó a continuación de este libro otros relatos que aparecieron en 1878.

Los personajes principales siguen siendo Tom y Huck: se trata de Tom Sawyer policía y Tom Sawyer en el extranjero, que es muy imaginativo y se asemeja mucho a un cuento de hadas.

Completamente distinto es El príncipe y el mendigo, cuya fama se extendió tanto, que se lo tradujo a casi todos los idiomas. Los acontecimientos se desarrollan en los ambientes más diversos y opuestos del Londres del siglo XIX.

En 1885 Mark Twain publica otra novela, Las aventuras de Huckleberry Finn, en la que se cuentan los viajes de Huck Finn y del esclavo negro Jim a través de la América de los buscadores de oro. Gran parte de la epopeya de esos niños se desarrolla en el Misisipí, a bordo de un bote y de una balsa.

Está descripta la profunda miseria de los bajos fondos de la ciudad, que contrasta con la riqueza y el lujo de las clases acomodadas. Tom es uno de esos niños que viven en los barrios pobres de la ciudad.

Un día, paseando, se aleja de su casa y se halla en la otra parte de Londres, bajo las verjas del espléndido palacio real.

Inconscientemente comienza a recorrer el hermoso parque, y allí se encuentra con un niño muy semejante a él, de la misma edad y parecido que sólo se distinguen por la ropa.

Tom viste pobremente y el otro con suntuosidad, de terciopelo bordado con oro. El niño así vestido es el príncipe heredero, quien ha logrado esquivar la vigilancia de los guardias y comienza a jugar alegremente con Tom.

Durante el juego el pequeño noble decide cambiar de ropa con Tom, y le entrega sus espléndidos atavíos. Pero surge un criado en su busca, y a pesar de las explicaciones de ambos niños echa al príncipe del palacio y lleva en su lugar a Tom, que comienza así una vida llena de imprevistos muy felices.

Sin embargo, pronto comienza a sentir nostalgias de su verdadero hogar y de los juegos con sus amiguitos, y mediante gran paciencia logra convencer a la gente de palacio de su identidad.

Rápidamente se dispone la búsqueda del príncipe, y al cabo de un tiempo los dos niños se encuentran y vuelven nuevamente a su existencia anterior, pero con experiencias que les serán necesarias para comprender y resolver problemas sociales.

Mark Twain se había planteado también esas cuestiones; su vida nunca fue fácil ni feliz, ya que siempre se había encontrado frente a problemas económicos.

Buscando cierta vez solución a esa existencia precaria, emprendió un largo viaje por todos los continentes; esto le permitió conocer ambientes y gente muy distintos y de costumbres dispares.

Viajaba como hombre de letras y daba conferencias y charlas literarias. A su regreso juntó las impresiones que había acumulado en su libro A lo largo del Ecuador, que apareció en 1897. Con la venta de éste logró juntar el dinero suficiente para pagar a sus acreedores.

Sus obras gustaron siempre, pues el tono de sus relatos es humorístico y cordial. Pero el optimismo de Mark Twain resulta ser refugio y distracción para las amarguras de la vida.

Indudablemente tal contraste entre vida real y sueño engendró en él un conflicto espiritual que dio   origen a  su humor.

De ahí el extraordinario desarrollo de su fina ironía, que le llevaba incluso a descubrir el ridículo en los mínimos aspectos de la existencia.

La última de sus obras fue una autobiografía, que apareció en 1924, a los catorce años de su muerte, ocurrida en Redding, Connecticut, el 21 de abril de 1910.

Gracias a sus obras, reportajes y conferencias sobre viajes, Twain logró pagar a sus acreedores y volver a América. Tero, cansado, enfermo y literalmente deshecho por las penas, sólo deseó pasar los años que le quedaban de vida en un lugar tranquilo, donde se había hecho construir una casa. Eligió Connecticut, y allí permaneció, salvo breves excursiones a las Bermudas, hasta su muerte, ocurrida el 21 de abril de 1910.

Su personalidad literaria es muy discutida y se lo juzga de diferentes maneras; en efecto, para algunos es un narrador eficaz de aventuras para niños; para otros, en cambio, esconde bajo esa forma literaria un pensamiento filosófico y moral perceptible en todas sus obras.

A pesar de que los juicios no concuerden, es sin embargo evidente que, narrador o filósofo, Mark Twain fue, ante todo, un humorista fino y capaz de argumentar sutilmente.

El libro titulado Relatos americanos es una verdadera obra de arte del humor. Comprende Las costumbres periodísticas del Tennessee y Cómo cesé de ser secretario.

Alrededor de 1873 Mark Twain montó una de sus comedias, La edad de oro, que fue favorablemente acogida por el público.

Además de los viajes recordados, Mark Twain fue encargado de transcribir en 1873 los detalles del viaje del sha de Persia por Londres y París.

La vida de Mark Twain es rica en anécdotas, entre las que merece citarse la siguiente: estando en Viena en la época de los tumultos provocados por los alemanes, llegó a Nueva York la noticia de su muerte.

Mark Twain, al enterarse, decidió mandar sin tardanza un telegrama, redactado en estos términos: «Noticia de mi muerte muy exagerada. Mark Twain.»

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El príncipe y el mendigo cuenta la vida de dos niños de la misma edad, uno príncipe heredero y el otro de familia muy pobre. El azar quiere que los dos se encuentren y se hagan amigos.

Mientras juegan deciden cambiar de traje. Uno de los servidores del palacio, engañado por el extraordinario parecido físico de los dos niños, y por las ropas, hace entrar en el castillo’ al mendigo, mientras echa al verdadero príncipe.

De este modo comienza una nueva vida para ambos. Pero el niño pobre empieza a sentir tristeza por la ausencia de sus padres y la falta de libertad, y logra convencer a los cortesanos de cuál fue la situación equívoca que indujo al sirviente a caer en el error.

Al final de la obra todo se arregla: el verdadero príncipe vuelve a su lugar, mientras su amigo, que durante ese tiempo había podido hacerse apreciar por su clara inteligencia, encuentra en la corte un puesto destacado.

Fuente Consultada:
LO SE TODO Tomo IV Editorial Larousse – Historia: Federico II de Prusia –
Enciclopedia Electrónica ENCARTA Microsoft

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Biografía Madame de Sevigne;Escritora Francesa y Marquesa

Biografía Madame de Sevigne;Escritora Francesa y Marquesae

María de Rabutin-Chantal nació en París el 5 de febrero de 1626 y murió de viruela en Grignan el 17 de abril de 1696. Fue la intérprete brillante y fiel del espíritu de Francia del siglo XVII.

Ha pasado a la posteridad gracias a las 1.500 Cartas que escribió.

Sevigne Madame Francia

Los primeros salones literarios tuvieron lugar en París y en ellos se reunían regularmente personalidades de la aristocracia, de la política, de las letras y de las artes para charlar sobre temas literarios, morales, mundanos o filosóficos.

A partir de 1613, la marquesa de Rambouillet, aristócrata refinada y culta, se alejó de la corte de Enrique IV porque la consideraba vulgar y comenzó a recibir en su casa a las mentes más exquisitas de su tiempo, entre ellos siendo muy joven la marquesa de Sévigné, asistía frecuentemente.

La vida mundana de París y de la corte de Luis XIV, en el siglo XVII, implicaba para la sociedad de la época una existencia brillante pero frivola.

De esta sociedad Madame de Sevigné, nos ha transmitido la imagen viva y fiel a través de su correspondencia. Ella misma representa el tipo perfecto de dama de la alta aristocracia.

Como escritora pertenece, además, al mejor período del clasicismo francés.

Nació el 5 de febrero de 1626 y su verdadero nombre fue María de Rabutin-Chantal. Cuando tenía cerca de 1 año de edad perdió a su padre, y no había llegado todavía a los 7 cuando su madre también falleció.

Fue entonces confiada a un tío materno, el abate Livry, que la educó con esmero.

Encargó éste su instrucción a profesores de renombre que cultivaron la clara inteligencia de la joven, dándole sólida cultura. Aprendió el español, el italiano y el latín.

Presentada a la corte de la reina madre Ana de Austria, casó muy joven, en 1644, con el marqués de Sevigné; éste, siete años más tarde, murió en un duelo, dejándole dos hijos: Francisca Margarita y Carlos.

La joven viuda abandonó entonces la vida mundana y se retiró a sus dominios, consagrándose exclusivamente a sus deberes maternos y a la administración de su hacienda con competencia y habilidad.

A los 29 años retornó a París y reapareció en la corte, donde brilló en el seno de la sociedad culta, gracias  a su inteligencia y a la distinción de sus modales y conversación.

Aun cuando amaba a sus dos hijos, Madame de Sevigné tuvo, sin embargo, una marcada predilección por su hija, a la que profesaba un cariño que puede parecemos desmedido.

Francisca Margarita casó en 1669 con el conde de Grignan, acompañándolo algunos años más tarde a Provenza, donde fuera nombrado teniente general.

La marquesa sintió una inmensa pena a raíz del alejamiento de su adorada hija y fue entonces cuando inició una correspondencia muy frecuente, que habría de durar 25 años, sin más interrupciones que las ocasionadas por los reencuentros.

A partir de esa fecha, en efecto, la marquesa viajó siempre, realizando estadas en sus diferentes propiedades, a las que administraba personalmente, y efectuando visitas a su hijo, en Bretaña, y a su hija, en Provenza.

Fue en Grignan en donde Madame de Sevigné murió de viruela el 17 de abril de 1696.

En 1669 su hija casó con el conde de Grignan, acompañándolo a Provenza. Madame de Sevigné inició entonces una correspondencia frecuente que no se interrumpió más que en los momentos en que madre e hija reencontrábanse. La marquesa viajaba frecuentemente, a fin de visitar a su hija, en Provenza, y a su hijo, en Bretaña, y recorrer sus diferentes propiedades, las que administraba personalmente con competencia y habilidad.

Todos los personajes más conocidos del siglo XVII, políticos, escritores, sabios y damas de la aristocracia, nos han dejado cartas, pero sólo la marquesa de Sevigné ha pasado a la posteridad en razón de su correspondencia, sin que aquellas pocas figuras renombradas en este género literario, puedan rivalizar con ella.

Nos han llegado 1.500 cartas, las cuales fueron publicadas en numerosas ocasiones y a través de distintas ediciones.

Estas cartas de Madame de Sevigné reflejan admirablemente la vida y la sociedad de su época. La marquesa conoció el ambiente de la corte, pleno de faustos y esplendores, pero también penetrado de infamias.

Así, a través del relato de los hechos históricos o mundanos, vieron la luz los secretos mezquinos o escandalosos, las rivalidades y los odios de la alta sociedad de ese tiempo.

La marquesa trataba familiarmente a los personajes más conocidos de Francia, y es por ello que sus cartas refieren, con espíritu de observación  psicológica profundidad, todo lo que concierne a estas figuras y a los acontecimientos de aquel mundo aristocrático.

En una época en que la conversación brillante constituía uno de los pasatiempos más apreciados de la vida mundana, ella escribe en la misma forma que habla.

Así, en las cartas a su hija, que constituyen la mayor parte de su correspondencia, y en otras dirigidas a los amigos que vivían lejos de París, relata con soltura todo lo que puede interesar vivamente a sus destinatarios, o lo que puede permitirles estar al tanto de los acontecimientos.

La sólida cultura de Madame de Sevigné se revela en los juicios y citas que aparecen en sus cartas, expresados siempre sin evidenciar pedantería; guarda en todo momento un tono espiritual y alegre. Las Cartas constituyen un testimonio histórico y sincero de su época.

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En una de sus cartas más espirituales, Madame de Sevigné relata la muerte de Vatel, mayordomo del castillo de Conde.

Para celebrar la llegada al castillo de Luis XIV y su séquito se preparó un banquete suntuoso, pero los invitados fueron más numerosos de lo previsto. Todos hicieron honor a las viandas, pero el asado no fue suficiente.

Al día siguiente ocurrió lo mismo con el pescado. Vatel creyóse culpable de todas estas vicisitudes, y se suicidó.

Los hechos y los personajes, ya sean presentados bajo un aspecto favorable o desfavorable, son tratados siempre con una indulgencia sonriente, puesto que la marquesa, aun cuando evita la crítica mal intencionada, dista de ser una ingenua.

La crónica mundana, plena de vivacidad, alterna siempre con simples reseñas que tienen por tema la vida familiar o la vida campestre, junto con brillantes observaciones sobre la naturaleza.

En otras cartas se puede apreciar mayor profundidad, una real nobleza de espíritu y su sentido religioso de la vida.

Estas cartas son una especie de retrato de la misma marquesa: espiritual y alegre, culta y segura de sus juicios, que mantiene aun cuando sus amigos caigan en desgracia frente al rey.

Son bien conocidas las cartas en las que refiere detalladamente el proceso  del ministro Fouquet, acusado y; encarcelado por malversar bienes del Estado.

Estos relatos fieles y precisos valieron a Madame de Sevigné la denominación de bella antecesora de los cronistas modernos».

La ilustre escritora no fue, evidentemente, una mujer tierna ni sentimental, y se la ha reprochado asimismo su falta de piedad, porque con la indiferencia propia de su tiempo y ambiente describe, con un desapego que llega al cinismo, las aventuras y sufrimientos de las otras clases.

Se le criticó también haber escrito con demasiado preciosismo, es decir, haber complicado su prosa, buscando efectos.

Ella controló su estilo, sin lugar a dudas, pero algunos recursos, aun cuando fueron artificiales, no pierden por ello su aparente espontaneidad en el seno del relato.

Todavía en nuestros días, después de transcurrir dos tres siglos, la voz de esta mujer simpática y espiritual parece querer surgir de las páginas de sus cartas con toda alegría y vivacidad, haciendo revivir personajes y acontecimientos que el tiempo, sin ella, habría indudablemente borrado para siempre.

Fuente Consultada:
LO SE TODO Tomo IV Editorial Larousse – Biografía de Madame de Sevigne

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Biografía de Victor Hugo:Resumen de su Vida y Obra Literaria

Biografía de Víctor Hugo
Obra Literaria del Romanticismo Francés

Victor Marie Hugo (1802-1885), poeta, novelista, dramaturgo y crítico francés cuyas obras constituyeron un gran impulso, quizá el mayor dado por una obra singular, al romanticismo en aquel país.

La revelación de Hugo como poeta romántico data de 1929, con la aparición del volumen de poesía Orientales.

Con Hojas de otoño (1831), Los cantos del crepúsculo (1835), Voces interiores (1837) y Los rayos y las sombras (1840) se confirma en su tono intimista y meditativo.

Victor Hugo Poeta

OBRAS IMPORTANTES DE VÍCTOR HUGO

Marión Delorme (drama).
Hernani (drama).
El Jorobado de Nuestra Señora de París,
El Rey se divierte (drama).

Napoleón el Pequeño,
Los miserables.
Los trabajadores del mar.
El hombre que ríe.
El noventa y tres.
La leyenda de los siglos.
La historia De un crimen.
La piedad suprema.
Varios volúmenes de poesía dramática y lírica.

• BIOGRAFIA

El gran poeta nació en Besanzón el 26 de febrero de 1802; su padre, general del Imperio, lo llevó, siendo muy niño todavía, a Italia y España.

Los ojos del pequeño se maravillaron con los espléndidos paisajes y los incomparables monumentos de lá Europa mediterránea. Sus primeras poesías, que aparecieron más tarde bajo el título de Odas y baladas, le valieron el calificativo de «niño sublime».

Por la importancia de su obra, por su diversidad y por los hechos que llenan su vida, Víctor Hugo es el autor que domina el siglo XIX en Francia.

Su padre, Léopold Hugo, era comandante del ejército revolucionario que se hacía llamar Bruto, estaba participando en la pacificación de la Vendée, sublevada por los legitimistas monárquicos, cuando conoció a Sophie Thébuchet, graciosa y piadosa muchacha educada en las tradiciones, con quien se casó en 1797.

Tuvieron primero dos hijos, Abel y Eugéne, que tenían respectivamente cuatro y dos años cuando, en 1802, Sophie esperaba otro bebé, soñando con que fuese niña ya que el nombre ya estaba elegido: se llamaría Victorine.

Pero el 26 de febrero de 1802, en Besanoon, nació un varón, Víctor.

El comandante Hugo tiene que reunirse con su unidad en Córcega.

Mientras tanto, Sophie ha conocido en París al padrino de Victor, el general-marqués de Lahorie, antibonapartista declarado, que se comprometerá en la conspiración de Malet y será fusilado en 1812.

Estas relaciones —de las que no se sabe gran cosa— acabaron de separar un matrimonio tan dispar como el de los padres de Victor, quien a partir de ahora vivirá exclusivamente con su madre.

La familia se instala en París y vive casi en la miseria; mientras tanto, la fortuna de las armas distingue a Léopold, quien consigue el grado de general y obtiene el gobierno de la provincia italiana de Avellino.

Su esposa se reúne con él en Italia, pero no tardan en separarse de nuevo, y en 1814 sus padres inician una acción judicial a fin de separarse.

De vuelta a la capital, alquila una casa en el número 12 del callejón de las Feuillantines, lo que la Revolución dejó en pie de un antiguo convento. Mansión tranquila, con jardín, oasis misterioso donde los niños juegan despreocupados y felices.

La muerte repentina de su madre le obliga a instalarse solo en una buhardilla del Barrio Latino: llevará allí la vida que atribuirá al Marius de Los miserables años más tarde.

En 1822 publica su primer libro de poemas, Odas, en el que se muestra fiel servidor del trono y del altar; obra sin gran sinceridad, pero con alardes de virtuosismo:

Luis XVIII le recompensa con una pensión de mil francos que luego será doblada; ya se puede casar con Adéle. Eugéne, que también estaba enamorado de ella, se vuelve loco el día de la boda. Fueron sus testigos dos poetas: Alfred de Vigny y Soumet.

En 1823 hizo su primera incursión en el campo de la novela con Han de Islandia, y en 1826 publicó Bug Fargal; esta última es la historia de un esclavo negro que se sacrifica por salvar a la joven blanca, a quien ama.

Su actividad de escritor duró sesenta años, es decir, hasta su muerte, ocurrida el 22 de mayo de 1885, y durante todos esos años trabajó sin tregua.

La producción de. Víctor Hugo es variadísima: compuso, en efecto, poemas, obras de teatro, novelas, escritos políticos y manifiestos literarios.

Le tocó presenciar la gloria de Napoleón y su decadencia, el fin del régimen monárquico, el nacimiento de la Segunda República, el reinado de Napoleón III y la Tercera República.

Víctor Hugo aspiraba a ser el «pensamiento del siglo», pensamiento este agitado por incesantes problemas.

Así, cantó victorias, lloró derrotas y conoció el exilio. Encontramos en sus propias declaraciones la característica de su obra: «Todo lo que está en la naturaleza, está en el arte; el drama resulta de la combinación de lo sublime y de lo grotesco; el drama es la expresión de la época moderna.»

victor hugo poeta

Poco a poco fue prendiendo en su espíritu la ideología liberal, suscitada en parte por los recuerdos de la epopeya napoleónica que había vivido en su niñez.

Al mismo tiempo, se declaró francamente romántico, en un momento en que tanto Chateaubriand como Lamartine se habían consagrado a la vida política y en que la nueva corriente necesitaba un jefe que le llevara a la victoria.

Hugo fue la figura sobresaliente del «(Cenáculo», tertulia de los salones de Nodier, desde que en la introducción a su drama Cromwell (1827) expuso el programa de acción de los románticos.

Poco después, en 1830, triunfaba ruidosamente con Hernani, a pesar de la violenta oposición de los clasicistas, y con él se imponía el romanticismo en Francia. El año anterior, Las Orientales habían revelado en Hugo a uno de los grandes poetas líricos del siglo.

Fue nombrado miembro de la Academia Francesa en 1841, donde se lo acogió con entusiasmo delirante; de la misma manera fue aclamada en 1848 su entrada a la Asamblea Constituyente.

El golpe de Estado que colocó a Napoleón III en el trono ele Francia provocó la indignación del poeta, que se constituyó en el enemigo implacable de ese hombre al que consideraba un usurpador.

El pueblo entero se conmovió al enterarse que Víctor Hugo había sido proscripto por gritar su rebeldía.

Se estableció primero en Bélgica y luego en La pequeña isla de Jersey, donde publicó en 1852 Napoleón el Chico.

De regreso a París, el 4 de septiembre de 1870, dos días después del desastre de Sedán, fue elegido representante en la Asamblea Constituyente con asiento en Bordeaux.

Seis años más tarde fue nombrado senador a perpetuidad; sin embargo, el viejo titán habría de abandonar su vida política y refugiarse en la soledad, aunque, al igual que el astro al final de su trayectoria, continuaría aún irradiando su magnífico fulgor.

Escribe nuevos poemas y se consagra especialmente a El arte de ser abuelo (1877), donde traduce de manera exquisita el amor que le inspiran sus nietos.

Concluye su drama Torquemada, que no pudo ser representado y cuya composición, iniciada cuarenta años antes, había abandonado ante el desaliento que le produjera el fracaso de su obra Los burgraves.

Cuando se difundió la noticia de que su fin estaba próximo, la angustia sacudió el corazón del pueblo entero, tanto amaba al anciano cuva alma estaba «en el centro de todo, como un eco sonoro».

Contra el deseo del poeta de que su entierro fuera modesto, las exequias que se realizaron en su homenaje alcanzaron gran magnificencia.

El féretro que encerraba su cuerpo fue expuesto una noche entera bajo el Arco de Triunfo y doce poetas lo velaron.

Víctor Hugo fue grande en todos los géneros literarios. Entre sus libros de poemas citaremos: Las orientales (1829), Las hojas de otoño. Los cantos del crepúsculo (1833), Laces y sombras (1840), Las contemplaciones (1856), la monumental Leyenda délos siglos, cuya primera serie apareció en 1859, La canción de las calles y de los bosques (1865), Los cuatro vientos del espíritu (1881). Pero sus novelas fueron recibidas con mayor entusiasmo por sus contemporáneos. Las principales son: Nuestra Señora de París (1831), Los miserables (1862), Los trabajadores del mar (1866), El hombre que ríe (1869), Noventa y tres (1872).

Para el teatro escribió Hernani, cuya primera representación significo una terrible batalla entre los antiguos y los modernos: los partidarios del teatro clásico y los románticos, El rey se divierte, Lucrecia, Borgia, Ruy Blas. Su primera obra dramática, Cromwell, fue representada recién en 1856. Víctor Hugo la publicó con el agregado de un prefacio en el que resume todas sus doctrinas literarias.

En toda la obra de Víctor Hugo se pone de manifiesto su amor por los oprimidos, los débiles, su indignación frente a las injusticias sociales; su tema favorito es la lucha de la humanidad contra la tiranía, que representa para el poeta el peor de los males.

La naturaleza fue también fuente de inspiración; la grandiosidad del mar se ve reflejada en Los trabajadores del mar, obra escrita en Jersey, durante el exilio; es la historia de un pescador que enfrenta los mas graves peligros para poner en lugar seguro las máquinas de un navio encallado entre las rocas; lo mueve a ello el amor que siente por la sobrina del propietario de este navio. Pero, cuando luego de terribles aventuras, logra su propósito, se entera de que la joven ama a otro hombre; presa de la desesperación se abandona a la furia de las olas.

La crítica no siempre ha sido benévola con Víctor Hugo; algunos le reprochan su aplastante sonoridad; otros, sin embargo, consideran que la obra del gran escritor contiene páginas de las que puede enorgullecerse no solamente la literatura francesa, sino la humanidad pensante.

Este juicio es aplicable sobre todo a la mayoría de los capítulos que componen su novela más importante, Los miserables, en la que Víctor Hugo ha logrado combinar armoniosamente sus dotes de poeta, novelista e historiador.

El personaje central de esta obra es Jean Valjean, quien por haber cometido un delito insignificante se ve condenado a trabajos forzados. Jean Valjean consigue evadirse de la prisión y encuentra asilo en la casa de un obispo, Monseñor Miriel, hombre este que vive y obra según los principios evangélicos.

La acogida que el santo prelado le dispensa, las dulces palabras que le prodiga y, más aún, las que dirige a los soldados cuando éstos llevan ante su presencia a Jean Valjean, que le había robado dos candelabros de plata, abren un camino de luz en el corazón del condenado.

Éste cambia radicalmente y orienta su espíritu hacia el bien. Escondiéndose bajo  el  seudónimo  de  señor   Magdalena abre una fábrica; es elegido luego alcalde de una pequeña ciudad y gana poco a poco la estima general.

Pero un día, la policía detiene a un pobre idiota y lo arrastra ante los jueces, diciendo que ese desdichado es Jean Valjean.

Es entonces cuando el supuesto señor Magdalena, para evitar que se condene a un inocente, decide confesar su verdadera identidad. Lo encierran nuevamente en la prisión y otra vez logra fugarse.

Cambia en esta ocasión su disfraz y recoge a una niñita, para quien llegará a ser ur verdadero padre.

El policía Javert no cesa de se guir sus huellas. Un capricho del destino quiere que Jean Valjean salve la vida de su perseguidor;  sin embargo, el condenado cree que esta actitud no impedirá al policía, verdadero monstruo de conciencia profesional, cumplir su cometido.

Se equivoca; antes que perder a quien lo ha salvado, Javert se arroja al Sena.

Éste no es sino un resumen muy incompleto de una historia que en realidad reúne varias otras.

Al lado de Jean Valjean está Mario, en quien muchos han creído reconocer al autor; otro personaje importante es Gavroche, que simboliza el coraje y el espíritu del chiquillo pobre de París.

En esta obra monumental hay magníficas páginas de historia: Waterloo, las agitadas jornadas del mes de junio de 1832; hay descripciones sorprendentes, como, por ejemplo, la de las alcantarillas de París.

Víctor Hugo fue considerado como el jefe de la escuela romántica y muchos han sido los poetas que recibieron su influencia. Su espíritu inquieto encontraba fácilmente la inspiración, pues todo parecía interesarle.

Se le ha reprochado a menudo el haber prestado a los personajes de sus novelas y de sus dramas una excesiva grandilocuencia, pero lo sublime formaba parte de su naturaleza, y el gigante no podía llevar vestimentas de enano.

Pasajes de sus Obras Literarias:

victor hugo obras literarias

Gwynplaine, el noble raptado por ios gitanos, ha debido soportar de manos de éstos extrañas y horrorosas torturas que han transformado por completo la expresión de su rostro. En la Cámara de los Lores, de la cual es miembro, toma la palabra, y los lores estallan en carcajadas sin poder escucharlo. Este personaje es uno de los más trágicos de la obra de Víctor Hugo.

