Banda: Deep Purple

Grandes Bandas de Rock Argentinas Mejores Grupos de Rock Argentinos

Grandes Bandas de Rock Argentinas

• Banda Sui Generis

• Banda Seru Girán

• Banda Soda Stereo

• Banda Los Cadillac

• Banda Los Redonditos de Ricota

• Banda Los Auténticos Decadentes

• Banda Los Caballeros de la Quema

• Banda Los Abuelos de la Nada

UN POCO DE HISTORIA SOBRE ESA ETAPA
Orígenes del Rock:
Los años’60 y 70

Estos años se caracterizaron por importantes transformaciones en la familia nuclear, las relaciones entre padres e hijos y las relaciones de género. Los adolescentes de esta época expresaron la crisis de estas transformaciones por medio de la rebeldía y la euforia. Una de las maneras de expresar este estado de rebeldía fue el fenómeno de los movimientos musicales que se sucedieron en estos años.

El movimiento del rock que hoy conocemos se entroncó así con dos tendencias de esa época, que son algo contradictorias. Por un lado, con la idea de rebelión y protesta contra las instituciones tradicionales. En los orígenes del rock hay un conato de rebelión en contra de los roles familiares y las restricciones morales a las relaciones sexuales. A veces también existe una cierta ironía acerca del «estilo de vida burgués», que se definía por tener un trabajo estable en la oficina, una casa, un auto y una familia tipo.
Por ejemplo, Charly García y Mito Mestre decían en la canción «Aprendizaje«:

Aprendía ser formal y cortés
cortándome el pelo una vez al mes.
Y si me aplazó la formalidad,
es que nunca me gustó la sociedad.

El proyecto de vida burgués era considerado chato, mediocre y vacío por muchos integrantes de la generación de los ’60 y 70. Promovían la vida comunitaria, la sexualidad libre, la vuelta a la naturaleza viviendo en granjas y cultivando la tierra. También buscaban desarrollar nuevas formas de sensibilidad estética, exploraban las artes visuales, además de la música, y experimentaban con drogas como una manera de trascender los límites de los sentidos convencionales. Buscaban percibir el mundo a través de los efectos alucinógenos de diversas drogas.

La banda de los corazones solitarios del sargento Peppers
En agosto de 1962, los Beatles hicieron su primera presentación en público en su ciudad, Liverpool. Sus integrantes: John Lennon, Paul Me Cartney y George Harrison habían trabajado en clubes nocturnos de Inglaterra y Alemania desde mediados de los 50 hasta que el productor Brian Epstein los descubrió en 1961. Epstein les cambió el tipo de vestuario, reemplazó al baterista por Ringo Star y lanzó una gran campaña de promoción que en menos de un año los llevó a la fama mundial.

Las canciones del grupo, mayoritariamente de Lennon y Mc Cartney, se destacaron por su gran calidad musical y por sus diferentes estilos, que iban de la balada al rock and roll, pasando por el twist y la música sinfónica.

bandas de rock nacional


(Versión Flash)

 

Según la mayoría de los críticos musicales, La banda de los corazones solitarios del sargento Peppers (1967) es el mejor disco de los Beatles y uno de los mejores de la música contemporánea. Fue el primer «álbum conceptual», en el que todos los temas tenían relación entre sí. En él, el grupo incorporó música electrónica y una orquesta sinfónica.

La tapa del disco es una típica expresión del arte pop, en el que se emplearon técnicas como la fotografía, el collage y figuras de artefactos (como el televisor) y estatuillas baratas de «adorno». Allí aparecen, por ejemplo, los Beatles de cera que se encuentran en el Museo de Madame Tussot de Londres, junto con los auténticos, que lucen el uniforme de la banda. Aparecen además pensadores como Karl Marx; escritores como Edgar Alian Poe y Osear Wilde; actores como Charles Chaplin, Marylin Monroe y Marión Brando. A la derecha, sobre el sweater de una muñeca puede leerse «Bienvenidos los Rolling Stones», en referencia a la tradicional rivalidad con el grupo de Mick Jagger.
La fama de los Beatles no tenía fronteras y en todo e mundo su música influyó en los jóvenes que la hacían propia.
(ver la portada)

Hasta su separación, en 1970, el grupo apoyó los movimientos pacifistas y se opuso explícitamente a la guerra de Vietnam en sus declaraciones públicas y a través de canciones como «Dale una oportunidad a la paz».

GOBIERNOS MILITARES EN ARGENTINA: En Argentina hubo entre 1930 y 1983 varios golpes militares. El último de ellos, y el más sangriento, comenzó en 1976. Este último golpe fue el resultado de un conflicto profundo en nuestra sociedad que se desarrolló fundamentalmente a partir de la proscripción del peronismo en 1955. En este conflicto se dirimían los intereses de las clases obreras y de los sectores dominantes de la sociedad. En nuestro país, muchas veces la rebelión política y la rebelión estética y moral fueron simultáneas. Entonces también se unieron las formas de resistencia a estos cambios. Por ejemplo, usar el pelo largo y barba era sinónimo de adherir a una ideología revolucionaria. Por eso era frecuente que la policía arrestara y rapara a un joven que caminaba por la calle simplemente por el largo de su cabellera y por no afeitarse. El golpe militar que ocurrió en nuestro país en 1976 se relaciona con los conflictos políticos. Sin embargo, atacó también, y de una manera inusitada, muchos de los componentes estéticos y éticos de la cultura juvenil de esa época. Esto se debió a la asociación entre los ideales políticos del peronismo, el comunismo y la estética de los hipples. Por su parte los militares, por su propia formación, tenían una particular aversión al pelo largo, los pantalones vaqueros, la música rock y la vida bohemia de los jóvenes rebeldes.

