Pink Floyd

Mejores Bandas de Rock Internacional U2 Biografia e Historia Grupo

Mejores Bandas de Rock Internacional: U2

U2: Un fuego inolvidable: Corría el año 1976, y mientras el mundo se inundaba de música gracias a las creaciones de las bandas más importantes del rock de la época, Larry Mullen Jr., quien sólo tenía 14 años de edad, decidió formar su propia banda, junto a un grupo de amigos de la escuela, sin siquiera suponer que aquello sería el comienzo de una de las agrupaciones inglesas más importantes de la historia, definida por una simple vocal y un número: U2.

Mejores Bandas de Rock Internacional U2 Biografia e Historia Grupo

Aquel primer paso que tuvo a Larry Mullen Jr. como protagonista sucedió en el mes de octubre de 1976, cuando el joven, decidido a formar su propia banda, colocó un aviso en la cartelera de la escuela a la que concurría, donde rezaba un mensaje en el que decía que se buscaban músicos para ser incorporados a un nuevo grupo musical.

Rápidamente tres jóvenes respondieron al anunció, y así quedó conformada la banda que haría furor en el mundo entero. En la batería y las percusiones Larry Mullen Jr., acompañado por el bajista Adam Clayton, el guitarrista Dave Evans y el vocalista Paul Hewson, quien sería conocido posteriormente por todos como Bono Box.

Según cuenta la historia, Paul Hewson decidió tomar el nombre artístico de Bono Box durante una visita a una tienda de instrumentos musicales que se llamaba “Bonavox”. Fue allí también donde le pareció una excelente idea que Dave Evans pasara a llamarse “The Edge”, sugerencia que fue tomada con total gusto por el guitarrista.

Al principio, cuando la banda recién iniciaba sus primeros pasos en el mundo underground, se unió a ellos Dik Evans, hermano de Dave, que se incorporó como segundo guitarrista del grupo. No obstante, poco después Dik abandonó la agrupación, y U2 terminó consolidándose como un cuarteto.

Para el año 1978 el grupo ya tenía composiciones propias y eran conocidos en el pequeño circuito de la música under, tocando asiduamente en un local en Dublín, al tiempo que editaban algunos singles por intermedio de una discográfica independiente de poca monta.

Tan sólo dos años más tarde, llegó el momento esperado por los miembros del grupo, finalmente concretaron un contrato con una grabadora importante, la Island Records, que les permitió trascender más allá del ambiente under, y llevar su música a todo el planeta. Por aquella época, en tan sólo cuatro años lanzaron cuatro álbumes, que los convirtieron en estrellas indiscutidas del terreno musical.

El primer trabajo discográfico de la banda, titulado “Boy”, fue superado en éxito y ventas por el segundo, “Octubre”, que a su vez fue desplazado por la tercera placa, “War”, precediendo a al gran “The Unforgettable Fire”. Lo cierto es que con cada nuevo lanzamiento, la banda se hacía cada vez más popular y masiva.

Siempre comprometidos socialmente, los miembros de U2 se convirtieron en los músicos más solicitados para los conciertos de caridad, y jamás se negaron a participar en ellos. Como ejemplo podemos recordar el histórico Live Aid en el estadio de Wembley, actuación en la cual la banda realizó una versión en vivo de 13 minutos de su canción “Bad”, que ha quedado para siempre en la historia de la música.

También encabezaron el tour de Amnesty International “Conspiracy of Hope”, durante seis actuaciones que según cuentan logró triplicar la cantidad de miembros de la entidad en Estados Unidos, todo gracias a la participación de la banda.

A media que la década de los ochenta se alejaba, la música de U2 comenzó a transitar un camino más experimental, volviendo sus composiciones cada más elaboradas. Podemos percibir ese notable cambio cuando comparamos la simplicidad y rigidez que caracteriza al álbum “The Joshua Tree”, con la concepción que dio origen a “Zooropa”.

Aquel camino de evolución demostró que la banda jamás le ha tenido miedo al cambio, lo que les ha permitido siempre mantenerse en un pleno crecimiento musical, aspecto que ha quedo ampliamente demostrado en sus dos últimos trabajos discográficos, “How to Dismantle an Atomic Bomb” de 2004 y “No Line on the Horizon” de 2009. Seguramente U2 volverá a sorprendernos el año próximo con el lanzamiento del esperado “Songs of Ascent”.

Grandes Grupos de Rock Internacional The Rolling Stone Historia

Grandes Grupos de Rock Internacional

Rolling Stones: Igual que una piedra rodante

Sin lugar a dudas ha sido una de las más grandes bandas de rock and roll del mundo, y aún hoy, a casi cinco décadas de su surgimiento continúan demostrando que son genuinos y gigantescos.

Los Rolling Stones fue fundada en el año 1962 por el guitarrista Brian Jones, quien en un primer momento trabajó de forma incesante para crear una banda que se dedicase al rock & blues, por lo que se reunió con un grupo de jóvenes músicos desconocidos.

El primero en ingresar a la agrupación fue el pianista Ian Stewart, seguido por el guitarrista Geoff Bradford, el bajista Dick Taylor y luego el guitarrista Keith Richards y Mick Jagger para poner su incomparable voz. No obstante, por después de que Richards y Jagger ingresaran a la banda, Bradford decidió alejarse.

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En cuanto a bateristas, en los comienzos varios ocuparon ese lugar, entre los que estuvieron Tony Charpman, Mick Avory y Charlie Watts, quien se quedó definitivamente en la agrupación.

Por aquella época, Jones era el líder indiscutido del grupo, y fue quien eligió el nombre que llevaría la banda, inspirado en una canción de Muddy Waters.

Luego del alejamiento de Dick Taylor, finalmente la banda quedó conformada por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wyman, Brian Jones y Ian Stewart, formación que se extendió por siete años, hasta 1969.

En sus inicios, los Stones se dedicaba a tocar en pequeños clubes nocturnos, y si bien lograron editar un primer álbum con poca repercusión, lo cierto es que el éxito de la banda comenzaría cuando los músicos conocieron a Andrew Loog Oldham, quien logró conseguirles la puerta de acceso a la popularidad.

Una vez que la banda abandonó el camino del blues y se dedicó íntegramente al rock, el éxito a los Stones les llegó con bastante rapidez.

Si bien cada uno de los miembros contribuyó con su talento a la constante evolución de la banda, y a modo de ejemplo debemos citar que Richards ha sido considerado como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock, y sus riffs se convirtieron en el sonido característico de los Stones, lo cierto es que Jagger ha sido quizás la principal razón para que la banda llegara a la sima absoluta.

Durante la década del sesenta, los Stones se convirtieron en la banda de rock número dos del planeta, quedando a la sombra de los Beatles, aunque si bien sus públicos eran totalmente diferentes.

No obstante, a pesar del éxito alcanzado, comenzaron a surgir algunos inconvenientes en el seno de la banda. El consumo de drogas comenzó a afectar el modo de proceder de Jones, que al mismo tiempo mantenía una disputa constante con el otro bando, encarnado por Jagger y Richards.

Aquello fue el motivo por el que se decidió en 1969 que Jones debía ser separado de la banda, aunque por desgracia esto no sucedió, ya que el músico fue hallado muerto pocos días después. Para reemplazarlo, la banda contrató al guitarrista Mick Taylor, quien demostró tener un talento enorme, e incluso en muchas oportunidades tocó los solos de guitarra, cuando Richards estaba impedido por su adicción a las drogas.