Una joven gitana, Esmeralda, gana su vida bailando y prediciendo el porvenir. Claudio Frollo, archidiácono de la Catedral, que se consagra a la alquimia, y Quasimodo, un enano deforme, la aman; pero Esmeralda sólo piensa en Feho, el hermoso capitán que la ha salvado de caer en manos del abominable sacerdote. Este la hace acusar de asesinato, y la gitana es condenada a muerte.

Quasimodo la oculta en la iglesia; pero Claudio Frollo la encuentra y decide entregarla a una hechicera, quien reconoce en Esmeralda a su propia hija. Su fin está próximo: los guardias la han apresado. Desde lo alto de la Catedral, Claudio Frollo se apresta a presenciar el suplicio, pero surge Quasimodo y lo lanza al vacío.

Dos años más tarde se encontrará, en el cementerio de San Lorenzo, el esqueleto del desdichado Quasimodo estrechamente abrazado al de Esmeralda; cuando pretendieron separarlo, quedó convertido en polvo. Este libro resulta pintoresco por las pinturas de la multitud, el lenguaie de los pordioseros y las descripciones del París de antaño. El tema principal es Nuestra Señora de París.

El rey se divierte

El rey se divierte: Los cortesanos de Francisco I sospechan que Triboulet, el bufón, oculta una aventura amorosa, y para desenmascararlo preparan un plan de minuciosa crueldad: lo hacen cómplice del rapio de la joven de quien lo creen enamorado, y que és en realidad su hija Blanca.

Triboulet decide vengarse y va en busca de un espadachín para que éste dé muerte a un hombre cuyo verdadero nombre calla. Éste hombre es el rey. Pero Blanca salvará al soberano, vistiendo ropas masculinas y dejándose matar en, su lugar.

Hernani: La acción se desarrolla en España. Doña Sol ama a Hernani, el apuesto desterrado; pero su tío, Don Ruy Gómez aspira a casarse con ella. Por otra parte, el rey Don Carlos está también enamorado de la joven, y la hará raptar. La vida de Hernani está en las manos del anciano, quien decide acordarle una tregua si el joven le ayuda a salvar a su sobrina.

Hernani promete, a su vez, que en el mismo momento en que llegue a sus oídos el sonido del cuerno que Don Ruy Gómez habrá de tocar, él se dará muerte. Don Carlos, llegado a emperador, se muestra magnánimo: indulta al proscripto y le permite casarse con Doña Sol.

Pero la noche de las bodas suena el cuerno de Don Ruy Gómez. Hernani cumplirá su promesa, Doña Sol sigue los pasos de su amado y el anciano acabará también por quitarse la vida.

Esta obra al año siguiente de su estreno obtuvo 45 representaciones y luego fue una obra de repertorio en todos los teatros de Europa, por la riqueza de la forma, la brillantez del estilo y la abundancia de las imágenes verdaderamante poéticas.

Cromwell: El héroe de la revolución inglesa, que ha alcanzado la cumbre del poder, ansia ceñir la corona real. El Parlamento y la ciudad de Londres están dispuestos a ofrecérsela, con lo cual verá colmados sus más caros deseos.

Pero, hábilmente disfrazado de centinela, llega a saber que los monárquicos y los republicanos traman un complot contra el futuro rey. Dando pruebas de gran tacto, en el momento de la ceremonia rechaza la corona, y este gesto llena de admiración a sus mismos enemigos.

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• ALGO MAS…

Entre 1830 y 1841, fecha en que fué elegido miembro de la Academia francesa, Hugo produjo gran parte de su obra literaria, no sólo destinada a la aristocracia que asistía a las representaciones teatrales (Lucrecia Borgia, María Tudor), o bien podía saborear un buen libro de poesías (Hojas de otoño, Las voces interiores), sino también al gran público (Nuestra Señora de París).

El fracaso de Los Burgraves (1843), drama que no fué comprendido por el público, y ciertas desgracias familiares, le lanzaron al campo de la política (en 1845 fué nombrado par de Francia).

Como político, Hugo no tenía habilidad ni aptitudes. Al menos fuE consecuente con sus ideas, cada vez más democráticas. Miembro de la Asamblea Nacional en 1848, fué proscrito por Napoleón III después del golpe de estado de 2 de diciembre de 1851.

Hugo vivió desterrado hasta 1870. Residió algunos meses en Bruselas. Luego pasó a Jersey y más tarde (1855) a Güernesey. Aquí realizó una nueva etapa de fecunda actividad literaria, que culmina en Los Miserables (1862), novela de una época, de una raza y de un estilo.

De regreso a Francia después del hundimiento del Segundo Imperio, fuE elegido miembro de la Asamblea Nacional (1871) y senador (1876). Pero esta vez no intervino en política.

Reputado como vate de la Tercera República, sus facultades creadoras, declinantes con la edad, se manifestaron todavía frescas en varias obras poéticas (Cuatro vientos del Espíritu, 1881).

FuE objeto de varias celebraciones oficiales y públicas, en particular al cumplirse los cincuenta años de la «batalla de Hernani». En París, el 22 de mayo de 1885, la muerte le arrebató a Francia, pero no a la Historia..

Fuente Consulatada
Historia Universal de la Civilización  Editorial Ramón Sopena Tomo II del Renacimiento a la Era Atómica
LO SE TODO Tomo I Editorial CODEX Biografía de Víctor Hugo

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Biografia de Baruch Spinoza, Resumen: Vida y Filosofía

Biografía y Filosofía de de Baruch Spinoza

Los contemporáneos consideraron con odio y aversión la doctrina panteísta de Baruch Spinoza.

Después de un período de silencio, el idealismo alemán revalorizó la obra de este pensador de fines del siglo XVIII.

Desde entonces, combatido o defendido, Spinoza ocupa un lugar de primera fila entre los filósofos de la Edad Moderna.

Se ha dicho, y con mucha razón, que no se puede ignorarlo, porque su solo pensamiento representa un perfil del pensamiento humano; perfil unilateral a ultranza, desde luego, pero expresión máxima de una orientación filosófica.

Spinoza, en efecto, encarna el ápice de la filosofía racionalista del siglo XVII, apoyándose en la plataforma de Descartes y llevando a las consecuencias últimas las deducciones naturalmecanicistas que este pensador había creado.

En su Etica, construye un sistema filosófico de modo rigurosamente matemático, con sus definiciones, axiomas, corolarios y escolios (método geométrico).

Esta concepción matematicista se halla, asimismo, en el fondo de su pensamiento.

El punto de arranque de su sistema metafísico descansa en la «substancia», causa inmanente de todas las cosas, Dios o Naturaleza, que posee infinitos atributos, de los cuales sólo se pueden conocer dos: el pensamiento y la extensión, lo anímico y lo corpóreo.

Entre uno y otro no existe intercambio, sino paralelismo, y en esta premisa, que resuelve el dualismo cartesiano, se basa el panteísmo de Spinoza.

En su estructura mental geometrizante, éste excluye de su moral toda mística, toda entrega a un Dios que, para él, sólo es pensamiento puro.

Baruch de Spinoza

• ►Sobre Su Vida…

Nació en Amsterdam el 24 de noviembre de 1632. Sus padres eran judíos emigrados de España (su apellido Spinoza deriva del original español de su familia, Espinosa) a Portugal y, más tarde, a las Provincias Unidas.

Recibió una formación basada en el estudio de las fuentes clásicas judías, especialmente presentes en el Talmud.

Más tarde, sin embargo, se apartó del judaísmo como consecuencia de haber iniciado sus estudios acerca de las ciencias físicas, así como por el efecto que tuvieron en su pensamiento los escritos del filósofo inglés Thomas Hobbes y los del científico y filósofo francés René Descartes.

Baruch de Espinoza

Ver: Baruch Spinoza y su pensamiento sobre las mujeres

Miembro de la escuela racionalista de filosofía, Baruch Spinoza buscaba el conocimiento a través de la razón deductiva más que por la inducción a partir de la experiencia sensorial. Spinoza aplicó el método teórico de las matemáticas a otras esferas de investigación.

Siguiendo el modelo de los Elementos de geometría de Euclides, la Ética (1677) de Spinoza desarrollaba un análisis de la moral y la religión en definiciones, axiomas y postulados.

• ►Benito Espinosa.

Este filósofo holandés nació en Amsterdam el 24 de noviembre de 1632 y murió en La Haya el 21 de febrero de 1677.

De religión hebraica su familia, debía de proceder de los judíos españoles o portugueses que fueron expulsados de la península ibérica.

Sus padres le destinaban a la profesión de rabino y en este sentido se encaminaron sus primeros estudios.

Muy pronto la profundidad de su pensamiento, su gran sentido crítico y la independencia de sus juicios, le indispusieron con sus compañeros de religión, por la libertad con que examinaba las doctrinas aceptadas de teología y moral.

Adquirió entonces amistad con los cristianos y recibió lecciones de latín del humanista y médico librepensador Van der Endem.

Siguió la escuela cartesiana, escribiendo un tratado de filosofía, y además escribió la Ética, libro de filosofía moral en el que expone un sistema propio sobre la materia, basado en el método de la geometría euclidiana.

Los rabinos le persiguieron y hasta se intentó su asesinato.

En 1655 fue desterrado de Amsterdam, y vivió en el campo, ganando su subsistencia como pulidor de lentes.

En este destierro escribió su obra De Dios y del hombre, y se presume que bosquejó el Tratado teológico-político.

Espinosa hubo de variar dos veces de residencia para gozar de calma y tranquilidad que le eran muy necesarias física y espiritualmente, volviendo después a La Haya.

Al aparecer la última parte de su Ética, circuló la especie de que preparaba otra en la que negaba la existencia de Dios.

Los teólogos propagaron la noticia, y tanto por el efecto que en su ánimo produjeran estas injustificadas inculpaciones como por los trabajos y privaciones por que pasaba, se agravó la dolencia de tuberculosis que le aquejaba, y falleció en la indigencia.

Dios es sustancia: para existir, no necesita nada

 ¿Cómo debe definirse la noción de sustancia? ¿Cómo debe ser pensado Dios?

Las primeras ocho definiciones de la Ética (que se reproducen a continuación) resumen en un estilo denso y sobrio todo el sistema ideológico de Spinoza.

La indagación concierne a la sustancia, una de las palabras clave de toda la entera tradición filosófica.

Entender qué es la sustancia de las cosas significa poder definir de una vez por todas su verdadero ser, lo que de ellas permanece por debajo de las mutaciones accidentales y temporales.

Aristóteles, el primero en plantear el problema (y considerado por ello el iniciador de la metafísica), pensaba en una pluralidad de sustancias: así, habría tantas sustancias como seres existen; Descartes defendió la existencia de dos únicas dimensiones de la realidad dignas del nombre de sustancia: la materia y el espíritu.

Las tesis de Spinoza deben leerse en franca y abierta polémica con Descartes.

Partiendo de la definición clásica del concepto de sustancia como lo que no necesita de ninguna otra cosa para existir, Spinoza aplica un vigoroso rigor geométrico y concluye que:

1) sólo puede existir una sustancia (monismo);

2) tal sustancia debe ser forzosamente Dios:

3) la materia y el espíritu no deben ser considerados sustancias, sino atributos (manifestaciones) de la sustancia única;

4) la sustancia divina es libre (puesto que únicamente actúa empujada por la propia necesidad de su naturaleza) y eterna;

5) siendo única, tal sustancia no admite nada fuera de sí y debe, por lo tanto, abarcar el mundo entero.

El razonamiento de Spinoza se resuelve, pues, en una doctrina panteística (o inmanentista): Dios no puede separarse del mundo de ningún modo, sino que coincide plenamente con él.

Esta conclusión creó una irreparable fractura entre el filósofo y la tradición judeocristiana, firme en su concebir a Dios como un ente creador y preexistente al mundo: es decir, como una persona distinta del mundo.

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CRONOLOGÍA DE SU OBRA LITERARIA

1663Renati des Cartes Principiorum philosophiae (Principios de la filosofía de René Descartes)
1663Cogitata metaphysica (Pensamientos metafísicos)
1670Tractatus theologico-politicus (Tratado teológico-político)
1677 (póstuma)Tractatus de intellectus emendatione (Tratado sobre la reforma del entendimiento)
1677 (póstuma)Tractatus politicus (Tratado político)
1677 (póstuma)Ethica ordine geometrico demonstrata (Ética demostrada según el orden geométrico)

Fuente Consultada:
Historia Universal de la Civilización  Editorial Ramón Sopena Tomo II del Renacimiento a la Era Atómica

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Enlace Externo:Baruch Spinoza: Biografía

Resumen de las Etapas del Arte en Europa desde el Renacimiento

Etapas del Arte en Europa Desde el Renacimiento

La siguiente descripción es una somera sintesis de los mas destacados artistas de Europa a partir del siglo XV, desde esta misma pagina puedes acceder a conocer la vida y obra de casi todos los artistas nombrados en dicha descripción.

A comienzos del siglo XV, Europa occidental estaba dominada artísticamente por una concepción medieval que, al servicio de grandes príncipes, se expresaba mediante fantasías. Los pintores flamencos Campin, Van Eyck y luego Van der Weyden, emprendieron el regreso a la realidad mediante la reproducción fiel de las apariencias externas.

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Rogier van der Weyden (c. 1399-1464), pintor flamenco de mediados del siglo XV, destacado por el carácter innovador de sus composiciones religiosas dentro de la pintura de su época. Por lo general, las obras del pintor flamenco Rogier van der Weyden tratan sobre temas religiosos. En esta obra de 1435 aproximadamente, (actualmente en el Museo del Prado-Madrid) Conocido por el carácter innovador y dinámico de sus composiciones, en El descendimiento de la cruz.

Al mismo tiempo, artistas florentinos planteaban la cuestión artística centrándola en el hombre y, por tanto, dando a su obra una dimensión definida y real en espacio y tiempo. Brunelleschi, Donatello y Masaccio iniciaron así, en sus respectivas artes, la corriente renacentista, aplicando los principios de la anatomía y la perspectiva.

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Masaccio (1401-1428), el primer gran pintor del renacimiento italiano cuyas innovaciones en el empleo de la perspectiva científica abrieron el periodo de la pintura moderna. La expulsión del Paraíso (c. 1427) es uno de los seis frescos que Masaccio pintó en la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, Florencia. El carácter innovador de estas obras reside en sus figuras de aspecto casi escultórico y en su fuerza dramática y emocional.

En torno a 1500, las preocupaciones humanistas de los artistas florentinos recibieron nuevos impulsos que hicieron llegar a sus últimas consecuencias el espíritu del Renacimiento: Leonardo, a partir de la experiencia; Rafael, por la relación de afectos y el pensamiento eclesiológico, y Miguel Ángel, por su lucha atormentada con la materia en razón de su fe religiosa, son las figuras señeras de esta etapa.

Los humanistas eran intelectuales, eruditos de formación universitaria, que comenzaron a resucitar obras filosóficas, históricas o literarias de la antigüedad grecorromana.Sus ideas se vinculaban con las aspiraciones de los sectores burgueses, que adquirieron mayor poder en la sociedad.

Entre tanto, algunos pintores germánicos Durero y Holbein, comomás destacados- difundían en el área centroeuropea y anglosajona los principios renacentistas que, asentados en la tradición medieval, daban sus mejores frutos en el ámbito del retrato y del grabado.

Alberto Durero (1471-1528), artista alemán, una de las figuras más importantes del renacimiento, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.

A lo largo del siglo XVI, los pintores venecianos opusieron a los florentinos una preocupación esencial por el color, interpretado por Tiziano con equilibrio clásico, en la fábula mitológica; por Tintoretto, a través del lenguaje manierista en fantasmagorías religiosas, y por Veronés, como cronista de fastos decorativos.

Jacopo Robusti, Il Tintoretto

Jacopo Robusti, Il Tintoretto (1518-1594), pintor manierista veneciano, fue uno de los artistas más destacados del último tercio del siglo XVI. Su obra sirvió de inspiración para el desarrollo del arte barroco.  El baño de Susana (c. 1550, Museo del Louvre, París), está basado en la historia del citado personaje bíblico acusado falsamente de adulterio por dos ancianos. Durante el siglo XVI, este tema sirvió de pretexto a los pintores de la época para representar la figura femenina desnuda.

Preocupación paralela a la de éste mostró el arquitecto véneto Palladio, uniendo arquitectura y naturaleza, mientras Vignola, su contemporáneo, preparaba el barroco en Roma creando la iglesia contrarreformista. Herrera, que completó El Escorial, inició un estilo geométrico y austero de amplia repercusión en el arte castellano durante más de medio siglo (estilo herreriano).

Monasterio Escorial

El Escorial es uno de esos lugares en el mundo que suele atrapar la atención de miles de turistas, que a penas llegados a la región quedan totalmente encandilados por la belleza arquitectónica e histórica, envuelta por la inmensidad de la hermosura natural. 

Antes de que finalice el siglo XVI, Carracci y Caravaggio encarnan una tendencia opuesta al manierismo dominante y a su intelectualismo, volviendo a la naturaleza por vías de belleza idealista o de extremado realismo. Nacía así la pintura barroca, que habría de hallar la máxima expresión de la realidad en el dinamismo y exuberancia del flamenco Rubens, en la transfiguración luminosa y psicológica del holandés Rembrandt y en la sencilla y difícil veracidad del sevillano Velázquez.

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Caravaggio (1573-1610): La actividad de Caravaggio se desarrolló en Roma desde 1591 aproximadamente hasta 1606, en que, después de haber matado a un hombre en una riña, emprendió una huida que solo cesaría con su muerte. A su trágica vida corresponde una pintura de extrema tensión moral y religiosa. Caravaggio busca la verdad y rechaza el arte como actividad intelectual según lo entendía el manierismo.

Así, su obra aparece como realidad en que los temas religiosos no son historia ni alegoría sino hechos presentes y cotidianos. En un caminar incansable, que aparece como revolucionario desde sus primeras obras romanas, su estilo queda definido por composiciones unitarias, brutales contrastes de luz y sombra, atmósferas y personajes reales que atraen al espectador y le impresionan por el drama vivido en cada escena. En las últimas obras, el realismo se hace exacerbado y las figuras se agrupan en una zona del cuadro, golpeadas por los efectos de luz, creando un ambiente de desolación y tragedia.

Carracci (1560-1609): Con su hermano Agostino y su primo Ludovico, Annibale Carracci fundó en Bolonia la «Accademia degli In-camminati»  para  la  formación  de pintores y la enseñanza del estilo de los grandes maestros del siglo xvi; por eso su tendencia se ha calificado de clasicista. El estilo de los Carracci reúne experiencias venecianas, de Correggio, Rafael y Miguel Ángel, entre otros, pero la esencia de su lenguaje no radica en estas influencias sino en el dominio exaltado de la imaginación, extendiendo la experiencia de lo real a lo posible.

Por ello no resulta muy exacto el calificativo de ecléctico (mezcla) que tradicionalmente se ha venido aplicando a su estilo. La capacidad creadora de Carracci permite además obras tempranas de claro realismo popular como La carnicería de Oxford (1585) y otras tardías como la Huida a Egipto de Roma (1603) de espléndido paisaje ideal y lleno de sentimiento. La belleza del ritmo y del color conmueven y captan poderosamente la atención.

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Pasado el primer cuarto de siglo XVII, el barroco penetra en la arquitectura a través de la obra romana de dos arquitectos enfrentados: Bernini, también escultor, de arte teatral, pero equilibrado y apasionadamente cristiano, y Borromini, de formas onduladas y cambiantes, frenético y angustiado; unos años más tarde, Guarini, en Turín, desarrollaría con extrema fantasía las ideas del último.

En el postrer tercio del siglo XVII, los artistas franceses, más racionales y clasicistas, se expresaban con grandeza armónica y proporcionada como homenaje a Luis XIV, el Rey Sol, relacionando en Versalles todas las artes.

Mientras, en España, Churriguera acaba definitivamente con lo herreriano en un estilo opulento y dinámico que dejó larga estela, sobre todo en el retablo castellano.

retablo de san esteban

José B. de Churriguera (1665-1725):Churriguera parece haber sido entre todos ellos el artista más original, creativo e influyente.Sobre lo churrigueresco circulan vulgarmente algunas interpretaciones erróneas y, por lo general, peyorativas. Ni es una la personalidad de los Churriguera, ni los tres artistas más distinguidos de la dinastía -los hermanos Benito (1665-1725), Joaquín (1674-1724) y Alberto (1676-1750), madrileños- son los más característicos representantes del barroco exuberante y recargado que domina en los retablos y edificios castellanos de la primera mitad del siglo XVIII. Por otra parte, la importancia y calidad de su labor en el campo arquitectónico y decorativo del pleno barroco es un hecho indiscutible.

El carácter sustancialmente ornamental del barroco logra su último esplendor por obra del turinés Meissonnier, cuyos hallazgos en torno a la roca marina -la rocalla- y otras formas asimétricas sirven de base al amable estilo rococó, tan acorde con las exigencias de la sociedad francesa del segundo tercio del siglo XVIII.

El redescubrimiento de la antigüedad desplazó definitivamente, en el último tercio del siglo, a lo barroco y rococó, dando lugar al llamado neoclasicismo; fue el escocés Adam quien acertó a aplicar la decoración antigua a la arquitectura y a otras artes suntuarias.

Por encima de lo rococó y lo neoclásico, anunciando impresionismos y expresionismos, el aragonés Goya, a caballo entre los siglos XVIII y XIX, mostró una imaginación y una audacia creadora como pintor y grabador que inaugura espiritualmente el arte moderno. Ya en el siglo XIX, las tendencias pictóricas se suceden en Francia e irradian al resto de Europa. Neoclasicismo y romanticismo dominan la primera mitad del siglo.

Romanticismo: movimiento artístico que se inicia en el segundo decenio del siglo XIX y que supone una reacción contra el academicismo neoclásico. Se caracteriza, en pintura, por el gusto por temas históricos, literarios, y por los paisajes, a través de los cuales se comunica una emoción personal con sensibilidad apasionada.

Despues de 1848, las reivindicaciones sociales y políticas, los avances de la técnica y la ciencia, repercuten de forma importante en la pintura: irrumpe el realismo de Courbet despreciando idealismos y fantasías para poner en primer término los aspectos más prosaicos de la vida cotidiana.

Sobre 1870, una nueva tendencia surge en el panorama francés, representada por Monet como su cultivador más genuino: el impresionismo, con sus estudios del efecto de la luz sobre el color y las formas. Y poco más tarde, Cézanne, al ver en la naturaleza formas geométricas esenciales, comienza a derribar el sistema de representación natural que, en sustancia, permanecía inalterado desde el Renacimiento.

El Renacimiento a partir del siglo XIV, fue una nueva etapa del pensamiento y déla cultura y se la denomina Renacimiento. Fue un período de sorprendentes inventos en el mundo de la ciencia. Se desarrolló la imprenta, se hicieron descubrimientos astronómicos, hombres osados se dedicaron a explorar mares desconocidos y la pintura, la escultura, la arquitectura y la literatura también se transformaron de manera asombrosa.

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Claude Monet (1840-1926): En los años inmediatos a la guerra de 1870 un grupo de pintores -Monet, Pisarro, Sisley y Renoir principalmente- se sitúan el margen de cualquier imitación de tendencias precedentes y realizan una nueva pintura a la que un crítico denominó despectivamente impresionismo inspirándose en el título de una obra de Monet expuesta en 1874, Impresión: sol naciente. Aparece este pintor como el creador más original y principal representante de las conquistas técnicas y estéticas del grupo.

monet

Sin los matices sociales o políticos de los realistas, mediante una concepción estrictamente pictórica -que, sin embargo, hallará la misma oposición entre los conservadores- Monet buscará la realidad cromática y formal bajo los efectos de la luz. En la base de su arte se halla el pintar al aire libre y el colorido claro.

La luz transforma y altera los colores y también las propias formas, de manera que el paisaje y sus elementos surgen como visiones instantáneas no repetibles temporalmente. Preocupación primordial es el estudio de los reflejos de la luz en el agua, que tienen consistencia real semejante a la de los elementos reflejados. Este lenguaje alcanza su mayor pureza en los años en que pinta en Argenteuil (1872-78), a pesar del virtuosismo que revelan sus series sobre un mismo tema –analizando los efectos de la luz a diferentes horas- que constantemente realiza a partir de 1889.

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El cubismo que Picasso inventó hacia 1909 –imágenes mentales, no naturales, representación simultánea y en el mismo plano de los distintos elementos que constituyen una figura o un objeto- inaugura una nueva era artística.

La aportación de Kandinsky -su primera acuarela abstracta es de 1910-, al prescindir de cualquier motivo cognoscible y utilizar solo formas y colores, completaba la revolución.

Solo unos años más tarde, tres arquitectos, Gropius, Mies van der Rohe y Le Corbusier, pioneros de una nueva etapa racionalista y humanista, trataban con sus edificios de mejorar la vida humana a través de la modificación de la vivienda y la ciudad. Hasta su muerte lucharon por conseguir que sus ejemplos no quedaran en meras obras artísticas aisladas, sino que su multiplicación práctica contribuyera al bienestar general del hombre sobre la Tierra.

Fuente Consultada:
Maestros del Arte Editorial SALVAT Colección Temas Claves Aula Abierta

Biografia de Van Eyck:Vida y Obra Artística Arte Flamenco

Biografia de Van Eyck:Vida y Obra Artística Arte Flamenco

ANTECEDENTES DE LA ÉPOCA: Al mismo tiempo que se afirma el Humanismo italiano, un arte nuevo nace también en Flandes, favorecido por el bienestar y la prosperidad de la comarca, una de las más adelantadas de Europa en lo social y económico

. Podemos afirmar que el verdadero Renacimiento flamenco nace con la pintura de Juan van Eyck, nueva sin ser revolucionaria, e impregnada de un humanismo distinto pero tan convincente como el italiano.

FLANDES Y BRABANTE:

En 1419, Felipe el Bueno, Duque de Borgoña, traslada su sede de Dijón a Brujas, en el corazón de Flandes. Y es así como esta región, ya floreciente, viene a hallarse en el centro de uno de los Estados más prósperos y poderosos de Europa.

El panorama que ofrecen las ciudades flamencas durante este período es el de una actividad alegre y serena que abarca los campos del comercio, la artesanía y la edificación, desenvolviéndose bajo el signo de la paz y la seguridad confiada en el mañana.