LOS JÓVENES EN ARGENTINA: En nuestra región, muchos jóvenes aprovecharon los movimientos juveniles revolucionarios para expresar su rebeldía en contra de la sociedad burguesa a la que consideraban injusta. Cuando buscamos explicaciones para estas actitudes advertimos que tanto los hippies como los revolucionarios rechazan a la sociedad burguesa, pero mientras los primeros eran pacifistas, los segundos confiaban en lograr cambios mediante la fuerza de las armas.

Así fue como en los años ’60 y ’70 los jóvenes se volcaron masivamente a la participación política. Por ejemplo, proliferaron los centros de estudiantes en las escuelas secundarias y en las universidades.

Algunos jóvenes adherían a los ideales peronistas y buscaban propiciar el regreso de Perón al país y levantar la prohibición de su partido. Otros jóvenes, más inspirados en la gesta del Che Guevara, trataban de reproducir su movimiento en nuestro país. Todos estos procesos hicieron que el espíritu contestatario de los jóvenes se canalizara como una activa protesta política, que se mezclaba con la rebeldía cultural y estética que predominaba en Europa y los Estados Unidos.

Así, en la Argentina y en muchas otras partes de América latina, se crearon movimientos que resultaban de la fusión o mezcla de las diversas formas de protesta. Es decir, que la manera de «ser joven» en esos años usualmente surgía de una intrincada combinación de todas estas posiciones políticas, de la adhesión a nuevos códigos morales, y de la sensibilidad artística y musical. Por ejemplo, la moda de usar el pelo largo y la tendencia a expresar los ideales en canciones.

La ruptura con el modelo de familia nuclear, estable y con autoridad paternal, también fue cuestionada por toda esta generación, indistintamente de sus diferencias en relación con la lucha armada. La ruptura con mandatos morales que prohibían el ejercicio de la sexualidad hasta el matrimonio o discriminaban por las preferencias sexuales (homosexualidad) también resulta de las convicciones comunes de toda esta generación.

Pero es importante indicar que, más allá de estas coincidencias, existieron algunas diferencias entre los grupos juveniles. Algunos de estos movimientos se manifestaron, fundamentalmente, entre los sectores de la clase media universitaria, mientras otros involucraron más a sectores de clase obrera. En nuestro país, los grupos revolucionarios cercanos a la figura del Che Guevara convocaron a jóvenes estudiantes universitarios. El peronismo también convocó a jóvenes de estos sectores e involucró además a los obreros.

Lo mismo puede decirse de la estética rebelde de los movimientos musicales. Éstos fueron más aceptados entre los jóvenes de clase media urbana que en otros sectores de la sociedad. Claro que si bien esto fue así en los orígenes, con el tiempo, particularmente el rock argentino, convocó a más y más sectores de la sociedad, como por ejemplo el caso del Rock Chabón en los ’80 y ’90. Este género expresa la estética de los sectores de clase media baja y clases populares. Se vincula especialmente con la experiencia de jóvenes que viven en los bordes de la marginalidad, que no están tan claramente incluidos en los grupos más tradicionales como lo estuvo, por ejemplo, el grupo Sui Generis. Ejemplos de este género son La Renga y la controvertida banda Callejeros.

El efecto de las innovaciones de los jóvenes durante los años ’60 aún hoy influye en las prácticas de los jóvenes actuales. Que hoy a nadie le llame la atención que un varón use el pelo largo o que la juventud se identifique con ciertos estilos musicales, incluso con ciertas formas de consumir música —como ir a recitales callejeros—, es en gran medida el resultado de los cambios que introdujeron los jóvenes de los ’60.

La participación política en nuestras universidades (un fenómeno que no es común en muchas otras partes del mundo), y la adhesión a partidos políticos que ya no tienen consenso en algunas universidades y facultades el resultado de las tradiciones que se inauguraron en los años ’60.

Hacia fines de 1977, gran parte de los conjuntos de rock se disolvieron. Los principales músicos eligieron el camino del exilio. El movimiento de rock pareció apagarse entonces entre la música-disco, la moda «Travolta», el «chetismo» y el clima de algarabía y patrioterismo que inundaba al país «Campeón del Mundo».

Desde 1979 se operó una resurrección del rock nacional con el retorno de sus líderes históricos. Adquirió además, una función extra musical pues se constituyó en uno de los ámbitos privilegiados de oposición al régimen militar. Los contenidos de las canciones se volvieron más cuestionadores como en Canción de Alicia en el país, Inconsciente colectivo o José Mercado.

En los recitales, aparecieron cánticos contra el gobierno: «¡el que no salta es un militar!» y desde 1981, «¡Se va a acabar, se va a acabar, la dictadura militar!» Cuando estalló la guerra de Malvinas, el movimiento de rock organizó el «Festival de la Solidaridad Latinoamericana». Se realizó en el estadio del club Obras Sanitarias de la Nación, de Buenos Aires, el 16 de mayo de 1982, con el doble propósito de ratificar su voluntad de paz y prestar algún tipo de ayuda material a los soldados.

