El Teatro Colón

Historia del Teatro Universal desde su Origen Resumen

Resumen de la Historia del Teatro Universal

ORÍGENES DE TEATRO: El teatro es una representación animada por actores —cualquiera sea el género o argumento escrito por el autor—, en un edificio destinado a este fin; esto se ha venido haciendo en sus distintas modalidades, desde la más remota antigüedad. Así como los niños gustan ser actores improvisados cuando practican ciertos juegos, al hombre le agrada dejarse llevar en alas de la fantasía, otorgando así a la vida una proyección que la actividad diaria suele negarle.

El instintivo sentido de recitación, de la representación mediante gestos y palabras, de una realidad que a veces no es la propia, empujó al hombre primitivo, desde la edad paleolítica, a usar máscaras y disfraces para declamar vulgares salmodias, desenvolver sus danzas y esbozos de diálogos, celebrando acontecimientos de la tribu: la partida para la caza, la recolección de la cosecha, el paso de la juventud a la edad adulta, los ritos fúnebres, etc. En estas rudimentarias manifestaciones, como en muchas otras de los pueblos primitivas que subsisten en nuestros días, no podemos hablar de «teatro», no tanto por la rusticidad de su representación, carente de argumento, cuanto por el espíritu con que se llevaban a cabo.

Estos espectáculos son más bien ceremonias religiosas, en las que el hombre no se empeña mucho por despertar el interés de sus semejantes, sino el de la divinidad. Al ponerse la máscara, no cree sólo que se ha disfrazado, sino que, ingenuamente, piensa que la divinidad a la que pertenece el disfraz, ha entrado en él. Esto es fácil de comprobar por los ritos de ciertos pueblos de hoy día; esta identificación del actor con la divinidad va desapareciendo poco a poco; el actor sabe que está representando un papel, y el público se persuade de que no tiene ante sí a un dios, sino a un actor caracterizado de tal.

Este nuevo concepto de la escenificación la hizo más compleja; se presentaron episodios enteros relacionados con la mítica vida del dios, enriqueciéndola con diálogos y recitados. Las representaciones eran todas de argumentos religiosos, raramente de carácter profano o humorístico, asemejándose más a lo que nosotros entendemos por teatro.

historia del teatro

Los egipcios, desde el tercer milenio a. de J. C, representaban espectáculos sagrados en ocasión de las festividadesde Osiris; he aquí un rey y un sacerdote que llevan máscaras de halcón paa representar al dios Horus. Las representaciones  de los pueblos primitivos no son verdadero teatro  pero tienen una significación mágica y religiosa común a todas las antiguas sociedades del mundo.

En el antiguo Egipto (tercer milenio antes de Cristo), ya existían expresiones más evolucionadas de este género; se efectuaban en los templos, estaban estrechamente ligadas a las celebraciones de los ritos secretos, y sus argumentos eran escritos especialmente para tales ocasiones.

El teatro clásico, del que somos herederos, nació en Grecia en el siglo V a. de J. C. Como en otros pueblos, aquí también fue precedido por ceremonias análogas a las ya descriptas, que se celebraban en honor de Dionisio, dios de la fertilidad. En estas fiestras campestres participaban bacantes y sátiros disfrazados con pieles y cuernos. Pronto tuvo gran importancia el ditirambo, invocación versificada en honor del dios; tomó tal impulso que necesitaron dos corifeos que dialogaban entre sí, dos coros que comentaban cantando, y un tercer personaje que representaba al dios.

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Reconstrucción de un teatro ateniense. La escena se desarrollaba siempre al aire libre y empezaba por la mañana. El idificio se .construía de modo que fuese posible aprovechar la pendiente de las colinas. La orquesta, disimulada bajo una tarima, acomvañaba al coro y a las danzas.

De esta representación coral, que mantuvo, en los primeros tiempos, los mismos argumentos religiosos, derivó el género teatral más importante: la tragedia, que floreció en Atenas en el siglo v a. de J. C.

En ese siglo encontramos autores como Esquilo, cuyas obras denotan un profundo sentimiento religioso, y sófocles, que analizó los problemas morales ahondando en la vida del hombre y dando mayor naturalidad al lenguaje de la tragedia. Nació así la comedia, género teatral profano y realista, que llevó a escena, para censurarlos, los vicios más ocultos de la vida ciudadana.

Tragedias y comedias se representaban durante las fiestas dionisíacas que se celebraban cuatro veces al año; las tragedias, especialmente, se consideraban parte integrante de los festejos religiosos; el público permanecía, pues, todo el día en el teatro. La representación comprendía tres tragegias, un drama satírico, y una comedia breve. Los sacerdotes de Dionisio y los magistrados asistían a la representación inaugural.

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Para ser gratos al dios Dionisio, sus  fieles imitaban a los sátiros, los faunos y las ninfas que le habían acompañado en sus incursiones campestres

La tragedia gozó, por mucho tiempo, de los máximos honores; desde Sófocles hasta el gran Aristóteles, se escribieron numerosos tratados acerca de las normas a que debían ajustarse.

Se realizaban concursos, y las obras teatrales eran siempre elegidas después de una cuidadosa selección. Al finalizar la temporada teatral, el autor de la mejor obra era premiado.

Los atenienses amaron profundamente el teatro, no sólo por el deleite que les proporcionaba (y que buscaron preferentemente en la comedia), sino por el valor educativo que inspiraban los argumentos desarrollados. Esto explica que las mujeres y los niños pudieran asistir a estos espectáculos (las mujeres, en Atenas, llevaban una vida casi exclusivamente de hogar).

El Estado otorgaba un subsidio a los autores y a los actores, y disponía que se diera a los pobres los dos óbolos exigidos a la entrada. Pero la mayor parte de los gastos que ocasionaban estos espectáculos eran solventados por el corego; éste era elegido, por turno, entre los ciudadanos más ricos de Atenas, y debía organizar, vestir e instruir a su costa, un grupo coreográfico, empresa que consideraba un alto honor y en la que no escatimaba sus dotes ni su dinero.

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Actor trágico con máscara y coturnos. Sobre el fondo del escenario, el telón, con sus columnas, sugiere un palacio. Del mecanismo Usado en el teatro por los griegos conocemos el enchicléma, plataforma móvil, que se adelantaba sobre el escenario para mostrar lo que sucedía en el interior de una casa (por ejemplo un asesinato).

Los actores gozaban de gran estima; eran tres en las comedias; cuando la obra requería más personajes, ellos mismos, multiplicando sus caracterizaciones, desempeñaban estos nuevos papeles.

A partir del siglo IV, los espectáculos ya no estaban tan ligados al culto dionisíaco; en Sicilia. Macedonia. Tesalia y Egipto, donde el teatro griego se había difundido, prevalecía la costumbre de festejar los sucesos ciudadanos de cierta importancia, con una representación teatral. Con Eurípides, el último gran trágico griego, la tragedia ya no tiene, como hemos dicho anteriormente, valor religioso. En cuanto a la comedia, después de Aristófanes, pierde el áspero acento satírico, y utiliza cada vez más el argumento vulgar.

Sin tener acceso al teatro, conformándose con aparecer en los espectáculos populares de las plazas, fue difundiéndose una especie de farsa grotesca, entremezclada con danzas y juegos, en la que se representaban escenas de costumbres. Tuvo en Roma un éxito mayor aún que en Grecia.

Las representaciones en Grecia empezaban muy temprano, de aquí que el público se dirigiese al teatro a la salida del sol. El precio de la entrada era de dos óbolos, pero ya en tiempos de Pericles (siglo V a. de C.) a los pobres se les pagaba la entrada con cargo a los fondos públicos. Los considerables gastos que suponían las representaciones eran subvencionados por ciudadanos ricos. En un principio las representaciones se llevaban a cabo por un solo actor -a menudo el propio autor- y un coro, dirigidos por el corega. En la época de Esquilo los actores pasarían a ser dos: el protagonista y el antagonista. A veces, el mis mo actor se veía obligado a interpre tar más de un papel, lo que nos hace suponer que el público griego estaba dotado de un poder de imaginación mucho mayor que el de hoy. El teatro romano, imitador en todo del teatro griego, no tuvo, aquél, para sostenerlo y vivificarlo, ni la fe colectiva ni el ardor cívico de to do un pueblo. Sin duda, los juegos los grandes juegos romanos, en oca sión de los cuales se daban represen taciones teatrales, estaban revestidos de una gran pompa y se preciaban de tener disoes patrones.

Del teatro como expresión de un rito se llega al teatro como pasatiempo; el actor, al igual que el titiritero y el gladiador, debe divertir a un público de menor cultura, deseoso de novedad. Por otra parte, todo lo que provenía de Grecia gustaba en la Roma de los césares. Así nació una literatura teatral que rehacía los temas griegos, eligiendo aquéllos que se adaptaban al espíritu latino y a las costumbres de este pueblo.

Roma toma el teatro griego cuando los grandes géneros de la tragedia y la comedia estaban en decadencia; empero, el espíritu práctico romano pareció no comprender el alto significado religioso y moral de las obras griegas de la edad clásica.

Antes que Livio Andrónico, liberto de origen griego, tradujese al latín e introdujese, en los teatros romanos, algunas tragedias y comedias griegas (en 240 a. de J. C), en Roma se representaba casi exclusivamente un género primitivo de espectáculo cómico, que había sido introducido por actores romanos y etruscos; era la atellana, originaria de la ciudad de Atella, Italia; era una mezcla de alta comedia y de parodia, en la que los actores caracterizaban a personajes de psicología diversa, en base a metáforas.

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Reconstrucción de un teatro romano que pone claramente de manifiesto, por su-imponencia, la fuente griega en que se inspiraron sus diseñadores.

Asimismo, en Roma, con Eísnios, Accio y Pacubio, floreció la tragedia praetextae, escrita sobre tomas nacionales, y que no obtuvo gran éxito; junto a ella seguía subsistiendo el género de las palliatae, cuyo argumento se inspiraba en la tragedia griega.

En esta época, la afición prevaleciente del público romano orientó al teatro hacia el género cómico, los espectáculos brillantes y la comedia. Los espectáculos circenses tomaron auge, y eclipsaron muy pronto las últimas manifestaciones de la tragedia romana. Las representaciones correspondientes a este género no van más allá del siglo de Augusto.

Recordemos que los romanos buscaban en el teatro la diversión, y no principalmente un fin educativo. El teatro hubo de seguir las formas que el gusto popular aplaudía, como ocurrió en las obras de Plauto o en las más delicadas de Terencio; lo lamentable es que por ello cayera a veces en trivialidades.

Los edificios para las representaciones se construyeron en época relativamente tardía, aún cuando el primer teatro que Roma poseyó data del año 55 a. de J. C, y fue construido bajo Pompeyo.

Los teatros romanos se inspiraron en los griegos: eran inmensas construcciones que podían dar cabida a 50.000 espectadores. La distribución, el decorado, el lugar reservado para el coro, se adaptaban a las necesidades del arte teatral de la época. Había incluso un complicado mecanismo que permitía la aparición en escena y el traslado de los dioses, cuando el argumento lo requería; estas intervenciones podían ser acompañadas por truenos u otros ruidos que expresaran la cólera de los dioses, para lo cual se disponía de cilindros de bronce que se llenaban de piedras y eran accionados por un mecanismo especial.

Los romanos tenían poca estima por el género teatral, y los actores eran despreciados, considerándose su profesión indigna de hombres libres. Durante la lenta y progresiva decadencia del Imperio Romano, el teatro fue corrompiéndose y no debe asombrarnos que la Iglesia naciente condenara todo tipo de espectáculo, prohibiendo a los fieles asistir a las representaciones. Lo que se censuraba era ese género de teatro, y no el teatro en sí que verá renacer la alta Edad Media, en el atrio de las iglesias.