Igualmente florecientes son las condiciones en Brabante, cuyos centros de Bruselas y Lovaina comienzan a renovarse en su aspecto arquitectónico como consecuencia del incremento de las actividades ciudadanas.

En efecto, los Países Bajos son, en el siglo XV, un hervidero social y económico.

Y éste es el terreno donde se desarrolla una vida cultural y artística que se expresa en la obra de algunos grandes pintores, entre los que descuella netamente la figura de Juan van Eyck.

Jan (Juan) van Eyck (1390-1441), pintor flamenco que trabajó en Brujas, se cree que  fuera oriundo de Maaseik, provincia de Limburgo.

En 1422 trabajó en La Haya para Juan de Baviera, príncipe-obispo de Lieja.

En los años de su juventud Van Eyck trabajó en Tournai, capital de la escultura, junto a un pintor de misteriosa personalidad, llamado el Maestro de Flémalle, identificado mas tarde como Robert Campin, fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el renacimiento en el norte de Europa.

autoretrato de van eyck

El hombre del turbante: Se cree que El hombre del turbante (1433, National Gallery, Londres) es un autorretrato de Jan van Eyck.  Su obra era de un gran realismo para la época.

Lo poco que se sabe de su primera época hace que se centre la atención en la relación artística que mantenía con su hermano Hubert.

La oscuridad que rodea a la figura de éste ha provocado especulaciones y debates interminables entre los historiadores del arte, y hasta se ha llegado a sostener que tal hermano nunca existió.

El arte de esta etapa flamenca se identifica  por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional o perspectiva.

En 1425 Felipe III el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo que conservó hasta su muerte.

La relación que mantenía con el duque era tan buena que éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas.

La Región Flamenca , o simplemente Flandes , es una de las tres regiones que componen Bélgica, junto con la Región Valona y la Región de Bruselas-Capital. Flandes limita al suroeste con Francia, al noroeste con el mar del Norte, al norte y este con los Países Bajos, y al sur con Valonia.

Se puede decir que la posición artística de Juan van Eyck, quien fue co-autor del políptico (ver imagen abajo) , comienza en las premisas del arte de aquél se hallan ya presentes en las mejores expresiones de la miniatura franco-flamenca del siglo XVI, en los diáfanos cielos abiertos de los Libros de Horas de los hermanos de Limburgo, en el minucioso ajuste a la realidad de las cosas, y en ese naturalismo analítico, que constituía la más fascinante característica de aquellas hojas miniadas.

Y parece haberse comprobado que el mismo van Eyck inició sus actividades artísticas como miniaturista. Es así como la crítica le atribuye, concordemente, algunas hojas de las «Horas» conservadas en el Museo de Turín, que estilísticamente entroncan con la tradición representada por los mencionados hermanos de Limburgo.

Pero, con el Cordero Místico, la experiencia miniaturista es superada por una concepción pictórica de mucho más vasto empeño, en la que van Eyck se revela no solamente hábil en la composición y el dibujo, o en su conocimiento de la perspectiva y la anatomía, sino, sobre todo, por las infinitas posibilidades expresivas que hace nacer de la fusión de la luz y del color.

Su lento y meditado descubrimiento de la realidad alcanza, así, una esfera de solemne contemplación y de transfiguración.

Humanista es el ideal de van Eyck por su afectuoso y apasionado interés hacia el hombre, pero no descubre la dignidad de éste a través del estudio de los clásicos, sino captándolo en su verdad cotidiana y acercándose a su vida más íntima y secreta.

Pintor de corte de Felipe el Bueno, Juan van Eyck gozó de gran favor por parte de sus contemporáneos, que le hacían numerosos encargos.

Así nacen sus obras más conocidas, desde la Virgen del Canónigo van der Paele hasta la Virgen del Canciller Rolin y el Retrato de los esposos Arnolfini. En todas sus obras se percibe extraordinaria afición por el detalle.

Cada pormenor es un cuadro dentro del cuadro, y es, a veces, un trozo pictórico y poético de sorprendente realismo una naturaleza muerta en la penumbra de un armario, un florero al pie de la Virgen, el precioso vestido de un donante que tiende como a fraccionar la atención del que mira.

Pero, sobre todo, es el mágico efecto de la luz, que parece brotar casi de la misma materia pictórica, el que confiere unidad y coherencia al conjunto.

Y tanto el nítido paisaje urbano, como la rica morada burguesa de sus pinturas, son signo de una sólida solvencia, de una fe en las cosas de este mundo, que testimonian el logrado equilibrio de una sociedad en la que el arte de van Eyck y de los pintores que lo siguieron ha encontrado una de sus más valiosas condiciones de existencia.

Juan van Eyck murió en el año 1440, honrado por todos y, en especial, por Felipe el Bueno,  duque  de Borgoña,  su protector.

EL   MAESTRO   DE   FLEMALLE:

los años de la juventud de van Eyck trabajaba en Tournai, capital de la escultura, un pintor de misteriosa personalidad, llamado el Maestro de Flémalle.

Durante cierto período se ha creído que sus obras debían atribuirse a la juventud de Rogelio de la Pasture (van der Weyden), mientras que ahora, casi uniformemente, se lo identifica con Roberto Campin, nacido en Valenciennes, que actuó en varias ciudades de los Países Bajos.

La educación de este maestro, como se desprende de las obras que han quedado de él, presenta aspectos profundamente distintos de los típicos en la concepción de van Eyck.

Es evidente, sin duda, que se ha formado en contacto con las grandes escuelas de escultura, y que ha tenido oportunidad de conocer y asimilar la enseñanza del gran escultor borgoñón Claus (Nicolás) Sluter.

Derivan de ese precedente el fuerte plas-ticismo de sus pinturas, la abierta vena expresionista de carácter aún medieval y la tendencia a poner en primer plano las figuras, sin ninguna conexión con la escena del fondo.

Estamos lejos de la sensibilidad pictórica de van Eyck, que resolvía el problema de la representación de formas y volúmenes mediante matices de luz y de color.

Sólo en sus últimas obras el Maestro de Flémalle muestra haber experimentado la influencia de su más joven y famoso colega, dulcificando los contornos con una luminosidad más suave y difusa, y creando una atmósfera de tiernas vibraciones.

Algunas de sus Obras de Arte

Políptico del Cordero Místico; detalle del panel central celos Apóstoles y los Eclesiásticos (1426, aprox. -1432)
– Iglesia de San Bavón – Gante.

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Detalle del Políptico del Cordero Místico

 La renovación substancial que en vano se buscaría en la arquitectura o en la escultura flamencas del siglo XV, se encuentra, en cambio, en el campo de la pintura. Con las grandes personalidades de Juan van Eyck, de Rogelio van der Weyden (de la Pasture), de Diderico Bouts y de Hugo van der Goes, se asiste al surgimiento de un tipo de pintura que, si bien tiene sus orígenes en el naturalismo del arte gótico, se afirma como un movimiento completamente nuevo, distinto pero no menos importante que la pintura del siglo XV italiano.

El gran políptico de Gante es como el triunfal anuncio de este mundo nuevo: comenzado alrededor de 1426 e inaugurado en 1432, fue parcialmente pintado por Huberto van Eyck, el misterioso hermano de Juan, cuya existencia misma ha sido controvertida por muchos críticos modernos y considerada una leyenda.

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JUAN VAN  EYCK (1390, aprox. – 1441): Retrato   de  Arnolfini y de su mujer (1434) – Galería Nacional. Londres.
Retrato, escena de ambiente y estudio de costumbres, como ha sido justamente definida, la tabla que representa a los cónyuges Arnolfini es una de las más grandes obras de Juan van Eyck y una de las que mejor manifiestan la manera de pintar y el estilo del artista.

Cada detalle del ambiente ha sido estudiado con gran cuidado, como si se lo mirase a través de una lente de aumentó; así sucede con los muéblesela araña, las paredes, los detalles de los vestidos y el pequeño espejo del fondo en el que se reflejan todos los pormenores de la pequeña cámara.

Pero tal examen nada quita al rigor equilibrado con que ha sido representado el ambiente en su conjunto, debido a que las más sutiles exactitudes del dibujo están acompañadas por la vibración de la luz que unifica los detalles, acaricia la superficie de las cosas y define toda la atmósfera.

La atención del pintor a los datos ambientales es, por otra parte, característica de toda la pintura flamenca del siglo XV: el revivido interés por el hombre se convierte, en los flamencos, en búsqueda de la ubicación del personaje en el mundo real   en   que   vive.

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JUAN VAN EYCK (1390, aprox. – 1441): La Virgen del Canciller Rolin.  (1425, aprox.) – Museo del Louvre. París.
Detrás de la vigorosa imagen del Canciller Rolin se despliega un diáfano paisaje fluvial, y cada elemento del panorama, hasta el más pequeño y lejano, es puesto de relieve con sutilísimo análisis descriptivo.

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Virgen de la Fuente de Van Eyck

JUAN VAN EYCK (1390, aprox. – 1441): La Virgen de la Fuente Museo Real de Bellas Artes.   Amberes.
El fondo del cual surge la imagen es precioso y florido, según La concepción pictórica y el gusto típicos del mundo gótico tardío.

En cambio la figura misma de la Virgen, solemne en su amplio manto drapeado posee un relieve y una plasticidad absolutamente ignorados por los delicados y refinadísimos pintores del ya arcaico gótico internacional.

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Van Eyck Retrato del Cardenal

JUAN VAN EYCK (1390, aprox. –  1441) Retrato del Cardenal Albergan (1434, aprox.) -Museo de Historia del Arte.  Viena.El brillantísimo análisis de los datos de la realidad, que ya se ha notado en las escenas de ambiente o en los fondos naturales de la pintura flamenca, triunfa sobre todo en la serie de hermosísimos retratos que Juan van Eyck ejecutó de los hombres más famosos de su época: eclesiásticos, ricos burgueses, conocidos comerciantes, influyentes banqueros.

Ninguna característica del rostro escapa al implacable análisis del pintor: cada arruga, cada cabello, cada detalle mínimo es precisado y descripto con grandísimo cuidado. Sin embargo, esta concepción microscópica de la realidad no es un fin en sí, sino que luego se transforma, por efecto de la luz y del color, en una potente síntesis; y de la observación de los mínimos detalles de un rostro nace un retrato vigoroso que revela todo un mundo interior.

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Fuente Consultada:
Enciclopedia del Arte Fasc. N°59 ARTERAMA Editorial CODEX

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Grandes Escritores Argentinos:Vida y Obra de Intelectuales

Grandes Escritores Argentinos
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Alfonsina Storni

RESÚMENES DE LOS CLÁSICOS AUTORES ARGENTINOS

• ERNESTO SÁBATO:

Nació en Rojas (provincia de Buenos Aires) en 1911.

Estudió ERNESTO SÁBATO: Matemáticas y Física en su país, en Francia y en los Estados Unidos.

Pero hacia 1945 giró bruscamente hacia la literatura.

En Uno y el universo (ensayo científico-filosófico que ganó el Premio Municipal de Buenos Aires) planteó las ideas básicas que regirían toda su obra posterior: su escepticismo respecto del progreso científico como tabla de salvación del hombre y su muy pesimista visión del mundo.

En 1948 publicó la primera novela: El Túnel.

En 1962, la segunda y acaso la mejor: Sobre héroes y tumbas. En 1974, la última: Abbadón el exterminador.

Tanto Sobre héroes… como Abbadón… son novelas aluvionales: irrumpen en ellas la historia del país, episodios autobiográficos, pesadillas, vastas metáforas del Mal (como en el capítulo Informe sobre ciegos). Condenó sus libros al fuego, pero los salvó Matilde Kuminsky, su mujer de toda la vida. (Leer mas…)

• JULIO CORTAZAR:

Biografía de Julio Cortazar Escritor Resumen Obra Literaria y Vida ...

Nació en Bruselas en 1914 y murió en París en 1984.

Medía 1,95 y tenía cara de chico. Su obra es tan vasta como original.

Su lenguaje y su estilo, perpetuas transgresiones.

En 1963 publicó su más célebre novela: Rayuela.

En la primera página, dice: «A su manera este libro es muchos libros, pero sobre todo es dos libros.

El primero termina en el capítulo 56.

Por consiguiente, el lector prescindirá sin remordimientos de lo que sigue. Elsegundo se deja leer empezando por el capítulo 73,y…». Etcétera.

Juego provocador, piedra en el zapato de las almas simples, es una enorme y casi inasible contranovela.

Recuerde estos nombres:Oliveira, Rocamadour, La Maga.

Y si no leyó Rayuela, empiece ya la gran aventura...(Leer mas…)

•  ROBERTO ARLT:

Nació en Buenos Aires con el siglo XX y murió en 1942 de un ataque aiROBERTO ARLT:corazón.

Se forjó periodista en las ya desaparecidas redacciones de Crítica y El Mundo.

Escribió su obra entre el fragor de las máquinas de escribir y la necesidad de ganarse el pan de cada día.

Desdeñó las capillas literarias.

Lo acusaron de escribir mal, pero contestó despreciando a «los escritores de estilo correcto a los que no lee ni su familia» y juró ganarles «por prepotencia de trabajo».

Sus Aguafuertes porteñas (memorables columnas que aparecían en El Mundo) duplicaron el tiraje del diario y hoy todavía son una joya periodística.

Pero el gran Arlt se resume en dos inmortales novelas: Los siete locos y Los lanzallamas.

Primera y segunda parte de una delirante revolución fracasada -con fuerte influencia de Fedor Dostoievski- y personajes como Erdosain (el protagonista: el mismo Arlt), el Astrólogo, el Rufián Melancólico, el farmacéutico Ergueta, la Renga, son dos libros imprescindibles. Sin ellos es imposible empezar a hablar de literatura argentina.

• ADOLFO BIOY CASARES:

«La invención de Morel es una novela perfecta,» Si tal juicio hubiera sido vertido por la generosidad, la distracción o el rutinario oficio de un crítico, a nadie habría conmovido.

Pero el hombre que lo grabó a fuego, papel y tinta se llamó Jorge Luis Borges.

A partir de ese instante entró en la gran literatura –nativa y universal– un dandi que empezó a escribir «para enamorara una prima» y llegó al Parnaso con pasaje de primera: Adolfo Bioy Casares (1914-1999).

Personaje (célebre amante, jugador de teADOLFO BIOY CASARESnis, marido de la escritora Silvina Ocampo, estanciero), ninguno de esos rasgos mediáticos pudo demorar su brillante y vasta obra ni apartarlo de su pasión de escritor.

Maestro del género fantástico, dejó El sueño de los héroes, Dormir al sol, La trama celeste, Plan de evasión: novelas tan seductoras como insoslayables. (Leer mas…)

Adolfo Bioy Casares en una foto de sus últimos años. «Me gusta vivir.
Me gustan el agua y el pan.

Si pudiera, viviría mil años…», solfa decir.

Ganó, entre decenas de premios, el Cervantes.

Algunas de sus respuestas en los centenares de reportajes que concedió
son pequeñas obras maestras.

Buenos Aires sin Adolfito es medio Buenos Aires…

•  LEOPOLDO MARECHAL:

El autor de Adán Buenosayres nació en 1898, murió en 1970, y LEOPOLDO MARECHALsu adhesión al peronismo postergó –injustamente– la valoración de su obra pese a que bregaba en las letras desde muy joven y en el grupo Martín Fierro, pléyade que -como Boedo y Florida- reunió a muchos de los grandes.

Dos novelas lo resumen y definen: Adán Buenosayres, que bien puede considerarse como el Ulises argentino, y El banquete de Severo Arcángelo.

En las dos hay metafísica, humor, sátira de costumbres, literatura paródica y preocupación estética y existencial.

El banquete… –altamente slmbólica– narra, a la manera de Borges en su relato B congreso, los avalares de una comida descomunal que intenta reunir al universo y que -naturalmente- fracasa bajo el estrépito de una bomba.

Y sólo quedan la soledad y la desesperación del hombre.

Leopoldo Marechal en su estudio hacia 1950.

Sus libros Megafón o la guerra, Días como flechas, Laberintos australes y Cuaderno de navegación completan una obra vasta y de lenguaje renovador.

Fue tardíamente valorado.

Biografia de Alfonsina Storni Libros y Poemas de Storni Poetisa•  ALFONSINA STORNI:

Argentina nacida en Suiza, Alfonsina Storni (1892-1938), también maestra y periodista, no sólo lucha contra los huesos convencionales de la poesía hiriéndolos con el acero del modernismo: también contra «mi fealdad» (como escribe), contra el qué dirán (se convierte en madre soltera) y -feminista a ultranza- contra un mundo regido por los hombres.

La Inquietud del Rosal y Dulce Sueño la ornan con el Premio Nacional de Poesía 1920.

Enferma de cáncer, se aloja en una pensión de Mar del Plata, y una helada y ventosa noche entra en el mar y muere ahogada.

Su suicidio queda inmortalizado en el tema Alfonsina y el Mar. (Leer mas…)

JORGE LUÍS BORGES:JORGE LUÍS BORGES:

Nació en Buenos Aires el 24 de agosto de 1899.

Fue bilingüe desde su infancia ya que su abuela materna le hablaba en Inglés. «Georgie», como le decían en casa, tenía apenas seis años cuando dijo a su padre que quería ser escritor.

En 1910 aparece su primera publicación en el diario El País, de Buenos Aires, donde tradujo El príncipe feliz, de Oscar Wilde.

En 1914, el padre de Borges se jubiló debido a su ceguera casi total, por lo que la familia pasó una temporada en Europa.

Sorprendidos por la guerra, se instalaron en Ginebra donde el joven Borges escribió algunos poemas en francés y cursó la preparatoria (1914-1918).

Vivió en España de 1919 a 1921 y dos años después la familia regresó a Buenos Aires.

En 1923 publicó el poemario Fervor de Buenos Aires. (Leer mas…)

Fuente Consultada:
Gente Testigo del Siglo – Personajes y Hechos Que Hicieron Historia Tomo 6 Escritores de Puño y Letras

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Biografía de Giotto di Bondone:Pintor y Artista Italiano

Biografía de Giotto di Bondone
Artista Italiano del Renacimiento

En los albores del siglo XIV, Giotto revoluciona por completo todas las concepciones artísticas hasta entonces conocidas y seguidas, abriendo así el camino a los tiempos modernos.

En Vespignano del Mugello, no lejos de Florencia, nació, tal vez en 1266, Giotto de Bandello, el hombre destinado a dejar una huella indeleble en el desarrollo de todo el arte italiano.

Entre todo lo que ofrecían las escuelas pictóricas de ese tiempo, nada dejaba prever la aparición de una concepción artística como la suya.

En lo referente a sus obras pictóricas, podemos asegurar que, entre los años 1303 y 1305, pintó los frescos de la capilla Scrovegni de Padua. Otros trabajos de Giotto existen en Asís, en Florencia y en el Louvre de París.

La importancia de Giotto en la pintura es comparable a la de Dante Alighieri en la literatura.

Dante llevó el dialecto toscano hasta la dignidad de una lengua nacional y literaria; Giotto abandonó las antiguas formas bizantinas y llevó la pintura italiana a una comprensión más exacta y menos rígida de la naturaleza.

Murió en Florencia en 1337.-

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BREVE FICHA BIOGRAFICA DE GIOTTO

• Nació hacia 1266 en Colle di Vespignano, cerca de Florencia (Italia), país donde pasó toda su vida.

• En su adolescencia, el pintor Cenni Di Pepo, llamado Cimabue, lo alentó a pintar y se convirtió en su maestro.

• Entre 1285 y 1295 participó con otros artistas en la decoración de algunos episodios del Antiguo Testamento en la basílica superior de San Francisco, en Asís.

• Al año siguiente pintó allí el ciclo de las escenas de San Francisco.

• En 1300 pasó un breve lapso en Roma y luego se trasladó a Florencia y a Rímini, donde trabajó en el Templo Malatestiano.

• Cuatro años después se instaló en Padua para pintar los frescos que ilustran la vida de la Virgen y de Cristo en la capilla de la Arena de la familia Scrovegni.

•  En 1317 decoró dos capillas de la  iglesia de Santa Croce, en Florencia, en las cuales representó la vida de San Francisco y las de San Juan Bautista y San Juan Evangelista.

• En 1330, el rey Roberto de Ñapóles lo incluyó entre los miembros al servicio de la Casa Real.

• Cuatro años más tarde fue nombrado arquitecto en jefe de la ciudad de Florencia y supervisor de obras de la catedral local, en cuyo campanario comenzó a trabajar, aunque su proyecto fue modificado más adelante.

• Murió en Florencia, en 1337.

En 1301, la mayoría de los europeos se aterrorizó al ver en el cielo el cometa Halley, de cola brillante. Pero Giotto sacó la conclusión de que era el mismo que había anunciado el nacimiento de Jesucristo y guiado a los Reyes Magos hasta Belén. Así, la aparición del cometa le sirvió para representar la «estrella de Belén» en el cuadro «La adoración de los Magos», que podrá observar mas abajo.

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UN PASAJE EN LA VIDA DE GIOTTO: Lo veían llegar, periódicamente, cabalgando un flaco borrico, vestido sin pretensión alguna, y con el aire despierto y preocupado del hombre activo.

Visitaba sus posesiones y cobraba las rentas, se interesaba por la siembre y por la cosecha, y, finalmente, se iba contento.

Viéndolo marchar por las callejuelas de Mugello, con aspecto de hombre metódico, era difícil adivinar en él al artista del que todo el mundo hablaba, el que había oscurecido la  fama del «solemne pintor» Cimabue.

Se lo dijo un día un amigo suyo, un conocido jurista de Florencia, el señor Forese de Rabatta. que fue su compañero de viaje cuando volvía de una de las visitas a sus posesiones. Diluviaba.

Giotto había pedido prestado un tosco capote y un sombrero para protegerse de la lluvia. «Si te encontrase un forastero —le dijo su compañero, riendo—, le costaría mucho creer que eres el mejor pintor que existe». 

Un forastero, porque los campesinos y los pastores de Mugello no tenían dudas sobre el particular; no ignoraban que el hijo de Bondone, que había nacido en 1266, en Vespignano (un pueblecito formado por un puñado de casas, en medio del campo), se había convertido en un personaje importante y discutido; pero sabían también que, en el fondo de su corazón, seguía siendo uno de ellos: fiel a la tierra, sencillo y prudente al mismo tiempo, tenaz en el trabajo.

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BIOGRAFIA DE GIOTTO DI BONDONE

giotto di bondone

Giotto di Bondone, mejor conocido como Giotto
(Nació en Colle di Vespignano, 1267 – Falleció en Florencia, 8 de enero de 1337).
Notable pintor, escultor y arquitecto italiano.

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GIOTTO, HOMBRE: No se sabe con certeza si Giotto nació en Florencia o en Vespignano de Mugello; según unos, en 1266, y según otros, diez años más tarde.

Era un gran admirador de San Francisco de Asís, pero no quería ser pobre como él. Más aún: escribió una poesía contra la pobreza.

Fue amigo de Dante, quien hizo su elogio en la Divina Comedia, diciendo que eclipsó la fama de su maestro Cimabue (Purgatorio, Canto XI). Giotto tuvo ocho hijos y un alumno llamado Taddeo Gaddi, que siguió su huella con tal devoción que en 1347 aún seguía firmando «discípulo de Giotto, el buen maestro».

Giotto era pequeño de estatura y quizás fuera feo.

Pero tenia un espíritu jovial y alegre que infundía optimismo.

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ASÍS: Los primeros frutos de su actividad artística habían surgido en Asís, a donde Giotto había ido en 1296, invitado por el prior de los franciscanos, fra Giovanni di Murro della Marca.

Encaramado en una colina, desde la cual dominaba la verde y ondulante campiña, Asís guardaba aún el recuerdo del más pobre y del más vivo de los santos: San Francisco.

Y ahora, cada uno de los episodios de la vida del Santo era relatado por el pintor, con la sencillez de quien cuenta una leyenda extraordinaria.

Giotto, que bajo la corteza del campesino ocultaba el alma de un poeta, supo «captar» el espíritu de aquella leyenda y hacerlo comprensible a todos por medio de su pintura.

En poco más de dos años, los franciscanos vieron cómo revivían en las paredes de su luminosa basílica superior las figuras de otros frailes, semejantes a ellos, que habían compartido la vida de su patrono; vieron las casas, los muros del convento, las rocas, los arbolitos, las tórtolas y los jilgueros.

Todo lo que había constituido el mundo de San Francisco revivía con tal frescura que conseguía conmoverlos. Tampoco nosotros podemos dejar de asociar el nombre del Santo y su «perfecta alegría» a las figuras de Giotto.

Cuando visitó por primera vez Asís, algunos años antes, Giotto no era más que un ayudante de Cimabue.

Cuando se fue, las pinturas del antiguo maestro, frente a las suyas, parecían remotas, de otra época. Giotto había renovado el arte de la pintura: se había convertido en el iniciador de una escuela.

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Giotto nació en Vespignano, cerca de Florencia. Su padre, Bondone, fue un simple campesino. Vasari (1511—1574), nos dice que cuando tenía unos diez años de edad su padre le dio a cuidar las ovejas, y que para pasar el tiempo dibujaba en la tierra y en las rocas.

Sucedió que un día el pintor Cimabue vio al muchacho dibujando una de sus ovejas y quedó tan impresionado que lo llevó a Florencia como su pupilo.

Giotto rápidamente demostró su habilidad bajo Cimabue y comenzó a recibir encargos, entre ellos algunos frescos para la Santa Cruz de
Florencia.

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OBRA ARTÍSTICA:

Sus primeras obras fueron las pinturas que reproducen episodios del Antiguo y Nuevo Testamento en la iglesia superior de San Francisco de Asís.

Se dice que, en esas tareas, el pincel de Giotto, entonces aprendiz, reemplazó algunas veces el de Cimabué, su maestro.

Después, en orden cronológico, están los trabajos que se conservan en la iglesia de Santa María la Mayor en Roma.

Inmediatamente después, los biógrafos de Giotto citan los frescos que reproducen los episodios principales de la vida de San Francisco.

Éstos se hallan en la basílica superior de Asís, donde anteriormente Giotto había trabajado en escenas inspiradas en la Biblia y en el Evangelio.

Pero la obra más insigne que conservamos de él, y que en realidad constituye el conjunto pictórico más notable, más completo y, felizmente, también mejor conservado de la pintura medieval, es la que representa las vidas de la Virgen y de Cristo, y que incluye, además, una composición alegórica extraordinaria: un Juicio Final plagado de Vicios y Virtudes.