He aquí un testimonio de ese festival que se transformó en el festival de la paz:
«Cuando León [Gieco] comienza a hacer sonar la armónica se produce un silencio muy especial en el estadio, es un silencio agazapado, deseoso. Y efectivamente sale la canción tan esperada que setenta mil gargantas se ponen a cantar… Sólo le pido a Dios…»

Fuente Consultada: AS Adolescencia y Salud Polimodal – Educación Secundaria Superior – Gagliardi-Martiñá-Míguez

Ver: Rock Internacional The Doors

Ver: Historia de The Pink Floyd

Gobierno Socialista de Brezhnev Leonidas Resumen de su Biografia

Biografía y Gobierno Socialista de Leonidas Brézhnev 

Datos Biográficos de Leonid Ilich Brézhnev nació el 19 de diciembre de 1906 en Kámenskoie, una pequeña ciudad industrial a orillas del Dniéper. Su padre, Iliá, era un inmigrante de la región de Kursk que se había establecido en Kámenskoie para trabajar en la «factoría del Dniéper», nombre que se daba a una fábrica metalúrgica propiedad de capitales polacos, franceses y belgas. Natalia, la madre, era a su vez hija de otro operario de la empresa.

Brézhnev sentía un particular orgullo por este origen obrero, y en su libro Recuerdos se autodefine como «un metalúrgico de pura cepa, un auténtico proletario.» Testigo inquieto y sufriente de los graves acontecimientos que sacudieron a Rusia durante la segunda década del siglo (primera guerra mundial, revolución de octubre), aunque extremadamente joven como para tener una participación directa e importante en ellos, el primogénito de la familia Brézhnev fue un brillante estudiante y un profundo conocedor de la grave situación que vivía su región y de los problemas de sus vecinos y amigos.

Especializado en temas agrarios, al tiempo que desarrollaba una intensa carrera política, este ucraniano de espesas cejas, de apariencia adusta pero enormemente divertido en sus momentos de esparcimiento, terminó por convertirse en uno de los hombres más poderosos de la Tierra y, después de Stalin, en el que más tiempo ha tenido entre sus manos el gobierno de una potencia como la U.R.S.S.

Leonid Ilich creció en el callejón Axionov del barrio obrero de Kámenskoie, llamado «Colonia baja», donde el humo de las fábricas se extendía sobre el arrabal. A los obreros les estaba prohibido el acceso a la «Colonia alta» que habitaban los ingenieros y contramaestres. Durante su infancia empezaron a aparecer los primeros panfletos bolcheviques convocando a los obreros a la insurrección contra las precarias condiciones de vida a las que estaban sometidos.

La era de Brezhnev. El nuevo gobierno, dirigido desde 1964 por Leonid Brezhnev en su calidad de secretario general del Partido Comunista, dio un cambio de giro en política interna volviendo a restringir la libertad en vista del fracaso experimentado por el gobierno anterior en sus intentos de democratización social.

En este contexto se encuentra la nueva política hacia los países satélites de Europa central y oriental, conocida como Doctrina Brezhnev o “Doctrina de soberanía limitada”, vigente hasta mediados de la década de 1980.

Sin embargo, en política exterior, Brezhnev anunció el propósito de continuar la coexistencia pacífica con Occidente y restaurar la unidad comunista que se había roto con China en tiempos de Kruschev.

Las primeras medidas adoptadas por el nuevo gobierno dieron como resultado algunas mejoras económicas en conjunto, pero no se logró aliviar la situación de la agricultura, sector que en 1972 entró en una nueva crisis, más grave todavía que la de 1963, y obligó a las autoridades a realizar importaciones de alimentos cada vez más cuantiosas y más perjudiciales para la economía soviética.

Por otra parte, la aceleración desmedida de la industrialización provocó el efecto contrario del estancamiento de la industria ligera, al grado que resultaba imposible satisfacer el consumo de la creciente población.

Leonid Brezhnev

Se hacía evidente entonces que la economía soviética estaba muy lejos de alcanzar, y mucho menos superar, la de Estados Unidos como Kruschev había prometido años atrás, sino por el contrario, acentuaba aún más su retraso.

Esta tendencia persistía a pesar de la crisis económica que experimentaron los países del bloque occidental en la década de 1970; así pues, lejos de avanzar hacia el comunismo, es decir, hacia la igualdad de clases, en la sociedad soviética se acentuaban las desigualdades.

Otra característica de la URSS en este periodo fue el inmovilismo del sistema, manifiesto en la escasa renovación de los cargos, de modo que se fue produciendo un progresivo envejecimiento de la clase política. Brezhnev se propuso fortalecer el sistema y dotar a la burocracia —la llamada nomenklatura—, integrada por unos dos millones de personas, de una mayor estabilidad para mejorar su prestigio.

En la Constitución creada en 1977, se fortaleció el papel centralizador del Partido Comunista, y se dio una mayor concentración del poder en los altos dirigentes del Estado.

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AMPLIACIÓN SOBRE LA HISTORIA DE SU BIOGRAFÍA Y  GOBIERNO: En octubre de 1964 el pleno del comité central del P.C.U.S. relevó a Nikita Kruschev de sus funciones y eligió a Leonid Brézhnev nuevo primer secretario.

En el momento de su ascenso a la cumbre del poder soviético, Brézhnev se vio flanqueado por Alexéi Kosiguin que fue nombrado jefe del gobierno de la nación. Aunque las diferencias entre el antiguo primer secretario y sus sucesores fueron más de estilo que de esencia, los nuevos líderes soviéticos impulsaron cambios importantes sobre todo en cuestiones económicas.