En cierto sentido el teatro volvió a ser ritual, y tuvo nuevamente un carácter religioso y educativo. Se iniciaba el gran ciclo: primero el teatro sacro de la edad primigenia de la historia, luego el teatro solemne que exalta la actividad del hombre como ente moral, luego la farsa y la diversión sin más.

Orfeo: el amor y la música: Una de las más bellas leyendas de la mitología clásica es, sin duda, la del músico tracio Orfeo, a quien se ie atribuye el invento de la lira. Casado con la ninfa Eurídice, tuvo que soportar su pérdida, ya que ésta, al ser mordida por una víbora, murió y descendió al Infierno. Pero Orfeo no se resignó: fue en su busca y consiguió de los dioses el privilegio de poder retornar con ella al mundo de los vivos, con la condición de no volver la vista atrás antes de que ambos amantes hubiesen abandonado el recinto infernal. Concluido casi el retorno, el joven tracio, que ya había alcanzado la luz, no pudo resistir el deseo de contemplar el rostro de Eurídice y se volvió. Pero la ninfa, que todavía no había abandonado el Infierno, se desvaneció ante la mirada impotente de Orfeo, quien desde entonces se dedicó a vagar sin rumbo, acompañando su dolorida existencia con los sones de su lira, hasta que fue fulminado por un rayo de Zeus, o, según otra versión, despedazado por las terribles Ménades. Su leyenda dio origen a toda una cosmogonía o explicación mítica de los orígenes del mundo y la implantación de ritos iniciáticos (orfismo). Su presencia en las artes ha sido continua, sobre todo en el terreno musical y en el teatro, destacando en este último campo la obra Orfeo (1927), del escritor francés Jean Cocteau.

EDAD MEDIA: El mundo antiguo no legó al mundo medieval ninguna forma dramática viva. Al perderse en Roma el arte teatral, en medio de los aparatosos juegos del circo, será la Iglesia quien devuelva al teatro vida y sentido nuevos, hasta que el pueblo arrastre hasta él, lejos del altar, al nuevo drama. El primer espectáculo escrito y representado por entero fuera de la Iglesia se montó hacia mediados del siglo XII.

La liturgia dio a luz el drama, como antaño el mito de Orfeo lo hiciera con la tragedia. Con un intervalo de dieciocho siglos, el teatro renace y conoce las mismas fases: coros que celebran el nacimiento de un dios, actores que se van destacando del grupo, y personalizándose, para representar la historia divina hasta que, poco a poco, vuelvan a representar la historia del hombre.

Esta forma teatral iría perfeccionándose durante los siglos XII, XIII y XIV, hasta florecer en el siglo XV. El tema del misterio es siempre un tema religioso, penetrado de profundidad mística, pero que contiene al mismo tiempo pintorescas escenas de violenta comicidad. Se trata de espectáculos que duraban varios días. Es un teatro que probablemente nació en los tiem-;  pos de la clandestinidad del cristianismo y se desarrolló en una época de crisis profunda, debatiéndose entre los restos de la mentalidad pagana que había dominado el Mediterráneo y la de los pueblos bárbaros, de tan diferente origen.

La Edad Media se vio obligada a salvar lo positivo de aquel mundo pagano y a preparar los cimientos de una nueva sociedad. La oscuridad que se atribuye a esta época -exagerándola, por cierto- se debe a esta mezcla de elementos y a la ingente labor que ofrecía su acoplamiento.

La Iglesia tuvo que enfrentarse a la tarea de completar lo que no había conseguido el Imperio Romano: mentalizar a los invasores bárbaros con una nueva idea de la existencia. Quizá por ello el teatro medieval, reflejo de su época, más que presentar hechos ordenados, los expone simplemente ante los ojos del espectador, se los hace ver. La idea de este nuevo teatro surge de la búsqueda de una nueva idea de sociedad, y también de una nueva lengua, ya que se hallan en formación todas las lenguas vulgares, procedentes del latín.

Los primeros documentos que se conservan de teatro medieval son franceses; se remontan al año 1100, y están escritos en dos lenguas alternadas: latín y francés vulgar. Las representaciones medievales reciben los nombres de milagros, misterios, y farsas, en el caso del teatro profano. Estos espectáculos se parecen en toda Europa, debido a una razón clara: la cristiandad.

La Iglesia ya cuenta, además de su poder espiritual, con el poder político, aunque aún no tiene una verdadera organización estatal. ¿Qué mejor prueba de ello que la estrecha conexión existente entre las formas dramáticas de las distintas naciones, por encima de sus caracteres idiomaticos?

Al alargarse la representación y exigir cada vez mayor número de personajes pierde intensidad, pero gana en espectáculo y, por lo tanto, en participación de la masa.

Conservamos pocos ejemplos de este tipo de teatro. Los más importantes son: el Auto de los Reyes Magos, en lengua castellana, misterio del ciclo de Navidad, de autor anónimo, compuesto a finales del XII o principios del XIII; Abraham e Isaac, del poeta florentino Feo Belcari (1410-i 484); y la famosa Farsa de Micer Pathelin, tipo cómico que enlaza con los antiguos personajes del teatro pagano.

El teatro medieval, aunque no produjo obras de mucho valor, sí sentó las bases del nuevo teatro, sin cuya evolución entre los siglos XVI y XVII no habría existido el drama moderno tal como hoy lo conocemos.

EDAD MODERNA: Desde principios del siglo XVI se abandonan definitivamente las formas de expresión de la Edad Media, aunque no sin resistencia, ya que –hecho único en Europa– la influencia del gótico francés no había hecho mella en el arte italiano. En primer lugar, Florencia, por razones del protagonismo social y político de los Médici, será quien elabore las formas de la nueva civilización. Así es como el teatro italiano da nacimiento a un estilo propio, que se ha perpetuado hasta nuestros días. El arte se integra en la vida pública.

La clase dominante impone a los artistas –generalmente, por medio del mecenazgo– temas y formas de expresión que reflejan la nueva ideología. Este teatro se ve poco a poco absorbido por un teatro aristocrático, con su lujo, su fasto y su pompa; y éste hará aparecer a finales del XVI el estilo barroco, que en su declive hará posible que los decorados, la música y el drama se unan para la creación de un nuevo género teatral -la ópera-, al tiempo que facilitará también la creación del melodrama. En El Príncipe, Maquiavelo, medio siglo antes de Montaigne y casi un siglo antes de Bacon, afirma su inclinación por el realismo, por esa realidad que marca quizá el paso de lo antiguo a lo nuevo del modo más patente.

Mientras se desarrolla este teatro de corte, con reminiscencias de los antiguos clásicos y que vive de la protección de los príncipes, la Commedia all’improviso -llamada más comúnmente Commedia dell’ Arte– no cesa de multiplicarse y perfeccionarse, con gran protagonismo de los actores cómicos (zanni), supervivientes de los latinos, que actúan en compañías ambulantes, de una ciudad a otra. El inmenso éxito popular de esta comedia del arte no deja de llamar la atención de los príncipes y de la gente culta. La juventud, entusiasta, forma grupos de dilettanti (aficionados) en favor de esta forma de teatro. Así, desde la calle llega a los palacios, donde se perfecciona y se enriquece.

Todas las posibilidades del juego escénico, dominadas por la libertad y el genio del actor, están aquí permitidas. Se trata de una manera de actuar en la que predomina la improvisación. La comedia del arte devolvió su valor al espectáculo; una concepción plástica del teatro exigía del actor todas las formas de interpretación: creación de sentimientos y de pensamientos por medio de la mímica, de la danza, de la acrobacia incluso, al igual que sucede con las tendencias imperantes de nuevo hoy. Por otro lado, este teatro se desenvuelve en una época en que las luchas religiosas son sangrientas.

El Humanismo contribuirá, por su parte, a la creación de tendencias literarias que abren un abismo entre los eruditos y la masa, todavía inculta. La corte y los nobles frecuentarán cada vez menos los espectáculos populares, acentuando la diferencia, cada vez mayor, entre el pueblo y las clases elevadas, las cuales , por necesidad y por interés, harán causa común con la cultura.

La invención de la imprenta permitirá difundir los intercambios intelectuales ya existentes, y el descubrimiento de América por los españoles conferirá a estos conocimientos un carácter universa!.

La fantasía española se impondrá en este tipo de teatro, principalmente a partir de 1502, a través de las múltiples ediciones de la famosa Celestina. Así, podremos decir que la influencia italiana por la técnica y la española por la imaginación –donde los temas del amor y la fatalidad imponen su violencia– entran a saco en el teatro ilustrado, haciendo olvidar un poco a los antiguos clásicos, mientras el pueblo y la mayor parte de la burguesía mantienen su inclinación hacia la palabra brillante e incluso grosera, hacia la mascarada, los chistes y la farsa. Se trata de una época en que los caracteres de la comedia y tragedia modernas descubrirán su esencia.

De modo que si el siglo XVI no ha dejado, en suma, una obra dramática particularmente notable, sí ha preparado, en sus diversas y vivas experiencias, todo lo que iba a permitir al teatro posterior perfeccionarse y expresarse plenamente.

Calisto y Melibea:

Calisto.- En esto veo, Melibea, la grandeza de Dios.

Melibea – ¿En qué, Calisto? calisto – En dar poder a natura que de tan perfecta hermosura te dotase, y hacer a mi inmérito tanta merced que verte alcanzase, y en tan conveniente lugar, que mi secreto dolor manifestarte pudiese. Sin duda, incomparablemente es mayor tal galardón que el servicio, sacrificio, devoción y obras pías que por este lugar alcanzar yo tengo a Dios ofrecido. ¿Quién vio en esta vida cuerpo glorificado de ningún hombre como ahora el mío? Por cierto, los gloriosos Santos, que se deleitan en la visión divina, no gozan más que yo ahora en el acatamiento tuyo. Mas, ¡oh triste!, que en esto diferimos: que ellos puramente se glorifican sin temor de caer de tal bienaventuranza, y yo, mixto, me alegro con recelo del esquivo tormento que tu ausencia me ha de causar.

Melibea.— ¿Por gran premio tienes éste, Calisto?

Calisto – Téngolo por tanto, en verdad, que si Dios me diese en el cielo la silla sobre sus santos, no lo tendría por tanta felicidad.

Melibea- Pues aún más igual galardón te daré yo, si perseveras. calisto- ¡Oh bienaventuradas orejas mías, que indignamente tan gran palabra habéis oído!

Melibea.- Más desventuradas de que me acabes de oír. Porque la paga será tan fiera cual merece tu loco atrevimiento.Y el intento de tus palabras ha sido como de ingenio de tal hombre como tú, haber de salir para se perder en la virtud de tal mujer como yo. ¡Vete, vete de ahí, torpe! Que no puede mi paciencia tolerar que haya subido en corazón humano conmigo el ilícito amor comunicar su deleite. calisto – Iré como aquél contra quien solamente la adversa fortuna pone su estudio con odio cruel…

(Fernando de Rojas: Tragicomedia de Calisto y Melibea)

SIGLO DE ORO: El período isabelino, en Inglaterra, ilustra una de las épocas más grandiosas de la historia del teatro. El genio de Shakespeare, en el que toda la humanidad consigue verse reflejada, todavía hoy alcanza unas cotas que jamás fueron superadas. La apasionada vida de la época era demasiado fuerte para que el pueblo no pidiese verse representado en los escenarios.