Como lo hemos dicho anteriormente, esas maravillas pueden admirarse en la capilla dell’Arena o capilla Scrovegni, en Padua.

RECORRIENDO ITALIA

Tenía poco más de treinta años cuando abandonó Asís, y desde entonces su actividad no conoció descanso.

En 1300 fue llamado a Roma; después, Enrique Scrovegni le pidió que pintara en Padua una capilla, que sería considerada como una de las más extraordinarias realizaciones de la pintura mundial.

Se multiplicaron las ofertas de trabajo; el renombre de Giotto se difundió por toda la península.

El pintor iba de iglesia en iglesia, de convento en convento, con su cuadrilla de ayudantes tras él.

Después, cuando el trabajo se convertía en dinero contante y sonante, no tenía dudas sobre la forma de emplearlo: casas, tierras, haciendas, en Florencia y en su nativo Mugello; cosas sólidas, concretas.

Había que redondear la dote de las hijas, garantizar un porvenir seguro a los hijos y asegurar a Monna Cinta, su mujer, una vejez sin preocupaciones.

Mientras su buena y fiel esposa lo aguardaba, afanosa y serena, en Florencia, Giotto seguía recorriendo Italia, siempre activo, siempre optimista y confiado.

Los años comenzaban a pesarle; empezaba a sentir los efectos del trabajo.

—Si yo fuese tú —le dijo un día el rey de Nápoles, que lo había llamado a su corte—, dejaría de pintar un poco, ahora que hace calor.

—También yo, si fuese vos —refunfuñó molesto el pintor. Y continuó impertérrito su trabajo.

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Su reputación pronto alcanzó hasta Roma, donde el Papa Bonifacio VIII buscaba artistas que pintaran cuadros para San Pedro, y el Pontífice envió un emisario para que le llevaran muestras del trabajo del artista.

Cuando el emisario llegó al taller de Giotto y solicitó un boceto para presentarlo a Su Santidad, el artista, con un movimiento de su mano, dibujó un círculo perfecto y se lo entregó.

El emisario quedó desilusionado y le preguntó si eso era todo lo que tenía. Giotto replicó: «Con eso basta y sobra».

Cuando el Papa vio el dibujo, reconoció de inmediato la habilidad del pintor y le convocó a Roma, donde fue comisionado para pintar muchas obras en San Pedro.

El Pontífice quedó muy complacido con el trabajo de Giotto y le dio tanto más a hacer que pasaron seis años antes que pudiera regresar a Florencia, donde continuó pintando.

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EL CAMPANARIO «ESTRECHO»

Pero tras tanto ir de un sitio para otro, recibió un encargo que le permitiría permanecer algún tiempo en Florencia.

En 1334, en efecto, los magistrados de la ciudad nombraron a Giotto maestro de obras de la catedral, y le confiaron la edificación del campanario, que debía levantarse a un lado de la misma.

Giotto era ya anciano, tenía 68 años, pero aceptó el encargo con el entusiasmo de un muchacho.

Comenzó a hacer proyectos y diseños, a tomar medidas, a escoger las piedras.

En pocos meses vieron los florentinos surgir su campanario: sólido, elegante, adornado con bellísimos bajos relieves.

Giotto había puesto en la empresa toda su sabiduría, pero los entendidos encontraron en seguida motivos para criticar: el campanario tenía la base demasiado reducida, no podía alcanzar la altura prevista, no podía soportar el peso.

Estas críticas clavaron una espina en el corazón del viejo artista: estaba seguro de que su campanario podría resistir, pero, al mismo tiempo, no podía alejar de su pensamiento la duda de si habría cometido un error.

Murió tres años después, el 18 de enero de 1337, en Florencia: no se había edificado más que la base de la torre-campanario.

Así, el artista, que había sido elogiado siempre y llevado en triunfo al final de todas sus obras, tuvo que resignarse a morir con una duda atormentadora: la de si habría construido un campanario demasiado «estrecho».

El gran maestro no tenía razón alguna para dudar.

Y los hechos han venido a demostrarlo: el campanario fue terminado después de su muerte, y todavía se alza majestuoso sobre la base que Giotto había preparado.

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La obra de Giotto marca el comienzo del fin de la antigua tradición Bizantina, una tradición tan poderosa que sobrevivió en partes de Rusia hasta comienzos de este siglo.

La escuela Bizantina concebía todo en dos dimensiones. Fue un estilo duro y decorativo, incapaz de demostrar la emoción humana.

Los trabajos de Giotto fueron una completa contradicción a estas ideas, porque sus figuras eran humanas y expresivas, no aparecían como imágenes aplanadas sino que tenían peso y relieve. Eran sólidas y parecían capaces de movimiento.

Giotto: El sueño de Joaquín

Giotto: El sueño de Joaquín  – Padua, Capilla de los Scrovegni. Los campesinos lo veían
«marchar por las callejuelas de Mugello…»

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Giotto: El lavatorio de los pies - Padua

Giotto: El lavatorio de los pies – Padua, Capilla de los Scrovegni. «Los franciscanos vieron cómo revivían en las paredes de su luminosa basílica… las rocas, los arbolitos…»

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Descenso al Limbo de Giotto di Bondone en 1305

Descenso al Limbo  de Giotto di Bondone en 1305
Hoy se encuentra en el museo de Munich

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Flagelación

Flagelación Fecha:1302-05
Museo:Capilla de los Scrovegni

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Fresco en Museo Iglesia

Fresco en Museo Iglesia de Santa Croce de Florencia
Estigmatización de San Francisco (1319) de Giotto di Bondone

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Campanario

GIOTTO (1266?-1337): Campanario de la Catedral de Florencia (1334-1357).
Nombrado maestro mayor de obras de la Catedral de Florencia, Giotto se dedicó a esta misión desde 1334 hasta 1337, año de su muerte. El Campanario que la flanquea refleja, muy probablemente, en su límpida y genial estructura, la concepción artística de Giotto, aunque más tarde fuera sucesivamente retocado por Andrés Pisano y por Francisco Talenti, entre otros.

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• ALGO MAS SOBRE GIOTTO…

SU OBRA ARTÍSTICA

Poco antes de 1300, Giotto fue a Roma, donde pintó algunas figuras de profetas en la iglesia de Santa María la Mayor.

Posteriormente se dirigió a Asís, donde decoró la nave central de la Basílica.

En esta obra, Giotto se mostró un maestro realmente insuperable.

Pintó 28 grandes cuadros que ilustran los hechos más extraordinarios de la vida de San Francisco: el renunciamiento a los bienes paternos, el sermón a los pájaros, el lobo de Gubbio, la fuente milagrosa, etc.

En el año 1318 los banqueros florentinos Bardi y Peruzzi encargaron a Giotto que decorara las capillas del templo de la Santa Cruz, con escenas de la vida de San Francisco, San Juan Bautista y San Juan Evangelista.

Estos frescos, posteriormente enjalbegados, fueron descubiertos y restaurados en 1853.

LA CAPILLA DE LA ARENA, EN PADUA

De 1303 a 1305 Giotto estuvo en Padua, desde donde fuera llamado por los monjes franciscanos que en esa ciudad habían construido una gran iglesia en honor de San Antonio.

Desgraciadamente, el tiempo ha destruido o dañado gravemente los cuadros que Giotto pintó para dicha iglesia.

En cambio, se han conservado perfectamente las pinturas que hizo en Padua, para la Capilla de la Arena.

Esta pequeña iglesia había sido construida por la rica familia de los Scrovegni, que confió a Giotto la tarea de decorarla.Sobre los muros laterales, Giotto pintó en 38 escenas la vida de Jesús y de María.

EL «CAMPANILE» DE GIOTTO:

El último trabajo del pintor Giotto fue una obra de arquitectura: el campanario de la catedral de Florencia.

Hasta ese momento se había contentado con poner torres, casas, iglesias y campanarios en sus cuadros; pero finalmente, en 1334, ya anciano, podía construir uno verdadero.

Sin vacilar, emprendió el nuevo trabajo con entusiasmo, y, como todo lo que salía de sus manos, también el campanario fue una obra maestra.

Por desgracia, Giotto no pudo ver terminada esta joya del arte.

En 1337, lo sorprendió la muerte.

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• Para Saber Mas…

Giotto, fue el más grande y auténtico innovador del arte italiano del siglo XIV, mira la realidad del mundo que lo rodea con ojos libres de prejuicios místicos y simbólicos.

Encuentra una nueva dimensión del hombre en el plano moral y la resuelve con un nuevo estilo: sus personajes ya no son figuras estampadas sobre un fondo vacío y sin vida; los sentimientos que expresan ya no son el mecánico resultado de una representación convencional en sus composiciones, ya no se encuentran símbolos complicados, sino que aparece la desnuda verdad de hombres que se mueven en un pequeño fragmento de espacio, penosamente conquistado, con su bagaje de sentimientos siempre verdaderos y diferentes.

Detrás de ellos, el cielo, constante e invariablemente de color azul obscuro, se extiende como una pantalla infranqueable que crea un límite sobrenatural a la audacia del hombre.

En la Vida de San Francisco, de la iglesia superior de la Basílica de Asís, Giotto realiza su primer gran ciclo narrativo.

Las veintiocho escenas, en cuya ejecución participaron también algunos de sus discípulos, se hallan encuadradas en elegantes motivos arquitectónicos pictóricamente figurados.

De esa manera se define el campo espacial en que se desarrolla la acción y se hacen resaltar los sentimientos de hombres que viven, sufren y aman intensamente.

Las severas y simples masas plásticas de los personajes, observadas y descriptas con técnica naturalista, son, a su vez, puestas en relieve por medio de un fondo de amplios paisajes y marcos arquitectónicos.

Después del ciclo de Asís, al que se dedicó durante el último decenio del siglo XIII, Giotto pintó los frescos de la Capilla de los Scrovegni, en Padua, hechos entre 1304 y 1306, en los que alcanzó la medida plena de su arte innovador.

Estos representan escenas de la vida de María y de Cristo, además de un gran Juicio Universal.

Aquí nos hallamos frente a un inmenso poema figurativo, en el que cada estrofa está constituida por un cuadro que logra a duras penas contener la gran carga dramática que lo invade.

Si en los frescos de Asís se halla toda la ingenuidad y la sorpresa de quien, abriendo los ojos, ve una realidad que ni siquiera sospechaba, en los de Padua el ya profundo conocimiento de este nuevo mundo da al pintor una mayor seguridad y confianza en su descripción; en los frescos posteriores de las Capillas de los Peruzzi y los Bardi, en la Iglesia de la Santa Cruz de Florencia, la tensión dramática del Giotto paduano se aplaca, y es sustituida por una serenidad narrativa dotada de un ritmo reposado, sólo realzado por un suave relieve y por el encanto de la luz y del color.

La actividad de Giotto, que vivió hasta 1337, no se limita a la pintura.

El famoso Campanario de la Catedral de Florencia es el reflejo de un proyecto suyo, modificado por los arquitectos que trabajaron en él después de la muerte del genial maestro.

Y también en los cuadros en relieve de Andrea Pisano, colocados en la base del mismo campanario, es posible hallar ideas y proyectos que  se  deben  al  gran  pintor  florentino.

Fuente Consultada:
Enciclopedia Superior del Estudiante Fasc. N°50
Historia Visual del Arte Larousse La Nación El Arte Renacentista
ARTERAMA N°53 Enciclopedia de las Arte Editorial CODEX S.A.

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Vida y Obra de Ghiberti Lorenzo:Historia de la Puerta del Paraiso

Vida y Obra de Ghiberti Lorenzo:Historia del Escultor en Florencia

Entre los años 1300 y 1600 la vida en Europa sufrió grandes cambios.

Fue una nueva etapa del pensamiento y déla cultura y se la denomina Renacimiento.

Fue un período de sorprendentes inventos en el mundo de la ciencia.

Se desarrolló la imprenta, se hicieron descubrimientos astronómicos, hombres osados se dedicaron a explorar mares desconocidos y la pintura, la escultura, la arquitectura y la literatura también se transformaron de manera asombrosa.

Pero fue también una era de violencia, pobreza, hambre y enfermedades.

Lorenzo GhibertiLorenzo Ghiberti (1378-1455) es el primero de los escultores florentinos del siglo XV; hasta los más eminentes artistas de esa época se formaron en su taller.

El estilo aún gótico de sus primeras obras se hace cada vez más complejo a través del estudio de la perspectiva y de la incansable búsqueda de la «luz», elementos ambos que tanto apasionaron a los artistas florentinos del siglo XV.

«Son tan bellas que podrían colocarse a la entrada del Paraíso».

Así se expresó un día el gran Miguel Ángel, que no prodigaba los elogios, al detenerse a admirar la nueva puerta del Baptisterio florentino, última obra maestra de Lorenzo Ghiberti.

Que aquella «puerta del Paraíso» era hermosa, lo sabían todos en Florencia… hasta los profanos en la materia.

Pero el florentino más convencido de ello era el propio Lorenzo Ghiberti, que —con una franqueza rayana en la inmodestia— había firmado su trabajo con estas palabras: «Obra de Lorenzo Ghiberti, ejecutada con maravilloso arte».

Nadie, sin embargo, se asombró de tal inscripción, ya que era rigurosamente cierta.

Por lo demás, si alguien se hubiera atrevido a pensar que el autor de semejante rúbrica debía ser un auténtico «cara dura»… no se habría alejado mucho de la verdad.

La «cara dura» de Ghiberti, puesto que era de bronce, estaba allí mismo, sobre uno de los batientes de la puerta: un rostro abierto, bondadoso, con las cejas un poco enarcadas, confiriéndole una expresión perspicaz y vagamente irónica.

Pero junto a su propia imagen, como si hubiera querido dividir el mérito de aquella obra maestra en partes iguales, Ghiberti había colocado la efigie de su padrastro, Bartolo de Michele, llamado Bartoluccio por los florentinos, que había sido su maestro; y este acto de modestia y generosidad basta para absolverlo de toda sospecha de presunción.

Puerta Harte del Baptisterio de Florencia

Puerta Harte del Baptisterio de Florencia (1403-1424)

Lorenzo Ghiberti: Puerta Harte del Baptisterio de Florencia (1403-1424) – Por voluntad de los autores del encargo, Ghiberti, al esculpir la primera puerta del Baptisterio de Florencia, se atuvo fielmente al modelo que había ejecutado Andrés Pisano, en la primera mitad del siglo XIV, para el mismo Baptisterio.

La puerta está subdividida en 28 paneles de bronce, 14 por batiente, en cada uno de los cuales se incluye un marco cuadrilobulado que encierra a las figuras.

En las dos filas inferiores, el escultor representó a los cuatro evangelistas y a los cuatro «padres» de la Iglesia, seguidos, en orden ascendente, por los episodios más significativos de la vida de Jesús.

La regularidad geométrica de los recuadros se enriquece con los elegantísimos frisos que los enmarcan y con la vivacidad de las cabezas de profetas que surgen en los ángulos.

Las figuras doradas resaltan sobre el fondo oscuro del bronce.

La fundición de la puerta fue muy difícil, y se realizó en dos tiempos: primero, el marco con los 28 compartimientos; luego, las placas esculpidas.

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EL FAMOSO CONCURSO

Lorenzo se reveló como un artista precoz: cuando, en 1401, participó en el famoso concurso para la puerta del Baptisterio de Florencia, sólo tenía 23 años.

El tema del concurso era la ejecución de una placa de bronce que reprodujera el «Sacrificio de Isaac».

Tras una primera «eliminatoria», pasaron a la final siete artistas de «campanillas», entre ellos Jacobo della Quercia y Filippo Brunelleschi.

No es difícil imaginar el clima de competición que se creó en la ciudad cuando los seleccionados se pusieron al trabajo, ni las discusiones de los «partidarios» sosteniendo a sus favoritos, ni la curiosa expectación.

Los siete artistas trabajaron en el más completo secreto, para no correr el riesgo dé copiarse recíprocamente.

Es decir, los siete, no, porque Lorenzo Ghiberti, el más joven de ellos, invitó a todos los ciudadanos que lo desearan a examinar sus modelos y a declarar abiertamente su parecer. Los maldicientes, por supuesto, dijeron que con ello sólo intentaba predisponer a favor suyo al jurado…

Pero se engañaban: la obra de Ghiberti resultó perfecta, digna, sin duda, de la victoria.

Para los treinta y cuatro componentes de la comisión, sin embargo, no fue fácil decidir entre las placas presentadas por Ghiberti y Brunelleschi, ya que ambas eran muy bellas, aunque completamente distintas en la ejecución y en el estilo.

Finalmente se optó por una decisión salomónica: los dos artistas trabajarían juntos en la puerta del Baptisterio. Brunelleschi se negó.

MEDIA VIDA

Inició la tarea cuando era todavía un joven, y la terminó a los cuarenta y seis años de edad.

Acaso al participar en la ceremonia de consagración de la puerta, en la mañana de Pascua de 1424. se dio cuenta de que la mitad de su vida se le había ido en aquel trabajo. Pero merecía la pena.

La puerta, elegantísima, perfecta, era el resultado de un feliz equilibrio de arte y sabiduría técnica. Y sólo Florencia podía jactarse de poseer semejante maravilla.

UN TALLER CONCURRIDO

Entretanto, el taller de Lorenzo Ghiberti se había llenado de ayudantes, aprendices y alumnos. entre los cuales se contaban algunos, como Donatello y Paolo Uccello, que no tardarían mucho en hacerse famosos.

La vida del escultor transcurría en medio de un tranquilo bienestar: tenía mujer, dos hijos que pronto incrementarían el número de sus colaboradores, una bonita casa en Borgo Allegri y algunas fincas fuera de la dudad.

Y era además, famosísimo.

En su taller se hacía de todo: finísimos trabajos de orfebrería, estatuas de bronce de más de dos metros de altura, destinadas a la iglesia de Orsanmichele, bosquejos para las vidrieras sacras, vírgenes de terracota, pinturas sobre madera y. vidrio…

Y, cuando se habló de encargar la tercera y última puerta del Baptisterio (la primera había sido esculpida por Andrés Pisano, un siglo antes), a nadie, y tampoco a Ghiberti, se le pasó por la cabeza que pudiera ser confiada a otras manos.

Como siempre, el resultado satisfizo a todos: se trataba, efectivamente, de la «puerta del Paraíso».

Si bien aquella vez, en el entusiasmo febril del trabajo transcurrió casi un decenio: en 1452, cuando dio  últimos toques a su obra, Ghiberti tenía más de 70 años.

Por aquella época, el artista llevaba ya bastante adelantada la redacción de sus «Comentarios», que continuó escribiendo, sereno y en paz, hasta el día de su muerte acaecida el 1° de diciembre de 1455.

En los Comentarios se refería también a su propia persona, objetivamente concluyendo la parte autobiográfica con otra de sus tajantes afirmaciones:

«Pocas cosas importantes se han hecho en nuestra tierra (la Toscana) que no hayan sido dibujadas u ordenadas por mi mano».

Pero tampoco esta vez los lectores encontraron presuntuosa la frase.

Es cierto: Lorenzo Ghiberti había educado y enseñado arte a toda una generación de escultores.

Detalle de la Puerta Norte del Baptisteri

 Detalle de la Puerta Norte del Baptisterio Florencia

Lorenzo Ghiberti – Detalle de la Puerta Norte del Baptisterio  Florencia: Anunciación – Esta placa de la primera puerta ejecutada por Lorenzo Ghiberti con destino al Baptisterio de Florencia, constituye un ejemplo de la sobria elegancia características del estilo de este escultor.

Observemos la armonía y el equilibrio con que la escena ha sido colocada en el marco de cuatro lóbulo.

El templete que acoge la figura de la Virgen ocupa la mitad exacta de la superficie disponible; las figuras del ángel y del Padre Eterno,oportunamente curvadas para adaptarse mejor al  contorno redondeado del marco, «equilibran» la otra mitad.

Notemos también cómo las alas del ángel se introducen en el  ángulo del marco, favoreciendo el ritmo.

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Puerta del Paraíso

puerta del infierno ghiberti lorenzo

Lorenzo Ghiberti: Puerta del Paraíso (1425-52) – Florencia, Baptisterio – En la «puerta del Paraíso» Ghiberti utilizó una subdivisión distinta de la empleada en las otros dos puertas del Baptisterio.

Eligió como tema los hechos del viejo’ Testamento, narrados en diez amplias escenas, contenidas en marcos rectangulares.

Los frisos verticales reproducen elegantes figuras de cuerpo entero y cabezas rodeadas por marcos circulares.

La tercera pareja de cabezas del friso central de la puerta, empezando a contar desde abajo, está formada por los retratos del escultor (a la derecha) y de su padrastro y maestro, Bartolo di Michele, llamado Bartoluccio (a la izquierda).

El estilo del artista ha cambiado mucho. Las escenas son más ricas en detalles y están animadas por un claroscuro que les confiere un vivaz efecto «pictórico».

El paisaje y los edificios del fondo fueron ejecutados según las reglas de la perspectiva, es decir, disminuyendo la altura del relieve, a medida que las figuras se alejan del primer plano.

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Biografia de Gaudi Antoni Arquitecto de la Sagrada Familia

Biografía de Gaudi Antoni Arquitecto Catedral de la  Sagrada Familia en España

Nació el 25 de julio de 1852 en Reus, España, y fue bautizado con el nombre Antón Plácido Guillem.

Fue el quinto y último hijo de una familia humilde en la que el padre era fabricante de calderos de Reus. Murió en Barcelona en 1926.

De él heredó la tradición artesanal.

Comenzó sus estudios de arquitectura en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona y aunque allí no demostró ser un buen estudiante obtuvo su diploma en 1878.

Falleció en Barcelona el 7 de junio de 1926 atropellado por un tranvía.

Biografía de Gaudi Antoni

La señora, bella y elegante, se detuvo, hurgó en el monedero, extrajo de él algunas monedas y se las tendió con seguridad al viejo.

Y el viejo, traje ajado, demasiado ancho, el rostro surcado de arrugas, los cabellos blancos, cortos y rizados y la barba sin cuidar, sonrió.

Después, con paso cansado, echó las monedas en la hucha de las limosnas para las obras de la Sagrada Familia.

El viejo era Antonio Gaudí. Este episodio es auténtico, una de las pocas anécdotas de la vida sin vicisitudes de Antonio Gaudí y Cornet, vida que se consumió prácticamente entre los muros de una sola ciudad —Barcelona—, donde el futuro arquitecto había llegado a los dieciséis años, en 1869, desde su Reus natal, en la provincia de Tarragona.

GAUDÍ ANTONI Arquitecto de la Catedral de la Sagrada Familia

Arquitecto español máximo representante del modernismo y uno de los principales pioneros de las vanguardias artísticas del siglo XX. El templo de la Sagrada Familia fue la obra que ocupó toda su vida y que se consideró su principal realización artística, a pesar de que quedó inconclusa y sin un proyecto bien definido. (imagen arriba: Antoni Gaudi)

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BREVE FICHA BIOGRAFICA

• Nació el 25 de junio de 1852, en una familia de caldereros, en la localidad catalana de Reus, Tarragona (España).

• De pequeño sufrió de fiebre reumática, que lo obligó a pasar mucho tiempo en el campo, donde observó formas de la naturaleza que trasladaría después a sus obras.

• En su juventud se mudó a Barcelona para estudiar.

• En 1878 se recibió de arquitecto e inició una amistad con el conde Eusebi Güell, quien pronto se convertiría en su mecenas y protector.

• En 1883 comenzó su primer edificio, la casa Vicens, que lo consagraría en su profesión. En ella abandonó las formas tradicionales de construcción y creó otras nuevas, fantásticas y cubiertas de colores.

Grandes proyectos

• Poco después empezó a trabajar para el conde Güell, primero en la construcción de unas caballerizas para su finca y luego en el palacio Güell.

• En 1891 fue nombrado arquitecto del templo de la Sagrada Familia, obra en la que trabajó varios años.

• En 1900 inició el Parque Güell de Barcelona (declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, en 1984).

• Entre 1904 y 1906 proyectó la casa Batlló.

• En los años siguientes realizó la casa Millá, conocida como La Pedrera, siempre en la misma ciudad.

• Murió en Barcelona el 10 de junio de 1926, atropellado por un tranvía.

Además de sorprender con sus construcciones que parecen esculturas, Gaudí se destacó como diseñador de los muebles para las viviendas que proyectó, y en la fabricación de los hierros forjados de sus balcones y ventanas.

Aunque
durante su vida no se reconoció su genio creativo, su obra marcó un hito en la historia de la arquitectura, influyendo no sólo en la formación de notables arquitectos sino también en los futuros profesionales.

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BIOGRAFIA Y OBRA ARTISTICA DE GAUDI

Sus únicos viajes fueron una visita de estudios a Mallorca y a Carcasona, apenas conseguido el título (1878); una rápida excursión por Andalucía y Marruecos —llevado allí por un cliente— en 1887; retornos a Palma para la restauración de su catedral entre 1902 y 1904, y una breve estancia en los Pirineos para curarse de las fiebres de Malta en 1911.

El proceso artístico de Gaudí evoluciona en fases que se pueden distinguir cronológicamente: una vez finalizados sus estudios en la Escuela Provincial de Arquitectura, realiza sus primeros proyectos en un estilo victoriano, cuya característica más evidente es la contraposición entre las masas geometricas y las superficies, en las que la exuberante decoración se obtiene mediante el empleo de distintos materiales: piedra, ladrillo, mayólica y acero.

Al entrar en la escuela de Arquitectura Gaudí no acepta el academicismo, la estricta copia de los estilos del pasado, y encuentra ciertas dificultades para pasar los exámenes.

Sin embargo, se interesa por el pasado histórico de su patria, por la filosofía y el humanismo y asiste a las conferencias que Pau Milá i Fontanals dicta en el Ateneu barcelonés en defensa de la arquitectura gótica.

Con el Centre Cátala d’Excursions Cienttfiques viaja por el sur de Francia.

En Toulouse puede ver la reconstrucción que Viollet-le-Duc, uno de los arquitectos a quien más admira, lleva a cabo en Saint-Sernin.

Pero al parecer, el espíritu del arquitecto francés, su acentuación de las líneas, su cromatismo no gustan a Antoni Gaudí, que cree que más que reconstruir, Viollet-le-Duc caricaturiza el arte medieval.