Fue precisamente en esta época en que los Stones se convirtieron en una de las bandas más grandes, sobre todo por sus espectaculares conciertos en vivo, y además teniendo en cuenta que los Beatles ya se habían separado.

Aquellos buenos momentos durarían por ser años, ya que finalmente en 1975 Taylor decidió dejar la banda, según los rumores por sus desacuerdos constantes con Jagger y Richards. En su reemplazo ingresó Ron Wood, que si bien había sido elegido sólo como guitarrista temporario para actuar en la gira que estaba llevando adelante la banda, ño cierto es que se quedó para siempre.

A diferencia de Taylor, Wood parecía encajar más con el estilo de Richards, por lo que ambos hacían una exquisita composición en cada interpretación. Esa formación permaneció intacta por una década.

Con la llegada de la década de los ochenta, las relaciones en la banda volvieron a ponerse tensas, esta vez entre Jagger y el resto de la agrupación, ya que el cantante tenía en mente llevar a cabo una serie de proyectos solistas, lo cual no fue bien visto por sus compañeros.

Por primera vez en la historia de la banda, parecía que el final de los Rolling Stones estaba cerca. Sin embargo, con el comienzo de la década de los noventa las cosas volvieron a ser como antes, y la banda inició su majestuosa y exitosa gira “Steel Wheels”, que los llevaría por todo el mundo.

En 1993, el bajista Wyman decidió abandonar la banda debido a desacuerdos con Jagger y Richards. Si bien actualmente Darryl Jones es el encargado de tocar el bajo, lo cierto es que no es un integrante oficial de la agrupación, ya que según las declaraciones del resto de los músicos, aún no han podido hallar el reemplazante para Wyman.

Por ello, en sus discos de estudio suelen colaborar diferentes bajistas, mientras que Darryl Jones acompaña al grupo durante sus actuaciones en vivo.

Al momento de escribir esta biografía, los Stones han lanzado 26 álbumes de estudio, 7 discos en vivo, y una numerosa colección de recopilaciones. Pero sin dudas, su producción más destacada es aquella que nos remonta a finales de los años sesenta y principios de la década del setenta, época a la que pertenecen “Beggars Banquet”, “Let It Bleed”, “Sticky Fingers” y “Exile on Main Street”.

Bandas de Rock Internacional Historia y Biografias Grupo Queen Mercury

Bandas de Rock Internacional Grupo Queen

Biografias Grupo Queen Mercury

Queen: Mucho amor puede matarte: El riff de una guitarra nos transporta junto con los sonidos sintetizados del pop hacia un ámbito donde el rock manda. Inmediatamente una voz única, quizás una de las mejores que alguna vez tuvo un ser terrenal, invade nuestros sentidos y nos dice en inglés: “Todo lo que tienes que hacer es enamorarte».

Juega al juego, todo el mundo juega al juego del amor”, y sin más nos enamorados de la melodía. Durante años así fue como Queen logró cosechar millones de seguidores en todo el planeta, algo que incluso quedó demostrado allá por febrero de 1981, cuando la banda realizó una gira sudamericana que logró cambiar para siempre las reglas del negocio del rock en el territorio.

Mientras tanto, en la Argentina, donde se vivía la opresión de la dictadura militar, Queen tuvo un desembarco histórico, en el que ofrecieron tres shows en Vélez, uno en Mar del Plata y otro en Rosario, a los que asistieron miles de personas.

Pero la historia de Queen comienza varios años antes, precisamente en 1970, cuando un grupo de músicos conformaban una agrupación llamada Smile. En sus filas estaban el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, y debido al alejamiento del cantante comenzaron la búsqueda de un reemplazante. Mientras hacían audiciones, incorporaron a la agrupación al bajista Mike Grose.

Un día cantó ante ellos un joven desconocido que los impresionó con su voz. Se llamaba Freddie Bulsara y fue inmediatamente incorporado a la banda. Pero antes de comenzar el ruedo, Freddie cambió su apellido por Mercury, y la agrupación pasó a llamarse Queen.

Con esa formación y el nuevo nombre del grupo ofrecieron su primer concierto en junio de 1970, donde pudieron demostrar su enorme talento en el escenario, y conquistar al entonces escasos público que asistía a sus recitales.

Un mes después Grose fue reemplazado por Barry Mitchell, que en realidad sólo estuvo en la banda algunos meses y luego fue sustituido por distintos bajistas, hasta que finalmente se sumó John Deacon y así quedó conformada la formación definitiva de Queen.

Dieron su primer concierto en julio de 1971 y aquello les dio la oportunidad de despertar el interés en los productores discográficos, lo que les posibilitó grabar su primer demo de forma profesional. No obstante, no consiguieron contrato con ningún sello, pero aquello no les impidió comenzar a trabajar en la producción, de forma independiente, de su primer álbum.

Finalmente, EMI se interesó en ellos y lanzaron en 1973 su primera placa discográfica, que llevó por título el mismo nombre de la banda. Inmediatamente el tema “Keep Yourself Alive” escaló hasta los primeros puestos en las radios, obteniendo al mismo tiempo la mejor respuesta de la crítica.

Incluso en 1974 lograron acceder a su primera aparición en el prestigioso “Top of the Pops”.

Ese mismo año llegaría el lanzamiento de su segundo álbum, titulado “Queen II”, que les permitió iniciar la primera gira grande, que incluía Inglaterra, Australia y Estados Unidos. También llegaría el lanzamiento del álbum “Sheer Heart Attack”, conteniendo el éxito que se convertiría en un clásico: “Killer Queen”.

Si bien Queen ya había logrado cosechar miles de fans en distintas partes del mundo, lo cierto es que con el lanzamiento de “A Night at the Opera” en 1975 lograron alcanzar la meta. El disco no sólo contenía canciones como “You’re My Best Friend”, “Love of My Life” y “God Save The Queen”, sino que además contenía el tema “Bohemian Rhapsody”, que se convirtió en el punto de inflexión para la banda.

Tanto la canción como el video musical que la representaba treparon rápidamente a los puestos número uno de los rankings. Pasaron luego más que quince años de éxito, con un Queen que forjó su reputación en base a conciertos extravagantes y álbumes de estudio que se caracterizaban por poseer un sonido único, basado en la melodía, intentando ser casi operístico.

A los largo de esos años, la agrupación fue galardonada con diversos premios y se algunas de sus composiciones se convirtieron en la banda de sonido de películas como “Flash Gordon” y “Highlander”. En medio del éxito absoluto y la consagración máxima a la que puede aspirar una banda, una muy mala noticia golpeó duró en Queen.

El 23 de noviembre 1991 Freddie Mercury anunció públicamente que padecía de SIDA.

Al día siguiente murió. Aquello puso fin a la historia de Queen, a pesar de que casi diez años después los miembros sobrevivientes intentaron un nuevo resurgimiento de Queen, contando en esta oportunidad con la voz de Paul Rodgers, pero ya nada fue igual sin Freddie.

The Pink Floyd Historia de los Mejores Grupos de Rock Internacional

The Pink Floyd – Historia de los Mejores Grupos de Rock

Pink Floyd: El lado oscuro de la creación:

Si bien es muy cierto que la mayoría de las bandas no sobreviven sin su líder y cantante, también es cierto que en el caso de Pink Floyd se encarna la excepción que hace a la regla, ya que en su historia no sólo la agrupación logró sobrevivir a uno de sus cantantes, sino a dos.

La historia de Pink Floyd comienza en el año 1965 en la escuela Cambridge High School de Inglaterra, donde en su pasillos surgió una gran amistad entre tres jóvenes estudiantes, llamados Syd Barrett, Roger Waters y David Gilmour, que decidieron formar una banda. Pero lo cierto es que luego de la graduación, cada uno de ellos tomó caminos diferentes.