Disminuyeron las restricciones a las granjas privadas, aumentaron las ganancias de los agricultores y acabaron con la división entre trabajadores industriales y trabajadores agrícolas dentro del partido. Como consecuencia de todo esto subieron los salarios, mejoraron las medidas de bienestar social y los bienes de consumo se hicieron más asequibles.

En las cuestiones culturales se verificó un giro hacia posturas más conservadoras y los intelectuales rusos fueron advertidos de que cualquier desviación de los principios que alentaron la Revolución de Octubre sería duramente reprimida. A principios de 1966 fueron condenados a largas penas de prisión los escritores contestatarios Andréi Siniavsky y Yuri Daniel, comenzando así una larga batalla por la libertad de expresión en la U.R.S.S. que tuvo su mayor eco internacional con la expulsión del premio Nobel A. Solzhenitsin en 1974.

Su política exterior estuvo orientada hacia la aplicación de la doctrina de la «soberanía limitada» con respecto a los demás países socialistas, extendiendo el concepto de «internacionalismo proletario» hasta la misma intervención militar cuando se creía advertir una violación de los principos mar-xistas-leninistas y cuando se corría el riesgo de que uno de estos países escapara a la influencia soviética.

Nikolái Podgorny ascendió en diciembre de 1965 al cargo de presidente del presidium del soviet supremo, formando con Brézhnev y Kosiguin la «troika» que dirigió los destinos del país durante más de una década.

Durante el desarrollo del XXIII congreso del P.C.U.S., Leonid Brézhnev fue por primera vez denominado «secretario general», título que hasta el momento sólo había recibido Stalin.

En diciembre, celebró su sesenta aniversario con gran solemnidad, rodeado por sus más fieles colaboradores entre los que cabe señalar a Andréi Gromiko, ministro de exteriores, a Yuri Andrópov, jefe de la K.G.B., al mariscal Gretchko, ministro de defensa y a Konstantín Chernenko, su antiguo camarada de armas, que ocupaba el ministerio de la presidencia.

Tras la «guerra de los seis días» que enfrentó a Israel con los países árabes aliados de la U.R.S.S., el año 1968 estuvo dominado por la crisis de antisemitismo en Polonia y por la «primavera de Praga» que concluyó el 20 de agosto con la invasión de la capital checa por las tropas de los países del pacto de Varsovia, excepto Rumania.

El mes anterior Brézhnev había advertido al dirigente húngaro, J. Kádar que «la U.R.S.S. no podía permanecer indiferente a la construcción del socialismo en los demás países.».

Junto a esta aplicación estricta del principio de la «soberanía limitada», el primer mandatario soviético extendió su política de distensión con las potencias occidentales al firmar los acuerdos de Helsinki, establecer las negociaciones preliminares para la limitación de armas estratégicas (S.A.L.T.) y estrechar las relaciones con el gobierno alemán federal de Willy Brandt.

Pero al mismo tiempo que se abrían vías de comunicación con Occidente, su política interior tenía un claro carácter continuista. En el centenario del nacimiento de Lenin, celebrado en la plaza Roja, Brézhnev recordó las dificultades económicas que padecía el país y convocó a la militancia a defender la ortodoxia comunista.

Por otra parte, el Leonid Brézhnev que a principios de los años sesenta buscaba afianzar su autoridad había dejado paso a un Brézhnev completamente al mando de la situación, que redujo o eliminó a todos sus opositores dentro del «aparato» y que delegaba en Kosiguin la recepción de autoridades extranjeras y en sus subordinados del comité central las relaciones con las instituciones de la U.R.S.S.

En octubre de 1970, Richard Nixon anunció desde la tribuna de la O.N.U. que el futuro del planeta dependía de las relaciones entre las dos superpotencias y en noviembre Washington confirmó que se había logrado un acuerdo tácito con Moscú para la utilización de la base militar de Cienfuegos, en el Antartico. Sin embargo, tanto estos acuerdos como los de cooperación espacial y para la pesca en el Pacífico no evitaron las tensiones a uno y otro lado del muro de Berlín, ni la ruptura de las negociaciones para el desarme en enero de 1971, en Nueva York, por la intervención de extremistas judíos.

Las conversaciones sobre la limitación de armas estratégicas se reemprendieron durante el mes de julio, y Washington y Moscú sustituyeron el «teléfono rojo» que les relacionaba hasta entonces por un sofisticado sistema de comunicación vía satélite para evitar los riesgos de una guerra nuclear.

Mientras, en el frente interno, se celebró el XXIV congreso del P.C.U.S., con un año de retraso a causa de las diferencias entre reformistas y centralizadores en lo referente a la manera de abordar los problemas económicos que atravesaba el país. La crisis estalló en noviembre cuando se produjo la entrada en el buró político de Y. Andrópov y A. Gromiko sustituyendo a los «dogmáticos» Vóronov y Chelest.

El momento álgido de la distensión Este-Oeste se produjo en mayo de 1972, cuando el presidente estadounidense Richard Nixon visitó oficialmente Moscú y, tras una semana de reuniones al más alto nivel, se emitió una declaración conjunta que incluía los «doce puntos básicos de las relaciones bilaterales». Fruto de estos acuerdos llegaron las primeras reuniones para tratar temas comerciales entre delegaciones de los dos países. En 1973, en pleno escándalo Watergate, Brézhnev devolvió la visita a Nixon.