Durante los últimos años de su carrera, Gaudí colabora con numerosos arquitectos barceloneses.

Parece, sin embargo, un tanto dudosa su supuesta participación en el proyecto del camerín de la Virgen de Montserrat, llevado a cabo por Francisco P. del Villar, e incluso en las obras de la cascada del parque de la Ciudadela, dirigidas por José Fontseré.

No ofrece dudas en cambio su colaboración en la iluminación de la desaparecida Muralla del Mar y sus proyectos para la Societat Obrera Mataronina, grupo que va a la cabeza del cooperativismo catalán.

De lo proyectado en Mataró (fábrica, sede social, ciudad-descanso, etc.) sólo se llevó a la práctica un quiosco y una sala de máquinas en la que utilizó como sostén de la cubierta una serie de arcos parabólicos de madera.

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Quizá en el Park Güell, más que en ninguna otra construcción, Gaudí conjuga en sí, salvando la especialización que ya ha pasado a ser una premisa de la elevada tecnología constructiva, el carácter de escultor que modela los volúmenes, el que transforma un árbol o la silueta de una mujer en una columna, del pintor que cualifica las formas a través del cromatismo y la luz.

Gaudí, además, como un hombre de la Edad Media o del Renacimiento, es también el ceramista y el forjador, no el arquitecto que proyecta, sino el hombre que crea sus obras, sin duda ayudado por grandes colaboradores, como Jujol, que realizó las decoraciones en cerámica de la sala dórica.

Bajo este aspecto, Gaudí ha sido considerado como reaccionario al no proyectar en aras de un futuro abandonando cualquier relación con el pasado, y no rendir culto a la estética de la máquina y del hierro, no trabajando para una nueva sociedad.

Pero Gaudí entiende la arquitectura como un camino de salvación para el hombre, el arquitecto no es el ingeniero que diseña máquinas para vivir, es el hombre que intenta elevar a sus semejantes al conocimiento supremo a través de la armoniosa y a la vez fantástica ordenación del espacio, de los volúmenes, de las formas y del color.

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En 1878 Gaudí obtiene el título de arquitecto y un año después proyecta la primera obra importante, la Casa Vicens de la calle de las Carolinas en Barcelona, después de realizar varios trabajos de segundo orden, como el proyecto de una portada monumental para un cementerio y el de unas farolas para la barcelonesa plaza Real, en las que demuestra ya su consideración por la naturaleza, al concebirlas según las leyes de crecimiento de las plantas.

El efecto general recuerda el estilo morisco, siendo ejemplos de ello la Casa Vicens y el palacio Güell de Barcelona.

En la fase siguiente, entre 1887 y 1900, Gaudí experimenta las posibilidades dinámicas de los estilos clásicos: el gótico (Palacio Episcopal de Astorga y la Casa de los Botines de León) y el barroco (Casa Calvet de Barcelona).

Entretanto se construye la casa Vicens, el arquitecto se preocupa por el arte mobiliar y envía a la Exposición Internacional de París de 1878 un proyecto de escaparate-vitrina para una farmacia barcelonesa.

A pesar de que el diseño no despierta gran interés, atrae la atención de Eusebio Güell, conde, terrateniente y avispado industrial, que a partir de entonces será su más fiel cliente y admirador.

Para el conde Güell, proyecta en 1882 un pabellón de caza que debía de construirse en Garraf, al mismo tiempo que en colaboración con Joan Martorell realiza un anteproyecto para la iglesia de los benedictinos de Villaricos, en Cuevas de Vera (Almería).

En esta época, el joven arquitecto es abierto, voluble, anticlerical; gusta de la buena mesa y sigue la moda en el vestir.

Su dandismo se manifiesta en su gabán beige y en las botas altas que calza, elementos que dan un carácter un tanto frivolo a su figura.

A Gaudí no le faltan encargos y 1883 se convierte en el año crucial de su carrera como arquitecto.

Por una parte, un amigo del conde Güell, Máximo Díaz de Quijano, le encarga la construcción en una villa residencial en Comillas (Santander).

Por otra, construye la finca Güell en el barrio barcelonés de Les Corts y, a finales de aquel año, el día 3 de noviembre, acepta continuar los encargos de edificación del templo de la Sagrada Familia en Barcelona.

Y desde principios de siglo, la práctica arquitectónica de Gaudí pasa a ser algo único, que ya no se puede clasificar con una nomenclatura estilística convencional.

Es el período en el que el arquitecto vuelca toda su potencia expresiva en la Sagrada Familia, que incluso lo compromete y obliga más como hombre religioso que como artista.

Hijo de un calderero (durante toda su vida sintió el orgullo del artesano capaz de doblar a voluntad el metal), estudió en el colegio de los padres escolapios, asimilando quizá en aquellos años el germen de un rigor moral que lo convirtió en un ser intransigente y solitario.

Antoni Gaudí era hijo de una humilde familia de caldereros, procedente de Auvernia, que se había instalado en la Cataluña meridional a principios del siglo XVIII: «Mi padre fue calderero, mi abuelo y mi bisabuelo lo fueron también —comentaría orgulloso Gaudí—; los padres de mi madre fueron caldereros y uno de mis bisabuelos, tonelero… Todas esas generaciones me han preparado.

El calderero es un hombre que de una superficie hace un volumen: antes de empezar su trabajo ha visto ya el espacio. El calderero abarca las tres dimensiones y recrea inconscientemente el espacio. ¡El espacio es la calderería!…»

Fue, evidentemente, un personaje taciturno y huraño que pasaba todo su tiempo sumergido en el trabajo, que cada día se acercaba a la iglesia, prefiriendo las largas conversaciones con unos pocos íntimos a las reuniones mundanas, y que siempre iba tan desaseado y tan mal vestido que a veces, como se ha recordado al principio, podía ser confundido con un mendigo.

Por otra parte, y desde luego por completo al margen de esas anecdóticas y pintorescas limosnas, Gaudí necesitaba dinero, mucho dinero, para llevar adelante las obras de la Sagrada Familia, el gran templo votivo que durante cuarenta y tres años —de 1883 a 1926, año de su muerte— fue el exclusivo fin de su existencia.

En esta empresa gastó todo lo que poseía, conformándose con vivir pobre y sencillamente, como un ermitaño; pero el dinero nunca era suficiente. Y ello, en parte, a causa de su falta de previsión, por su modo de trabajar con programas ilimitados, con intuiciones, arrepentimientos y muchos imprevistos que hacían subir tanto los costos que perjudicaba a los que sufragaban los gastos.

Pero Gaudí no se preocupaba por esas cosas: la suya era una búsqueda ininterrumpida en la que no podía ni quería aceptar en el trabajo plazos determinados.

Cuando pasó a ser prácticamente su propio mecenas, no se avergonzó ni tuvo el menor reparo en transformarse en una especie de postulante que pedía constantemente, pues para él lo que se ponía en juego era importantísimo.

Como tampoco le molestaba ser tildado de “snob” por la gente: para los conformistas de la época (cada época los tiene) no era fácil admitir que un hombre de un aspecto tan modesto pontificase con tanta autoridad o se permitiese exigir ayudas monetarias.

Para ellos un hombre tan mal vestido y desaseado no podía ser más que un revolucionario o un visionario.

Pero Gaudí continuaba tranquilamente su trabajo.

Le bastaban las conversaciones con sus colaboradores —tuvo muchos, y de talento, que se pusieron a su lado sin pedir nada a cambio— o los raros encuentros con visitantes excepcionales, como el filántropo Albert Schweitzer o el poeta Juan Maragall Gorina, partidario entusiasta del resurgimiento catalán.

Permaneció siempre soltero y en los últimos años de su vida vivió completamente solo.

Durante cierto tiempo tuvo a su lado a su padre y a una sobrina, pero cuando éstos murieron fue atendido por dos monjas carmelitas de un convento cercano, que después lo recordarían como una persona devota y amable.

Una de sus más bellas fotografías lo reproduce, ya con sententa años de edad, con un largo cirio en la mano, mientras participa en la procesión del Corpus Christi.

Todas las mañanas, antes de dirigirse a las obras de la Sagrada Familia (que se había convertido en su eremitorio), se detenía en la iglesia de San Felipe Neri, para oír misa.

Hacia allí se dirigía, como de costumbre, la mañana del 7 de junio de 1926 cuando fue atropellado por un tranvía: a consecuencia de las heridas murió tres días después. siendo sus restos inhumados en la cripta de la gran catedral inacabada.

Se cerraba así, después de setenta y cuatro años, una existencia que había transcurrido casi por entero dentro del horizonte de Barcelona, este horizonte al que la piedad profunda y rica en fantasía de Gaudí caracterizó y modificó definitivamente al levantar en él los increíbles pináculos de un templo que había de convertirse en una especie de símbolo de la ciudad.

LOS ULTIMOS AÑOS DE GAUDÍ:

El reumatismo que Gaudí sufre desde pequeño, le va causando cada vez más molestias.

Tras la construcción de la casa Milá, el maestro, un tanto cansado, dedicará todo su tiempo al templo de la Sagrada Familia.

Apenas se le conocen a partir de entonces algunos proyectos: capilla del convento de las Teresianas de Barcelona (1908-1910), Gran Hotel de Nueva York, que debía ser más alto que la torre Eiffel y que de haberse llevado a cabo hubiese significado la construcción más ambiciosa del arquitecto; proyecto para una colonia en Torelló (1923) y el diseño para un pulpito de la catedral de Valencia (1925).

Gaudí, a partir de 1906, vive en una pequeña casa que un ayudante suyo, Francesc Berenguer, construyó en el Park Güell.

Lleva una existencia en extremo austera. Se levanta a las siete de la mañana y va a comulgar todos los días a la parroquia de San Juan de Gracia.

Se dirige luego a las obras de su catedral y allí come frugalmente: ensalada, un vaso de leche con una rodaja de limón, una manzana asada al horno y media mandarina: «La mortificación del cuerpo —explica Gaudí— es la alegría del espíritu.

El sacrificio es el único medio-capaz de hacernos avanzar por el camino de la verdad interior, camino sin el cual no existe arte verdadero… La mortificación del cuerpo empieza con el trabajo incesante, ininterrumpido de todos los días de nuestra vida.»

A la caída del sol, Gaudí se dirige a orar a San Felipe Neri cerca de la catedral, y a pie regresa a su Park Güell.

Entretanto, la Sagrada Familia sigue creciendo cada vez con mayores dificultades económicas.

Ya en 1905 Joan Maragall, el gran amigo del arquitecto, había escrito en el Diario de Barcelona: «A menudo me siento orgulloso de ser barcelonés… otras veces me avergüenzo de ello: hoy es una de éstas.

Este hombre que construye el templo de la Sagrada Familia me ha dicho que los recursos para continuar esta obra se agotan, que los donativos disminuyen entre nosotros…

Si un pueblo, aun en la anarquía sangrienta y la miseria, es siempre un pueblo y tiene derecho a la esperanza, un pueblo sin identidad no es nada ni tiene derecho a nada.

El templo de la Sagrada Familia es el templo de la idealidad catalana a Barcelona, el monumento de la piedad eternamente ascendente, la concreción petrificada del deseo de elevarse, la imagen del alma popular…»

El templo es visitado por grandes personalidades: Albert Schweitzer, el cardenal Ragonesi, Enric Prat de la Riba, Alfonso XIII, Unamuno, etc. Gaudí despliega entonces su catalanismo y se niega a conversar en otra lengua que no sea la catalana: «Esto (la catedral) no puede expresarse ni en francés, ni en alemán o inglés —decía a Schweitzer—, así pues se lo voy a explicar en catalán y usted comprenderá lo que yo le diga, aunque no conozca esta lengua.»

El arquitecto, muerto su padre en 1906, el poeta y amigo Joan Maragall en 1914, el conde Güell en 1914, su sobrina Rosa y su inseparable compañero Llorenc Matamala en 1925, se hunde en una completa soledad y decide instalarse en los mismos talleres del templo.

Allí monta una cama entre las maquetas y diseños.

El lunes 7 de junio de 1926 se dirige como todos los días al oratorio de San Felipe Neri; su pensamiento está absorto en la primera torre del templo que se inaugurará el día 11.

Al atravesar la calle de las Cortes Catalanas, cerca de la plaza de Cataluña, vacila y cae bajo las ruedas de un tranvía.

Es recogido y llevado al hospital Clínico: su aspecto es de mendigo, viste miserablemente, los pies desnudos dentro de los zapatos, ningún documento permite identificarlo; su ayudante Doménech Sugranyes y el capellán del templo reconocen por la noche en el vagabundo al visionario arquitecto que morirá tres días después, el jueves 10 de junio de 1926.

El 12 de junio el maestro fue enterrado en la cripta de su catedral inacabada, de la catedral de los pobres, cuyo portal, según sus propias palabras, «será lo bastante grande para hacer pasar por él a toda la humanidad».

Caricatura de Gaudi Antoni

caricatura de gaudi

A medida que el arquitecto se va adentrando en la problemática del nuevo templo, su anticlericalismo, quizá por motivos no demasiado conocidos, va desapareciendo y Gaudí se convierte en un hombre en extremo religioso, que alcanza lo místico: «¡El hombre sin religión —exclamó el arquitecto— es un hombre espiritualmente fracasado, un hombre mutilado!».

La pobreza, para Gaudí, conduce a un estado de elegancia y belleza, mientras que la riqueza lleva irremediablemente a la opulencia y a la complicación que nunca pueden ser bellas.

En la cuaresma de 1894, Gaudí se encierra en su piso de la calle Diputación, en donde vive con la hija de su hermana, Rosa Egea, para profundizar en los santos misterios.

El propio obispo Torres y Bages, gran amigo suyo, tiene que acudir a su casa para hacerle desistir de su extremado recogimiento.

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PARA SABER MAS…

Antonio Gaudí, representante de medio siglo de arquitectura española, murió atropellado por un tranvía en 1926. Adscrito a la estética modernista de principios de siglo, el arquitecto siempre dio más importancia al individuo romántico que a lo formal de este movimiento cultural.

Se ha dicho que Gaudí fue el último representante de una época ya concluida, pero que a la vez abre una línea expresionista que evoluciona en las vanguardias del siglo XX. Gaudí desarrolló su sueño personal en obras como el Parque Güell y las casas Batlló y Milá, situadas en la ciudad de Barcelona.

La coronación de su estilo personal, relacionado con el surrealismo, fue la inconclusa iglesia de la Sagrada Familia.

Gaudí nació en una familia de artesanos y estudió con maestros tradicionales pero, a pesar de sus arraigados sentimientos nacionalistas, consiguió dar un sentido cosmopolita a sus obras, que unen tradición y modernidad, tanto en el interior como en sus fachadas.

Su estilo arquitectónico era espiritualista (era un ferviente católico) y formalista y supuso la desaparición del clasicismo.

En sus obras, Gaudí ocultó soportes, utilizó materiales industriales nuevos y cambió la concepción del espacio.

En 1893 recibió el encargo de construir la Sagrada Familia y a partir de entonces dedicó su dinero y su tiempo al templo (en ese monumento levantó cuatro torres, de las cuales sólo una fue concluida por él, y la fachada del Nacimiento).

Gaudí vivía en forma tan austera que cuando murió fue confundido con un vagabundo. Su obra no llegó a trascender en su época. Pero después de su muerte, fue reconocida internacionalmente.

Fuente Consultada:
Enciclopedia de las Maravillas del Mundo Tomo III
El Gran Libro del Siglo XX Clarín

Enlace Externo: La Obra Maestra de Gaudí

Los Acolitos:Una Relacion Con Teatro Itinerante

Los Acólitos Una Relación Con Teatro Itinerante

Los acólitos: Una relación con el teatro itinerante El arte debe ser vivido por todos, no como un espectáculo experimentado pasivamente, sino como un juego en el que se arriesga la vida .En las organizaciones libertarias hemos visto en los cuadros filodramáticos, especialmente en los surgidos en las escuelas del movimiento, un esfuerzo colectivo de sacralización que exige del participante una apertura del espíritu y ofrece a cambio el control de sus propios medios de expresión El teatro, aún didáctico, conserva un aspecto de fiesta, pero ésta se convierte pronto en la fiesta de la Revolución.

En la experiencia que ellos intentan… actores y espectadores son los coautores del drama y en estamos en presencia de un verdadero teatro comunitario.

La idea de este teatro aleatorio es favorecer la creación de la “comuna” y reconocer el hecho de que existe un artista creador en cada individuo.

Y aunque el teatro no es más que un evento, conduce a la acción .

Por un breve instante, el arte, la vida, la política, forman una unidad.

Las técnicas aleatorias garantizan que no haya un itinerario preestablecido, que no se establezca ninguna teleología social, que no se imponga, pues, una performatividad. La estética marxista se presenta como guardián de la tradición realista.

La estética anarquista es el guardián del espíritu de ruptura. Y puesto que tiene la mirada fija en el porvenir, interpreta tal vez mejor la aspiración del artista de hoy a la libre expresión de su fe de herético .

Los libertarios rioplatenses desplegaron así un fuerte sentido de lo comunitario que conjugó la lucha económica con una decidida militancia de integración cultural alternativa a la del Estado.

Integración desigual, discontinúa, muchas veces efímera, contradictoria en sus apropiaciones.

En este contexto de crecimiento de los centros portuarios el movimiento libertario adquiere gran relevancia en la organización de la lucha sindical.

La necesidad de mano de obra barata por la expansión de la economía generó situaciones de esclavitud fogoneadas por las patronales, que respondían al modelo hegemónico oligárquico.

Con gran rapidez crecieron locales anarcosindicalistas , junto a centros, círculos y escuelas de orientación ácrata.

La creación artística de estos núcleos es remarcable y se convierten en el sistema de producción más dinámico de la época.

La reacción de los sectores que detentaban el poder político y económico no se hizo esperar y no sólo se dedicó a la represión de huelgas o foquismos puntuales sino que apuntó a toda la actividad del anarquismo en general.

Se clausuraron sus diarios e imprentas, se ningunearon y luego quemaron sus centros y escuelas racionalistas.

Era un vano intento por frenar la ola de concientización de la clase proletaria.

No faltaron recursos al libertario para seguir expresando sus ideas apelando a dos figuras que simbolizaban por su estilo de vida la existencia sin ataduras, los acólitos y los crotos.

Los acólitos utilizaron también las viadas para la enseñanza de las ideas anarcosindicalistas y nunca promovieron foquismos, a pesar de trabajar en solitaria durante meses.

Las bases de la perspectiva anarquista – tanto en términos generales, como en lo específicamente referido a lo artístico – no derivan de un modelo teórico que, una vez establecido por algún “maestro pensador”, quedaron determinados para siempre.

Se trata aquí de un cuerpo conceptual dinámico, cuyos creadores y seguidores han rehusado convertir en canon de obligatoria obediencia, pues siendo su esencia la libertad y el cambio mal podría avenirse con ello.

Por tal motivo, no es sencillo – y hasta resultaría inaceptable para algunos – pretender enumerar los principios estéticos libertarios, más aún cuando ello significa suponer coincidencias plenas entre posturas ideológicas que han puntualizado sus diferencias tanto en la explicación y valoración del hecho artístico como en otros aspectos (por ejemplo, el Anarcosindicalismo, el Anarquismo Individualista, el Anarquismo Cristiano y el Municipalismo Libertario).

No obstante, es posible intentar una presentación que subraye los elementos que unifican a las diversas teorías estéticas libertarias, ámbito donde quizás lo más difícil sea conciliar lo que sostiene el Anarquismo Individualista con lo que afirman las tendencias en pro de lo que cabe llamar el Anarquismo Social.

Explicar estas diferencias excede los objetivos de este trabajo.

Sin embargo para avanzar en la actividad de los acólitos como vehículos del ideal libertario es necesario precisar si es posible descubrir una genuina estética del movimiento por encima de sus múltiples interpretaciones doctrinarias.

La estética anarquista parte de considerar al arte como expresión indispensable en la vida de los pueblos y los individuos, en tanto se trata de una praxis que fusiona la imaginación con el trabajo – la actividad humana y humanizante por excelencia.

Es en su horizontalidad de criterios y en su multiplicidad de propuestas, que encontramos un rico y destacado material dramatúrgico.

Voy a desarrollar la tarea de dos acólitos que, fieles a esa falta de dogmatismo, se desplazaron por zonas casi despobladas del territorio argentino.

Isaac Berman, un joven maestro partió hacia el norte de Santa Fe y desde allí se internó en la selva chaqueña. Nos cuenta:”Mi familia era alemana y supe del socialismo desde la cuna.

Mi abuelo había participado de las revueltas de 1848 y dos tíos militaron con fervor en el primitivo comunismo marxista. Yo nací en estas tierras, a poco de comenzar el siglo. Viví desde pequeño la agitación obrero por la vinculación de mi padre con los sindicalistas que seguían las ideas reformistas de Justo.

Pero un hecho inesperado cambió mi vida para siempre. La traición de los dirigentes ante una huelga dejó a mi familia sin sustento, por lo que debimos mudarnos a una pequeña finca cerca de Luján. Allí ingresé a la escuela libertaria y aprendí un nuevo camino y la verdad de un ideal puesto al servicio del hombre y que nace del propio hombre.

Quería ser escritor, pero la lucha me llevó a dedicarme a la docencia, llevando a lugares muy lejanos el amor por los principios anarquistas. Para no olvidar mi amor por la escritura, comencé a redactar poemas y pequeños monólogos que utilizaba didácticamente con mis alumnos.

Recuerdo uno especialmente, en mi primera experiencia con los hacheros. Los compañeros locales habían reunido un pequeño grupo y decidí presentarme arremetiendo con “No desesperen”, un breve texto de mi producción. Allí un delegado ácrata se dirigía a los que compartían sus dolores y a aquellos que los explotaban. RAMON: Estoy aquí para debatir los pasos a seguir en la huelga. Tuve muchas presiones. Los dueños de los campos, los capitalistas terratenientes, atentaron contra mi vida y sus esbirros de la policía mataron al pobre Juan. No se puede razonar con el que blande el látigo y nos cree sus esclavos.

Ellos hablan de la civilización que traen, de los adelantos que su presencia significa. Y sólo crean almacenes rústicas, en las que los obreros del hacha, debemos comprar con vales y a precios inalcanzables. Si el turco, que les hace de intermediario, quiso cambiar pieles valiosas por un kilo de yerba. Se dan cuenta, compañeros.

Un engaño tras otro. Pero claro son letrados, tienen la ley del dueño de su lado y se aprovechan de la ignorancia del pobre. Por eso les pido que se acerquen al círculo anarquista, allí aprenderán a leer o a profundizar lo que saben. Y el combate será también en otros campos. No le regalemos el territorio de la razón. El conocimiento es un proceso que se identifica con sus fines: libertad y amor. Para realizar el deseo irresistible de libertad es necesario conocer, y para conocer es necesario amar. El conocimiento, la libertad y el amor no pueden ser concebidos sino en una relación recíproca.

Estos tres términos son el lado de un triángulo que no podría existir sin los otros dos. Y como el amor es a un tiempo instrumento de conocimiento y de liberación, la poesía es amor e iluminación.

La lectura los hará libres; aunque sean dependientes sus cuerpos, su espíritu no tendrá patrón. No renuncien a la belleza. Por más loco que me crean, aún en medio de la selva y perseguidos podemos conectarnos con esa belleza que nos rodea y con la crece en nuestro interior. Pertenecemos a un movimiento social contestatario y somos una opción de rebeldía ante el Estado y las instituciones jerarquizadas y despóticas inherentes al capitalismo.

Se puede constituirse un modelo de organización asentado en prácticas colectivas e igualitarias y en relaciones de solidaridad y cooperación voluntaria, en resumen autogestionario, configurado por grupos auto-administrados, cooperantes y donde no tuviesen cabida el autoritarismo y la dominación.

Ciertamente que esa organización voluntaria y no jerarquizada exige empeño personal, participación y conciencia, al contrario de las instituciones autoritarias que recurren a chantajes, propinas y fraudes. Por esa razón es más difícil y más tardía la creación y desarrollo de formas de organización cooperativas, incluso porque la resistencia a los cambios, la huella de los valores dominantes y la rutina tiende a apartarnos de modos de organización que implican un trabajo arduo y permanente de renovación y compromiso solidario.

No aflojen, podemos y debemos dar una repuesta rotunda y ella será la organización en torno al ideal. Y no responderemos con violencia, porque eso esperan, para exterminarnos y adocenar a los que sobrevivan. Lo haremos con el amor que surge de nuestra comunión de intereses, de nuestra humanidad plena, de nuestra libertad sin rejas teóricas.” Vincenzo Matiori, discípulo de Malatesta, decidió abandonar la ortodoxia del movimiento y lanzarse a una labor educativa en la actual provincia de Misiones. Recuerda:”Después de muchos desencuentros, me di cuenta que las posiciones irreductibles eran contrarias a nuestra doctrina. Para evitar caer en disputas de bando, me alejé de los centros urbanos y me trasladé por el Litoral, llegando a Misiones.

El movimiento contaba con una incipiente organización en la región y en muchos lados ni rastros había de él. Conocedor del valor del teatro como vehículo de ideas, escribí seis monólogos y junto a tres cartillas, (también de mi producción), inicié la complicada, casi utópica gesta de llevar socialismo a quien apenas leía castellano.

Acompañaba mis improvisadas piezas con el acordeón, que aprendí a tocar de niño. Además me gustaba mucho la sonoridad del guaraní, lo fui conociendo en sus matices y hasta compuse alguna polka. Ante las represiones en el cercano Paraguay, contra anarcosindicalistas y obreros en general, organicé una reunión de boteros, hacheros, pequeños campesinos de los yerbatales simpatizantes de las ideas ácratas y lanzamos un documento.

Ese día estrené un breve monólogo llamado “Gritos de los pobres”. Javier, el obrero libertario esclarecido se dirigía a las autoridades oligarcas, los grandes usurpadores de la tierra y la vil policía. JAVIER: No tengo miedo, ni siquiera inquietud. Me pregunto si sus argumentos serán siempre el maltrato, el abuso y el asesinato a escondidas. Nunca enfrentaron con ideas, no las tienen.

Son indignos de la condición humana. Dado que quiero sinceramente acabar con toda dominación y explotación y empezar a abrir las posibilidades para crear un mundo donde no haya ni explotados ni explotadores, ni esclavos ni amos, elijo aprovechar toda mi inteligencia apasionadamente, usando toda arma mental -junto con las físicas- para atacar al presente orden social.