Todo un mundo político y social agoniza en su moral, y la nueva sociedad que nace se vale del realismo político para alcanzar sus metas, lo que en el teatro se convertirá en grandiosas tragedias de expresión múltiple y exaltadora, en las cuales un personaje de voluntad desmesurada será el héroe que rompa todos los obstáculos, que viva una vida intensa, aparentemente liberado por su violencia, su astucia y una aterradora crueldad.

La reina Isabel moderará las tendencias puritanas de su sociedad, manifestando su gusto personal por los espectáculos populares, como los combates de animales, las carreras, la caza y las representaciones teatrales que organiza en el teatro que ha hecho construir en la corte para su propio uso.

El isabelino es un teatro puramente nacional. Las influencias externas llegan muy atenuadas, exceptuando quizá la de la commedia dell’arte, que se manifiesta en el empleo del bufón (personaje medieval divertido). Los grandes dramaturgos de este período son, con William Shakespeare a la cabeza, Ben Jonson, Fletcher, Marlowe, Thomas Dekker, John Ford, Thomas Middleton… Todos estos nombres ilustres llenan lo que dura una simple vida humana, y para nuestro asombro es de ellos de quienes se habla al tratar del milagro isabelino.

A finales del siglo XV, el pueblo español, despertando a la conciencia de su genio nacional, permitirá al teatro un desarrollo igualmente decisivo. El Imperio español está en pleno auge. Tras la influencia italiana, la originalidad profunda y radiante del teatro español florece en obras gracias a las cuales el mundo entero llamará a esta centuria el Siglo de Oro, uno de los más gloriosos de la historia universal del teatro. Es un teatro obsesionado, como lo era el hombre de su época por la idea del honor. La Iglesia se halla, por su parte, en plena lucha con tra la herejía.

La todopoderosa Inquisición conseguirá suprimir toda libertad religiosa o política. Sin embargo,, renuncia a luchar contra el teatro, prefiriendo servirse de él en la medida de lo posible. Y lo hará, esencialmente, sugiriendo temas a los autores dramáticos, y censurándolos después.

El período heroico del teatro empieza realmente con el reinado de Felipe II, que verá el florecimiento de la poesía lírica y de la épica, y el esplendor de los grandes místicos, como Teresa de Jesús y Juan de la Cruz. Los grandes nombres del teatro son: Miguel de Cervantesgenial novelista, y no tan grande como dramaturgo-, Tirso de Molina, Pedro Calderón de la Barca, Juan Ruiz de Alarcón y, por supuesto, Lope de Vega.

De todas las artes, el teatro fue el que manifiestamente sirvió mejor a los fines de la política interior de Felipe IV. La reputación del fasto y el esplendor de una corte que todavía pretendía asombrar al mundo, y en la que se representaban tantas obras y comedias palaciegas, servía para enmascarar ante el pueblo la decadencia política y social de la monarquía de los Austrias, comenzada con guerras desgraciadas y tratados desastrosos que culminaron en el agotamiento de las arcas reales.

El teatro de toda esta época, amado por los reyes, por la aristocracia y por el pueblo, quiere ser, y lo consigue, eminentemente popular. Los dramaturgos viven profundamente su época, y la reflejan. Todos los historiadores están de acuerdo en que la aristocracia ocupa los altos cargos pero tiene poca influencia.

El rey, seguido por su pueblo, tiene toda la autoridad material, mientras que la Iglesia, que ha mantenido durante ocho siglos una encarnizada pugna contra el Islam, lucha ahora contra el protestantismo y posee toda la autoridad espiritual y moral, que impone por medio de la Inquisición. Se puede situar en el reinado de Carlos II, es decir, en los últimos años del Siglo de Oro, el fin, al menos en bloque, del gran genio dramático español, uno de los más grandes que hayan existido.

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Volpone, también conocida como El zorro (1605), es ina comedia en verso de Ben Jonson, uno de los grandes del teatro isabelino. Se desarrolla en la Venecla del siglo XV, y su personaje central es Volpone, quien, dueño de una gran fortuna y sin descendencia, se divierte a expensas de los que le quieren heredar.

Fuente Consultada:
LO SE TODO Tomo V Editorial Larousse – Historia del Teatro –
El Teatro Por Dentro – Temas Claves – Colección AULA ABIERTA SALVAT Libro Nº40
Enciclopedia Electrónica ENCARTA Microsoft
Historia Universal de la Civilización  – Editorial Ramón Sopena Tomo II del Renacimiento a la Era Atómica

Biografia de José Hernández Autor Martín Fierro Poeta

Biografia de José Hernández
Autor Martín Fierro – Poeta Argentino

portada del Martin Fierro de aquella epoca

«Y de un tajo a la guitarra
tuitas las cuerdas corté…»
(Grabado de una de las primeras ediciones.)

¿Que significa el Martín Fierro?. El autor se identifica con el gaucho, y es el gaucho guien vive y guien habla en la obra. Apología de una casta de hombres gue desaparece, «Hernández siente el gaucho dentro de su propio ser»; siente la nostalgia del bien perdido al cantar esa ruda, guejumbrosa, áspera y valiente epopeya del hombre de la sabana, de la Pampa argentina. Por ello tiene Martín Firro ese acento de cántico anónimo, viejo y colectivo, gue ninguna otra obra moderna erudita y personal ha podido ni podrá igualar.

BIOGRAFÍA: El autor del «Martín Fierro»
José Hernández nació el 10 de noviembre del año 1834, en una chacra de San Martín, cerca del propio Buenos Aires. Su madre llevaba el apellido de Pueyrredón, de ilustres emigrados. Su padre era un hacendado rico y tratante en ganados.

El padre del escritor se llamaba Rafael Hernández y pertenecía a una familia de claras ideas federales, con un abuelo intransigente que estimaba en mucho su autoridad de cabildo a la española. La madre era hija de una familia de unitarios por los cuatro costados. Se llamaba Isabel y era hija de José Cipriano Pueyrredón y Dogán, quien, con sus hermanos, descontando a uno que era canónigo, lucharon en esa chacra de Perdriel en que nuestro autor vino al mundo, como verdaderos criollos y en la «hazañosa reconquista de Buenos Aires».

Casa Nacimiento de José Hernandez

Casa de la Familia Pueyrredón Donde Nació José Hernandez

Nacido José Hernández, se le bautizó ocho meses y medio después, el 27 de julio de 1835. En la pila se le impusieron los nombres de José y Rafael, y parece ser que las aguas bautismales ablandaron la intransigencia y tirantez familiar.

El niño bautizado y en manos de mamá Totó, porque la verdadera madre acompaña al marido hacia el sur de la provincia, donde la difícil administración de las estanciasdel mismo Rosas requiere su presencia. Ese ir y y venir de Isabel y Rafael Hernández se prolongará durante cinco años, durante los cuales nuestro autor crecerá alejado de sus progenitores y fue la misma mamá Totó la que le enseñó las primeras letras, antes de entrar en la escuela.

José Hernandez

Un tanto delicado de salud, el pequeño José Hernández no pudo educarse en la ciudad, ni asistir a universidad alguna, sino que pasó toda su infancia y juventud primera en el campo, haciendo la vida propia del estanciero, compartiendo con los gauchos libres y auténticos costumbres y dolores, y adquiriendo conocimientos vivos que más tarde habrían de servirle para desarrollar sus cualidades naturales y alcanzar elevados puestos. En esta época feliz y fecunda de su existencia, recorrió las tolderías, los fortines, la frontera, y se compenetró con la tierra y su gente de modo absoluto.

Siempre muy unido a su hermano Rafael. Huérfanos de madre desde 1843, los dos hermanos se unieron más aún para luchar así contra la soledad. Nueve años más tarde, de nuevo una pérdida irreparable: un rayo arrebató en 1852 la vida del padre de José Hernández… Solos, los dos hermanos se alistaron mas tarde en el ejército.

Entretanto, nacía el partido federal reformista y éste proyectaba la conciliación con Urquiza. El periódico La Reforma Pacifica, dirigido por don Nicolás Antonio Calvo, llevó a cabo la propaganda del nuevo partido: José Hernández abandonó el ejército para seguir luchando en un punto no menos comprometido, la prensa.

Afiliado al partido federal reformista, Hernández hace sus primeros ensayos en el periódico que defiende sus ideales. tomando parte activa en la agitada y varia política del país, y hubo de emigrar a Entremos en 1858; desde allí combatió a Mitre y a Sarmiente; dirigió un periódico titulado El Argentino; fue taquígrafo del Senado Nacional en Paraná y ministro de Hacienda con el gobernador Evaristo López de Corrientes; emigró al Brasil; dirigió La Patria, de Montevideo, y fundó en Buenos Aires el Río de la Plata.

En Paraná pudo ejercer el periodismo en El Nacional Argentino y se sabe que solía pasearse por el mercado, «donde se pasaba escuchando los chistes y dichos gauchescos de los carniceros, que entonces eran todos criollos». Por primera vez, su voz potente y su modo de hablar, así como su envidiable presencia física —alto y de recia humanidad— le harán merecedor del sobrenombre de «Matraca», hasta que sus amigos le cambiaron por «Martín Fierro»

Intervino también en las constantes luchas civiles de la nación argentina. El 28 de octubre de 1859 tuvo lugar la batalla de Cepeda: José Hernández había aceptado ser ayudante de Urquiza en el regimiento primero de línea, batallón Palma. Con la victoria de Cepeda nuestro hombre regresó a Paraná y volvió a sus ocupaciones como tenedor de libros. Como ya había’recibido otro cargo, el de taquígrafo (aprendió el oficio también como autodidacta) de las sesiones del Senado Nacional, se entregó a él con verdadero interés, porque aquello era una nueva escuela. Y así, desde su puesto de taquígrafo, presenciará el nuevo cambio de rumbo en la política nacional.

Hernández, que seguía en Paraná, se enamoró por este tiempo de Carolina Gómez del Solar, a la que acaso conociera en Buenos Aires. En Paraná, la muchacha y sus padres eran vecinos de nuestro escritor, que vivía entonces en la calle Industria con Manuel Martínez Fontez. Carolina tenía una hermana, Teresa. Así el matrimonio fue doble: José Hernández casó con Carolina y Manuel Martínez Fontez con Teresa. La pareja José Hernández y. Carolina tendría nueve hijos; dos de ellos morirían jóvenes.

Hombre poco hogareño, nuestro escritor fue, sin embargo, siempre amado y admirado por su esposa, que pasaba largas temporadas de espera sola con los niños.

Creó en 1880 la Cruz Roja y fue miembro de la Legislatura de Buenos Aires, colaborando así de modo directo en la importante obra de la organización nacional y en la fundación de la ciudad de La Plata.

Vida tan agitada no restó a José Hernández tiempo ni vagar para el cultivo de las letras, a las que era en extremo aficionado. Escribió numerosas poesías de valor mediocre, una Vida del Chacho, y otro libro de Instrucción al Estanciero, en que muestra, clara y profundamente, esa compenetración con la tierra y los hombres de la estancia a que antes hemos aludido.

La muerte del Chacho muestra una singular belleza y la capacidad del autor para la pintura de escenas dramáticas. José siente en su propia carne el cruel fin del Chacho y los acentos épicos se impregnan de un lirismo espontáneo.

En la capital, con ayuda de distintas personalidades, fundó el periódico El Río de la Plata, que pronto compitió con los principales diarios de la ciudad. Desde él, Hernández invitaba al gobierno a terminar con «la guerra del Paraguay, a eliminar la ley inconstitucional que obligaba a prestar el servicio de fronteras», calificándola de «persecución inicua y exterminio paulatino de los gauchos». Estos comentarios y los que se referían al problema de la inmigración informaron a la opinión pública del estado injusto en que se hallaban las clases sociales marginadas del país.