The Pink Floyd Historia

Waters asistió a una escuela de arquitectura en Londres, donde conoció a Nick Mason y Rick Wright, y junto a ellos formó un grupo de Rock & Blues llamado Sigma 6. Pero aquello no duraría demasiado.

Luego de varias idas y vueltas, finalmente la formación quedaría definida con Syd Barrett en la voz y la guitarra, Roger Waters en el bajo, Rick Wright en el teclado, y Nick Mason en la batería, y el nombre definitivo de la agrupación sería Pink Floyd, en honor a los músicos de blues Pinkney “Pink” Anderson y Floyd Council.

Una vez en el camino, la banda grabó su primera canción a principios del año 1966, titulada “Lucy Leave”, compuesta por Barrett, y que básicamente consistía en una interesante combinación de R&B con toques de pop. Pero en aquella oportunidad, este primer tema no sirvió para despertar el interés en la banda. Por aquellos días, Pink Floyd se dedicaba a brindar breves conciertos en el metro de Londres, pero pronto llegaría el éxito absoluto para la banda.

Fue en 1967 que lograron firmar un contrato discográfico con la compañía EMI Records, y lanzaron su primer single “Arnold Layne”, alcanzo cierto éxito en Inglaterra. Su siguiente single “See Emily Play” fue un rotundo éxito, y dio lugar a la edición del primer álbum de la banda, titulado “The Piper At The Gates Of Dawn”, que fue considerado como uno de los más destacados discos psicodélicos de la historia, desde que los Beatles sacaron su Sargento Pepper.

El éxito de este primer álbum les permitió comenzar con las giras, entre las cuales por ejemplo compartieron el escenario con el gran Jimi Hendrix. Fue precisamente durante el tour por los Estados Unidos que comenzaron a surgir los problemas internos en la banda, sobre todo provocados por la profunda adicción de Barret al LSD.

Debido a ello, decidieron contratar a Gilmour para que se hiciese cargo de la primera guitarra de la banda en las actuaciones en vivo. Mientras tanto, Barret continuaba siendo parte del grupo, pero sólo para las grabaciones en estudio.

Con el correr de los meses, la inestabilidad mental de Barret fue agravándose cada vez más, influyendo negativamente en la banda, y finalmente el músico decidió renunciar. Si bien Barret grabó luego dos discos como solista, lo cierto es que sus problemas con las drogas y sus patologías psiquiátricas hicieron que poco después abandonara por completo la escena pública.

Con la nueva formación, Pink Floyd editó “Saucerful Of Secrets”, tratando de seguir adelante sin Barret, y fue Waters quien comenzó a hacerse cargo de la mayor parte de las composiciones, al tiempo que se convirtió en el vocalista líder del grupo.

Algunos discos, infinidad de conciertos y cada vez más cantidad de seguidores en el mundo, hasta que en 1973 lanzaron su indiscutible obra maestra: “Dark Side Of The Moon”. Rápidamente se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música, permaneciendo en los chats de Billboard por más de una década.

En 1975 la banda irrumpió nuevamente con otra obra maestra: “Wish You Were Here”, álbum dedicado al fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, principalmente la canción “Shine On You Crazy Diamond”. El éxito del grupo continúo con la publicación de “Animals” en 1977, pero al mismo tiempo comenzaron una serie de problemas internos en la agrupación, que dio lugar a los rumores constantes de separación.

En medio de los conflictos, Pink Floyd lanzó un álbum doble que haría historia, publicado en 1979 bajo el título “The Wall”, que dio lugar a la producción cinematográfica que lleva el mismo nombre, dirigida por  Alan Parker.

Pero lo cierto es que a pesar del éxito internacional las relaciones dentro de la banda eran cada vez peor, sobre todo entre Waters y Wright. El conflicto entre los músicos llevó al despido de Wright. Pero aquello no solución las cosas, ya que la contienda continuó entre Waters por un lado, y Gilmour y Mason por otro.

No obstante, la banda siguió su camino, y en 1983 lanzaron “The Final Cut”, que en realidad se trató más de un proyecto creado por Waters, por lo que no tuvo demasiada participación de Gilmour y Mason. Lo cierto es que el álbum fue una gran decepción para los seguidores del grupo, por lo que poco después de su lanzamiento Pink Floyd se separó.

Luego vendrían años de conflictos legales por el uso del nombre de la agrupación, estando por una parte Waters y del otro lado del banquillo sus ex compañeros Gilmour, Mason y Wright que intentaban reflotar Pink Floyd sin Waters.

Superados los pleitos legales, el nuevo Pink Floyd lanzó “A Momentary Lapse Of Reason” y un año más tarde el disco en vivo “Delicate Sound Of Thunder”, que fue un verdadero éxito. El último álbum de estudio fue lanzado en 1994, bajo el título de “The Division Bell”, y luego de eso la banda se disolvió definitivamente.

Ver Tambien: Rock Internacional The Doors

Historia de los Grandes Grupos de Rock Internacional The Doors

Historia de los The Doors Grupos de Rock Internacional

The  Doors: Encendiendo el fuego:

Corrían los años sesenta y el tecladista Ray Manzarek junto a sus dos hermanos fundó una banda de rock & blues llamada Rick And The Ravensask, pero ninguno de ellos tenía talento para cantar, por lo que comenzaron la búsqueda de un vocalista.

Por esa época, Ray era estudiante de cine en la UCLA de Los Angeles, y allí tenía un compañero que atesoraba el sueño de ser cantante. Fue entonces que la nueva banda decidió probar la voz de este desconocido, que dijo llamarse Jim Morrison.

The Doors grupo de rock internacional

Al escucharlo, Ray quedó inmediatamente impresionado con la voz de Jim, por lo que no dudó en que fuera parte de su banda.

Poco después ingresó a la agrupación el baterista John Densmore, y con esa formación y bajo el nombre de Rick And The Ravensask grabaron seis demos que hoy son considerados piezas de colección por los seguidores del legendario grupo californiano.

Pero lo cierto es que los hermanos de Ray no estaban satisfechos con el rumbo que estaba tomando el estilo musical de la banda, por lo que decidieron abandonar el proyecto. Así fue que ingresó el guitarrista Robbie Krieger, que era un gran amigo de Densmore, pero jamás lograron hallar a un nuevo bajista, por lo que el instrumento pasó a estar a cargo de Manzarek, quien además tocaba el teclado.

Después de aquella modificación en la formación del grupo, la banda pasó a llamarse “The Doors”, a raíz de una idea aportada por Morrison.

Así comenzaron el típico circuito de actuaciones en bares nocturnos de Los Angeles, que debían afrontar todas las bandas nuevas, iniciándose en el London Fog de Sunset Strip, y más tarde en el Whisky-A-Go-Go. No obstante, solían ser expulsados de los clubes y no les permitían volver a tocar, debido a que ya desde los comienzos Morrison se mostró como un personaje totalmente controversial.

Incluso, en una oportunidad su show fue finalizado abruptamente, luego de que la banda interpretara la canción de su autoría titulada “The End”, que para los dueños del club en el que se encontraban actuando iba demasiado lejos. Aquella canción fue precisamente la que logró que los productores de Elektra Records pusieran su atención en The Doors, y les ofrecieran un contrato.

En 1967 se lanza el primer álbum de la banda, con un título homónimo que incluyó el exitoso corte “Light My Fire”. El disco demostró el talento y poderío de la banda, que supo lograr una fusión perfecta entre el rock, el blues, el jazz y la poesía, mientras que la canción “Light My Fire” fue directo al número uno de los rankings.