No pido disculpas por esto, ni me dirigiré a aquellos que por pereza o por la concepción ideológica de los límites intelectuales de las clases explotadas rechazan usar su inteligencia. No es sólo un proyecto anarquista revolucionario lo que está en juego en esta lucha; es mi realización como individuo y la plenitud de la vida que deseo. Y no la voy a construir solo, ya que la salvación es colectiva. Y por eso les hablo, poderosos a la cara. Carecen del concepto de moral y se inclinan frente a un Dios, sin creer en El. No aplican ni siquiera su misericordia, sólo llaman a los curas para que bendigan sus atrocidades.

Pero quiero explicarles, que aunque esté atado y vejado, soy el futuro. Ustedes son piezas de museo, que caerán con la rapidez de un rayo sobre el árbol. Son sombras, de las que no quedarán rastros y sus nombres sólo llenarán espacios en la lista de los traidores. Me hablan de patria, y martirizan a sus habitantes. Hipocresía, señores. Y dejo mi capítulo final, para los compañeros policías.

Quiero comprenderlos, lo intento diariamente. Son los perros guardianes de la patronal. Han nacido en las mismas moradas del obrero, comido su alimento, sufrido la falta de escuelas y la instrucción. Y se inclinan por unos miserables pesos. Son la escoria del sistema, los que acuñarán el olvido de los desiertos yermos.” La actividad de los acólitos libertarios se fue diluyendo cualitativa y cuantitativamente desde fines de 1930. Si bien la concepción de libertad experimentada por los maestros normales volantes siguió a lo largo de por lo menos dos décadas relacionándola con el ideario ácrata, esta percepción es errónea. Pero sus interminables esfuerzos, más allá de persecuciones y asesinatos, aún registran productos culturales (en especial bibliotecas populares) en muchos parajes del país.

Bibliografía

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Santillán, Diego Abad de. La FORA. Ideología y Trayectoria, Proyección, Buenos Aires, 1971

Woodcock, George. Anarchism, Meridian Books, Cleveland, 1962

Revistas y periódicos 

El rebelde, colección completa

Boletines obreros FORA regional La Plata, colección completa

Entrevistas a

Isaac Berman, Buenos Aires, 1988

Vincenzo Matiore, Buenos Aires 1990

La Familia Borgia:Biografia e Historia

La Familia Borgia – Biografia e Historia

familia italiana borgia

• LISTA DE TEMAS TRATADOS:

1-Rodrigo Borgia
2-César Borgia
3-Lucrecia Borgia
4-El Humanismo
5-El Renacimiento
6-Etapas Arte en Europa
7-Los Médicis
8-Florencia Renacentista

La leyenda de los Borgia:

Ya a partir del siglo VI el papa había sido tradicionalmente no sólo la cabeza visible de la Iglesia occidental, sino también un soberano temporal.

Ambas funciones resultaban fundamentalmente irreconciliables, por lo que, en el siglo XV, la Iglesia había perdido gran parte de su pureza y fervor original: no sólo se había convertido al papado en una posición política, sino que además Alejandro reconocía abiertamente el hecho de tener hijos, pese al voto de celibato a que le obligaba su condición de clérigo; hay que reconocer, por lo demás, que su caso no fue excepcional en la época.

Pero los hijos de Borgia se convirtieron en leyenda.

Los historiadores difieren bastante en cuanto a su número, aunque los más famosos fueron tres: Juan, duque de Gandía, César, que se adueñó de la nobleza sometiéndola a las órdenes del papa, y Lucrecia.

Juan, el mayor, es el más oscuro, mientras que Lucrecia se ganó una triste reputación en la corte de su padre, al menos si tenemos en cuenta las crónicas contemporáneas; sus tres matrimonios obedecieron en gran parte a los intereses papales.

De todos ellos, tal vez fuese César el que más mereció su fama.

Fue ambicioso y despiadado: el cumplimiento de las órdenes de su padre le acarreó enemistades con algunas de las familias más poderosas de Italia.

Sin embargo, fueron sus esfuerzos los que lograron unificar los Estados papales y consolidar la posición del Vaticano en Italia.

Es probable que, a los ojos de la Roma del siglo xv, el mayor crimen de Alejandro fuese su origen y nacimiento español.

De hecho, Borgia no es sino una italianización del apellido valenciano Borja.

Pocas de las historias que le hicieron tan notorio están comprobadas, pero Julio II, su sucesor, que conspiró incansablemente junto al cardenal Della Rovere para derribar a los Borgia, odiaba todo lo español; ahí podría estar la base sobre la que se cimentó la triste reputación de la familia.

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LA FAMILIA BORGIA:

Domingo, 16 de agosto de 1492.

Todo a lo largo del camino que une la Basílica de San Pedro con la Iglesia de San Juan de Letrán, las casas están adornadas con pendones de colores, tapices de seda y cortinas de terciopelo.

La multitud, volcada sobre los balcones y ventanas de los edificios, espera impaciente.

De pronto, los murmullos cesan, sofocados por el sonar festivo de las campanas: se aproxima el cortejo de Coronación del nuevo Papa.

Es un espectáculo ya conocido por los romanos, pero que no se cansan de aplaudir.

Inician el desfile las tropas mercenarias, seguidas por los familiares y por la Casa del Papa, los cardenales, obispos montados en caballos con suntuosos arreos.

Vienen luego los siervos de la Iglesia, los tiranos —gobernantes absolutos— de Perusa, Bolonia, Pésaro y otras varias ciudades, conduciendo el estandarte del pontífice.

El capitán general de la Iglesia, con armadura y yelmo, escolta el incensario.

Poco después, en un caballo blanco, protegido del sol por un dosel amarillo y bermejo, llega Su Santidad, el sucesor de Pedro.

«Roma era grande bajo César: hoy es mayor. César era un hombre. Alejandro VI es un dios», gritan los ciudadanos. Muchos, sin embargo, permanecen silenciosos. Para ellos, el nuevo pontífice es un pecador condenado al Infierno. Además, es un extranjero. Treinta y siete años de cardenalato y el cargo de vicecanciller de la Santa Sede bajo cinco Papas no bastan para que los italianos olviden el origen español del Cardenal Rodrigo Borgia (Borja).»

Al llegar a Letrán, un presagio desfavorable: Alejandro, agotado por el calor, se cae desmayado en bra/os tle un cardenal.

Poco después vuelve en sí.

Pero todos los que asisten a la escena piensan si acaso al Papa, que tiene la misma edad del fallecido Inocencio VIII, no le aguardará el mismo destino.

PARA UNA CARRERA RÁPIDA ENEMIGOS BRILLANTES:

«Tez morena, alto, ojos negros y boca un tanto grande.

Cada vez que se presenta en público extrema los cuidados de sí.

Es extraordinariamente elocuente y enemigo de toda persona cuya pulcritud deje que desear».

Así veían los contemporáneos al cardenal Rodrigo Borgia, durante tanto tiempo el segundo hombre de los Estados Pontificios.

Rodrigo llegó a Italia con su hermano mayor, Pedro Luis, llamado por su tío, Alfonso Borgia, a la sazón Papa Calixto III.

Fueron cubiertos de honras.

Para Pedro Luis se creó el título de Cardenal-sobrino, depositario del poder temporal del papado. Rodrigo fue consagrado Cardenal en 1456. Tenía 25 años.

A los 27 recibió la vicecancillería de la Iglesia.

Al año siguiente fue consagrado obispo de Valencia, el más rico obispado cíe España.

Los poderosos vasallos del Papa miraban con envidia a aquellos jóvenes de tan rápida carrera.

La muerte de Calixto III, sin embargo, daría al más joven de los Borgia ocasión para mostrar sus cualidades personales.

Rodrigo consiguió salvar la vida de su hermano, amenazado por los Orsini, grandes señores romanos. Pedro Luis huyó de la ciudad.

Rodrigo, entretanto, permaneció en su cargo, conduciéndose con tanta habilidad que logró decidir la elección de su candidato para el Trono de San Pedro.

Aquel joven y poderoso señor, a quien las circunstancias habían brindado un capelo cardenalicio, no conseguía vivir sin la compañía de hermosas mujeres.

Rodrigo no era un pecador rodeado de santos.

El propio Papa, ante el proceder del Clero de la época, solía decir:

«Que los Padres no se casen es muy razonable, pero que se casen lo es todavía más». El Cardenal Borgia, sin embargo, exageraba, hasta el punto de tener Pío II que escribirle para hacerle severas críticas:

«Querido hijo, cuando varias señoras (. . .) se reunieron en vuestros jardines (…),
Vuestra Dignidad, olvidado del cargo que ocupa, permaneció junto a ellas entre las 7 y las 22 horas. Se danzó de manera disoluta.

Allí, ninguno de los placeres de amor fue olvidado (…). Los. maridos, los hermanos, los padres de las jóvenes señoras y las mozas invitadas no fueron admitidos para que vuestra diversión pudiese verse aún más libre de todo obstáculo. Nuestro disgusto es indecible (. . .) «.

————-  00000 ————

Rodrigo decíase arrepentido y prometía enmendarse.

Sin embargo, sería conocido para siempre como «el Cardenal que nunca duerme solo en su lecho.»

En 1468, el inquieto Cardenal hízose amante de Giovanna del Catanei, hermosa joven de apenas dieciséis años.

En 1474, le consiguió un marido «cómodo», a tiempo para que el primer hijo, César, naciese en legítimo casamiento.

El segundo, Juan, nace en 1476.

En 1480, la Cataneida a luz una mujercita, Lucrecia.

Dos años más tarde llegaría Godofredo.

Son, todos ellos, hijos reconocidos del Cardenal Borgia, naturalizados españoles y exentos de cualquier restricción debida a su nacimiento; les estarán reservadas grandes honras.

Pero aquella rubia Lucrecia tendrá un destino muy amargo.

Será dada en matrimonio a cambio de ocasionales alianzas políticas, y verá a sus esposos separarse de ella toda vez que tales alianzas pierdan vitalidad.

Su belleza, sumada al poderío de su casa, contribuirán a hacer de ella la víctima natural de las calumnias de los enemigos de los Borgia.

La que fuera un simple juguete en manos de su padre y de sus hermanos, será considerada por muchos como el «cerebro maldito» de la familia.

El nombre de Lucrecia Borgia pasará a la historia como sinónimo de corrupción y crimen.

JUDÍOS, MOROS Y MARRANOS: EL PARTIDO DE LA PAZ

Lucrecia descubrió pronto que el hombre alto y moreno que la alzaba en los brazos llamándola «mi rubiecita» era su verdadero padre.

Descubrió también su posición de niña privilegiada en la sociedad italiana de la época, llena de hijos naturales.

Bien pronto los pequeños Borgia fueron retirados de la compañía de la madre para que recibiesen una educación a la altura de su nacimiento.

Lucrecia fue confiada a una prima del Cardenal Borgia, Adriana de Mila, viuda de Ludovico Orsini, de quien tuviera un hijo, Orso.

Adriana cuidaba también de Julia Farnese, novia de Orso desde la niñez.

En compañía de Adriana de Mila pasó Lucrecia sus seis primeros años.

Jugaba con sus hermanos y con Julia y Orso.

A veces visitaba a su madre.

Aprendió a tocar el laúd, a cantar y bailar, a bordar.

Estudiaba francés y español, asistía a representaciones teatrales en latín, al aire libre, en los patios de los grandes palacios romanos.

Recibió la formación de una joven princesa del Renacimiento italiano, hija de una de las más poderosas personalidades de la Iglesia.

Roma necesitaba un gobierno fuerte y capaz.

Al tradicional equilibrio político de Italia, en que ninguna ciudad era lo bastante fuerte como para asumir la hegemonía absoluta sobre las demás, agregóse un nuevo factor: interés en la península por parte de franceses y españoles.

La gran aristocracia italiana —los Visconti, los Sforza, los Médicis, los d’Este, los Montefeltro— tuvo que contar con ese nuevo factor en sus maquinaciones políticas.

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Biografía de Chopin Federico Resumen de su Vida y Obra Musical

Biografía de Federico Chopin –  Genio del Piano y la Música Clásica

Tanto como exponente cabal del romanticismo en el campo de la música, como en calidad de guía por el amplio camino de las posibilidades pianísticas, Federico (Frederic) Francisco Chopín recaba un lugar de honor entre las grandes artistas de la primera mitad del siglo XIX.

Seguro, fuerte y vibrante en sus composiciones de temas nacionales, Chopín escribió, por otra parte, las obras más melancólicas, refinadas y expresivas del romanticismo.

De su genio brotaron armonías etéreas, vaporosas y encantadoras, de una intensa profundidad pasional.

Federic Chopin Biografia

Chopin entre Varsovia, Berlín y Viena (1810-31)

Por esta causa, su campo de acción preferido fueron las obras de compases reducidos, como los nocturnos, los estudios y los preludios.

Aunque a veces parezcan obras de improvisación, se ciñen siempre a unos preceptos orgánicos, que encierran las melodías en cánones de belleza armónica, casi clásicos.

Como pianista fue admirable, tanto por las delicadezas de su pulsación como por haber sabido arrancar del piano las modulaciones y los acordes de otros instrumentos.

Chopin fue un compositor de música para piano.

Un compositor muy especial, plenamente romántico, en el sentido más universal del término.

Vida y anhelos personales, música y poesía se entrelazan en sutiles desarrollos melódicos y armónicos, plagados de lirismo y sensibilidad.

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BREVE FICHA BIOGRAFICA

• Nació el 22 de febrero de 1810, en una finca, a pocos kilómetros de Varsovia (Polonia), llamada Zelazowa Wola.

• A los cinco años recibió sus primeras lecciones de piano y pronto empezó a componer.

• Dos años después dio recitales en los salones aristocráticos de Varsovia.

• En 1822 ingresó en el Conservatorio y empezaron sus problemas de salud.

• Siete años más tarde viajó al extranjero para adquirir experiencia y ser reconocido en otros países.

• En 1830 volvió a Varsovia, pero no tuvo el recibimiento que esperaba y decidió irse a París y a Londres. Durante el viaje se enteró de que los rusos habían invadido su país y se vio obligado a establecerse en Francia.

• En 1832 dio su primer concierto en la capital francesa con tanto éxito que pronto ingresó en la vida artística y se hizo de importantes amigos como Liszt y Berlioz.

Un pianista famoso: Se convirtió en el profesor de piano de moda y comenzó a ganar mucho dinero con la venta de sus composiciones.

• En 1836 su amigo  Liszt le presentó a la escritora George Sand, de quien se enamoró.

• En 1847 se resintió su salud y terminó su relación con George Sand. Para distraerse viajó a Londres, donde dio varios conciertos.

Dos años después, muy enfermo de tuberculosis, regresó a París.

• Murió el 17 de octubre de 1849.

Además de los numerosos estudios, nocturnos y mazurcas que compuso para piano, Chopin se destacó con la creación de diecinueve polonesas.

Tradicionalmente, la polonesa era una de las danzas más populares e importantes de Polonia.

El músico: tomó los ritmos de esos bailes y los transformó; así, las polonesas dejaron de ser simples canciones para bailar y se convirtieron en poemas que mostraban los horrores de la guerra y el deseo de que Polonia alcanzara la libertad.

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BIOGRAFIA DE CHOPIN FREDERIC

Frédéric (Fererico) Chopin nació en Zelazowa Wola, localidad cercana a Varsovia, el 1º de marzo de 1810.

En Varsovia, ciudad donde vivió durante su juventud, estudió música en el conservatorio de la ciudad y pronto se convirtió en un niño muy conocido debido a su genial predisposición para improvisar e interpretar piezas en el piano.

Hasta 1831 tocó en los ambientes selectos de la aristocracia polaca y se hizo célebre por sus originales melodías y por adaptar la música popular polaca a obras para piano de un lirismo muy original.

Pero Varsovia no era una ciudad que atrajera la atención del joven músico.

En 1829, Chopin se trasladó a Berlín y Viena, y en estas grandes ciudades obtuvo sus primeros éxito1, fuera de su país.

El entusiasmo y la satisfacción producidos por la gira de conciertos Biografía de Federico Chopin efectuada en estas dos ciudades imperiales motivaron la composición de sus primeras piezas para piano, en las que prácticamente quedaron definidos sus postulado, estéticos y musicales.

Las obras que compuso en Varsovia (polonesas, variaciones y rondós principalmente) muestran ciertas influencias de algunos compositores románticos de la primera mitad del siglo XIX, que se habían caracterizado por el virtuosismo de sus creación» pianísticas.

El llamado «estilo brillante» evidencia en los dos conciertos para piano, de 1829 y 1830.

El piano destaca sobre el resto de la orquesta, que es ejecutada como acompañamiento.

La estancia en París (1831-49)

Tras un breve periodo de tiempo en Varsovia, Chopin regresó a Viena en 1830, ciudad en la que permaneció poco tiempo.

Vuelta a Varsovia y, en 1831, viaja a París, su ciudad adoptiva, y en la que permaneció hasta su muerte en plena madurez artística.

En la capital francesa impartió clases de piano, tuvo buenos mecenas y se relacionó con la élite burguesa y aristocrática, ferviente seguidora de sus composiciones.

Chopin no dio muchos conciertos en público; sus recitales eran escuchados en salones privados, frecuentados por sus amigos Berlioz, Liszt, Bellini, Heine, Balzac y Delacroix, entre otros.

En estas audiciones privadas, el músico ejecutó casi todas sus composiciones, caracterizadas por el lirismo de las melodías, la delicadeza de las relaciones armónicas y una ejecución pianística llena de contrastes, sacando partido a todas la posibilidades del instrumento.

Chopin estuvo siempre al servicio del piano y su estilo fue una evolución dialéctica en tanto que iba conociendo las posibilidades del instrumento.

El punto de partida, además del conocimiento propio que del instrumento poseía, era la proyección de todos los géneros musicales hacia el piano: la música orquestal, la vocal y, cómo no, las tradiciones populares de su país natal, Polonia, que nunca olvidó.

En 1836, Chopin conoció a la novelista George Sand, mujer inteligente y culta muy conocida en los círculos intelectuales del París de la época.

Con ella abandonó París y se estableció en Mallorca.

Durante la estancia en la isla, el músico enfermó de bronquitis, que degeneró en una tuberculosis.

Tras esta primera recaída, Chopin, recuperado en la casa de campo que Sand tenía en Francia, volvió a París, en octubre de 1839.

La relación con esta mujer determinó en buena parte la producción artística del compositor. No hay duda de que las mejores obras de éste se sucedieron durante la relación que mantuvo con ella, hasta 1847.

sand george novelista francesa

Un hecho importante fue la iniciación de sus relaciones con «George Sand», con quien intimó hacia 1837. En 1838 la acompañó a Palma de Mallorca.

El mal pareció agravarse, hasta que Chopín halló un refugio a propósito para su cuerpo y su alma en el cercano convento de Valldemosa, en donde escribió alguna de sus mejores páginas. En 1839 regresó a París.

Su vida con la Sand se prolongó hasta 1847, ya en París, ya en Nohant. Por fin, llegó la ruptura, impuesta por la divergencia fundamental de gustos y caracteres (1847).

Desde este año su salud se debilita y, después de un viaje a Inglaterra, empeora a finales de 1848. Murió en octubre de 1849.

Las composiciones en París, a partir de 1832, devienen más íntimas, libres y personales, a través de una melodía a la que se añaden sutiles y complejos juegos armónicos, contrapuntísticos y rítmicos fragmentados pero perfectamente ligados.

El «estilo brillante» es paulatinamente abandonado y ahora el interés por otros compositores y géneros se hace patente, como el caso de Bach y la ópera italiana de comienzos del siglo XIX.

La influencia de Bach se manifestó en sus estudios y preludios, a través de sólidas estructuras armónicas que mantenían una línea melódica muy bien estructurada y compleja, pero que constituían obras muy fluidas y unitarias.

De la ópera captó la sensibilidad de las ricas melodías del el canto, sus frases abiertas, el rubato (alteración voluntaria de los tiempos, muy típico de los cantantes de ópera de principios del ligio XIX) y la fioritura.

En cuanto a la música popular, no la desechó como fuente de inspiración.

Las polonesas y mazurcas, ricamente ornamentadas y elaboradas según criterios muy individuales, contenían esquemas rítmicos y estructuras modales que le interesaron enornmemente.

• ►La Obra Para Piano de Chopin

La obra para piano de Chopin, además de los conciertos para piano y otras obras para piano y orquesta, como el Andante spianato y la Grande polonaise, de 1831, muy al gusto del «estilo brillante», se compone de tres sonatas, veintisiete estudios, cuatro scherzos, cuatro baladas, veinticuatro preludios, tres impromptus, diecinueve nocturnos, la Fantasía en fa menor, la Berceuse en re bemol y valses, mazurcas y polonesas.

El scherzo es el nombre que se da a ciertas obras musicales o a algunos movimientos de una composición más grande como una sonata o una sinfonía.

También compuso una bella sonata para violonchelo, un trío con piano y algunas canciones con textos en polaco.

Los conciertos para piano (N° 1 en mi menor op. 11 y N.° 2 en fa menor op. 12) fueron compuestos en la etapa de juventud, cuando Chopin tenía veinte años (1829 y 1830, respectivamente).

Ambos conciertos, plenamente románticos, se alejaron de la forma clásica de concebir el género.

Mientras Mozart y Beethoven mantienen un diálogo muy elaborado entre instrumento solista y orquesta.

Chopin concedió más valor a la ejecución pianística, de tal forma que la orquesta se limita a acompañar, introducir y mezclar los temas que entrelaza sofisticadamente el instrumento solista. La brillantez romántica está plagada de lirismo, virtuosismo y expresión.

Son quizá los nocturnos y los preludios sus obras más íntimas. Los primeros se caracterizan por la difícil técnica necesaria para su ejecución. Su desarrollo es libre y de alto contenido lírico.

Tienen en común, ante todo, la rica estructura armónica y la gran originalidad en el desarrollo de las melodías.

En los nocturnos es donde Chopin adaptó las arias de la ópera italiana a la compleja interpretación pianística.

Los preludios son breves obras resultado del análisis que Chopin hizo de la obra para teclado de Bach.

Éste utilizó el preludio para introducir de manera breve una fuga y Chopin experimentó con todas las tonalidades, tanto mayores como menores, y los giros contrapuntistas.

Los estudios eran piezas que desarrollaban un tema con el objetivo de ser interpretado por los estudiantes de piano y así reforzar la técnica de ejecución.

Con Chopin, los estudios, que no eran novedad en la historia de la música, adquieren belleza estética.

El objetivo era combinar virtuosismo y expresión poética, seguramente influido por la obra del violinista y compositor Niccoló Paganini.

Los estudios tienen el esquema ABA, donde la parte central desarrolla el tema principal.

Sorprende cómo en estas breves piezas de estudio técnico (arpegios, empleos del dedo pulgar, acordes de seis notas, series rápidas de acordes de tres notas, largas escalas ascendentes y descendentes de semicorcheas, etc.) pueda haber a la vez tanta dificultad técnica y tanta carga poética.

Al igual que en los preludios, el tema musical de un estudio mantiene un desarrollo unitario.

Las baladas y los scherzos son también obras de gran sentimiento, fuerza e individualidad.

La balada, denominación que utilizó por primera vez primera Chopin para referirse a una pieza musical, es una obra narrativa de carácter poético caracterizada por su mensaje lírico y espontáneo; parece ser que Chopin admiraba las baladas del gran poeta del siglo XIX Adam Mickiewicz, llenas de pasión romántica.

Chopin trasladó este sentimiento a la música y combinó la expresión musical con una impecable técnica al servicio de giros armónicos propios de su estilo.

El scherzo, como las baladas, es una pieza brillante, compleja, virtuosística, que desprende sentimientos muchas veces contradictorios (alegres, dramáticos, enérgicos, melancólicos…).

Con Chopin, la forma scherzo perdió su carácter festivo y alegre que desde el siglo XVIII había mantenido.

Las sonatas para piano, principalmente la Sonata en si bemol menor y la Sonata I en si menor, conciben la forma más libremente que en época clásica, llena de contrastes temáticos tratados de manera «escénica», es decir, en continuo desarrollo hasta su culminación expresiva.

No se puede concebir la música para piano posterior sin la obra de Chopin, modelo no sólo para sus coetáneos como Liszt y Brahms, sino también para posrománticos (Grieg y Rachmaninov) e impresionistas (Debussy y Ravel) de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

Ver: Chopin, el genio del piano

Fuente Consultada: Gran Enciclopedia Universal Espasa Calpe Tomo 9

La Commonwealth: Comunidad británica de las Naciones

La Commonwealth: Comunidad Británica de las Naciones

La British Commonwealth of Nations (Comunidad Británica de Naciones) fue la evolución que adoptó el Imperio británico ante las presiones descolonizadoras.

Hoy día es una asociación de Estados que mantienen lazos de cooperación.

La Commonwealth se ha transformado en una asociación flexible y moderna de gobiernos, organizaciones no gubernamentales y pueblos varios que comparten ideales políticos y valores humanos.

Su compromiso es para con la democracia, los derechos humanos y el estado de derecho, además del logro de un desarrollo sostenible.

El nombre de Commonwealth originalmente designó a un periodo de la historia inglesa, que corresponde a la primera revolución parlamentaria contra la monarquía Estuardo, y la adopción de una forma de gobierno republicana (1649-60).

Imagen: Sello de la COMMONWEALTH

• ► Significado

Pero British Commonwealth of Nations es como se reconoce a la libre asociación de países en defensa de sus intereses que integra al Reino Unido y muchas de sus antiguas colonias y dominios hoy independientes.

Su cabeza es el monarca británico, que algunos miembros reconocen como su jefe de Estado, representado por un gobernador general, y otros simplemente como símbolo de la asociación.

El origen de la misma debe trazarse en el siglo XIX, cuando las colonias con su numerosa población blanca desarrollaron una incipiente conciencia nacional y aspiraron a un grado mayor de autonomía, como había sucedido con los Estados Unidos de América a fines del siglo XVIII.

Ante los problemas en Canadá, el Gobierno británico comenzó a conceder el autogobierno a esas provincias (1847), lo que luego se extendió a Australia (1855-59), Nueva Zelanda (1856) y Sudáfrica (1872-93).

En 1867 las provincias de la América del Norte británica se agruparon en el Dominio de Canadá, ejemplo seguido por Australia (1900) y Sudáfrica (1910). En 1907 el Gobierno de Londres reconoció a estos cuatro territorios (incluyendo a Nueva Zelanda su capacidad de autogobierno nacional.