En abril de 1871 José Hernández estaba en Santa Ana do Libramento, pueblo tranquilo donde, según algunos, empezó a escribir el Martin Fierro. Se dice que lo interrumpió para mantener a su familia con el trabajo. Otros opinan que empezó a escribirlo en un hotel de Buenos Aires.

El 28 de noviembre del mismo año el periódico La República anunciaba la aparición del Martín Fierro. La publicación del poema resultó un éxito sin precedentes, pese al desprecio con que lo acogían las esferas intelectuales.

Como el gobierno sigue considerando a nuestro poeta como peligroso jordanista, se dicta una orden de reclusión contra él. Hernández huye a Montevideo porque han puesto precio a su cabeza, así como a la de López Jordán. Pero a finales de 1874, pudo regresar a su patria y dedicarse a negocios del campo ayudado por su hermano, que ejercía de agrimensor. Protegido por Rafael, compró una librería en la calle Tacuarí, y allí instaló la oficina de sus negocios.

Martín Fierro fue, sin embargo, la única de sus producciones que alcanzó trascendencia literaria. Pero… ¡qué trascendencia! Las imperfectas estrofas corrieron pronto de boca en boca «hasta los más lejanos confines de la patria», tomando esa popularidad única y envidiable que convierte la obra de uno en la obra de todos. En 1872 aparece la segunda parte del poema que vio la luz en 1879.

Y hasta tal punto se consideró a Hernández identificado con su Maríín Fierro, que «Martín Fierro» le llamaban sus innúmeros amigos.

Por cumplir una comisión confidencial, encomendada por Dardo Rocha, contrajo José Hernández una enfermedad que fue agotando su salud.  José Hernández — «Martín Fierro» — murió en Buenos Aires el 21 de octubre de 1894.

Llevábanse vendidos más de setenta mil ejemplares de su obra. Después se agotaron rápidamente edición tras edición, muchísimas de ellas clandestinas.

EL HOMBRE Y EL MEDIO: Rafael Hernández —hermano del poeta, nacido en 1841, después que él— informó, en lo que ha pasado a ser, cronológicamente, la primera biografía del gran escritor argentino, lo siguiente: «Allá en Camarones y en Laguna de los Padres, se hizo gaucho; aprendió a jinetear, tomó parte en varios entreveros y presenció los grandes trabajos que su padre ejecutaba y de los que hoy no se tiene idea. Esta es la base de los profundos conocimientos de la vida gaucha y del amor al paisano que desplegó en todos sus actos».

portada primer martin fierro

Portada Primer Libro del Gaucho Martín Fierro

Ampliación Sobre Su Biografía y Obra:

El país se debatía, más que nunca, en la aguda lucha que separaba a los «unitarios» —que bregaban por un gobierno centralizado en la ciudad portuaria de Buenos Aires— de los «federales», que defendían las autonomías provincianas. José Hernández estuvo entre estos últimos, aunque sin caer en la dura instransigencia demostrada, más de una vez, por algunos partidarios de ambos bandos.

«Criollo de estirpe—dijo Roberto F. Giusti, en su estudio sobre el renombrado escritor—, grande, fornido, de talla atlética, de voz potente, el rostro cerrado por una ancha barba oscura. . . conocía, como sus palmas, la pampa y sus moradores, el gaucho y el indio, cuyas costumbres había observado y estudiado con mirada certera. Tenía una gran experiencia de la vida, mucho corazón, sensibilidad poética y algo más valioso que todo eso: genio, es decir, facultad creadora».

Leopoldo Lugones, que no fue tan magnánimo en sus juicios sobre el poeta, pidió, sin embargo, en su obra «El payador» (1916), que se diese a «Martín Fierro» el título de «libro nacional de los argentinos». Esta apreciación culminó, en cierto modo, la serie de elogios que la obra había despertado desde su aparición. Hasta Bartolomé Mitre, adversario político de Hernández, le manifestó, en 1879, por carta: «Su libro es un verdadero poema, espontáneo, cortado en la masa de la vida real».

No se ha logrado determinar el sitio exacto ni el momento en que comenzó la redacción del poema: unos afirman que fue en la ciudad uruguaya de Paysandú y otros, en Santa Ana do Livramento, Brasil, donde Hernández tuvo que refugiarse, transitoriamente, en 1870, por causa de sus ideas políticas, afines con las del caudillo entrerriano Ricardo López Jordán. Su esposa, Carolina González del Solar —con quien se había casado el 8 de junio de 1864— quedó sola, junto a los cuatro hijos pequeños, durante varios meses.

El éxito obtenido por la obra fue muy grande. La primera edición se agotó en dos meses y hubo que hacer ocho más, durante el término de dos años. Hernández señalaría luego, en una advertencia editorial, que había «sesenta y cuatro mil ejemplares desparramados por todos los ámbitos de la campaña», donde hasta los pulperos solían pedir ejemplares del folleto en cantidades apreciables, que vendían con la mercadería que les enviaban desde Buenos Aires.

Antes de «Martín Fierro», Hernández publieó una vigorosa apología del caudillo Ángel Vicente Peñaloza, «El Chacho», que a los setenta años de edad Ríe asesinado mientras descansaba en casa de un amigo.

En 1873 tuvo que refugiarse de nuevo en el Uruguay, cuando el gobierno argentino puso precio a, la cabeza de López Jordán (cien mil pesos fuertes) y a la de sus colaboradores. Desde adolescente, Hernández peleó por la que él entendía que era la causa del pueblo e intervino en varios combates (Rincón de San Gregorio, Cepeda, Pavón, Cañada de Gómez, Ñaembé).

Más tarde, creyó ver una salida institucional en la política conciliadora de Avellaneda y militó, junto a Aristóbulo del Valle, en el partido Autonomista, que luego abandonaría para formar, con Leandro Alem, el partido Republicano. En 1877 fue electo diputado, igual que en 1879, año en que apareció —ilustrada por Carlos Clérice— «La vuelta de Martín Fierro», o sea la segunda parte del poema.

En él retomó la acción del relato, para hacer que el protagonista —un gaucho bueno al que transformaron en «matrero» las arbitrariedades de la ley—, tras buscar refugio, lejos de la civilización, entre los indios, volviera a su medio y reencontrara a sus hijos, uno de los cuales tuvo por preceptor a un personaje insólito: el «viejo Vizcacha». En esta continuación del relato, asoma la actitud conciliadora de Hernández, que caracterizó los últimos años de su vida.

A principios de 1879, adquirió, en el centro de Buenos Aires, una librería a la que llamó «del Plata» y allí, lo mismo que en la amplia casa quinta del barrio de Belgrano —que denominó «San José», como Urquiza a su palacio—, escribió la segunda parte del poema. En 1880, volvieron a elegirlo diputado. En 1881 ocupó una banca en el Senado y, ese mismo año, editó por su cuenta «Instrucción del estanciero». En 1884 fue designado miembro del Banco Hipotecario y, en 1885, volvió al Senado de la provincia de Buenos Aires. Un año después, el 21 de octubre de 1886, falleció en su casa de Belgrano.

Fuente Consultada:
Ciencia Joven Tomo V Edit. Cuántica Diccionario Enciclopédico Entrada: Hernandez José

Consejos para Dormir Mejor Dia Mundial del Sueño Beneficios

Consejos Para Dormir Mejor
Dia Mundial del Sueño

El 18 de marzo de cada año se celebra a nivel internacional el Día Mundial del Sueño, fecha establecida por la Asociación Mundial de Medicina del Sueño, con el objetivo de que se tome conciencia acerca de su importancia y de la manera en la que el sueño influye en la salud, la educación, la sociedad y la seguridad vial. Dormir bien proporciona energía para comenzar retos, estar más positivos y ver la vida de otra manera, ayudando a la salud, a la mente y al cuerpo.

Algunos consejos para conciliar el sueño:

  • Mantener un horario regular, acostándonos y levantándonos a la misma hora cada día. Durante el día realizar sólo una siesta corta para poder dormir bien por la noche.
  • Si hacemos ejercicio, que sea a una hora regular todos los días. El deporte estimula y el cuerpo tardará más tiempo en relajarse. No penséis que ejercitarnos antes de dormir hará que estemos más cansados para ayudarnos a conciliar el sueño.
  • No comamos cenas pesadas antes de dormir, ni bebidas energéticas o que contengan cafeína.
  • No fumemos, ni bebamos alcohol. También son estimulantes que nos mantendrán despiertos, además disminuyen el oxígeno que debe llegar a nuestro cuerpo y nos impedirán descansar completamente.
  • Nuestra cama debe ser cómoda, cerremos puertas y ventanas para que el ruido no pueda molestarnos y así crear un ambiente propicio.
  • Ventilemos el dormitorio antes de dormir, cambiemos las sabanas regularmente y usemos aromas relajantes que estimulen el sueño, como la lavanda.
  • Ropa cómoda para ir a la cama, sin botones, con materiales transpirables, que nos permitan movernos durante el sueño.
  • Un baño caliente con manzanilla y algunas sales nos calman y preparan al cuerpo para el descanso.
  • Música relajante, al ponerla a un volumen bajo tranquiliza la mente. Si tenemos suerte, antes de ir a la cama podemos pedir que nos hagan un masaje (da placer y alivia el cuerpo).
  • No trabajemos en la cama o en nuestro cuarto, esto le da a nuestro cerebro un lenguaje equivocado de lo que significa nuestro descanso.
  • Intentemos dejar los problemas lejos del dormitorio, estaremos cansados y no encontraremos una solución que nos satisfaga. Si un problema tiene solución, ésta suele aparecer cuando estamos más despejados.

DORMIR MAL O POCO IMPLICA…
SALUD Puede comprometer tu sistema de defensa, también eleva la presión arterial.
INTELIGENCIATu cerebro queda como «estresado» y pierde rendimiento intelectual.
PESOEstá demostrado que complica la pérdida de peso
COORDINACIÓN limita la capacidad para tareas físicas, los ejercicios, las manualidades, el manejo de vehículos, pierdes reflejos.
BELLEZAHay que dormir mínimo 8 horas diarias, porque mientras descansas el cuerpo se repara.

Linea de Fortines Para Defensa de los Aborigenes Virrey Vertiz

Línea de Fortines del Virreinato Para Defensa de los Aborígenes

Resumen Descubrimiento De América
En Busca de Nuevas Rutas Comerciales
Descubrimiento del Río de la Plata
Adelantados y Gobernadores

LA DEFENSA DE LAS FRONTERAS: El 1° de agosto de 1776 el rey de España, Carlos III, creó el Virreinato del Río de la Plata y nombró primer virrey a don Pedro de Cevallos. Este llegó a; Buenos Aires el 15 de octubre del año siguiente, y uno de los problemas más urgentes que tuvo que atender fue el de poner fin a los ataques de los indios, los cuales llegaban casi a las puertas de la ciudad.

Cevallos era partidario de que se tomasen medidas enérgicas, y por ello pensó organizar un fuerte ejército de más de diez mil hombres a fin de realizar una ofensiva general. Para llevar a cabo tan importante empresa solicitó autorización al monarca, quien la concedió.

VIRREY VERTIZLa respuesta real llegó en momentos en que un nuevo virrey ocupaba el puesto. Se trataba de Juan José de Vértiz, el mismo que años antes había ejercido el cargo de gobernador y que conocía bien los problemas de la región.

Vértiz, después de consultarlo con una junta de guerra, resolvió dejar sin efecto el plan de su predecesor, pues consideraba imposible reunir y mantener un ejército tan poderoso con los escasos fondos de que disponía, medida que aprobó luego el rey.