Los álbumes que siguieron al debut no lograron superar en calidad compositiva a aquel primer disco, aunque lograron un gran éxito en ventas, sobre todo cuando lanzaron otro de los hits fundamentales de la banda, la canción titulada “Hello I Love You”, que sonaba en todas las emisoras radiales del mundo.

Durante ese tiempo, Morrison fue bautizado como el “Lizard King”, que en español significa el Rey Lagarto, alias que se le adjudicó debido a sus interpretaciones extravagantes en el escenario y su estilo de vida, en el que abundaban las drogas y el alcohol.

Para 1970, la banda lanzó el álbum “Morrison Hotel”, en el que se evidenció la recuperación absoluta de la energía que había caracterizado al primer disco de la agrupación, por lo que se convirtió inmediatamente en un éxito. Meses después sería editado otro clásico: “L.A. Woman”.

Aquel fue uno de los discos más controversiales de la banda, sobre todo por las historias en torno a su producción y grabación, ya que en aquella época la relación entre Morrison y el resto de los integrantes del grupo era realmente pésima, debido a que el abusivo consumo de drogas de Morrison, y sus problemas con el alcohol influía negativamente en las relaciones entre los miembros.

Hastiado de la vida de estrella de rock, y casi consumido por sus adicciones, luego de las sesiones para la grabación de “L.A. Woman”, Jim Morrison decidió mudarse a París. Su intención era comenzar nuevamente, y dejar de ser el famoso cantante de The Doors para convertirse en un reconocido poeta, por lo que intentó comenzar en Francia una carrera literaria.

Lo cierto es que su sueño quedó trunco, ya que el 3 de julio de 1971 su esposa Pam lo halló muerto en la bañera de la casa que compartían. La versión oficial señalaba que Morrison había fallecido por un problema cardíaco, pero lo cierto es que luego de la noticia comenzaron a circular todo tipo de historias en torno a su muerte, incluyendo la versión que sostiene que murió en un club nocturno de París a raíz de una sobredosis, y que luego su cuerpo sin vida fue trasladado a su casa con el fin de encubrir la causa del deceso.

Después de la trágica noticia, los miembros de la banda decidieron no reemplazar a Jim Morrison, por lo que continuaron con el formato de trío, siendo Manzarek el que pasó a ocuparse de la voz líder. Con esa nueva formación, y el permanente peso de la leyenda de Morrison, los Doors editaron dos discos, que evidenció que sin las composiciones y la voz de Morrison ya nada volvería a ser lo mismo.

Ese fue quizás el motivo por el cual decidieron terminar con la banda en 1973. Pero lo cierto es que las puertas no estaban del todo cerradas, ya que en 1978 Manzarek, Krieger y Densmore se reunieron para llevar adelante un proyecto de un nuevo disco, en el que se incluían una serie de poesías que Morrison había compuesto y grabado en París. El álbum resultante fue “An American Prayer”, que inmediatamente se convirtió en un éxito rotundo.

Mientras tanto, a pesar de la muerte, la imagen de Jim Morrison continúa vendiendo millones, y sigue siendo uno de los modelos a seguir más importante para las nuevas generaciones de aficionados al rock.

Ver: Historia de The Pink Floyd

 

Deep Purple Grandes Bandas de Rock Internacional Historia

Grandes Bandas de Rock Internacional: Deep Purple

Bandas de Rock Deep Purple Deep Purple: Perfectos extraños:  De los ritmos beat a las guitarras estridentes del más puro hard rock, llegando incluso en ciertas etapas al más meloso soul, para luego tratar de revivir un hard rock con toques modernos, pero siempre manteniendo una meta: el rock.

Quizás sea apresurado definir de esta forma la historia evolutiva de Deep Purple, una de las bandas más importantes del hard rock inglés, que además de pasar por la evolución permanente que debe influir en el estilo musical de un grupo, pasó también por una gran cantidad de formaciones.

A cada una de las formaciones que tuvo Deep Purple se las conoce con un nombre distintivo, como si se tratase de un modelo de vehículo.

Y sin lugar a dudas ha sido la Mark II, compuesta por Ian Gillan en la voz, Ritchie Blackmore en la guitarra, Roger Glover en el bajo, Jon Lord en el teclado y Ian Paice en la batería la que es considerada la etapa de oro de la banda.

Es que durante el período que abarcaron los años 1969 a 1973, la agrupación editó los álbumes más importantes de su historia, como lo fueron “Deep Purple in Rock”, “Fireball”, “Machine Head”, y “Who Do We Think We Are”.

Hablar brevemente de una banda como Deep Purple no es simple, sobre todo teniendo en cuenta que se trata de una agrupación nacida en 1968 y que aún hoy continúa en el ruedo, no sólo haciendo giras por el mundo, sino también lanzado trabajos discográficos como “Rapture of the Deep” y el más reciente en vivo “Live At Montreux 2011” en el que fueron acompañados por orquesta.

La historia de la banda se inicia en Hertford, Inglaterra en 1968, cuando se reunieron a tocar los músicos aún desconocidos Ritchie Blackmore, Rod Evans, Nick Simper, Jon Lord y Ian Paice, en un grupo cuya primera denominación fue “Roundabout”, y que tiempo después se convertiría en Deep Purple, que al perecer era el título de la canción favorita de la abuela de Blackmore.

Después de recorrer Estados Unidos e Inglaterra, lograron tener su álbum debut en 1968, placa que fue titulada “Shades of Deep Purple”, en la que se destaca el estilo beat, pero con la que no consiguieron el éxito esperado.

No obstante, a pesar de que Deep Purple parecía ser ignorado en su país natal, la banda logró llevar a cabo una serie de largas giras fuera de Inglaterra, logrando conquistar el corazón de los americanos.

De esta manera, los dos siguientes álbumes correspondientes a la MK I, titulados “The Book Of Taliesyn” y “Deep Purple” lograron un importante reconocimiento dentro del circuito musical internacional.

Poco después, precisamente en 1969, fueron alejados de la banda Evans y Simper, y reemplazados por Ian Gillan y Roger Glover respectivamente, dando inicio de esta manera a la MK II, reconocida por los seguidores como la formación clásica de Deep Purple.

El renovado quinteto hizo su debut discográfico con el álbum “Deep Purple in Rock” y a partir de allí no hubo dudas de que se trataba de una de las bandas más importantes del siglo.

Fue precisamente gracias a ese disco que la banda logró una de sus primeras metas, hallar la popularidad en Inglaterra, y por supuesto, sus siguientes trabajos discográficos titulados “Fireball” y “Machine Head” arrasaron con los rankings mundiales. Una mención al margen merece el tema “Smoke On The Water”, incluido en la placa “Machine Head”, que inmediatamente lanzado el disco se convirtió en uno de los máximos éxitos de la banda, y luego con los años pasó a ser considerado el himno de Deep Purple.

Aquel riff incluido en la canción, que seguramente hemos oído improvisar en más de una vez por cientos de guitarristas amateurs, representa en realidad a un tema que la propia agrupación no pensaba incluir en el disco, por lo que quedó en el último lugar del track list, sin imaginar la repercusión prácticamente eterna que tendría la canción.

Por último, la MK II lanzó “Who Do We Think We Are”, y al año siguiente, precisamente en 1974 se inició la etapa de la MK III, cuando el cantante David Coverdale ingresó para reemplazar a Gillan y el bajista Glenn Hughes sustituyó a Glover.