La Primera Guerra Mundial catalizó estas transformaciones, pues la importante contribución de los dominios al esfuerzo bélico se reflejó en su capacidad de decisión en el Gabinete Imperial de Guerra, hasta el punto de que tuvieron representantes en las conferencias de paz de 1919, e incluso recibieron mandatos de la Sociedad de Naciones, como sujetos de pleno derecho internacional.

Parece que el término British Commonwealth of Natíons fue acuñado en 1917 por el general J. C. Smuts, o por L. G. Curtis, hombres que sirvieron en el ejército y a la administración imperial. Curtis fundó la revista Round Table para difundir sus ideas sobre «imperialismo liberal».

Por esta misma época surgió un problema en el mismo corazón del imperio.

Desde principios del siglo XX, el movimiento independentista irlandés se había agrupado en torno al partido Sinn Fein, fundado por A. Griffith.

En 1916 promoviendo levantamiento en Dublín para proclamar la República que fue duramente reprimido.

Aun así, el Sinn Fein obtuvo en las elecciones de 1918 la mayor parte de los escaños reservados a Irlanda en el Parlamento británico.

Sus líderes decidieron constituirse en parlamento (Dáil) independiente y formar un gobierno clandestino la tensión política se complicó por las acciones violentas del brazo armado del partido, el IRA, dirigido por M. Collins, que desencadenó el domingo sangriento (21 de noviembre de 1919).

En 1921, Collins y Griffith firmaron un tratado con Gran Bretaña por el que irlanda, excepto el Ulster, se convertía en Dominio con Gobierno y Parlamento propios.

A partir de la Primera Guerra Mundial Gran Bretaña mantuvo con sus dominios una serie de reuniones periódicas (Conferencias imperiales) La de 1926 fue especialmente importante, pues en ella se abordaron dos cuestiones clave.

Por un lado, se constató la imposibilidad de redactar un texto constitucional válido para todo el imperio, pues se trataba de territorios muy distintos en muchos aspectos.

Por otro lado, la cuestión del estatus jurídico de los dominios en relación con la metrópoli fue resuelta con la llamada fórmula Balfour:

«Gran Bretaña y los Dominios son comunidades autónomas dentro del Imperio, iguales en estatus, en modo alguno subordinadas unas a otras en cualquier aspecto de sus asuntos internos o externos aunque unidas por una fidelidad común a la Corona y libremente asociadas como miembros de la British Commonwealth of Nations».

Estatuto de Westminster

El Estatuto de Westminster (1931) confirmó estos puntos, además de ofrecer a todas las colonias del Imperio la posibilidad de ingresar en la Commonwealth al independizarse y de abandonarla unilateralmente También reconocía la plena autonomía legislativa de los Dominios y su independencia en materia de política exterior.

En la mayoría de los casos el mantenimiento de la tradición jurídica (derecho común), administrativa y gubernamental (regímenes parlamentarios) británicas en las antiguas colonias aseguró la cohesión del conjunto y favoreció el entendimiento entre los asociados.

La Segunda Guerra Mundial sirvió para poner a prueba dicha cohesión y resolver cuestión que no se trataron en 1931. Ya en 1933 se abolió el juramento de fidelidad a la corona y en 1937, Eire (Irlanda) se constituyó en República independiente dentro de la Commonwealth.

Aunque la comunidad en general apoyó al Gobierno británico durante el conflicto Canadá y Sudáfrica, por ejemplo, declararon la guerra por separado Eire se mantuvo neutral, y el Partido del Congreso de la India también se declaró a favor de la neutralidad aunque su ejército combatió junto a los británicos.

La lucha por la libertad y la democracia influyó en el proceso descolonizador iniciado á partir de 1945 e intensificado en la década de los sesenta, con el consiguiente aumento en el número de miembros de la Commonwealth.

La India, por ejemplo, conoció cierto grado de autogobierno desde 1918 pero el Partido del Congreso continuó exigiendo una mayor autonomía. Durante la guerra, Londres ofreció el estatuto de Dominio para asegurarse el apoyo Indio y finalmente, en 1947 se concedió la plena independencia, aunque también se produjo la escisión de Pakistán.

El año 1949 fue clave para la Comunidad de Naciones, que suprimió el adjetivo Británica, aceptando además la salida de Eire y la entrada de la India, también en como República.

A partir de ese momento se produjo una avalancha de nuevos miembros asiáticos y africanos hasta configurar los 54 actuales,

Las razones de los nuevos estados independientes para asociarse fueron variadas.

Es importante la existencia de algunos lazos «espirituales», ejemplificados en el una de la lengua inglesa y un conjunto de formas de pensar y actuar difundidas entre elites (deportes como el polo, tradiciones como el té de las cinco y los club masculinos, etc.), además de las tradiciones administrativas que ya hemos mencionado.

Pero esto no debe hacer olvidar la importancia primordial de los intereses económicos.

Desde el siglo XIX, el comercio entre todos estos territorios, y particularmente con la metrópoli, era muy intenso, creando una serie de lazos, preferencias y dependen muy sólidos, reflejadas en el uso común de la libra esterlina.

La Comisión Económica de la Comunidad, creada eh 1925, coordinaba los Intercambios de información y estadísticas económicas y comerciales entre los miembros.

La crisis económica mundial de 1929 dio lugar ala aparición de un sistema dé tarifas preferenciales, como la «preferencia imperial» (Acuerdos de Ottawa, 1932), que favorecía el comercio dentro de la comunidad frente a terceros países, a no ser que éstos pertenecieran a la Zona de la Libra, creada en 1931 .

Es preciso tener en cuenta que actualmente la producción de algunas materias primas (té, yute, níquel) está monopolizada por países miembros de la Commonwealth, mientras que en muchas otras también tienen participaciones importan además, el Reino Unido, Canadá y Australia forman parte del grupo de naciones industrializadas y desarrolladas del mundo.

Institucionalmente, la Commonwealth constituye una asociación bastante informal, hasta el punto de que difícilmente se la puede calificar de organización.

No existe una constitución formal, y aparte de la Corona, su otro pilar básico lo constituye el Secretariado, creado en 1965, «símbolo visible del espíritu de cooperación» dividido en tres departamentos: Asuntos Internacionales, Asuntos Económicos y Administración.

El Secretariario prepara las conferencias de primeros ministros y también aquellas reuniones sobre temas específicos, además de asesorar a los miembros sobre los distintos campos de cooperación: educativa, deportiva (los Juegos de la Commonwealth son un trasunto de las Olimpiadas), tecnológica, económica política medio ambiental, etc.

Los embajadores entre los países miembros reciben el nombre de Altos Comisarios.

La Commonwealth se ha enfrentado a varias crisis a lo largo de su historia provocadas por hechos como la retirada de miembros relevantes (Irlanda en 1949 Sudáfrica en 1961, Pakistán en 1972), la adhesión del Reino Unido a la CEE (1973) organización cuyo control sobre las políticas económicas de los estados miembros en entredicho la «preferencia imperial», la especial dificultad y violencia de algunos procesos descolonizadores (Kenia) o la evolución de los nuevos estados regímenes gremiales (Uganda con Idi Amin), el desacuerdo entre los miembros sobre políticas comunes (sanciones a Sudáfrica), o simplemente el debilitamiento de los intereses comerciales mutuos.

A pesar de todo esto, el pragmatismo y la flexibilidad, rasgos con los que fue fundada, han permitido adaptarse y sobrevivir a esta asociación, a la que ya se daba por obsoleta hace decenios.

PAÍSES ACTUALES DE LA COMMONWEALTH

PaísIngresoPaísIngreso
Reino Unido1931Swazilandia1968
Canadá1931Tanga1970
Australia1931Samoa1970
Nueva Zelanda1931Bangla Desh1972
India1947Bahamas1973
Pakistán1989Granada1974
Sri Lanka1948Papua – Nueva Guinea1975
Ghana1957Seychelles1976
Malasia1957Salomón1978
Nigeria1960Tuvalú1978
Chipre1961Dominica1978
Sierra Leona1961Kiribati1979
Tanzania1961Santa Lucia1979
Jamaica1962San Vicente y Las Granadinas1979
Trinidad y Tobago1962Vanuatu1980
Uganda1962Zimbabwe1980
Kenia1963Belice1981
Malavi1966Antigua y Barbuda1981
Malta1964Maldivas1982
Zambia1964Saint Kitts y Nevis1983
Gambia1965Brunei1984
Singapur1965Namibia1990
Guyana1966Camerún1995
Bostwana1966Mozambique1995
Lesotho1966Fiji1997
Barbados1966
Mauricio1968
Nauru1968

Biografia de Mario Benedetti Resumen de su Vida y Obra Poetica

Biografía de Mario Benedetti – Vida y Obra

Mario Benedetti: La literatura como crítica social

mario benedetti“No te rindas, por favor no cedas, aunque el frío queme, aunque el miedo muerda, aunque el sol se esconda, y se calle el viento, aún hay fuego en tu alma, aún hay vida en tus sueños.

Porque la vida es tuya y tuyo también el deseo, porque cada día es un comienzo nuevo, porque esta es la hora y el mejor momento”.

Este es un simple fragmento extraído de alguno de los cuantiosos escritos producidos por el autor uruguayo Mario Benedetti, quien supo conquistar con el arte de sus palabras el corazón del pueblo Latinoamericano.

Había nacido el 14 de septiembre de 1920 en la región de Paso de los Toros, en Uruguay, y gracias a su talento incomparable logró convertirse en su vida en uno de los más destacados poetas y novelistas de la literatura uruguaya de la segunda mitad del siglo XX, prestigio que compartió con otro grande: Juan Carlos Onetti.

Fue en 1945 cuando decidió iniciar su carrera de periodista en diversas publicaciones gráficas de reconocido renombre en Uruguay, tales como La Mañana, El Diario y Tribuna Popular, entre otros.

No obstante, su fama se acrecentó exponencialmente cuando comenzó a dedicarse a la poesía y la narración, siendo uno de sus grandes éxitos sus primeros libros titulados “Poemas de la oficina” de 1956 y “Montevideanos” de 1959.

Pero aquel éxito no fue casual, ya que Mario Benedetti había volcado en aquellas obras su mirada particularmente crítica que le permitió realizar un retrato social exacto.

A medida que su escritura avanzaba, su crítica hacia la sociedad crecía, lo que lo llevó en 1960 a publicar uno de sus ensayos considerado el más ácido y polémico, bajo el título “El país de la cola de paja”.

• ►Dos Grandes Novelas

Luego llegaría su total consolidación en el terreno literario, a través de la publicación de dos importantes novelas, primero con “La tregua”, que en Argentina fue adaptada a la pantalla grande, y luego con “Gracias por el fuego”, la cual aún hoy es considerada una de las críticas más extensas y exactas en relación a la sociedad, incluyendo la denuncia de la corrupción del periodismo que estaba siendo utilizado como aparato de poder.

A partir de la mitad de la década del sesenta, se produjo un cambio en el autor, que lo llevó a producir obras más ligadas a la angustia del ser humano y las esperanzas de lograr una nación socialista en aquella América Latina que permanecía sometida a los abusos de las dictaduras militares.

Buscando reprimir sus palabras, Benedetti fue perseguido en su país natal, lo que lo llevó a más de diez años de exilio en distintos países, tales como Cuba, Perú y España, donde su literatura cobró aún más fuerza y audacia.

Durante este período fueron varias las prosas producidas por el autor, destacándose la novela de 1982 titulada “Primavera con una esquina rota”, en la que Benedetti trata magistralmente el tema del exilio.

Por supuesto que toda su obra poética también se vio influenciada por aquellas circunstancias políticas y las experiencias recogidas durante el exilio uruguayo.

Casi al finalizar la década de los noventa, Mario Benedetti decidió producir una novela de corte autobiográfico, a la que llamó “Andamios”, en la que rememora el exilio, pero sobre todo el regreso a su país natal.

• ► Premiado

Por su talento fue premiado en varias oportunidades, destacándose en 1999 el VIII Premio de Poesía Iberoamericana Reina Sofía, en 2001 el Premio Iberoamericano José Martí en reconocimiento a su obra, y en 2004 fue investido doctor «honoris causa» por la Universidad de la República del Uruguay.

En la tarde del 17 de mayo de 2009, la noticia de la muerte de Mario Benedetti golpeaba a sus compatriotas, y poco después con la llegada de la información a los países

Latinoamericanos el duelo se hizo extensivo.

No obstante su lucha social aún sigue viva en las miles de páginas de sus obras.

“Después de todo la muerte es sólo un síntoma de que hubo vida” habría dicho antes de su partida, y seguramente no estaba equivocado.

Pablo Neruda

Charles Dickens

Lewis Carroll

Biografia de Pablo Picasso:Cronologia y Obra Artistica-

Biografía de Pablo Picasso
Cronologia-Obra Artística-Resumen

SINTESIS BIOGRÁFICA: Picasso, Pablo Ruiz (Málaga 1881-Costa Azul 1972). Se educó artísticamente en Barcelona y Madrid e hizo un breve viaje a París antes de fijar allí su residencia definitivamente en 1904, coincidiendo con el fin de su periodo llamado azul, en el que se mostraba sensible a la miseria física y moral.

El perÍodo rosa, muy breve, pone en escena acróbatas finamente estilizados.

Le suceden las influencias de la pintura negra de Cezanne, siendo las obras de este periodo, consideradas como manifestaciones del Cubismo que pasaran por las fases analítica, sintética y hermética.

Su viaje a Roma y una serie de decorados y trajes que realiza para obras de teatro manifiestan una época muy clásica, de formas amplias y serenas.

Después participará un tanto del Surrealismo, antes de llegar a un Expresionismo que llevará a su cúspide relatando los horrores de la Guerra Civil Española.

Después de la guerra, se retiró a Francia donde, en 1947, comenzó a trabajar la cerámica y adoptó un estilo menos tenso, más eufórico, con naturalezas muertas, temas mitológicos y pastorales.

Sus enormes dotes de dibujante aparecen en todas las fases de su fecunda producción siempre evolucionando.

Existen obras suyas en todos los Museos de Arte Moderno del mundo y en las grandes colecciones privadas.

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BREVE FICHA BIOGRAFIA

•  Nació el 25 de octubre de 1881, en Málaga (España).

• Desde niño, su padre le enseñó dibujo y pintura.

• En 1891 se trasladó con su familia a la ciudad española de La Coruña, donde ingresó en la Academia de Bellas Artes.

• Cuatro años después, con su grupo familiar se mudó a Barcelona (España), donde también fue alumno de la Escuela de Bellas Artes hasta 1897.

• A los dieciséis años realizó su primera exposición.

• Entre 1901 y 1904 pintó los cuadros de su llamado «Período Azul».

• En 1904 se trasladó a París.

•  Desde 1905 hasta 1906 realizó las obras del «Período Rosa».

• En 1907 pintó «Las señoritas de la calle de Avignon «, cuadro con el que inició su «Período Cubista».

• En 1937 denuncie los horrores de la guerra civil española (1936-1939) en su obra «Guernica».

• Desde 1945 hasta 1947 se dedicó a la litografía y a la cerámica.

La fama

• En 1949, la imagen de su litografía  «La Paloma de la Paz» fue elegida para ilustrar el cartel del Congreso de la Paz que se celebró en París.

• En 1955 se dedicó a reinterpretar obras maestras de pintores clásicos.
• Cinco años después se trasladó definitivamente a Notre-Dame-de-Vie, en
Mougins (Francia).

• En 1962 recibió el premio Lenin de la Paz.

• Murió el 18 de abril de 1973, en Notre-Dame-de-Vie.

En su pintura Pablo Picasso atravesó por distintas etapas, de las cuales las más importantes fueron la «azul», la «rosa» y la «cubista».

En la primera, el artista expresó su preocupación por el dolor humano mediante figuras alargadas y el uso del color azul.

En la segunda, su visión se tornó más alegre y comenzó a mostrar el mundo del circo y de los acróbatas.

Finalmente, en la tercera, Picasso descubrió una nueva expresión artística a la que llamó cubismo y que revolucionó la pintura del siglo XX.

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VIDA Y OBRA DE PABLO PICASSO:

Biografia de Pablo Picasso Cronologia-Obra Artistica-Resumen

(Málaga, 25 octubre 1881 – Mougins, 8 abril 1973): Pintor español. Su padre, profesor de dibujo de la Escuela de Bellas Artes, es trasladado cuando Pablo cuenta diez años de edad a La Coruña.

A pesar de su corta edad, Málaga quedará para siempre en su recuerdo: las palomas y los toros son algo nacido en Málaga y algo que nunca dejará de pintar.

Pablo crece en este cálido y humilde hogar malagueño hasta que en 1891 don José es destinado a la Escuela de La Coruña, y allí marcha con su familia que se ha aumentado con dos niñas, Lola, nacida en 1884, y Conchita, en 1887, que muere poco después de llegar a tierras gallegas.

El muchacho ingresa en el instituto de segunda enseñanza de La Guardia, y su padre, que adivina la inclinación de Pablo hacia el dibujo, le adiestra en sus primeros pasos pictóricos e incluso le traspasa su propia paleta y pinceles renunciando a su pobre actividad pictórica.

Con catorce años, Pablo supera el examen de admisión a los cursos superiores de dibujo del natural y pintura de la Lonja, que requería un gran conocimiento de anatomía y una aguda capacidad observadora; sin tener los veinte años exigidos se matricula en la Escuela.

En 1895, José Ruiz llega a Barcelona, esta vez para tomar posesión definitiva de su cargo. Barcelona agrada a Picasso adolescente, que ingresa en 1896 brillantemente en la Lonja. Al año siguiente lo hace en la Escuela de San Fernando en Madrid con una entrada casi triunfal.

Una escarlatina le hace regresar a Barcelona, y para reponerse va a pasar una temporada a Horta de Ebro con su amigo Pallarés.

Expone en la taberna modernista Els Quatre Gats, para la que realiza un cartel – reclamo, que conocerá gran fortuna.

Como todos los artistas de su tiempo, su gran ilusión es París.

En 1900 llega a la capital francesa y conoce directamente el mundo del que tanto había oído hablar en los círculos artísticos españoles.

Tras unos primeros momentos de pintura <<parisina>>, Picasso vuelve a su personal estilo y comienzan a aparecer las tonalidades azules que definirán una época que va de 1901 a 1904, de la que es fiel exponente su famoso Viejo guitarrista.

Tras dos regresos a España, en 1904 se instala definitivamente en París y al año siguiente conoce a su primera mujer, Fernanda Olivier.

Una profunda transformación se realiza en el artista, los tonos fríos van dejando paso a los rosados.

Se interesa por el trabajo de acróbatas y equilibristas, y así lo refleja en sus cuadros. Pero su infatigable animosidad no descansa y sus creaciones van evolucionando; las figuras se deforman, se rompen y se vuelven a juntar.

En 1907 pinta Las señoritas de Avigñón, fruto maduro que marcará un hito en la Historia de la Pintura universal: es el nacimiento del cubismo.

Picasso descompone, <<rompe>> las figuras en formas geométricas que luego se vuelven a juntar; es la búsqueda de la cuarta dimensión.

Desde el Renacimiento no se había conseguido una innovación plástica tan importante.

Pero la evolución y el continuo cambio prosiguen, nada significa la plenitud total para el artista, el esfuerzo creador se renueva en cada momento buscando nuevas formas que expresen los sentimientos de cada instante.

Tras una época que se podría definir como precubista, y que cronológicamente se enmarcaria entre 1910 y 1912, vendría la plenamente cubista, que abarcaría desde 1913 a 1915.

Pero Marcela Humbert, la nueva compañera que había encontrado tras separarse de Fernanda, muere en 1916.

El pincel de Picasso comienza a moverse con trazos perfectos.

ViaPablo Picassoja a Roma para realizar los escenarios y vestuarios de los Ballets Rusos y el viaje tiene mayor aliciente del esperado: la bella bailarina Olga Khoklova.

Recorren juntos España, y en 1918 Picasso y Olga se casan. Comienza lo que se ha dado por llamar etapa neoclásica, aunque no abandona totalmente el cubismo.

Con el nacimiento de su hijo Paulo dirige sus dibujos hacia él.

Pero a partir de aquí, poco a poco, su obra se va apartando de todo tipo de canon que haga posible su clasificación y etiquetado; el Arte será la definición de sí mismo y no es posible encontrar otro similar.

A principios de los treinta trabaja la escultura, pero otros acontecimientos siguen cruzándose en su vida y manifestándose en su obra: la adorable Olga había resultado ser hipócrita e insoportable, más interesada por la alta sociedad parisiense que por otra cosa.

En 1932 conoce a Marie – Therèse, joven suiza rubia y tranquila, apasionada del deporte, que le proporcionara el equilibrio de ánimo que tanto necesitaba.

Este año también profesionalmente tiene un gran significado: expone en la Galería Paul Petit, con clamoroso éxito.

Junto a Marie Thérése, en 1934, Picasso viaja de nuevo a España y el pintor transforma su mitología de carácter universal, centrándola en la corrida, el mito español por excelencia.

Sus monstruos pasan a ser los toros, el minotauro, el hombre-toro, que por su fuerza bruta causa el terror y hace inútil cualquier intento de defensa.

Lo presentado y lo reflejado por Picasso en sus obras, en 1936 se hace realidad: estalla la guerra española.

El gobierno republicano le nombra director del Museo del Prado, cargo que nunca llega a desempeñar.

Meses después, el mismo gobierno republicano le encarga una obra mural para el pabellón español de la Exposición Mundial de 1937, que había de abrir sus puertas en París en el verano de aquel año.

Picasso, sin embargo, no encuentra el tema adecuado para su mural hasta que el 25 de abril de 1937, un acontecimiento sacude al mundo: la pequeña ciudad de Guernica, capital tradicional del País Vasco, es bombardeada por la aviación nazi; la mayoría de los muertos pertenecen a la población civil.

El hecho conmueve y sacude a todas las conciencias; Picasso inicia entonces en la rué des Grands Agustins, la obra que constituye la denuncia más sentida a la crueldad del hombre: Guernica.

Con grises, negros y blancos, en una superficie que alcanza casi los ocho metros de longitud por tres y medio de altura, Picasso, como hombre, plasma la tragedia de la agresión.

Sus personajes, el guerrero muerto, la mujer que huye de su casa en llamas, la mujer que lleva en brazos a su niño muerto, el toro desafiante, el caballo moribundo, son protagonistas de la tragedia de Guernica, son las víctimas de la propia humanidad.

Recorre España y de este viaje son fruto los grabados y los temas taurinos. Intenta divorciarse de Olga y al año siguiente nace su hija Teresa, continuando con los grabados de la serie Minitauromaquia.

Con la Guerra Civil española toma postura abierta por la República y es nombrado director del Museo del Prado.

La tragedia de España se hunde profundamente en sus sentimientos y en 1937 pinta el Guernica, de enormes proporciones (3,5 x 7,8 m.), en memoria de los muertos por el tristemente famoso bombardeo.

La metáfora, el color, expresan lo que las palabras no llegan a reflejar: el horror, la angustia, la desesperación y la impotencia ante la irracionalidad.

Prosigue con las composiciones donde el punto central es la crueldad. París ocupado por los nazis completa el dolor y la desesperación de Picasso, que, sumergido en su estudio, esculpe y pinta obras siniestras.

Es su forma de luchar contra lo que considera injusto e inhumano, pero no la única: en 1944 se afilia al Partido Comunista.

Cuando al fin Francia es liberada, se traslada a la Costa Azul, su lugar preferido, donde la luz lo invade todo.

Y como algo infalible y constante en su vida, una nueva compañera, Françoise Guillot, y una nueva forma de pintar; los temas se vuelven amables, incluso bucó1icos, son églogas y pastorales.

Nace primero Claudio y luego Paloma, coincidiendo con su dibujo La paloma de la paz. Padre tierno y apasionado, sigue los progresos de su hija pintándola en cada momento.

Tras asistir a los Congresos de la Paz de Londres (1950) y Roma (1951), pinta en una capilla dos composiciones: La guerra y La paz, en las que deja patentes su sentimientos de humanidad y esperanza.

Pero la vida continúa, y de nuevo un momento difícil en la suya: Françoise se va, achacándole que es imposible vivir con un monumento histórico; y una nueva mujer entra en su vida ya definitivamente.

Es Jacqueline.

Nunca Picasso había pintado tanto a la mujer que amaba.

Y una nueva forma de pintar: en 1957 se dedica a hacer una serie de variaciones sobre un gran tema: Las meninas, de Velázquez; fórmula que había practicado anteriormente con un tema de Delacroix. Y a pesar de su avanzada edad, su actividad no cesa.

Vuelve a pintar toros, personajes del Siglo de Oro, y sigue esculpiendo, modelando, pintando, hasta su muerte.

ULTIMOS AÑOS: La alegría de vivir de Picasso pronto se ve interrumpida, sin embargo, por otro acontecimiento que trastoca la paz de la humanidad: la guerra de Corea.

La reacción del pintor es congruente con su postura y realiza Masacre de Corea, obra que, remedando la composición de Los fusilamientos de la Moncha, de Goya, denuncia la barbarie de los agresores que fusilan a un grupo de mujeres desnudas y a un grupo de niños que juegan.

Al año siguiente (1952), para el municipio de Vallauris, pinta dos grandes composiciones que inciden de nuevo en la problemática: las alegorías de La Paz y La Guerra, entendidas con un gran contenido universalista.

En 1953, Picasso se separa de Francoise Gillot y puede valorar su obra en las exposiciones retrospectivas que se celebran en Lyon, Roma y Milán.

Picasso continúa trabajando infatigablemente y compra la villa La California en Cannes, cuyo estudio pasa a ser una nueva temática para su obra.

Se casa en 1955 con Jacqueline Roque, y la plasma en numerosas telas en las que el recuerdo de Delacroix es sin duda una de sus máximas constantes.

El arabesco y la filigrana de estos retratos se interrumpe en 1959, coincidiendo con el traslado del pintor al castillo de Vauvenargues, y se inicia el llamado período español, caracterizado por sus naturalezas muertas y ateliers, dominados por una gran soledad.

Picasso sigue trabajando y recibiendo honores.

En febrero de 1958 pinta un gran panel mural para la sede de la Unesco en París; en 1960, Londres le dedica una muestra retrospectiva que se repite en 1962 en Nueva York.

Realiza las series del artista y la modelo y de la mujer con un perro; en 1964 se presentan exposiciones retrospectivas de sus obras en Montreal, Toronto, Tokio, Kyoto y Nagoya.