Con el sucesor de Nixon, Gerald Ford, las dos superpotencias intentaron mantener el clima de entendimiento con la firma, en noviembre de 1974, en Vladivostok, de un acuerdo de limitación de armas estratégicas ultimado durante la visita del secretario de estado H. Kissinger a Moscú en el mes de marzo. Pero las relaciones se enfriaron tras la derrota estadounidense en la guerra del Vietnam y las transacciones comerciales se vieron interrumpidas por la intervención del congreso de E.U.A. en contra de las restricciones impuestas por la U.R.S.S. a la emigración de ciudadanos judíos.

Ni siquiera la firma, en julio de 1975, del acta final de la conferencia sobre la seguridad y la cooperación en Europa celebrada en Helsinki consiguió mejorar sustancialmente las relaciones entre ambos bloques y recuperar el clima de los años anteriores. Junto a los acuerdos de principios que nunca fueron llevados a la práctica, Brézhnev consiguió ver ratificada la anexión de vastos territorios ocupados por la U.R.S.S. durante la segunda guerra mundial.

El incumplimiento de las cláusulas del acta de Helsinki relativas a los derechos humanos contribuyó a empeorar las relaciones entre los dos países. Ante las acusaciones de Cárter sobre la represión de la disidencia, Brézhnev respondió que «las pretensiones de Washington de enseñar a vivir a otros países no pueden ser toleradas por ningún estado soberano.»

En mayo de 1976, Leonid Brézhnev fue promovido a mariscal de la Unión Soviética y le fue dedicado un busto en su ciudad natal. Poco después sufrió un infarto que estuvo a punto de costarle la vida.

En el pleno del comité central del P.C.U.S. de mayo de 1977 se inició la concentración de poderes en las manos de Brézhnev. Nikolái Podgorny fue excluido del buró político y, pocos días después, se presentó en el parlamento soviético un proyecto de reforma constitucional destinado a sustituir la constitución promulgada por Stalin en 1936. Desde ese momento, Leonid Brézhnev reunió en su persona las jefaturas del partido y del estado.

Si la práctica totalidad de su mandato se vio marcada de forma especial por los logros alcanzados en el terreno político internacional, la última parte de la era Brézhnev se caracterizó por los problemas de la U.R.S.S. con algunos países próximos. La crisis de Polonia que provocó una intervención casi directa de la U.R.S.S. en la reorientación política del país y la invasión de Afganistán, hipotecaron muchos de los logros que se habían alcanzado en el terreno de la distensión.

Aparte del extraordinario papel político jugado por Brézhnev, cabe destacar también su faceta literaria que le llevó a publicar varios libros, entre ellos Pequeña tierra, sobre la batalla de Novorossiisk, Recuerdos, un libro autobiográfico, y En las tierras vírgenes, sobre sus experiencias agrarias en el Kazajstán.

Entre las aficiones de Brézhnev, se sitúan en un lugar preferente los coches lujosos. También se dijo que prefería los westerns a las representaciones del ballet Bolchoi. Gran fumador, nunca dejó los cigarrillos americanos aun después de su infarto de 1976. Bebedor empedernido y mujeriego incorregible pero profundamente ligado a su familia, Henry Kissinger dijo de él que representaba mejor que nadie al pueblo ruso.

Después de 18 años de liderazgo al frente de la U.R.S.S., falleció de forma inesperada el 11 de noviembre de 1982, sucediéndole en el cargo Yuri Andrópov.

Fuente Consultada:
El Gran Libro del Siglo XX de Clarín – El Mundo Moderno y Contemporáneo de Gloria Delgado

Biografía de Braille Louis Sistema Braille de Lectura Para Ciegos

Biografía de Braille Louis – Sistema Braille 

En aquel húmedo dormitorio parisino, en 1823, nada hacía presagiar la grandeza de su logro. Louis solamente sabía que era preciso encontrar alguna forma para que él y las demás personas ciegas pudieran leer con facilidad -así como es de sencillo para los videntes hacerlo y también escribir al igual que ellos- para compartir el vasto conocimiento del mundo y tomar parte en el engrandecimiento cultural.

BREVE FICHA BIOGRAFIA

• Nació el 4 de enero de 1809, en Coupvray (Francia).

• A los tres años tuvo un accidente que lo dejó ciego.

• En 1819, luego de obtener una beca de estudios, se trasladó a París.

• Ingresó entonces en una de las primeras escuelas del mundo para no videntes, que se había abierto en esa ciudad. Allí se destacó en sus estudios y desarrolló un talento especial para la música.

• Se destacó como intérprete de órgano y violonchelo.

• Desde 1828 se desempeñó como profesor del Instituto Nacional para Jóvenes Ciegos, donde había estudiado.

• En el instituto, Braille conoció a Charles Barbier y se interesó en su invento de «escritura nocturna», que estudió, reformó y perfeccionó hasta convertirlo en el que iba a ser el sistema universal de lectura para los afectados de ceguera.

El sistema Bralie: Entre 1829 y 1837, publicó el primer tratado sobre su sistema, escrito en braille, «Gramática de las gramáticas», y presentó su obra «Método para escribir palabras, música y canciones naturales, utilizando puntos en relieve, para el uso de los ciegos y acomodados po ellos mismos».