Esta también fue una etapa en la que la banda experimentó el éxito absoluto, claro que en menor medida que la anterior, con lanzamientos que fueron récord en ventas: “Burn” y “Stormbringer” que también lograron alcanzar la cima de los rankings.

Sin embargo, Blackmore estaba cada vez más insatisfecho con la dirección que había tomado el grupo, por lo que en 1975 abandonó la banda y se dedicó a fundar Rainbow. En su lugar ingresó Tommy Bolin, dando lugar a la MK IV, etapa durante la cual sólo editarían el disco “Come Taste the Band”, debido a la muerte inesperada de Bolin por abuso de drogas.

No obstante, el estilo que la banda había incorporado, más emparentado con el jazz y el soul, y totalmente lejano al hard rock de los discos anteriores, produjo la decadencia de la agrupación, y ya no hubo interés en ella, por lo que Deep Purple fue disuelta.

Casi una década después se produjo la reunión de la MK II de Deep Purple, en la que por supuesto estaban Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice. Fue durante ese período que editaron los álbumes “Perfect Strangers” y “The House of Blue Light” en 1987, pero nuevamente las disputas entre Gillan y Blackmore dieron lugar al alejamiento del cantante, que fue reemplazado por Joe Lynn Turner, en la que fue llamada la MK V, la cual se mantuvo entre 1989 a 1992, y en la que lanzaron la placa “Slaves and Masters”.

Luego, con la vuelta de Gillan se produjo otra reunión de la MK II, pero las cosas ya no eran iguales, lo que ocasionó en esta oportunidad el alejamiento de Blackmore, y el inicio de la MK VII en 1994 con Steve Morse en la guitarra. Por último, desde el 2002 y hasta la actualidad, la banda continúa en el ruedo, en la denominada MK VIII, con Gillan en la voz, Morse en guitarra, Glover en el bajo, Don Airey en el teclado y Ian Paice en la batería.

De esta manera, a pesar de todo, la leyenda continúa escribiendo sus páginas en la historia del rock.

 

Banda de Rock Internacional Historia Los Bee Gees

Banda de Rock Internacional: Los Bee Gees

Los Bee Gees Grupos de RockBee Gees: Manteniéndose vivos Después de unos segundos de silencio, un armónico solo de guitarra acompañado luego, casi al instante, por una melodía inolvidable, y por último la aparición de tres voces que se unen en un destello de armonía.

Ese es el comienzo de una larga lista de canciones que forjaron cuatro décadas de historia de la banda Bee Gees, y que a pesar de los años transcurridos pudieron mantener desde su primer trabajo discográfico lanzado en 1965, hasta su álbum más reciente titulado “This Is Where I Came In”, editado en 2001.

Aquellas cuatro décadas transcurridas no pudieron derribar la esencia de grupo, manteniendo en todo momento las voces increíbles y la melodía fresca e inspiradora de sus éxitos pop.

Y es precisamente esa armonía la que ha permitido que las melodías y el ritmo de las canciones de los Bee Gees se hayan transformado en la banda de sonido de la vida de millones de personas en todo el mundo. Siempre supieron como reinventarse, y es por ello que su historia es amplia y está plagada de éxitos y triunfos.

Todo comenzó en la infancia, ya que los tres hermanos Gibb siempre fueron muy unidos, por lo que pasaban casi todo el tiempo juntos.

Al principio, Barry, Robin y Maurice compartían sus juegos, pero con el correr de los años descubrieron que los tres tenían el mismo sueño: convertirse en músicos.

En 1958 la familia Gibb decidió mudarse a Australia, lugar donde los hermanos comenzaron a descubrir su vocación.

Al principio, una vez que se habían establecido como un trío musical que recién comenzaba, se iniciaron ofreciendo algunos pequeños shows dentro de la comunidad en la que vivían, pero su talento hizo que rápidamente pasaran a la radio, actuando en vivo con sus amigos el promotor Bill Goode y el DJ radial Bill Gates.

Gracias a los nombres de tres de los miembros de esta incipiente agrupación, Barry Gibb, Bill Goode y Bill Gates, decidieron bautizar al grupo como los BG, nombre que años más tarde se convertiría en The Bee Gees.

A pesar de ser constantemente pedidos en la radio, lo cierto es que el verdadero éxito y reconocimiento tardó en llegar, por lo que los Bee Gees decidieron trasladarse a Inglaterra para probar suerte en un lugar conocido por poseer una amplia cultura musical.

Una vez allí se sumó al equipo el manager Robert Stigwood, y precisamente en 1967 lograron su primer gran éxito a nivel internacional con el tema “Mining Disaster Nueva York”.

Para el lanzamiento del primer álbum de la banda, titulado “The Bee Gees´ 1st” se sumaron a las filas de la agrupación el baterista Colin Peterson y el guitarrista Vince Melouney.

El disco fue un rotundo éxito de ventas, logrando ubicarse en el primer puesto de varios rankings mundiales.

No obstante, a pesar de la alegría que les brindó la fama, también comenzaron a surgir inconvenientes dentro de la banda, cuando en 1969 el baterista Peterson abandonó el grupo y les inició una demanda para evitar que utilizaran el nombre de Bee Gees.

En medio de los problemas generados por factores legales, y a pesar de las fuertes diferencias que se percibían entre los músicos, el grupo logró editar en el lapso de dos años los discos “Horizontal”, “Idea”, “Odessa” y “Cucumber Castle”.

En 1971 volvieron a reunirse con Peterson y con la formación original lanzaron el álbum “2 Years On”, y si bien la noticia y el nuevo disco fue muy bien recibido por el público, lo cierto es que luego vendrían una serie de fracasos, y los trabajos discográficos comprendidos entre los años 1972 y 1975 pasarían a ser considerados como el peor período de la banda.

A pesar de todo, los músicos se mantuvieron unidos y en 1975 recibieron la ayuda del productor Arif Mardin, con quien los Bee Gees se convirtió en una banda dedicada a la balada de Rock & Blues. Bajo esa poderosa influencia lanzaron “Talkin Jive” que logró inmediatamente posicionarse como el número 1 en todo el mundo, consiguiendo el disco de platino.

Por supuesto que uno de los hechos más significativos en la historia de los Bee Gees fue haber sido el plato fuerte dentro de la banda de sonido de la película “Fiebre de sábado noche”, en la que sonaban canciones como “Stayin’ Alive”, “How deep is Your Love” y “Night Fever”, melodías que pasaron a convertirse en los hits más escuchados de la época, y tiempo después se transformaron en clásicos de una generación.

Si bien el final de la década del setenta fue el período más importante de la banda, es decir cuando llegaron a la cima de la carrera, lo cierto es que los Bee Gees continuaron en el ruedo por varios años más. Incluso, a pesar de que la tragedia golpeara a la familia Gibb en varias oportunidades, primero con la muerte de Andy en 1988, seguida por la muerte de su padre, y en 2003 la desaparición física de Maurice.

Aquello significó el fin de una banda que se mantuvo por más de cuatro décadas, y que a pesar de que en 2009 intentó ser reflotada por los hermanos Gibb sobrevivientes, jamás lograron volver el tiempo atrás.

The Beatles Historia del Grupo Biografia Banda de Rock Internacional

The Beatles Historia Biográfica del Grupo

The Beatles:

Transcurrían los sombríos comienzos de la década del cincuenta y en Inglaterra se experimentaba el dolor y la pobreza de una nación que se recuperaba lentamente de la Segunda Guerra Mundial. Después de aquello, la mayoría de los ciudadanos adultos se sentían golpeados por la desesperanza y la tristeza que siempre provocan los conflictos armados que arrasan con la vida de millones.