En 1778, al hacerse cargo del Virreinato del Río de la Plata, Juan José de Vértiz se preocupó por mejorar las defensas contra los indios, que con sus frecuentes malones llenaban de terror a los campesinos.

Más de dos siglos habían transcurrido desde la fundación de Buenos Aires, y a partir de entonces los blancos, limitados en su acción por los naturales, muy poco habían avanzado. Los indios se encontraban casi a las puertas de la ciudad de Buenos Aires.

Vértiz se propuso trasladar las fortificaciones al sur del río Salado, pero para conocer realmente las condiciones de la zona envió al teniente coronel Francisco Betbezé para que efectuase un reconocimiento por la región fronteriza.

Este partió acompañado por otros capitanes y estudió las características del terreno. El bravo soldado visitó también los fuertes establecidos en 1752.

El 12 de abril de 1779 Betbezé presentó un notable informe al virrey. En él decía que juzgaba más conveniente mantener los fuertes en el lugar donde se encontraban y reforzarlos, creando otros en las zonas intermedias.

Pensaba, a más, que sería imposible mantener guardias permanentes más allá del Salado. Estas sugerencias, nacidas de la experiencia y la sagacidad de Betbezé, fueron aceptadas por Vértiz el l9 de junio de 1779.

De acuerdo con ellas el virrey resolvió establecer cinco guardias principales con sus correspondientes compañías de Blandengues  en Chascomús, Monte, Lujan, Salto y Rojas, y cuatro fortines auxiliares en Lobos, Navarro, Areco y Melincué. A pesar de la escasez de recursos con que se contaba, estas obras comenzaron a realizarse inmediatamente. Sin embargo, al año siguiente los indios, aprovechando un punto débil en las fortificaciones, realizaron un terrible asalto, por lo que se decidió construir otro fuerte en la laguna de los Ranchos.

Según puede verse en el mapa de esta página, la línea defensiva realizada por Vértiz se extendía al norte del Salado, desde la costa Atlántica hasta el sur de la actual provincia de Santa Fe. En cada uno de los fuertes se colocó una dotación compuesta de cien hombres bien pertrechados. Esta fortificación puede considerarse el mayor y mejor esfuerzo cumplido en la época hispánica para contener los desmanes de los indios contra las poblaciones de los blancos.

Fuente Consultada: Historia Argentina de Etchart – Douzon – Wikipedia –

 

FABULA SOBRE LA AMISTAD Cuento Sobre la Amistad Hombre-Animal

FABULA SOBRE LA AMISTAD
La Amistad Hombre-Animal

LA AMISTAD HOMBRE Y ANIMAL, FABULA

Un hombre, su caballo y su perro, caminaban por una calle. Después de mucho caminar, el hombre se dio cuenta que los tres habían muerto en un accidente.

La caminata era larga y cuesta arriba, el sol era fuerte y los tres estaban empapados en sudor y con mucha sed. Precisaban agua desesperadamente.

En una curva del camino, avistaron un magnifico portón de mármol, que conducía a una plaza calzada con bloques de oro; en el centro de ella había una fuente de donde brotaba agua cristalina. El caminante se dirigió al hombre que cuidaba la entrada desde una garita.

Buen día.- dijo el caminante
Buen día.- respondió el hombre
– ¿Qué lugar es éste?
– Esto es el cielo.
– Qué suerte que llegamos aquí; estamos con mucha sed.
– Usted puede entra a tomar agua a voluntad – dijo el guardián, indicándole la fuente.
– Mi caballo y mi perro también están con sed. Dijo el hombre
– Lo lamento mucho; aquí no se permite la entrada de animales.

El hombre se sintió muy decepcionado porque su sed era grande, pero decidió no beber si dejaba a sus amigos con sed; y prosiguió su camino.

Después de mucho caminar cuesta arriba, con la sed y el cansancio multiplicados, llegaron a un sitio, cuya entrada estaba marcada por un portón viejo semi-abierto. El portón daba a un camino de tierra, con árboles de ambos lados que le hacían sombra. A la sombra de uno de los árboles, un hombre estaba recostado, con la cabeza cubierta por un sombrero, parecía que dormía…..

Buen día.- dijo el caminante.
Buen día.- respondió el hombre.
– Mi caballo, mi perro y yo tenemos sed…
– Hay una fuente en aquellas piedras; pueden beber a voluntad.
El hombre, el caballo y el perro fueron hasta la fuente y saciaron su sed.
– Muchas gracias – dijo el caminante al salir.
– Vuelvan cuando quieran – respondió el hombre.
– A propósito ¿cual es el nombre de este lugar?
– Cielo.
– ¿Cielo?, pero si el guardián del otro portón de mármol me dijo que el cielo era allí!
– Aquello no es el cielo, aquello es el infierno.
El caminante quedó perplejo y dijo: – Pero esta falsa información debe causar grandes confusiones.

De ninguna manera; ellos nos hacen un gran favor, porque allí quedan aquellos que son capaces de abandonar a sus mejores amigos….

   

Fábula de Jorge Bucay

Campeones Argentinos Olvidados Deportitas Decada 50 60 y 70 Grandes

Campeones Argentinos Olvidados:
Deportistas Década 50, 60 y 70 

Deportistas Argentinos Olvidados

LOS CAMPEONES SOLITARIOS: En los años posteriores a la finalización de la Segunda Guerra Mundial, el deporte experimentó, en todas las disciplinas, un creciente desarrollo.

Alternativa a la que no escapó Argentina: incentivadas desde las esferas oficiales, todas las expresiones deportivas alcanzaron en el país un tono acorde con sus posibilidades, respecto a las grandes potencias. Para muchos, aquellos años del gobierno peronista coincidieron con los de mayor esplendor deportivo nacional.

La juventud, volcada masivamente a la práctica de diversas especialidades, aseguraba una constante renovación en los grupos de élite, integrados por los campeones. No es extraño entonces, que sea en esa época cuando los representantes locales se lancen —con buenos resultados en muchos casos— a la conquista de títulos, records y honores, algunos de ellos rememorados en este libro. Para Juan Domingo Perón eran imprescindibles: cada lauro significaba un motivo más de prestigio para su régimen.

Por eso también la Argentina fue, reiteradamente, escenario de grandes eventos y gestora de nuevas competencias, como los Juegos Panamericanos, por ejemplo. Pero después de 1955, aquella oleada de crecimiento, que a pesar de sus connotaciones políticas tuvo el tremendo valor de fortalecer y masificar la práctica deportiva, quedó trunca. En su lugar se instaló primero e! revanchismo y más tarde el estancamiento.

Los últimos quince años marcaron la caída definitiva. Mientras el mundo asistía a increíbles progresos, producto de la tecnificación y del tremendo valor político que hoy alcanza el deporte por su popularidad, la Argentina mantenía su prestigio merced a solitarios campeones, productos aislados de su voluntad o de las circunstancias que los rodearon.

A sus conquistas se sumaron las logradas, espaciadamente, en un par de deportes colectivos. Pero nunca llegaron a conformar el producto de una actividad progresiva, meditada, organizada. Descalabro del que a duras penas escapó el deporte profesional, corrompido por la misma crisis de dirigentes que agobia al amateurismo.

Los cinco deportistas;…sus hazañas, son la excepción a semejante mediocridad

Fuente: Las Grandes Hazañas del Deporte Tomo 49 La Historia Popular

Bebidas Tipicas Criollas Argentinas -Terere, Chicha, Vino Patero

Bebidas Típicas Criollas Argentinas: Tereré, Chicha y Vino Patero

identidad nacional argentina

VINO PATERO: Se trata de un tipo de vino muy famoso y buscado en los valles calchaquíes, conocido popularmente por ser generalmente «dulzón» y «machador» por ser generoso en alcohol, turbio y poco estacionado; y se lo puede comprar suelto.

Básicamente, como lo dice su denominación popular «patero», son vinos obtenidos de la fermentación de uvas pisadas sobre el lagar con las «patas» o pies (descalzo o con botas).

En la antigüedad el vino se realizaba pisando las uvas sobre cuero, generalmente de buey, para luego recolectar el mosto en recipientes también fabricados con cuero. Luego éste era introducido en grandes tinajas guardadas en precarias bodegas donde sólo restaba esperar el tiempo necesario para que el jugo de uva fermentara transformándose en vino.

Últimamente las pequeñas bodegas familiares han empezado a desarrollar mejor la elaboración del vino patero, elevando su calidad a través de técnicas artesanales tradicionales, que le dan una identidad propia a estos vinos, que se diferencian por ser más naturales y generosos, por la posibilidad de realizar la cosecha tardía de las pequeñas y cuidadas viñas.

En general, los vinos pateros, son de color rosados y claretes de la centenaria y particular variedad criolla ya considerada nativa de Sudamérica.

TERERÉ: El tereré es una de las bebidas más consumidas en el verano por los habitantes de la tierra colorada. Al igual que el mate, el tereré forma parte central y es motivo de reuniones entre amigos, tardes de pileta y otros encuentros, donde el símbolo de unión que se comparte es la tradicional infusión fría con sabor a yerba mate.

El tereré es otra de las infusiones de la yerba mate, como lo es el mate cocido, y tiene sus orígenes en los indígenas guaraníes que habitaban el Paraguay desde la época precolombina. La refrescante bebida es la más tradicional y popular del Paraguay junto con el mate, que también es bebido en la zona del Río de la Plata (Argentina, Uruguay y en el Sur del Brasil, estado de Río Grande do Sul, con el nombre de mate gaucho).

Es una excelente bebida para paliar los días calurosos, con altas temperaturas que en la provincia suelen ser muy frecuentes, y para los cuales se recomienda ingerir mucho líquido.

Preparación Más Simple: Agregar yerba al mate,‭ ‬luego‭ ‬colocar‭ ‬la bombilla,‭ ‬después machacar las hierbas naturales con el mortero de madera,‭ ‬si va a utilizar un martillo o maseta es recomendable colocar las hierbas naturales dentro de una bolsita de polietileno‭ ‬y machacar encima,‭ ‬luego‭ ‬agregarle al agua helada (también se suele usar jugos) y por ultimo,‭ ‬la mayoría de la gente acostumbra a agregar hielo especialmente en el verano.

CHICHA: es una bebida fermentada de origen indígena y contó con pocos adeptos entre la gente culta, a lo menos cuando se elaboraba según el sistema de los indios. Era la chicha la bebida preferida de los indios del noroeste argentino, y su preparación y consumo está aún en vigor.

Resulta de la fermentación del maíz, y se hace, escribe Coluccio, utilizando como fermento una levadura especial, o bien por medio de la saliva humana, lo que requiere la masticación de la harina de maíz –

La preparación antigua se realizaba en la cocina donde se juntaba toda la familia y comenzaban a pasarse la masa… cada uno de los integrantes la masticaba un tiempo y escupía en una palangana, luego se juntaba ese jugo que daría origen a la chicha-.

A la chicha obtenida por este procedimiento se le llama chicha nuqueada, prohibida actualmente en Jujuy por considerarla antihigiénica y peligrosa para la salud de los consumidores. Refiriéndose a las propiedades de la chicha, dice Ciro Bravo: «Es sobremanera diurética y de notoria eficacia para expeler los cálculos de la vejiga, pudiendo asegurar que no hay indio que sufra de este mal».

Biografia del Negro Fontanarrosa Humorista Argentino

El Negro Fontanarrosa Gran Humorista Argentino – Inodoro Pereyra

identidad nacional argentina

fontanarrosa Roberto Fontanarrosa nació en la ciudad de Rosario, Argentina, en 1944.

Su carrera comenzó como dibujante humorístico, destacándose rápidamente por su calidad y por la rapidez y seguridad con que ejecutaba sus dibujos.