En honor a su 85 cumpleaños, el gobierno francés y la ciudad de París le ofrecen un gran homenaje-exposición, y en 1970 se expone su última obra en el Palacio de los Papas de Aviñón.

En este mismo año, dona más de doscientos óleos suyos y setecientos dibujos al Museo Picasso de Barcelona.

Picasso, el pintor que cerró un capítulo de la pintura y que abrió el de la pintura contemporánea, el artista en continua evolución, muere el 8 de abril de 1973 en Mougins.

El anuncio del cubismo

La historia de la pintura universal tiene un antes y un después de Les demoiselles d´Avignon (Las señoritas de Aviñon, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

Precedida por un largo periodo de gestación, con la confección de 809 estudios preparatorios, Picasso pinto entre junio y julio de 1907 esta gran tela de casi seis metros cuadrados.

Acababa de descubrir  en el Museo del Hombre, en el Trocadero  de Paris; la fuerza simbólica de las mascaras rituales africanas y polinesias demostraban, según Picasso, que el artista no reproduce lo que ve sino lo que piensa. 

Las dos figuras femeninas del extremo derecho del cuadro confirman esa opinión. 

Sin perspectiva, con los rostros y cuerpos deformados, y posiciones anatómicas inusitadas, se anunciaba el estilo pictórico más revolucionario del siglo XX: el cubismo. 

Su firma personal

Picasso firmó sus primeros trabajos, siendo casi un niño, con la fórmula tradicional, P. Ruiz. 

Después agregó el apellido materno –P. Ruiz Picasso-, para terminar firmando sólo Picasso a partir de los 20 años. 

El cambio respondía a la voluntad de diferenciarse de su padre, un pintor mediocre que tuvo que resignarse, muy a su pesar, a impartir enseñanza.

Fue escenógrafo

Una de las facetas menos conocidas de Picasso es su actividad como escenográfo. 

Entre 1917 y  1921, colaboro con Serguéi Diáguilev. El empresario de los Ballets rusos. Picasso pinto los Escenarios de Parade (1919), El sombrero de tres picos (1920) y  Pulcinella (1921) entre otros espectáculos. 

En un viaje por Italia conocio a su primera esposa e inicio su periodo clásico.

La vida bohemia

La vocación de Picasso por la bohemia empezó en  Barcelona, donde los pintores modernistas imitaban el estilo de vida de los impresionistas franceses. 

El lugar de reunión de los artistas era el café Els quatre chats (Los cuatro gatos). 

Allí, Picasso conoció a algunos de sus más fieles amigos, como a Jaune Sabartés y al malogrado Carles Casagemas.

Un estilo irritante

Un año después de crear Les demoiselles d´Avignon, Picasso inicio una fructífera unión artística con el pintor francés Georges Braque (1882-1963). 

Ambos impulsaron el cubismo, término empleado despectivamente por un crítico al decir que Braque lo reducía todo a “pequeños cubos”. 

La pintura cubista escandalizó los ámbitos artísticos de Paris.

En 1907, un grupo de prostitutas de un burdel del correr d’Avinyó (calle de Aviñón) de Barcelona se convirtió en el tema de un cuadro que anunció una revolución artística tan profunda que, en palabras del historiador del arte Herschel Chipp, «la manera como las imágenes podían tomar forma en una pintura cambiaron más entre 1907 y 1914 de lo que lo habían hecho desde el Renacimiento».

Con su obra maestra Les Demoiselles d’Avignon, quizás el cuadro más importante del siglo, Pablo Picasso inició el cubismo, aunque este término no se utilizaría hasta cuatro años más tarde.

Inspirándose en partes iguales en las últimas obras de Cézanne y en la escultura africana (de moda entre los artistas e intelectuales franceses de la época), Picasso empleó formas fragmentadas de manera violenta para crear una imagen de fuerza inusual.

Para un público acostumbrado a ver la figura femenina tratada con un respeto que rayaba la adoración, el cuadro constituía una pócima difícil de asimilar.

Al año siguiente, el pintor Georges Draque se sumó al movimiento, incluso con más fuerza, contribuyendo a destruir la pintura convencional siguiendo los pasos de su amigo Picasso y exponiendo una serie de cuadros que, según Henri Matisse, parecían «pequeños cubos».

CRONOLOGÍA: 

25-10-1881: Pablo Ruiz Picasso nace en la provincia de Málaga (España). 

1884: José Ruiz y Maria Picasso tienen otra hija: Dolores. 

1887: Nace la tercera hija de los Ruiz Picasso: Concepción. 

1891: José Ruiz acepta ser profesor en La Coruña y se trasladan. 

1894: Con sólo siete años, Concepción muere por difteria. 

1895: La familia reside en Barcelona.  Pablo va a la escuela.  

1897-1898: Pablo entra en la Academia de San Fernando (Madrid).  Allí se inicia en el dibujo y viaja por la España rural. 

1899: Regresa a Barcelona y trata a los pintores modernistas. 

1900: Viaja a Paris con un amigo.  Es influido por el arte francés. 

1901: Su amigo muere.  Su pintura entra en la etapa azul.  Inaugura su primera exposición en la galería Vollard. 

1904-1906: Desarrollo de su etapa Rosa.  Conoce a Fernande Olivier. 

1906: Veranea en los Pirineos.  Se apasiona por  la escultura ibérica. 

1907: Impulsa el cubismo con Les demoiselles d´Avignon.  Daniel H. Kahnweiler se convierte en su galerista. 

1910-1911: En el auge del cubismo, deja a Fernande por Eva Guel. 

1912 – 1915: Crea sus collages y ensambles.  Eva muere en 1915. 

1917 – 1921: Inicia su etapa clásica.  Se casa en 1918 con Olga Koklova. 

1921: Nace el primer hijo del pintor, al que llamo Paulo. 

1937: La Guerra Civil Española inspira el Guernica. 

1946-1953: Tiene dos hijos con Francoise Gilot: Claude y Paloma. 

1955-1973: Unido a Jacqueline Roque y lejos de Paris, pinta sin cesar.  

9-9-1973: Picasso muere en Mougins (Francia) a los 91 años. 

SIGLO XXI: EL LIBRE ALBEDRÍO DE PICASSO

A LA HORA DE HABLAR DE LAS  vanguardias artísticas, el nombre de Picasso nunca dejo de figurar en la primera línea. 

Entre el laberinto de las llamadas épocas Rosa, Azul y Cubista supo andar solo con el fruto de su pensamiento, sin emplear recursos convencionales ni intentar explicarlos. 

Cualquier cosa que pasaba por su cabeza se convertía de inmediato en realización artística, ya fuera pintura, dibujo, escultura, litografía, cerámica o diseño.  Lejos de su ánimo estaba impartir doctrina y teorizar sobre arte.

Cuando el cubismo revolucionario pareció llenarse de aires académicos y experimentalismo vació, no dudo en retomar el lenguaje de la pureza lineal para traducirlo a su modo. 

Un retorno al orden que hizo temblar a la gente de orden. 

El individualismo picasiano fue todo un modelo ciertamente imprevisible.

Con su camiseta de marinero a flor de piel, Picasso navego por las aguas turbulentas de la primera mitad del siglo XX deslizándose por la esencia de la realidad. 

Uno de sus cuadros más famosos, el Guernica (1937), represento una cornada alegórica a la oscuridad y brutalidad.

Guernica, la pequeña localidad vasca que fue arrasada por la aviación nazi durante la Guerra Civil Española, se convertiría por obra de Picasso en el símbolo por excelencia del arte puesto al servicio de la denuncia social.

Aunque su dibujo de un paloma (1952) también voló por el mundo publicitario, reproduciéndose en carteles para congresos sobre la paz, en realidad, Picasso anduvo profundizando en un laberinto mítico, alimentando el enigma de su propia leyenda amparada por la pluralidad de estilos. 

Incluso se acerco al África y a las cavernas prehistóricas de Altamira y Dordogne para beber de  las fuentes del arte. 

Y aunque su arte tan personal y la gestión de su patrimonio artístico impidieron el surgimiento de seguidores declarados, Joan Miró, Henry Moore, Andy Warhol e incluso, Modigliani siguieron, hasta cierto punto, su inconfundible huella.

obras de arte de picasso

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Biografia de Van Gogh:Cronologia y Obra Artistica del Pintor

Biografía de Van Gogh
Pintor Holandés Cronología y Obra Artística

Vida y Obra de Van Gohg

(Groot Zundert, 30 marzo 1853-Auvers, 29 julio 1890).

Pintor holandés. Era el hijo mayor de un pastor protestante del que heredó la vocación religiosa, y en el seno de una familia económicamente débil.

Realiza sus primeros estudios en la escuela rural.

En 1863 ingresa interno en el colegio de Zerenbergen, que tuvo que abandonar debido a la mala situación económica de sus padres.

A los dieciséis años trabaja como empleado en la Galería de Arte Goupil de La Haya, gracias a su tío, director de la misma. Cultiva su afición por la pintura y la literatura.

Durante una visita a su familia, en el verano de 1872, inicia la relación con su hermano Theo (el único y verdadero amigo de su vida), con el que mantendría correspondencia hasta el día de su muerte, correspondencia que es el más vivo testimonio de la vida de este genio.

En 1873, la galería donde trabaja se traslada a Londres, donde lleva una vida apacible y comienza a cultivar el dibujo.

Vive en una modesta pensión y se enamora de la hija de su patrona.

Su amor no es correspondido; Vincent es rechazado por primera vez. Esto le deprime y provoca que su carácter se muestre huraño y violento, lo que condiciona su traslado a Paris.

A los veinte años, Van Gogh es un hombre melancólico y solitario. Su situación le hace ver en la religión el único camino para salvar la crisis.

Pese a los consejos de su hermano Theo, abandona la Galería Goupil et Cie y comienza a predicar el metodismo en Isleworth.

Percibe ayuda de su familia para regresar a Amsterdam y cursar allí estudios de Teología protestante.

Pero Vincent no es admitido en el Seminario. Es nombrado predicador finalmente por el consistorio de Bruselas y destinado a la región de Borinage.

Convive allí con los mineros. Su apoyo a la huelga promovida por éstos le vale el cese de su cargo religioso.

De su estancia en esa región de Holanda datan los dibujos de mujeres recogiendo carbón. Van Gogh se dedica por entero a la pintura y a la lectura.

Después tuvo diversos trabajos: fue, sucesivamente, profesor, predicador, vendedor de libros e, incluso, estudió para evangelista, pero las autoridades lo consideraron inestable cuando, literalmente, se deshizo de todas sus pertenencias para dárselas a los pobres durante un invierno.

Desilusionado, se puso a dibujar y comprendió que había encontrado la que era su verdadera vocación.

Primero estudió en la Academia de Bruselas, y luego regresó a su casa a pintar la naturaleza, pero pronto volvió a La Haya para una preparación más amplia con otros artistas.

Biografia de Van Gogh:Pintor Holandes-Cronologia y Obra Artistica

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BREVE FICHA BIOGRAFICA DE ARTISTA

• Nació el 30 de marzo de 1853, en Groot-Zundert (Países Bajos).

• En 1861 inició los estudios primarios.

• A los dieciséis años comenzó a trabajar en una galería de arte en La Haya (Países Bajos).

• En 1876 viajó a Inglaterra e ingresó como maestro en una iglesia metodista.

• Un año después se trasladó a Amsterdam (Países Bajos) para estudiar temas religiosos.

• En 1879 se mudó a Borinage (Bélgica), donde se dedicó a leer la Biblia a los mineros y ayudarlos con sus pocos bienes.

• En 1880 abandonó sus búsquedas religiosas y comenzó a pintar escenas de la vida de los mineros y los tejedores.

• Seis años más tarde fue a París (Francia) para vivir con su hermano Theo. Allí conoció el trabajo de los pintores impresionistas y entabló amistad con el artista Paul Gauguin.

Últimos años

• En 1888 se mudó a Arles (Francia), donde pintó algunos de sus más famosos cuadros y recibió a su amigo Gauguin. Pero un día, tras discutir con él, Vincent perdió la razón y se cortó el lóbulo izquierdo de una oreja.

• En 1889 ingresó a un asilo mental en Saint-Rémy (Francia).

• Al año siguiente se estableció en Auvers-sur-Oise (Francia), donde realizó más de ochenta obras.

• Murió el 29 de julio de 1890, debido a una herida que se causó durante una crisis nerviosa.

Además de hacer un uso del color muy particular, Van Gogh transmitió sus emociones en cada cuadro. Por esto fue considerado un pionero del expresionismo, movimiento contrario a la pintura realista, que se desarrolló entre 1918 y 1925. Pero este modo especial depintar lo convirtió en un artista incomprendido por la sociedad de su tiempo. Durante su vida sólo vendió un cuadro y recién muchos

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Continua…

Gracias a su hermano Theo ingresa a los veintisiete años en la Academia de pintura de Bruselas.

Durante una visita a su hermano se enamora de una viuda, prima suya, de mayor edad que él.

También esta vez es rechazado.

En 1881 viaja a La Haya, donde su primo Mauve lo introduce en los círculos artísticos de la ciudad.

Orienta su interés pictórico hacia naturalezas muertas.

Pese a su buena acogida, Van Gogh reacciona violentamente contra la pintura academicista imperante.

De esta época data su amor con una prostituta embarazada, cuyo apodo era <<Sien>>. Será su modelo para el famoso cuadro Sorrow.

Su padre le aconseja que abandone a esta mujer, que le ha contagiado la sífilis, pero Van Gogh se niega.

En el verano de 1883 se recrudece su enfermedad y decide separarse definitivamente de <<Sien>>, por consejo de su hermano.

Poco después se instala con su padre en una pequeña población de Neven y se interesa pictóricamente por los temas de la Naturaleza.

También cultiva intensamente el retrato.

Su obra cumbre de esta época es Los comedores de patatas.

Posteriormente, tras viajar a Auvers, se traslada a París, donde le espera su hermano.

Allí descubre el mundo impresionista y conoce personalmente a Pissarro, Seurac, Toulouse-Lautrec, Monet, Renoir y Gauguin. Junto a su influencia recibe la de la pintura japonesa.

Pinta intensamente, rompiendo con convencionalismos temáticos y formales, pero su situación económica es muy precaria; no pasa hambre debido al dinero que recibe de su hermano Theo, pero no consigue ninguna venta de sus cuadros.

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Autoretrato de Van Gohg, PIntor Holandes

En 1886, van Gogh estuvo con su hermano Theo en París, donde se asoció con los artistas «Impresionistas» que en esa época luchaban por romper las limitaciones académicas, pero abandonó esa capital en 1838 dirigiéndose a Arles.

Allí pintó todo lo que le interesaba: girasoles, árboles llenos de capullos, salas de su casa y las gentes y calles del pueblo, trabajando todo el tiempo con una intensidad que le hizo posible captar efectos fugaces o estados de humor.

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Cansado de la vida parisina, por consejo de Toulouse-Lautrec, en 1888 marcha a Arlés, donde lleva una vida apacible pero prolífica.

Poco a poco, y al mismo tiempo que acarcia la idea de llevar a término una comunidad de pintores se va dando cuenta que la fugacidad impresionista, utilizada por Monet o Renoir para captar las sensaciones visuales en un instante determinado, no le sirve para expresar sus sentimientos, para sacar fuera su «yo».

Si en su viaje a París, Van Gogh rompió con la tradición holandesa del claroscuro, y quedó absorto por el luminismo impresionista, en Arles recobra el sentido de la construcción, de la forma encerrada en colores extraordinariamente sugerentes.

El pintor al que quiere retratar Vincent es el propio Vincent.

Se complace, además, en captar los campos de trigo al atardecer; sus fieles amigos, como el cartero Roulin; el amarillo intenso de los girasoles que se contraponen a fondos amarillos, la soledad de un café pasadas ya las doce de la noche.

A partir de septiembre de 1888 suele pintar por la noche, al aire libre con la luz de los candiles, que dispone en el ala de su sombrero y alrededor del lienzo.

Exterior de café de noche, Noche estrellada sobre el Ródano parecen la reflexión sobre un mundo a la vez cercano y lejano, un mundo inalcanzable para el pintor, que intenta volcar su interiorismo al pintar la modesta

La idea de crear una colonia de artistas sigue en su mente y reitera a Guaguin su invitación para que vaya a Arles.

Gauguin llega allí el 20 de junio y empiezan a trabajar juntos en plena campiña.

En septiembre visitan el museo de Montpellier y su divergencia con respecto a la apreciación de la pintura hace enfriar sus relaciones, situación que llega a su punto crítico cuando, el 23 de diciembre, Vincent intenta agredir a Guaguin con una navaja.

Asustado, Van Gogh pasa la noche en una fonda y sufre un ataque de demencia durante el cual se corta una oreja, la envuelve en un papel y la entrega a una prostituta conocida de ambos.

Alertada la policía, le obliga a ingresar en el hospital de Arles, en el que permanece hasta el 7 de enero. Parece recuperarse, sale del hospital y pinta algunas telas, entre ellas dos autorretratos con la cabeza vendada. Por la noche sufre de nuevo insomnios y alucinaciones, por lo que el 9 de febrero de 1891 ingresa otra vez en el hospital, donde es atendido por el doctor Félix Rey.

Superada la crisis, sale del establecimiento, pero una comisión de vecinos dirige una petición al ayuntamiento para que Vincent sea de nuevo internado, hecho que se produce a mediados de marzo.

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Recibe la visita de Gauguin. Van Gogh había pintado de amarillo su estudio cuando recibió la noticia; sin embargo, tras una discusión sobre Rembrandt, Gauguin decide regresar a París a pesar de las súplicas de Vincent, que se corta una oreja y la envía a una prostituta con la que los dos amigos habían estado.

Theo decide que su hermano ingrese en el Hospital de Saint Paul, después de lo cual Van Gogh es rechazado por la población de Arlés.

El pintor sufre alucinaciones, y en la primavera de 1889 ingresa en el Hospital de Saint Reney. El diagnóstico es epilepsia y esquizofrenia sin llegar a grados extremos. Vincent convierte su habitación en estudio pictórico y trabaja infatigablemente. Su pintura es tortuosa, violenta…

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Hasta que Auviers publicó un artículo sobre Van Gogh, el artista había permanecido olvidado de la crítica. En julio de 1890 no recibe la suma que mensualmente le envía su hermano. Conoce la desesperación, se siente fracasado y enfermo; le abruma la tristeza y la angustia.

Con la excusa de ir a cazar cuervos, consigue un revólver prestado con el que se dispara un tiro en el estómago. Después de esto regresa a su casa y, mientras fuma, espera que la muerte llegue. El 29 de julio recibe sepultura. Theo, su hermano, nunca se recuperó del choque que esto supuso para él y perdió la cordura.

Vincent van Gogh, el más genial de los pintores de finales de siglo, sólo consiguió vender dos cuadros en su vida.

En 1889, cuando su estado de salud es sumamente débil, su obra empieza a ser conocida y apreciada. Dos cuadros suyos son expuestos en el Salón; es invitado a participar en la octava exposición Les XX de Bruselas e incluso Toulouse-Lautrec llega a desafiar en duelo al pintor Henry de Groux cuando éste dice no gustarle los cuadros de Vincent. En febrero de 1890, Théo le comunica que ha logrado vender una de sus obras (Viñedo rojo) a Anne Boch por cuatrocientos francos. Será la única venta del pintor a lo largo de su trayectoria artística.

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El significado de los girasoles (1888)

Sin duda, Los girasoles (Nacional Gallery, Londres) –a la izquierda, Jarrón con 14 girasoles- es la más famosa serie de naturalezas muertas de Van Gogh.  La pintó en Arles mientras esperaba la llegada de Gauguin con la intención de que decorara el cuarto de huéspedes, que preparaba para su amigo.  Para Van Gogh el amarillo de las flores representaba la amistad y la esperanza, mientras que la forma de abrirse “simbolizaba la gratitud”.

girasoles obra de arte de Van Gogh

El cuadro está realizado con la técnica del “empaste” –asociada con Van Gogh-, que produce sorprendente efecto tridimensional, como si los colores surgiesen de la tela.  La pintura muestra una magnifica simplicidad: flores de una sola clase en un primer plano.  Las líneas, firmes y simplificadas, y el color, denso y brillante.  El amarillo, el Sol, también se expresa en los girasoles.

Las mujeres

Vincent van Gogh fue un hombre apasionado, pero desgraciado con las mujeres. Cuando tenia 20 años sufrió, en Londres, un desengaño amoroso que lo marco para siempre. Mas tarde trato de mantener relaciones con su prima.  Rechazado de nuevo. Solo hallo consuelo en las prostitutas, incluso abrigo la idea de formar hogar con una de ellas.

Dolencias

A la llegada al asilo de Saint-Rémy, a unos pocos kilómetros de Arles, el  director del centro, el doctor Peyron, describió a la enfermedad de Van Gogh como epilepsia.  Sin embargo, seguramente, sobre el desequilibrado estado mental del pintor también habrían influido otros factores como mala nutrición, alcoholismo, sífilis y esquizofrenia.

El empaste

El empaste es la técnica pictórica que define la mayor parte de la obra de Van Gogh trabajo con tal urgencia que apretaba directamente el tubo de pintura sobre el lienzo, a veces en sucesivas capas, como se advierte en La playa de Scheveningen (1882), en la que incluso se incrustaron algunos granos de arena.

Una mole violenta

Durante su permanencia en Auvers-sur-Oise, Van Gogh pinto muchas vistas de los alrededores del pueblo y de sus edificios.

A propósito del cuadro La Iglesia de Auvers escribió:

“El edificio es una mole violenta que se recorta contra el azul liso e intenso del cielo; los vidrios coloreados de las ventanas son como destellos de azul marino…”.

Van Gogh siempre trató de interesar a otros pintores en su revolucionario estilo y trabajó con Gauguin durante dos meses en Arles, pero la tensión de sus ideas y temperamentos opuestos fue tan grande que van Gogh se abatió de tal forma que se cortó la oreja izquierda. A esto le siguieron dos períodos cortos en el hospital y en 1889 solicitó ser internado en un asilo.

Continuó pintando, considerando esto como una prueba de su mejoría, e hizo estudios de los jardines del asilo y de los sombríos cipreses que lo rodeaban.

Después de un año, frustrado por la escasez de temas, partió a París y luego viajó donde un amigo en la aldea de Auvers-sur-Oise.

Obviamente esto le procuró gran consuelo mental y espiritual ya que sus pinturas de los campos y valles del lugar son líricas y expresivas.

Sin embargo, su infelicidad por depender financieramente de su hermano Theo, fue motivo de riña con su anfitrión.

Desesperado por la falta de reconocimiento, por la soledad y por la lucha para mantener su cordura, finalmente se suicidó en Julio de 1890.

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CRONOLOGÍA: 

30-3-1853: Vincent van Gogh nace en Groot Zinder (Holanda). 

1869: Como empleado, trabaja en una galería de La Haya. 

1870-1875: Se traslada a la sucursal londinense de esa misma galería. 

1875: A los 22 años, y tras una crisis amorosa, se va a París. 

1876: Regresa a Inglaterra y da clases en un colegio privado.  Cerca de Londres, ayuda a un pastor metodista. 

1877: Vuelve a Holanda para trabajar en una librería.  Durante unos 15 meses estudia para ser pastor. 

1877-1880: Convive con los mineros en Bélgica, que eran muy pobres. 

1880: Narra a su hermano Theo sus profundas angustias. 

1880-1883: Vive una época de amores turbulentos y difíciles. 

1883: Van Gogh desarrolla el gusto por pintar paisajes. 

1885: Pinta Los comedores de papas.  Muere su padre. 

1886: Se traslada a París para vivir con su hermano Theo.  Conoce a los pintores Toulouse – Lautrec y Gauguin. 

1886-1888: Pinta unos 200 lienzos; entre ellos 23 son autorretratos. 

1888: Se instala en Arles, sur de Francia, con su amigo Gauguin.  En un arrebato de furia se corta el lóbulo de una oreja.  Entra en una etapa muy próxima a la demencia absoluta. 

1889: Ingresa en el asilo de Saint Paúl – de- Mausole.  Sufre una de sus crisis mas graves, pero sigue pintando. 

1890: Conoce al doctor Gachet, al que dedica unos cuadros. 

29-7-1890: Muere a los 37 años en Auvers – sur – Oise (Francia). 

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SIGLO XXI: UN ARTISTA QUE VALE MILLONES

VAN GOGH ALCANZO LA GLORIA  artística después de muerto. 

Y, ya en el siglo XX, su figura alcanzo la categoría de mito. 

Entonces, el valor de su obra empezó a multiplicarse.

En el mercado del arte, sus pinturas y dibujos alcanzaron precios astronómicos. 

En la década de los 90, se desato la pasión de muchos coleccionistas por el impresionismo.

Los multimillonarios japoneses empezaron a pujar fuerte en las subastas de cuadros impresionistas, y Van Gogh –un “impresionista tardío” también considerado como el primer expresionista- estaba en primera línea.

Se repetía hasta el cansancio que solo había vendido un cuadro en su vida y que lo poco que ganaba lo invertía en materiales para seguir pintando. 

Así se alimento artificialmente el valor del mito.  Uno de sus siete jarrones con girasoles y sus lirios pasaron a estar entre las telas más caras.

En 1990, el japonés Ryoei Saito pago 82,5 millones de dólares por Retrato del doctor Gachet, que se convirtió en la obra más cara hasta el momento.

  Se trata de un cuadro heredado por el hermano del pintor, Theo, que lo legó a su viuda.

Luego, la obra paso a manos de un coleccionista danés y de otro alemán, que vio cómo los nazis lo confiscaban por considerarlo una muestra inapropiada.

Ello no impidió que fuera vendido a un alemán residente en Holanda y, posteriormente, adquirido por un judío.

El multimillonario Saito, muerto en 1996, conservaba el retrato dentro de una caja de madera guardada en un almacén de su fábrica de papel.

En la  lista de los cuadros más caros de la historia se refleja el dominio impresionista. 

Los cuatro primeros son de esa época artística: Retrato del doctor Gachet, un Rendir (78 millones), un autorretrato de Van Gogh (71) y un Cezanne (60,5).

Pero el legado de Van Gogh no se extendió mucho más allá. 

Se atribuye a su carácter y a los rasgos individualistas del impresionismo francés, el fracaso de su colonia de artistas.  Y esto también alimenta el valor de su excepcional obra.

obras de Van Gogh

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