En medio de este contexto, los jóvenes intentaban buscar un medio para expresar sus sentimientos al respecto. Precisamente, en la bella ciudad de Liverpool, cuatro jóvenes hallaron en lo musical lo que buscaban, y decidieron con total determinación seguir ese camino, llevando su música a las calles silenciosas de aquella emblemática urbe.

The Beatles Historia del Grupo Biografia Banda de Rock Internacional

El grupo estaba integrado por cuatro jóvenes compositores y ejecutantes de sus singulares temas: George Harrison (1943-2001), guitarra; Paul McCartney (1942), bajo y voz; John Lennon (1940-1980), segunda guitarra y voz; y Ringo Starr (1940), batería. Tanto fue el éxito obtenido por el «Cuarteto de Liverpool» que llega a formar un imperio comercial; no sólo con la venta de sus discos, sino también con el diseño de modas, libros y películas cinematográficas. En 1962 lanzan su primer single, Love me do. Un año después, Piense, please; Help y She lovesyou también ingresan entre las canciones preferidas.

Si bien para 1963, año en que grabaron su primer demo, The Beatles eran un grupo totalmente desconocido, lo cierto es que tan sólo dos años después se convirtieron en la agrupación musical más famosa del planeta.

En sus comienzos, la banda contaba con una formación integrada por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y el baterista Pete Best, que luego fue reemplazado por Stuart Sutcliffe, que lamentablemente murió de forma trágica cuando sólo tenía 22 años. Luego llegaría Ringo Star, y así la formación clásica de The Beatles quedaría constituida para siempre.

Pero por supuesto que en la historia de la banda hubo un descubridor de talentos, el famoso Brian Epstein, que tuvo la oportunidad de verlos tocar en The Cavern en el año 1961. Poco tiempo después se convirtió en el manager del grupo, y el verdadero creador de la imagen de la banda.

Epstein les consiguió un sinfín de audiciones, pero lo cierto es que los productores no estaban interesados en ellos, hasta que finalmente lograron firmar con Parlophone Records, contrato que es conocido como el más tacaño de la historia.

No debió pasar mucho tiempo para que surgiera la llamada Beatlemanía, que conquistó a millones de jóvenes en todo el mundo, incluso en el entonces cerrado mercado de los Estados Unidos, donde lograron ser uno de los espectáculos centrales de una de las emisiones del conocido ciclo del Show de Ed Sullivan.

A partir de aquel momento, el mundo entero fue testigo de la locura absoluta que provocaban las actuaciones de The Beatles, donde los jóvenes espectadores dejaban a la vista sus más profundas emociones desenfrenadas, algo como nunca se había visto.

Con el final de la década del sesenta llegaría también un cambio profundo en la banda, tanto en lo que respecta a su apariencia, como así también a sus composiciones. Aquel fue un período en que los cuatro de Liverpool comenzaron a escribir sus canciones bajo la constante guía de George Martin, produciendo una transición en la música que afectaría a todo el mercado musical del mundo, y en este contexto, The Beatles eran los reyes.

Para 1966, la banda comenzaría a recorrer un camino más ligado a lo esotérico, en el que reinaban los gurús espirituales, el amor libre y las drogas, cambiando abruptamente su imagen. Eran parte del llamado movimiento “Flower Power”, que se extendía por todo el planeta intentando sembrar un mundo de paz y armonía, regado por supuesto por todo tipo de drogas experimentales.

Aquello influyó notablemente en las composiciones musicales de la agrupación, aspecto que se evidenció en el álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club” y en el filme surrealista “Yellow Submarine”,  muy alejado a lo que habían sido las películas “A Hard Day’s Night” de 1964 y “Help” de 1965, que tenían a The Beatles y su música como protagonistas centrales.

Para principios de la década del setenta, The Beatles eran absolutamente famosos en todo el mundo, al mismo tiempo que generó una nueva era en cuanto a la concepción no sólo musical sino también empresarial. Fue en esa época que la banda decidió fundar la compañía Apple Corps compuesta por cinco divisiones: creativa, discos, películas y artes escénicas.

Pero en 1971 se anunció la separación de la banda, para lo que se realizó una despedida especial, con un concierto sorpresa que el grupo improvisó en la terraza de los estudios Abbey Road. A partir de allí, cada uno de ellos siguió su propio camino.

Las hipótesis de las causas de la separación fueron muchas y variadas, pero lo cierto es que durante los últimos tiempos en que The Beatles se mantuvieron unidos habían comenzado a experimentar inevitables diferencias artísticas y peleas, que cada vez se hacían más frecuentes en el grupo, lo que finalmente culminó con la disolución de The Beatles.

Hoy, a pesar de la muerte de John Lennon y George Harrison, los cuatro de Liverpool continúan siendo una leyenda que ha logrado trascender en el tiempo, más allá de los cambios de la moda y los gustos de la gente. En definitiva, para toda la eternidad las canciones de The Beatles continuarán siendo clásicos, incluso después del fin de todos los tiempos.

Apenas comenzó la fama comenzaron las biografías. No bastaba con verlos cantar o reírse de la reina. Para sorpresa de muchos, estos genios revolucionarios eran «unos cualquiera», provenían de familias proletarias, de una ciudad marítima oprimida, no tenían ninguna educación especializada, era maledu-cados, autodidactas, algo incapaces y torpes. Sin poseer la fuerza sexual de Elvis, ni la violencia de Jagger, sin embargo, con sus cortes de pelo afeminados y sus trajes de señoritos del coro, fueron los más subversivos. Ellos modificaron el curso de la historia de la música mientras instalaron la idea de que el sueño era posible. El equipo de autores formado por Lennon y Paul McCartney escribió más canciones de éxito que cualquiera de los compositores modernos y en los casi 10 años que estuvieron juntos el grupo vendió más de 250 millones de discos. «Cuando la gente pida recrear el ánimo de los 60, sólo deberá tocar música de Los Beades», declaró Aaron Copian, el famoso compositor norteamericano.

PARA SABER MAS….
HISTORIA DE LOS BEATLES:
QUIENES ERAN SUS INTEGRANTES:

John Lennon había nacido durante un bombardeo de la Segunda Guerra Mundial, el 9 de octubre de 1940, en la ciudad de Liverpool. Como eran años de patriotismo, lo bautizaron como John Winston. Sin embargo, con un padre aventurero y bueno para la bebida, lo crió una tía solterona, hermana de su madre.

JONH LENNON

Asistía al Quarry Bank School como otros muchachos hijos de obreros: «Era el rey de mi grupo -señalaría años después-. Sabía un montón de chistes picantes desde muy chico y por eso me respetaban mucho.

Era agresivo porque quería ser popular. Quería ser el jefe. Nos gustaba robar en las tiendas y bajarles los calzones a las chicas.

Los padres de mis amigos me odiaban. Siempre les decían a sus hijos que no se juntaran conmigo. Y me temían con razón: hice lo posible por destruir los ‘hogares constituidos de mis amigos.

Quizás en parte por envidia, porque yo no tenía lo que se llama un hogar… En realidad, no sabía lo que quería ser cuando grande, salvo millonario excéntrico. Pensaba casarme con una millonaria, porque me parecía el único camino. Tenía que llegar a ser millonario. Si no podía hacerlo honradamente, lo haría de otra manera. Pero era demasiado cobarde para ser ladrón».