• Murió en París, a los 43 años, debido a una tuberculosis pulmonar.

•  Su sistema de escritura y lectura fue adoptado oficialmente en 1854, dos años después de su muerte.

CURIOSIDAD: Entre 1819 y 1821, Charles Barbier de la Serré, Capitán de la Armada francesa, ideó un sistema oaxa que los soldados pudieran escribir y leer en la oscuridad con el propósito de transmitir mensajes sin delatar sus posiciones al enemigo.

Lo llamó «escritura nocturna» y lo publicó en 1829, pero no resultó exitoso para uso militar. Su autor loreadaptó y lo presentó en 1837 en el Instituto Nacional para Jóvenes Ciegos, con la esperanza de que fuera usado en la enseñanza de la escritura y la lectura entre los alumnos.

«El sistema Braille es un sistema dé puntos en relieve, grabados en papel a mano o a máquina, para ser leídos al tacto. «

BIOGRAFIA DE BRAILE LOUIS

El hijo del talabartero de Coupvray: Louis nació el 4 de enero de 1809 en la aldea de Coupvray, cuarenta kilómetros al este de París. Louis Braille no siempre fue invidente.

Los tres primeros años de su vida gozó de su vista; inundaba la casa paterna con sus exploraciones y la curiosidad propia de un niño rodeado del amor y la atención de su familia.

Era motivo de regocijo para su hermano y hermanas: Louis-Simon, de diecisiete años, que se sentía ya un hombre, Catherine-Joséphine, de diecinueve, y Marie Céline, de catorce años de edad.

El menor de la familia, el pequeño Louis, poseía mucha energía y curiosidad acerca de su reducido mundo; ¡vivía lleno de alegría y ansioso por saberlo todo!

Louis trajo a su padre y a su madre un rayo de luz, pues llegaba a la vida cuando su madre, Monique, cumplía cuarenta y un años y su padre, Simón-René cuarenta y cuatro.

El día del nacimiento de Louis, Simón-René declaró con orgullo que el chico sería su apoyo y compañía en la vejez. Su padre era talabartero fabricante de arneses de la aldea.

El suyo era un oficio calificado de gran demanda en aquellos tiempos en que el transporte era principalmente a caballo.

No existen registros exactos de como Louis quedó ciego, ni siquiera la fecha exacta de este suceso, que se supone fue en 1812.

La historia fue armada en base a relatos de diversas personas allegadas a la familia, y  cuentan que se escuchó un grito desde el taller de trabajo, y cuando acudieron a socorrerlo lo vieron llorando con la cara bañada en sangre, producto de un corte con una herramienta punzante que el padre utilizaba para su tarea.

Los padres hicieron todo lo que pudieron e intentaron curas de todo tipo, pero pensemos que por aquella época la medicina aun no conocía las causas de las infecciones.

El ojo del niño día a día a empeoraba, inflamándose y tomando una apariencia de golpeado, inclusive invadiendo el otro ojo, por lo que al poco tiempo el pequeño pedió la visión total.

Durante esa época Napoleón había sido derrotado y los grandes ejércitos aliados, como rusos y austriacos entraron a Couprvay exigiendo atención en alimentos y caballos, reses y vagones para los soldados.

La familia de Louis atendió a sesenta y cuatros soldados durante los dos años que duró la ocupación. Louis cumplió los siete años de edad.

Los libros de Haüy para invidentes

Valentin Haüy (imagen), fundador de la escuela, desarrolló una técnica para imprimir libros destinados a los ciegos.

Un papel grueso era prensado por tipos especiales de plomo, para hacer letras en relieve; es decir, letras que se elevaban de la superficie de la página, y que podían sentirse al contacto con los dedos.

No tenían muchos de estos libros en la escuela, pues era bastante dispendiosa su producción.

Cada letra se debía colocar individualmente en su posición, cada pieza de papel humedecido se colocaba en la prensa y se imprimía.

Tomaba varias semanas hacer copias de una sola página; por esta razón, no es sorprendente el hecho de que en muchos años, Valentin Haüy hubiera producido solamente unos cuantos libros y folletos.

Los libros eran grandes e incómodos; cada página estaba compuesta de dos piezas de papel, pegadas de manera que las letras en relieve se enfrentaran por su cara externa.

Tenían varios textos religiosos y algunas, gramáticas en diferentes lenguas: una colección bastante singular, para ser la biblioteca básica de sesenta niños alumnos de la institución Real para Niños Ciegos.

Pero a pesar de todo, ¡eran libros!

Louis tuvo que admitir que, luego de la excitación ocasionada por la sensación inicial de tocar con sus dedos aquellas letras en relieve, siguió un sentimiento de frustración.

Leer resultaba algo demasiado lento. Se debía seguir cada letra con los dedos, y luego era necesario tenerla presente mientras se pasaba a la siguiente, y recordarlas todas en secuencia hasta que los dedos recorrían la palabra entera.

Era muy fácil olvidar las primeras letras cuando ya se llegaba al final de la palabra. Y aunque Louis progresaba considerablemente, era difícil apreciar las formas de las letras.

Valentin Haüy fue uno de los pocos hombres de la época que se conmovió frente a las penurias que pasaban los ciegos y como eran objeto de burlas, como cuando por ejemplo una multitud abucheaba a un grupo de no vidente que disfrazados con orejas de burro y grandes anteojos ejecutaban una melodía en una feria. La suposición de que los ciegos eran estúpidos e inservible estaba fuertemente arraigada en la sociedad y no era nada fácil convencerlos de que tenían un gran potencial humano para integrarlos laboralmente.