Estas cualidades hicieron que su producción gráfica fuera copiosa.

Entre sus personajes más conocidos están el matón Boogie El Aceitoso y el gaucho Inodoro Pereyra (con su perro Mendieta).

«De mí se dirá posiblemente que soy un escritor cómico, a lo sumo. Y será cierto. No me interesa demasiado la definición que se haga de mí. No aspiro al Nobel de Literatura. Yo me doy por muy bien pagado cuando alguien se me acerca y me dice: me cagué de risa con tu libro»
Roberto Fontanarrosa

En 1980 comienza a colaborar en los espectáculos de Les Luthiers. En 1981 Editorial Pomaire publica «Best Seller», novela inicial de Fontanarrosa.

El mismo sello lanza, al año siguiente, «El área 18», su secuela. Su otra novela sería «La Gansada».

En cuanto a los libros de cuentos, luego de «Los trenes matan a los autos», le seguiría, en 1983, «El mundo ha vivido equivocado», publicado por Ediciones de la Flor.

A él le siguen «No sé si he sido claro», «Nada del otro mundo», «Uno nunca sabe», «El mayor de mis defectos», «La mesa de los Galanes», «Puro fútbol» y «El rey de la milonga», entre otras compilaciones de relatos.

Para  Roberto respecto al pecado capital pereza–  tiene una teoría: «La pereza ha sido el motor de las grandes conquistas del progreso. El que inventó la rueda, por ejemplo, no quería empujar y caminar más. Detrás de casi todos los elementos del confort supongo que ha habido un perezoso astuto, pensando cómo hacer para trabajar menos».

-¿Negro, porque no te vas a vivir a Buenos Aires?…-Para que?…si acá en Rosario hay
grandes bares y las mejores minas,… decime ¿que mas puede pedir un intelectual?

Amaba el fútbol y era hincha de Rosario Central. Tenía un grupo de amigo, conocidos como «los galanes» y se reunían periódicamente en el café «El Cairo» y luego en el bar «La Sede», a compartir polémicas y divertidas charlas.

En 2004 fue expositor en el III Congreso de la Lengua Española y dio una charla sobre las «malas palabras».

inodoro pereyra de fontanarrosaSufría de esclerosis lateral amiotrófica, por lo que a partir de 2006 comenzó a desplazarse en una silla de ruedas.

En ese año se casó por segunda vez con Gabriela Mahy.

En 2007 dejó de dibujar sus historietas debido a que esta enfermedad le había hecho perder el control de su mano derecha.

Falleció el 19 de Julio de 2007, a la edad de 62 años.

En noviembre de 2008 la segunda esposa, Gabriela, decidió radicar una denuncia demandando a Franco, el hijo del escritor, por los derechos intelectuales de la obra. La mujer lo acusa de quedarse con las regalías por los libros y otros escritos.

Fontanarrosa y Serrat
Fontanarrosa junto a Serrat, a quien le transmitió su amor por Central

Fontanarrosa revela su rutina: «A medida que voy escribiendo un relato se me van ocurriendo otros. Tengo la ansiedad de los dibujantes. He trabajado más de lo debido, y a mayor cantidad, menor calidad.

No puedo estar corrigiendo indefinidamente, y me agarra apuro por publicar. Me vuela el temor de que alguien pueda tener la misma idea de un cuento, cosa que finalmente nunca ocurre. Escribo un relato, lo dejo en una carpeta y paso al siguiente.

Cuando termino veinte ya tengo la suficiente distancia: los leo entonces como si fueran de otro escritor y empiezo a hacer una pasada de correcciones. La última pulida la hace mi amigo Divinsky. Es tan bueno que yo después ni siquiera lo noto».

En los últimos momentos, cuando ya no podía ni probar la comida sólida (lo alimentaban con un complejo vitamínico), la Mesa de los Galanes se trasladaba a su casa. Los muchachos entraban, con un paquete de sandwiches, y se la pasaban hablando de fútbol y de minas.

De vez en cuando hacían silencio para escuchar la voz susurrada y exánime del Negro, y seguían alborozados y optimistas con las anécdotas y las jodas internas. Cuando salían a la calle, dejaban de simular y se tomaban la cabeza y el corazón, destruidos por la evidencia de que su amigo se apagaba.

Era una mente superdotada y lúcida atrapada en un cuerpo que lo hundía en las arenas movedizas de la muerte.

Falleció finalmente a las 3 de la tarde del 19 de julio de 2007 en el Sanatorio Central de Rosario, una hora después de haber sido internado.

Tenía 62 años y dejaba una obra impresionante, que ahora se edita de manera prácticamente completa.

Miss Mundo Argentinas Reinas Norma Cappagli y Silvana Suarez

Miss Mundo Argentinas: Norma Cappagli y Silvana Suarez – Reinas Argentinas

identidad nacional argentina

reina argentina miss mundo, Norma Gladiz CappagliMISS MUNDO 1960: Norma Gladiz Cappagli, porteña de 21 años del barrio de Parque Patricios que trabajaba como modelo profesional. Norma, de 1,70 cm. de altura de cabellos negros y unos ojos negros con una cautivante mirada, conquistó el primer título de Miss Mundo para Argentina.

Venció a otras 38 participantes en el Lyceum Ballroom de Londres.  Norma recibió 1400 dólares y las llaves de un auto (el cual nunca recibió). Fue recibida y paseada por las calles de  Bs.As. en una auto bomba y recibida más tarde por el presidente de la nación Arturo Frondisi.

Tras los agasajos recibidos en Argentina, Norma regresó a Europa donde se le ofreció comenzar su carrera como actriz junto al conocido corredor Inglés Stirling Moss, quien fue uno de los miembros del jurado, pero no acepto el desafío.

Norma comenzó a desfilar en distintos países del mundo convirtiéndose en una de las modelos más cotizadas del mundo durante la década del 60.

En Italia fue retratada por el pintor Gioacchino Parlato y fue en este país donde se radicó tras contraer matrimonio con un noble.

Tras muchos años de trabajo en Europa y tras su divorcio, Norma regreso a Buenos Aires y abrió un restaurante en el barrio de Palermo.

La última vez que apareció en televisión fue durante un homenaje realizado por la famosa conductora Susana Giménez al comienzo de 1997.

Norma lucia espléndida, delgada y muy elegante. Recordó su triunfo con mucha alegría y recalcó la importancia que tenía representar al país. Este triunfo de Norma Cappagli fue el comienzo de una década de Oro para las representantes argentinas. (Fuente Consultada:www.glamourargentino.com.ar)

Silvana Suárez, miss mundo argentiaMISS MUNDO 1978: El 16 de noviembre de 1978, Silvana Suárez era elegida Miss Mundo.

Nacida en la ciudad de Córdoba, en ese año cursaba la carrera de Arquitectura.

Representante de la típica belleza argentina: morena, de ojos castaños, medidas perfectas y sin artificios, Silvana Suárez se llevó la corona más codiciada.

De ahí en más, su vida cambió ante el pasaporte a un mundo distinto.

Sus padres, pintores y escultores, la criaron en un hogar en el que nunca faltó el incentivo hacia distintas disciplinas artísticas.

Mientras recibía el premio a la más linda del mundo, Argentina debatía sus diferencias limítrofes con Chile representada por el presidente de facto Jorge Rafael Videla.

Mientras que en la televisión se podía ver Los ángeles de Charlie, Margarito Tereré y Almorzando con Mirha Legrand, entre otros programas.

Muchos años más tarde, fue la misma Silvana la que se levantó de la mesa de la Chiqui ante un encontronazo provocando un momento molesto para la tv en vivo.

Mientras tanto, tuvo dos hijos con el empresario periodístico Julio Ramos, de quién más tarde se divorció.

La Miss Mundo cordobesa ha viajado por todo el planeta tierra recolectando las enseñanzas de famosos maestros espirituales para volcarlas en su vida y también transmitirlas, «para que la gente despierte su propio gurú«.

En Córdoba se la recuerda por su corona conseguida en base de pura belleza natural y mediterránea.

Ver También:

Identidad Nacional Argentina: Un Gran Científica, Rebeca Gerschman

Inventores Argentinos – Lista de inventos – El Ingenio Argentino

Inventores Argentinos – Lista de inventos – El Ingenio Argentino

identidad nacional argentina

LISTA DE LOS INVENTORES E INVENTOS ARGENTINOS (LOS MAS POPULARES)

1810Miguel ColombiseNuevo control de navegación para  aeróstatos.
1813Andrés Tejeda Máquina hiladora.
1813Fray Luis BeltránHerramientas metalúrgicas, arneses y batanes para el Ejército de los Andes.
1876Elías O´Donell Nuevo tipo de aeróstato.
1891Juan VucetichSistema Dactiloscópico para la identificación de las personas.
1914 Luis AgoteInstrumentospara la transfusión sanguínea.
Realiza por primera vez en el mundo una transfusión con sangre
almacenada.
1916 Raúl Pateras de PescaraPrimer helicóptero eficazen la
historia de la aviación
.
1917Quirino CristianiTecnología para realizar dibujos animados.
Filmael primer largometraje de dibujos animados.
1925Vicente Almandos Almonacid Sistemade navegación nocturno de  aviones y guías para bombarderos.
1928 Ángel Di Césare y Alejandro CastelviColectivo
1929Francisco AvolioAmortiguador
hidroneumático
1930 Enrique FinochiettoInstrumental quirúrgico,  por ejemploel separador intercostal a cremallera
1953 José Fandi Secador de pisos de una sola pieza,instrumento doméstico
1968 Jorge Weber Tapa de rosca degollable
1970 Eduardo Taurozzi Motor pendular de combustión  interna
1970Juan BertagniPlano sonoro
1979 Francisco De Pedro Soporte fijo para marcapasos
1983 Mario Dávila
Semáforo paraciegos
1989 Carlos Arcusín Jeringaautodescartable.Capuchón de seguridad para agujas hipodérmicas
1994 Claudio Blotta Camillaautomática para emergencias

Dogo Argentino Origen de la Raza en Argentina Identidad Argentina

Dogo Argentino – Origen de la Raza en Argentina Identidad Argentina

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perro dogo argentino

«Era necesario un perro de mucha fuerza y vitalidad y a la vez silencioso en su trabajo en el monte, hasta que encontrara su presa, dando así el aviso a sus compañeros de jauría y a su amo, jamás ladrar sobre el rastro como lo hacen la mayoría de los perros de montería, tendría que ser un venteador nato, condición indispensable en la persecución de los felinos como el puma, ya que estos usan artimañas para evitar a sus perseguidores, ya sea trepando a los árboles, saltando de rama en rama o volviendo sobre su propio rastro, cosa que despista al mejor de los rastreadores, pero no a un avezado venteador de fino olfato, ese es el Dogo, que imagino».

Como se llegó a la formación de la raza: En Córdoba, en los siglos pasados y hasta comienzos del presente, estaban muy en boga los combates de perros.

Eran como las riñas de gallos, una tradición heredada de la época de la colonia que había arraigado fuertemente en dicha provincia.

En sus aledaños se realizaban todos los fines de semana peleas de perros, en las que se hacían grandes apuestas.

Para dichos combates se usaba una mezcla del Mastín Español, con Bull Terrier, cuando no el Bull Terrier puro o mezclado con el Bulldog Inglés.

Hubo también a comienzos del siglo una cierta infusión de sangre de Boxer, o Bulldog Alemán como así se apodaba a esta noble raza.

De esa mezcla de sangre se fue formando por selección natural, el tipo de «perro de pelea», que llamaremos el «Viejo Perro de Pelea Cordobés«.