Era, sin duda, un muchacho inadaptado y agresivo y a pesar de que vivía con su tía Mimi, buscó a su madre, quien le compró una guitarra e intentó enseñarle lo poco que sabía de música. Madre e hijo se atraían por su anárquico sentido de la vida.

La tía Mimi señalaría: «Su madre lo alentaba en todo. Ella fue la oveja descarriada de la familia y quería que su hijo saliera igual».

Paul McCartney.

Cerca de los 15 años, John Lennon comenzó a interesarse más fuertemente por la música popular hasta el extremo de formar un grupo: «The Quarrymen», lo que, como ya hemos señalado, no era ninguna novedad en la época. Influenciados por los rocks de Bill Halley, John y su amigo Pete Shotton cambiaban constantemente de compañeros de música debido al carácter arisco y autoritario de Lennon. Así y todo, se divertían tocando música en fiestas populares, parroquiales y matrimonios.

El 15 de junio de 1956, Pete llevó al conjunto a un amigo que venía de otro colegio. Era zurdo y quería convertirse también en músico. Se llamaba Paul McCartney. » Aquel día -señalaría Lennon más tarde-, el día que conocí a Paul McCartney, fue cuando realmente empezó todo».

LOS «SILVER BEATLES» NO TENÍAN BATERISTA Paul McCartney había nacido el I8 de junio de 1942 en un hogar mejor establecido que el de Lennon. Su padre era representante de una fábrica de algodón y mandó a sus tres hijos hombres al colegio de la ciudad, el Liverpool Institute.

En 1956, perdió a su madre, quien murió víctima del cáncer. También John Lennon perdió a su madre a temprana edad, en l’nH, al ser atropellada por un automóvil. Los dos muchachos, sin embargo, parecían tener destinos muy diferentes. Paul escribía canciones dulces que gustaran a las chicas, mientras John prefería practicar con textos cercanos al surrealismo, en donde se filtraban frases de doble sentido.

Pese a que los dos cultivaban el estilo llamado «Teddy Boys» (es decir, pantalones muy estrechos, chaqueta blanca y larga, pelo largo engominado peinado para atrás), Paul se las ingeniaba para seguir pareciendo un «buen chico» delante de su familia, mientras John seguía siendo un pésimo alumno, arisco y camorrero.

Un profesor que le vio ciertas aptitudes para el dibujo, lo hizo entrar al Art College (Escuela de Artes y Oficios), pero, en realidad, para John Lennon, la enseñanza sólo era una forma hábil de atrasar su ingreso al oscuro mundo del trabajo proletario, del cual quería huir a cualquier precio.

George Harrison

Los «Quarrymen» tenían un tercer guitarrista. Se llamaba George Harrison, había nacido el 25 de febrero de 1943, e iba al mismo colegio que Paul McCartney. De origen también modesto, su padre era chofer de autobús y militante sindical.

En 1958, el conjunto se alejaba del período skiffle e ingresaba de lleno al rock. Sin embargo, debido al mal genio de su conductor, John Lennon, el conjunto cojeaba en la sección rítmica, por falta de un baterista. Ya comenzaban a alejarse del estilo «Teddy Boys» y asumían el estilo «Cow-boys» (vaqueros) con botas, jeans y camisas a cuadros.

En ese período, John y Paul comenzaron a trabajar juntos en sus canciones. Alain Dister,estudioso de su vida y su obra, dice: «En aquella época escribieron más de un centenar, de las cuales muy pocas se conservaron. La mayor parte de ellas no se conocerán jamás, pues Jane Asher, cuando vivía con Paul, las tiró un día por equivocación al cubo de la basura mientras arreglaba la casa. Aquellas canciones ya estaban firmadas Lennon-McCartney.

Sus autores utilizaban una técnica especial para escribirlas, técnica que siguieron empleando durante casi todo el tiempo en que trabajaron juntos. Cuando alguno de los dos tenía una idea, la escribía en un trozo de papel. Luego, a partir de ahí, frase tras frase, construían un pequeño texto siguiendo un método que llamaban ‘prueba y terror».

El espíritu con el que John redactaba sus cuadernos cuando era más joven, intervenía en el proceso de la composición: humor un poco absurdo, juegos de palabras, deformación voluntaria de las sílabas para dar a una misma palabra dos o tres sentidos distintos». Pero la cosa no andaba, ya que en Liverpool, todo el mundo tocaba en orquestas.

Tuvieron la oportunidad de actuar en Manchester y para ello cambiaron su nombre por el de «Johnny and The Moondogs«, partiendo de la base que cada conjunto debía llevar el nombre de su líder, y Lennon era el líder del conjunto. Tampoco le gustó ese nombre al rebelde guitarrista, entonces pensó en Buddy Holly y sus «Crickets«, ¿Crickets no sería un buen nombre en Inglaterra? No. Mejor aún «beetle» (escarabajo), ya que el «beat» estaba de moda. Después de lodo, a él le encantaban los juegos de palabras. Así, pues, de «beetles«, pasaron a «Silver Beatles«… pero seguían sin baterista.

HAMBURGO
Junto a John, Paul y George, tocaba el bajo otro amigo, Stuart Sutcliffe. En agosto de 1960, le pidieron a Pete Best que se uniera a ellos en la batería, pues estaban decididos a dejar Liverpool por un tiempo, para ir a Hamburgo, si es que sus pudres los dejaban. Pese a la mala fama que tenía entonces la ciudad alemana, lograron convencer a sus progenitores, partiendo a Hamburgo en una vieja furgoneta.

Cuenta Lennon: «Al principio tuvimos una acogida muy fría, entonces el dueño del local nos dijo que teníamos que ‘hacer un show‘. Y vaya si lo hicimos. Yo salí una vez con una tapa de excusado alrededor del cuello. Teníamos un poco de miedo porque esos clubes tenían muy mala fama.

Pero decidimos creer en el mito de que Liverpool produce gente sensacional, así que comenzamos a saltar y hacer estupideces mientras cantábamos. Teníamos que tocar ocho horas diarias, siete días a la semana. Y comenzamos a llenar el local, a punta de volumen, saltos, gritos, anfetaminas y rock. Siempre les estábamos gritando cosas a los alemanes. Los llamábamos nazis y los mandábamos a buena parte. Nos vitoreaban aún más».

Para poder mantenerse con ese fuerte ritmo de trabajo, comenzaron a tomar píldoras. Las más conocidas eran las llamadas «purple hearts«, una combinación de anfetamina con barbitúrico, de venta libre en las farmacias, con las que la muchachada de Hamburgo se mantenía en pie, bailando toda la noche. Los admiradores —fans— y especialmente, «las admiradoras», aumentaban, así como su reputación.

La gran admiradora de este período fue la fotógrafa alemana Astrid Kichener, quien, pese al desagrado que le provocaban estos oscuros conjuntos londinenses, se dejó seducir por los «Silver Beatles» y muy particularmente por Stuart Sutcliffe, el más atractivo de todos.

La primerTHE BEATLESa experiencia en Hamburgo terminó con George, de sólo diecisiete años, sin permiso de trabajo ni de residencia, de vuelta en Liverpool, seguido luego por Pete Best y Paul McCartney.

Sin embargo, al regreso, las condiciones habían cambiado favorablemente para ellos: hacia fines de 1960 fueron contratados para una serie de conciertos en el Litherland Town Hall, y allí se advirtieron los primeros síntomas de la futura «beatlemanía«: «Los resultados superaron todas las esperanzas -escribe Alain Dister-: la sala estuvo llena hasta reventar de chicos y chicas que aullaron y bailaron, participando totalmente en su actuación.