Los Primeros Pasos Hacia el Alfabeto Braille: El capitán de artillería del ejército de Luis XVIII, llamado Charles Barbier , abordó al Dr. Pignier ,nuevo director de la escuela de Louis, para presentarle un sistema de escritura usando solamente rayas y puntos en relieve. Su aplicación seria para el envío de órdenes en la oscuridad entre los soldados, por lo que se llamaba «escritura nocturna».

El sistema no usaban letras individuales para armar el mensaje, sino que transmitía sonidos completos y se lo conocía como: sonografía. El uso de puntos y rayas era muy novedoso, por lo que el director aceptó que los alumnos lo probasen un tiempo para conocer los resultados, que inicialmente tuvo mucha aceptación y gran parte de los muchachos estaban sumamente conformes con el uso de este nuevo método le lectura, pero al poco tiempo debieron reconocer que tenia limitaciones que debían superar de alguna manera.

Por ejemplo este sistema no permitía colocar comas, puntos y comas o signo de puntuación, que es una parte esencial del idioma francés. Tampoco se podía representar los números y menos aun hacer operaciones matemáticas, igual ocurría para la música.

Louis con solo 13 años, interpretó rápidamente los importante de este método, pero intentó solucionar estos inconvenientes con el capitán Barbier, quien rechazó toda sugerencia pues para que los ciegos querían algo tan sofisticado, si su método funcionaba «a la perfección» para la comunicación que los no videntes necesitaban.

El pequeño desistió de intentar convencerlo, pero se puso con todas sus energías a trabajar en los ratos libres todos los días posibles. Para comenzar debía eliminar el número de puntos , de manera que se pudiera sentir al instante cada símbolo de la yema de los dedos. También era necesario eliminar cualquier grupo de puntos o rayas que pudieran confundirse con otro, pues cada conjunto de rayas y puntos debía ser absolutamente diferente de cualquier otro.

Louis trabajó sin pausa y con empeño hasta que llegó el día que consideró que su alfabeto estaba listo para ser probado. Había encontrado la manera de formar todas las letras del alfabeto, los acentos, signos de puntuación y signos matemáticos, utilizando simplemente la combinación de seis puntos y algunas pequeñas rayas horizontales. Además el grupo de puntos eran tan pequeño que no hacia falta mover el dedo para interpretarlo, es decir se lo podía determinar de un solo tacto.

Sólo seis puntos y el brillante muchacho encontró la forma de combinarlos de sesenta y tres maneras. Era algo verdaderamente extraordinario! Louis le comentó, muy seriamente, que aún quedaban unos pequeños detalles por resolver. Sin dudarlo, el director felicitó al joven alumno y lo exhortó a continuar sus experimentos.

Tomó poco tiempo a los demás estudiantes aprender el sistema inventado por Louis y les evitó el tipo de frustraciones que experimentaron con los puntos del Capitán Barbier. El doctor Pignier, impresionado por el tremendo entusiasmo de sus estudiantes y por la increíble velocidad de su progreso, adaptó las reglas de Barbier a los puntos del nuevo sistema.

Dividieron en dos más pequeñas las grandes “ventanas” del gancho corredizo, de manera que cada ventana permitía únicamente la colocación de seis puntos dentro de ella. Por primera vez, los invidentes podían escribir, tomar notas, copiar sus pasajes preferidos, llevar diarios, escribir historias, todas las cosas que una persona que tiene visión da por hechas y que hasta ese momento habían permanecido fuera de su alcance. Sin lugar a dudas, nacía una nueva época para los invidentes.

Ya en 1847, los nuevos métodos de impresión adaptados al Braille fueron probados en la escuela. En todas las esferas de la enseñanza, el Braille comenzaba a desplegar sus cualidades; tales eran los logros que sus usuarios obtenían con él.

Últimos años de Louis
Alrededor de 1850, Louis sintió que las fuerzas le abandonaban definitivamente. Solicitó su retiro de la enseñanza. En su lugar, el director le ofreció que permaneciera en la Institución, y que eventualmente dictara algunas clases de piano. En diciembre de 1851, Louis estaba muriendo. No cumplía aún los cuarenta y tres años de edad. Coltat nos cuenta que tuvo una severa hemorragia interna la noche del 4 de diciembre.

Louis Braille agonizaba mientras en las calles de París se alzaban barricadas y se luchaba en los bulevares. Una hemorragia interna mayor le confinó en cama el poco tiempo de vida que le quedaba. De la misma forma tranquila, metódica y reflexiva en la que condujo su vida, así mismo puso sus asuntos en orden, dispuso que su madre recibiera un ingreso mensual proveniente de sus ahorros, y que sus sobrinos recibieran el resto de su propiedad. Las pertenencias que guardaba en la Institución, las legó a Coltat, quien las distribuyó entre los alumnos de Louis, a manera de recordatorios.

Louis murió el 6 de enero de 1852, dos días después de cumplir cuarenta y tres años. No solamente le amaron y extrañaron quienes le conocían bien y recibieron los beneficios de su naturaleza honesta, cariñosa e inteligente, sino también muchos otros a quienes influenciara este maestro amable y cariñoso. Louis fue enterrado en Coupvray. Su cuerpo regresó por la misma ruta que tomara treinta y dos años antes cuando hizo su primer viaje a la Institución en la que realizaría la obra de su vida.