Animales de extraordinario valor y resistencia para el combate, morían peleando, no rehuían la lucha jamás, pero carecían de olfato y velocidad y su ferocidad para con sus congéneres los hacían inútiles para la caza, ya que se peleaban entre ellos y era imposible cazar con dos o más, y menos en jauría.

Pero esta raza primitiva tenía en sí dos cualidades primigenias y esenciales: una excelente herencia ancestral (Mastín, Bull Terrier y Bull Dog) y una gran gimnasia funcional, ya que los rudos combates a que eran sometidos de generación en generación, fueron acrecentando cada vez más su valentía original.

En la formación de la raza, hemos utilizado como base, el Viejo Perro de Pelea Cordobés, al que se ha ido agregando en distintas familias para evitar la consanguinidad, el Gran Danés Arlequín o Dogo de Hulm, para darle una mayor alzada, Bull Terrier, Bull Dog Inglés y Boxer, para acrecentar su valor, resistencia y tenacidad en la lucha; el Mastín de Los Pirineos que le dio tamaño, rusticidad y afirmó el manto blanco, dándole también fuerza y adaptación a todos los climas, típica en dicha raza de montaña; el Pointer que le dio olfato y sobre todo el venteo, que le permite al Dogo Argentino llegar directamente a la presa tomando el viento y no dando vueltas tras el rastro como los Wolf Hound, que le ha dado velocidad y alzada.

Dr. Antonio Nores MartínezTodos estos trabajos de recría y selección fueron realizados por el Dr. Antonio Nores Martínez, médico cirujano, profesor de la Universidad de Córdoba durante muchos años hasta su fallecimiento en 1957 y Director de Traumatología del Hospital Militar de Córdoba, es decir que se experimentó bajo un control científico.

Toda esta larga experimentación se ha ido realizando en el curso de muchos años y eligiendo siempre los ejemplares que más se adaptaban al standard de la raza, standard que fuera forjado por el Dr. Antonio Nores Martínez en 1928, aparecido en el N° de la revista Diana del año 1947, que es el adoptado por el club de Criadores del Dogo Argentino.

Al mismo tiempo que se realizaban esas infusiones de nuevas corrientes de sangre en el Dogo Argentino, se lo iba sometiendo a una gimnasia funcional intensa y apropiada, haciéndolos cazar continuamente en nuestros montes, tanto del norte, como del centro y sur de la República, tratando de que al cazar en jauría, fuera perdiendo el instinto de pelear entre si, innato en el tronco común, que era el Viejo Perro de Pelea Cordobés, y desarrollando su instinto campero.

Al mismo tiempo, mediante continuas luchas de generación en generación con jabalíes, pumas, zorros, gatos del monte, etc., que a tales efectos hemos mantenido y mantenemos enjaulas apropiadas, hemos conseguido desarrollar en el Dogo Argentino, un instinto muy poderoso contra nuestros grandes depredadores del agro, especialmente el puma y el jabalí europeo, el pecarí y eventualmente el jaguar, lo que hace que el Dogo Argentino actual sea un instintivo cazador de dichas especies a las que busca, persigue y acomete con extraordinario entusiasmo y pasión atávica.

Yatasto Historia del Gran Campeón Hipico Argentino Caballo Carrera

Yatasto: Historia del Gran Campeón Hípico Argentino – Caballo Carrera

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caballo de carrera argentino, YatastoAño 1951, terminaba febrero. En el ambiente hípico, circulaba un dato: el 4 de marzo, en el clásico William Kemmis del hipódromo de San Isidro, iba a debutar un potrillo de 2 años que no podía perder. Bautizado Yatasto, era hijo de Selim Hassan y Yucca; corría por el stud Atenas, de Uruguay.

Era preparado por J. de la Cruz y el jockey Juan Carlos Contreras. Según lo dicho, era favorito de entrada. 1000 mts. en pista de césped y competía contra otros 14.

Largó mal, pero fue a buscar a los de adelante y los dejó atrás: al llegar al disco le sacó 3 cuerpos de ventaja al 2º. Gano las 11 que corrió en ese año y la mayoría por amplia ventaja.

No desentonaba y verlo disparado era algo festivo, los otros se le quedaban muy atrás. Después de 7 triunfos entró en el cuádruple campeonato y se llevo todos los premios.

El Carlos Pellegrini del 52 fue esperado y solo se hablaba de eso. Apenas se abrió todo, entraron 100.000 almas.

Sus rivales: Branding y Sideral. Pero ninguno de ellos era favorito. Branding tomo la punta, 2º Yatasto y 3º Sideral. Pero al llegar a la recta final, Yatasto consigue acercarse, pero Branding retomo la diferencia al toque. Inesperado: cuando era evidente que el crack no tenia para mas, Sideral lo pasa. 1º Branding, 2º Sideral y 3º Yatasto.

Pasó a la historia ese GP. No hubo revancha, porque el ganador se lesionó y no volvió.

Para 1953, bajo otros dueños, ganó en Maroñas (Uruguay) y todas las carreras corridas en suelo argento, donde pudo dejar atrás a Sideral.

¿Volvía a ser el que era? Parecía, tras batir el récord de 3 millas en 3’ 4’’1/5. Ese sería el ultimo año y terminaría invicto. De 24 corridas, 2 perdidas solamente, lo que “sala” su trayectoria.

Retirado, fue vendido a USA en 1958, y tuvo una descendencia ganadora.

Durante años no hubo novedades sobre el, excepto que se supo que para los 70’s sirvio de mestizaje en un establo californiano.

Los Pumas Historia del Rugby Argentino – Identidad Nacional Argentina

Los Pumas Historia del Rugby Argentino – Identidad Nacional

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El primer partido de rugby en Argentina fue jugado en 1873. Este deporte fue introducido en Argentina por los inmigrantes británicos. En 1899, cuatro clubes de Buenos Aires se reunieron para formar la River Plate Rugby Football Union.

En 1965, el equipo nacional argentino realizó una gira por Rhodesia del Sur y Sudáfrica, donde ganó 11 de los 16 partidos disputados y el 19 de junio logró una histórica victoria ante los juniors Springboks por 11 a 6 en el Ellis Park stadium.

Durante esa gira, la prensa sudafricana los bautizó Pumas, ya que el reportero del semanario The Weekly Farmers llamó así al yaguareté impreso en el escudo de la UAR, presente en las casacas argentinas. Del partido en Ellis Park fue famosa la foto del vuelo o «palomita» de Pascual.(abajo)

Partido de Rugby Los Pumas

Jugador de Rugby de Los PumasA partir de los últimos años de la década de los setenta hasta los principios de los años noventa, Argentina tuvo un período que incluyó victorias contra Francia, Inglaterra, Australia y un empate 21-21 (2 de noviembre de 1985 en la ciudad de Buenos Aires) con los All Blacks, el cual fue probablemente el resultado más importante de los Pumas en la década del ´80, gracias al excelente rendimiento de Hugo Porta, quien anotó todos los tantos para Argentina (3 drops y 4 penales).

Historia del Luna Park -El Palacio de los Deportes Porteños

Historia del Luna Park – El Palacio de los Deportes Porteños

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Luna Park en Buenos Aires

El Luna Park es uno de los puntos más importantes de Buenos Aires. Sede de los más importantes espectáculos en Argentina, el Luna Park ha visto pasar estrellas mundiales y ha presenciado eventos únicos en el país. El Luna Park fue declarado Monumento Histórico Nacional en el año 2007. El «Luna» tiene capacidad para 17000 personas, habiendo actualmente disponible 7000 butacas.

El 5 de marzo de 1932, Ismael Pace y José «Pepe» Lectoure (padre de «Tito») inauguraron oficialmente el estadio con una múltiple reunión boxística en la manzana comprendida por las calles Corrientes, Bouchard, Lavalle y Madero, el cual en principio no tuvo techo y solamente se construyeron las gradas. La historia argentina incorporó de inmediato al Luna Park.

En sus primeros tiempos no se realizaban combates de boxeo, sino que se ofrecían las famosas representaciones de teatro al aire libre cuando el Luna Park estaba ubicado en el centro donde ahora está el Obelisco porteño, porque las avenidas 9 de Julio y Corrientes fueron trazadas y ensanchadas, respectivamente, y eso hizo que se mudaran al actual solar.

Tito LectureGrandes personajes han pasado por los escenarios de este centro que durante años  presidió  el empresario «Tito» Lectoure. Las grandes peleas, los 6 días en bicicleta, Guillermo Vilas, El Circo de Moscú, la realización de una pileta de natación para una demostración de Ballet Acuático, la enorme pista de hielo del Holiday on Ice, los dos Campeonatos Mundiales de Basquet de 1950 y 1990 y el campeonato Mundial de Bochas del ’87 y el Mundial de Volley del ’82.

Los famosos recitales de Mercedes Sosa, Sandro, Víctor Heredia, Horacio Guarany, Facundo Cabral, Fito Páez, Teresa Parodi, Valeria Lynch, Luis Alberto Spinetta, Charly García, César Isella, La Camerata Bariloche, Cuarteto Supay, Piero y muchos más grandes artistas.

El Teatro Colon de Buenos Aires – Nuestra Identidad Nacional Argentina

El Teatro Colón de Buenos Aires: Nuestra Identidad Nacional Argentina

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Inaugurado el 25 de mayo de 1908, el Teatro Colón en Buenos Aires, Argentina, es considerado uno de los cinco teatros más grandes del mundo, diseñado por Francesco Tamburini y Víctor Meano.

El día de su inaguración se interpretó la Ópera Aida de Giuseppe Verdi. A lo largo de su historia el Teatro Colón ha albergado grandes personajes como Arturo Toscanini, Herbert von Karajan, Gabriele Santini, Jane Bathori, Enrico Caruso, Maria Callas, Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Astor Piazzolla y Mercedes Sosa.

teatro colo en buenos aires

Con la intención de ofrecer un edificio más grande, la municipalidad de la ciudad de Buenos Aires aceptó la propuesta del arquitecto italiano Francisco Tamburini para que se inaugurase un nuevo teatro con motivo del cuarto centenario del descubrimiento de América en 1892.

La obra tardó quince años en terminarse, lapso en el que falleció Tamburini y también el segundo arquitecto que tomó a su cargo la obra, Víctor Meano, quien fue asesinado en 1904. Fue entonces Julio Dormal el encargado de terminar la gran obra. Finalmente, el 25 de Mayo de 1908 se concluyó el monumental edificio que se ubica entre las calles de Libertad, Tucumán, Cerrito y Viamonte.

El Teatro Colón es considerado uno de los principales teatros líricos del mundo; comparte lugar con la Scala de Milán, la Ópera de París, el Metropolitan de Nueva York, el Bolshoi de Moscú y el Teatro Nacional de Munich.

El acceso principal del Teatro Colón se encuentra sobre la calle Libertad y el edificio cuenta con una capacidad para 2.500 espectadores, aunque con las nuevas obras que se están llevando a cabo, la cifra se elevaría a 3.000 espectadores.

Ampliación del Tema: Historia del Teatro Colón

El Dia Que Me Quieras Tango de Carlos Gardel Identidad Argentina

El Día Que Me Quieras: Tango de Carlos Gardel Identidad Argentina

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carlos gardel

El día que me quieras es una famosa canción originada en Nueva York con música compuesta por Carlos Gardel, letra de Alfredo Le Pera y arreglos musicales de Terig Tucci, grabada por primera vez el 19 de marzo de 1935, como tema de la película homónima, dirigida por John Reinhardt bajo el sello Paramount.Fue utilizada en la película que él mismo protagonizó, también titulada «El día que me quieras».