Durante varias horas seguidas, en el viejo teatro se desarrolló un verdadero motín. Los asientos fueron arrancados y las sucesivas olas que iban a estrellarse contra el escenario estuvieron a punto muchas veces de arrollar a los componentes del grupo.

Su música producía un efecto tan poderoso e inmediato, que empezaron a pensar que su pequeño paseo por Hamburgo estaba dando frutos».

BRIAN EPSTEIN: ANTES DE EL ESTÁBAMOS EN LA LUNA
Pese a la presencia de Pete Best, faltaba aún el baterista definitivo. Ringo Starr tocaba con otro conjunto demoda: «Rory Storme and The Hurricanes«. Se hacía llamar Ringo, porque en cada dedo llevaba un anillo (ring).

Ringo Starr

Le atraía la música de los «Beatles», pero aún no se había dado el encuentro directo. Detrás de su apariencia agresiva, se encontraba un hombre encantador y enfermizo: incluso había sido operado de peritonitis. Hijo de padres divorciados y modestos no conoció otro oficio que la batería desde el día en que su padrastro le regaló el instrumento musical.

En la primavera de 1961, los «Beatles» vuelven a Hamburgo, después de sus exitosas presentaciones en el club «Caver-ne» de Liverpool. Stuart Sutcliffe se había puesto de novio con la fotógrafa Astrid, quien, consciente de la vulgaridad del conjunto, decidió cambiarles su aspecto.

Experimentó, obviamente, con Stuart peinándolo con flequillo. Poco a poco, los otros integrantes del conjunto aceptaron el nuevo estilo: flequillo y pelo más bien corto. Stuart, más interesado en Astrid, hacía lentos progresos en el campo de la música, terminando por dejarle el bajo a Paul McCartney. (Stuart Sutcliffe, casado en Hamburgo con Astrid, fallecería en 1962 víctima de una hemorragia cerebral.)

¿Como eran entonces los «Beatles»? Alain Dister lo señala: «El conjunto se quedaba con dos guitarras solamente, pues George Harrison cargaba con la delicada tarea de ejecutar los solos y colocar las mejores frases. Ponía en ello toda su atención y se negaba a entrar en los juegos que los otros dos llevaban a cabo con su público.

Permanecía en su rincón intentando hacerlo lodo lo mejor posible y progresando por su lado, siguiendo la línea musical que se había fijado. John, por su parte, llevaba la línea rítmica: tenía que colocar los acordes oportunos en los momentos precisos».

Durante esa gira a Hamburgo, grabaron un disco como conjunto de acompañamiento, al servicio del cantante Tony Sheridan. Sin embargo, el productor del disco (nada menos que el director de orquesta Bert Kaempfert) pensó que el nombre de «Beatles» no tenía impacto comercial y lo cambió por el de »Beat-Brothers«. En ese álbum figuran las primeras canciones de Lennon-Harrison: «Cry for a shadow» y «My bonnie«.

Esta última, ajuicio de Alain Dister, es «incontestablemente la mejor del álbum. Todo lo que aparecería más tarde en las composiciones de los cuatro están ya ahí algo más que esbozado: las pequeñas fugas de Harrison y el ritmo «beat», muy rudimentario, pero potente, de la rítmica Lennon-McCartney».

Las canciones, grabadas en Alemania, no pasaron inadvertidas en Liverpool. Sin embargo, la gran tienda de discos «N.E.M.S.» (North End Music Stores), a cargo de Brian Epstein , no los tenía. Al comprobar que estos músicos parecían imponerse en el gusto juvenil popular, Epstein decidió conocer a los «Beatles«.

Brian Epstein era un hombre muy diferente a los «Beatles». Con sus 27 años, proveniente de una familia burguesa y judía, estaba a cargo de la tienda de música, propiedad de su familia, vestía formalmente, y tenía, sin duda, una secreta frustración ya que había querido ser actor, pero su padre se lo había impedido.

Tras escuchar al conjunto y captar —con muy buen olfato comercial- su atractiva resonancia en la juventud, Epstein decidió convertirse en el manager de los «Beatles» , algo inusual para un conjunto aún sin mayores proyecciones. En diciembre de 1961, el asunto estaba decidido: Brian Epstein se llevaría el 25% de todas las ofertas, destinando un cinco por ciento para promoción y publicidad.

La aparición de Brian Epstein en la vida artística de los «Beatles» significó la entrada a una verdadera carrera profesional. El empresario comprendió que su conjunto no llegaría a mayores mientras siguiera aferrado a sus limitadas actuaciones en Liverpool.

Así pues, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr -los cuatro definitivos ‘ ‘Beatles» – grabaron»Love me do», que salió en octubre dé 1962, escalando inmediatamente importantes puestos en los hit-parades de las revistas especializadas. “Please, please me«, grabada en noviembre del año anterior, salió en enero de 1963 y un mes más tarde ocupaba el primer puesto en el hit-parade. Los adolescentes de toda Inglaterra comenzaron a Interesarse entonces por el conjunto.

El ascenso fue increíblemente rápido. La prensa internacional denominó a 1963 como el año de los «Beatles» y de Christine Keeler (esta última, protagonista del escándalo Profumo). Inglaterra perdía la compostura. El rock y el sexo oscurecían a Buckingham y a los guardias de la reina. ¡Por qué todo esto! ¿A quiénes representaban los ‘ ‘Beatles» ?

Sin duda, a la enorme generación nacida durante la postguerra. Esa juventud proveniente de la clase obrera y de la pequeña burguesía, sin héroes, porque los antiguos héroes de sus padres ya se habían envejecido: algunas estrellas de cine, algunos espera en la ventana, usando el rostro que guarda en un frasco junto a la puerta».

Después de la primera gira por EE.UU. , los Beatles, ya no solo les gustaron a los adolescentes, también los intelectuales se interesaron por escucharlos y disfrutar de su música,…de esta manera su carrera comenzaba un ascenso casi sin límites en todo el mundo.

ESPLENDOR Y CAÍDA: Los años 60 entraban en su segunda mitad, los «Beatles» recién avanzaban hacia sus treintenas, pero el 29 de agosto de 1966 hicieron su última aparición en público en el Cow Palace de San Francisco. Claro que eso ellos no lo sabían, porque Brian Epstein, el hombre que ayudara a darles forma como un conjunto, había muerto por una sobredosis de barbitúricos en 1967.

John Lennon y Yoko Ono

No fue fácil. Lo dice Lennon: «El día que murió Brian nos desintegramos. Fue el colapso de los ‘Beatles’. Hicimos el álbum doble y «Abbey Road» y etcétera, pero los ‘Beatles‘ ya estaban muertos. Yo tuve una relación muy estrecha con Brian durante varios años. Tenía una fe ciega en su capacidad, y nunca habríamos logrado el éxito sin su ayuda.

Lennon se había casado en 1962 con Cynthia Powell con quien tenía un hijo, Julián. En 1969, se volvió a casar, esta vez la japonesa Yoko Ono. Fue ese mismo año cuando decidió divorciarse» de los «Beatles» y comenzar una nueva vida, dedicada a su familia.

Era 1980. Habían pasado ya muchos años, desde la marea incontenible de Liverpool. Después de cinco años desde el nacimiento de su segundo hijo, John Lennon volvía a salir a la faz pública con «Doble fantasía«. Pero no habría tiempo para volver a empezar porque el 8 de diciembre lo asesinó un demente en las calles de Nueva York.

Los Beatles, ya nunca mas  podrían volver a formar su grupo,….había llegado el fin.

Fuente Consultada: Hechos Sucesos Que estremecieron Al Siglo – Tomo N°9