LETRA DE LA CANCIÓN

Acaricia mi ensueño
el suave murmullo
de tu suspirar.
Cómo ríe la vida
si tus ojos negros
me quieren mirar.
Y si es mío el amparo
de tu risa leve
que es como un cantar,
ella aquieta mi herida,
todo todo se olvida.

El día que me quieras
la rosa que engalana
se vestirá de fiesta
con su mejor color.
Y al viento las campanas
dirán que ya eres mía,
y locas las fontanas
se contarán su amor.

La noche que me quieras
desde el azul del cielo,
las estrellas celosas
nos mirarán pasar.
Y un rayo misterioso
hará nido en tu pelo,
luciérnaga curiosa que verás
que eres mi consuelo.

El día que me quieras
no habrá más que armonía.
Será clara la aurora
y alegre el manantial.
Traerá quieta la brisa
rumor de melodía.
Y nos darán las fuentes
su canto de cristal.

El día que me quieras
endulzarán sus cuerdas
el pájaro cantor.
Florecerá la vida,
no existirá el dolor.

La noche que me quieras
desde el azul del cielo,
las estrellas celosas
nos mirarán pasar.
Y un rayo misterioso
hará nido en tu pelo.
Luciérnaga curiosa que verás
que eres mi consuelo.

Ampliar: Biografía de Carlos Gardel

La Difunta Correa Historia de la Virgen Origen de la Leyenda

La Difunta Correa: Historia de la Virgen – Origen de la Leyenda

 

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difunta correaLa leyenda de la Difunta Correa pertenece al folklore del Litoral Argentino, y relata la historia de una madre que de la muerte, sigue dando vida a su hijo.

Corría 1819 cuando Deolinda Correa empezó a vivir, en un próspero rancho, con el caudillito criollo llamado Baudilio Bustos, en La Majadita, en el actual partido de Nueve de Julio.

Bustos cayó en desgracia por razones políticas, o quizá porque su atrayente china era codiciada por un juez de paz vecino: lo cierto es que se lo detuvo, dándosele por destino La Rioja para su juzgamiento y castigo.

Su mujer, María Antonia Deolinda Correa, desesperada porque su esposo iba enfermo, tomó a su hijo y siguió las huellas de la montonera.

Sintiéndose muy sola, lejos de su padre y de su marido, lo que, sumado al acoso de los hombres, la llevó a huir una madrugada junto con su hijo de meses rumbo a La Rioja.

 El largo camino, la sed, el calor y el cansancio minaron sus fuerzas al punto que cayó rendida en la cima de un pequeño cerro.

En eso pasaron unos arrieros, quienes vieron animales de carroña que revoloteaban, y se acercaron al cerro donde encontraron a la madre muerta y al niño aún con vida, amamantándose de los pechos de su difunta madre. Los arrieros recogieron al niño, y dieron sepultura a la madre en las proximidades del Cementerio Vallecito, en la cuesta de la Sierra Pie de Palo.

Y es así que al conocerse la historia, comenzaron las peregrinaciones de los lugareños hasta la tumba de la que llamarían “la difunta Correa“.

El santuario está enclavado a un lado de la Ruta Número 20, que une San Juan y Córdoba, a 62 kilómetros de San Juan y a 30 de Caucete.

La Virgen de Lujan Leyenda e Historia

La Virgen de Lujan Leyenda e Historia

imagen de la virgen del lujanLa historia comienza en el siglo XVII cuando Antonio Farías Saa, un hacendado portugués afincado en Sumampa (Santiago del Estero) , le escribió a un amigo suyo de Brasil para que le enviara una imagen de la la Virgen en cuyo honor quería levantar una ermita. El amigo le envió dos, la que le había sido encargada y otra de la Virgen con el Niño Jesús. Virgen de Luján.

Al llegar a Argentina, ambas imágenes fueron colocadas en una carreta y partieron desde Buenos Aires a Santiago del Estero pero al  llegar a las proximidades del río Luján la carreta se detuvo por una fuerza misteriosa contra la que no pudieron las dos yuntas de bueyes que la arrastraban. Eso hizo que el boyero decidiera aliviar el peso de la carga.

A pesar del escaso tamaño de la Virgen, en el momento que bajaron el cajoncito que la transportaba, los bueyes insinuaron la posibilidad de reanudar la marcha, por lo que intentaron acomodarla nuevamente entre la carga pero, al subirla, nuevamente la carreta tornó a detenerse. Descendida por segunda vez la imagen, una vez más el vehículo pudo andar.

Parecía imposible que el pequeño envoltorio y su mínimo peso impidieran la reanudación. El boyero entendió entonces que, lo único que podía impedir la continuidad de la marcha, era el deseo de la Virgen de quedarse en ese lugar.

Los hombres comprendieron que estaba ocurriendo algo milagroso. Al ver que la Virgen no quería marcharse se dirigieron a la casa más cercana, la de don Rosendo. La familia se emocionó al ver la imagen y la colocaron el su casa, la noticia corrió por toda la región, y se enteraron hasta en Buenos Aires.

Las personas empezaron a viajar al lugar, entonces don Rosendo construyó una pequeña capilla, entre los pajonales de la pampa, y además le dedico a la Virgen un negrito para cuidarla y encargarse de mantener encendida una lámpara al pie del oratorio que, cada vez fue más popular a raíz de los milagros que, según relata Manuel ,comenzaron a registrarse. En este lugar permaneció la virgencita desde 1630 hasta 1674.

La tradición nos dice que Manuel, realizaba curas milagrosas con el sebo de las velas de la capilla y relataba a los peregrinos los viajes de la Santa Virgen, que salía de noche para dar consuelo a los afligidos. Manuel guardaba de los viajes de la Señora los abrojos se desprendían del vestido de la Virgen. Con los años, don Rosendo falleció y el lugar quedo casi abandonado, pero éste hombre fue siempre fiel y continuó al servicio de la Virgen.

Doña Ana Mattos, viuda de Siqueyras era una señora que tenia gran cantidad de tierras a orillas del río Luján, ella quería llevar la imagen a su casa y realizarle una capilla, para ello en el año 1674, habló con el Cura Juan de Oramas, administrador de los bienes de don Rosendo y la colocó en su casa, pero la Santa Virgen desapareció y la encontraron en su antigua ermita (capilla), doña Ana volvió a llevar la imagen a su casa y por segunda vez regresó a la estancia de don Rosendo.

La dama consultó entonces a las autoridades eclesiásticas y civiles, quienes viajaron al lugar y examinaron lo sucedido, esta vez la Virgen fue trasladada en una devota peregrinación y en compañía de Manuel. Desde ese momento la imagen no retornó más a su antigua capilla.

Doña Ana donó el terreno para la realización del nuevo templo en el año 1677 lugar en donde actualmente se encuentra la hermosa Basílica de Luján.

El clérigo don Pedro de Montalbo estaba muy enfermo y desahuciado, en 1684 viajó a Luján, casi moribundo fue llevado a la capilla. El Negro Manuel le ungió el pecho con el sebo de la lámpara que ardía en el altar y le dio de beber una infusión con abrojos de los que solía desprender del vestido de la Virgen. Don Pedro sano milagrosamente y agradecido se quedo como primer capellán.

Juegos Criollos Taba Herradura Sapo Palo Enjabonado Carreras y cartas

Juegos Criollos: La Taba, La Herradura, El Sapo El Palo Enjabonado, Las Carreras y Las Cartas

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La taba: consiste en arrojar desde una determinada distancia un hueso de la rodilla de la vaca, si el hueso cae del lado más liso es “suerte”, gana el tirador; si cae de la forma inversa, lado con agujero, es “culo” y gana el oponente.

taba, juego nacional argentino

La herradura: se clava un palo o hierro de diez a veinte centímetros de alto en un lugar llano de cinco a diez metros de largo. El juego consiste en arrojar una herradura desde el extremo alejado al eje fijado y tratar de que la misma rodee y quede apoyada al hierro, ganando así la tirada.

Doma y jineteada: la doma de cada animal está medida por un tiempo. Cuando éste finaliza, dos jinetes experimentados se acercan al jinete montado y lo quitan del animal arisco. Pero cuando el animal salvaje despide al jinete, el mismo debe retirarse corriendo para no ser envestido o pisado.

Carreras cuadreras: una simple y llana carrera de caballos de unos cien metros. Se realiza generalmente en cualquier calle de pueblo.

Chancho enjabonado: como su nombre lo indica, se trata de enjabonar un chancho mediano, soltarlo en algún lugar cercado bastante amplio, y dejar que los participantes traten de atraparlo. Gana quien consigue sostenerlo con firmeza.

Palo enjabonado: juego que se realiza luego de los actos de fiestas, patrias. Consiste en plantar en el medio del predio un palo de árbol liso, totalmente recubierto con jabón. Los participantes deben, tratar de treparlo y conseguir del extremo más alto del palo, un pañuelo puesto con anterioridad.

Riña de gallos: consiste en hacer pelear a dos gallos dentro del “reñidero”. Se le ponen púas en las patas para que lastimen o maten a su oponente. Las riñas duraban entre cuarenta y cincuenta minutos, si en ese tiempo no había un ganador se declaraba empate. En la actualidad se encuentran prohibidas.

El sapo: tradicional juego de campo que consiste en lanzar unas fi-chas de hierro para embocarlas en la boca de un sapo metálico (máximo puntaje) o en unos hoyos que lo rodean.

La muchila: también se trata de una carrera de caballos. Aparente mente esta designación proviene de “mucho”, porque participaban todos los jinetes que puedan presentarse. Se ponen en una misma línea de partida y el que llegaba primero a la meta recibe un premio. También en otras zonas se lo conoce como “la polla”.

La sortija: compiten dos grupos de jinetes que yendo al galope, por un estrecho corredor de cien metros de largo que forma el público, deben acertar con un puntero que llevan en la mano a una argolla que cuelga a 2,5 m de altura de una cuerda floja. Se requiere de gran habilidad para acertar, ya que la argolla colgada se mueve y el galope del caballo es bastante irregular.

Ver: Yatasto Historia del Gran Campeón Hipico

Origen del Holando Argentino – Raza del Ganado Nacional

Origen del Holando Argentino – Raza del Ganado Nacional

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vaca argentina, holandoLa raza Holando fue introducida en nuestro territorio desde Holanda en el año 1880 por el presidente Julio A. Roca, afincándose los animales en el norte de la provincia de Córdoba, Santa Fe y Pergamino, en la provincia de Buenos Aires.

Ya en 1890 se presentaron en la 7ma. edición de la Exposición Nacional organizada por la Sociedad Rural Argentina un gran número de ellos enviados por el propio gobierno Holandés.

En ese entonces y durante mucho tiempo, la raza fue frisia y con doble propósito carne y leche.

Se efectuaron sucesivas importaciones de Holanda, EE.UU., Alemania, y otros países. Con todos estos orígenes se formó la raza Holando Argentino, nombre adoptado a partir de 1925. Se ha difundido especialmente en las zonas de mayor densidad humana por el hecho de disponer de mercados más cercanos.

 Hoy, el Holando-Argentino es, como en el resto del mundo, la raza lechera por excelencia (produce el 95% de la leche en la Argentina.) y la elección de los productores con el objetivo de hacer rentable su negocio.

Argentina presenta condiciones climáticas naturales muy particulares y especialmente beneficiosas para la ganadería en general, con características de producción bien definidas en las que deben desempeñarse nuestras vacas Holando.

Todo esto y la genética incorporada durante muchos años, hace que las Holando en nuestro país, tengan un tipo moderno y bien definido, con una excelente conversión del alimento, para darle al productor el equilibrio ideal entre costo-beneficio, que hacen a la producción lechera una de las mas rentables del sector.