Pero el reconocimiento al trabajo de Louis Braille aún estaba por llegar. Durante las tres décadas siguientes, su nombre alcanzó fama mundial, como el mayor benefactor de los invidentes, el hombre cuyo trabajo marcaría el sendero por el cual millones de no videntes entrarían en una nueva vida , pues podrían leer y escribir, comunicarse, aprender y crear y ocupar su sitio en la sociedad como seres humanos con educación y cultura.

Biografia y obra científica de Robert Boyle Leyes y Experimentos

Biografía y Obra Científica de Robert Boyle 

Revolución Cientifica, Robert Boyle

Los experimentos de Boyle: ROBERT BOYLE (1627-1691),nació en Limore, Munster, Irlanda, en 1627, el menor de catorce hijos del conde de Cork, pero de la segunda esposa del conde, de una posición económica muy buena lo que le permitió acceder a los conocimientos científicos de esa época.

En realidad tuvo una educación truncada, pero su mente siempre la mantuvo bien despierta por su pasión por la ciencia.

En colaboración de Robert Hooke, concluyó que en los gases el volumen, la presión y la temperatura estaban vinculados muy estrictamente.

Boyle se dedicó a la física y la química, mostrando particular interés en las propiedades físicas de la atmósfera.

Como decíamos antes , con la colaboración de su ayudante Robert Hook, un joven con conocimientos técnicos y capacidad suficiente para convertir las ideas de Boyle en modelos prácticos, perfeccionó la bomba de aire de Von Guericke que extraía aire de un cilindro.

La máquina de Boyle podía sacar aire de cualquier recipiente al que fuera conectada. Con su bomba Boyle realizó muchos experimentos con el objeto de determinar las propiedades físicas de la atmósfera.

Demostró que el aire transmitía el sonido.

De muy joven viajó (1641) estuvo en Florencia, y se interesó por los trabajo del recién fallecido Galilei. Pasado tres años cuando volvió a Inglaterra, donde se reunía asiduamente con grupos de científicos, quien mas tarde formarían la Real Sociedad, institución que goza de la mejor reputación científica mundial.

 Robert Boyle (imagen arriba) (Lismore, 25 de enero de 1627 – Londres, 30 de diciembre de 1691)

Químico y físico irlandés, hijo del primer conde de Cork y séptimo varón de un total de 14 hijos. De muy joven, va a estudiar a Eton. Su intención es ingresar en la Iglesia, pero debe renunciar a ello a causa de su precario estado de salud.

De Eton viaja por Europa durante seis años, a la vuelta de los cuales ha heredado el señorío de Stelbridge, en el que se establece.

Fue uno de los primeros en conceder credulidad a las transformaciones propugnadas por los alquimistas. No en vano sus aficiones teológicas derivaron hacia una gran atención para con lo oculto. Funda el «Colegio Invisible», que perderá su carácter esotérico para convertirse en la «Royal Society» (1645).

Algunos historiadores británicos se han referido a Boyle como «el padre de la química», pero eso es llevar el orgullo nacional demasiado lejos. (Dadone el trabajo en equipo que suponen los descubrimientos científicos, es dudoso que nadie deba llamarse «el padre» de nada. Pero si a alguien le pertenece el título de «padre de la química» es al francés Lavoisier, que vivió un siglo después.)

Boyle no creó la química moderna, lo que hizo fue liberar a la química de parte del peso muerto que arrastraba del pasado y aclarar el camino para lo que llegaría después, sentando el principio de que los hechos químicos deben ser establecidos mediante experimentos, no por simples especulaciones de salón.

Los experimentos de Boyle, que llevó a cabo con la ayuda de ayudantes a sueldo, fueron muchos y variados.

Usando la bomba de aire recientemente inventada, fue el primero en demostrar la aseveración de Galileo de que, en el vacío, una pluma y un trozo de plomo caen a la misma velocidad, y también estableció que el sonido no se transmite en el vacío.

Su descubrimiento más importante gracias a la bomba de aire fue el principio (aún conocido corno Ley de Boyle en los países de habla inglesa) de que el volumen ocupado por un gas es inversamente proporcional a la presión con la que este gas se comprime.

Es decir, que si se dobla la presión, el volumen se divide por dos, y así sucesivamente; y también que, si se elimina la presión, el aire «recupera» (su propia palabra) su volumen original.

Habiendo establecido que el aire era comprimible, Boyle se convenció de que éste estaba compuesto de pequeñas partículas separadas por espacio vacío.

Todas estas ideas se publicaron en un libro con un título muy largo, que suele llamarse La elasticidad del aire y que jugó un papel significativo para establecer la idea de la naturaleza atómica de la materia.

El libro más importante de Boyle, El químico escéptico, se publicó en 1661, y al año siguiente Boyle se convirtió en miembro fundador de la Royal Society. Fue en este libro donde apuntó la idea de que todas las sustancias podían ser divididas en ácidos, álcalis o neutros mediante el uso de lo que llamamos indicadores.

Aunque sus experiencias se desarrollaron dentro de un gran campo, tanto de la Física como de la Química, se centraron fundamentalmente en el aire, para lo que fue clave la máquina neumática ideada por Otto von Guericke. En estos experimentos contó con la colaboración de otro gran físico: R. Hooke.

Elementos químicos: Quizá la contribución más significativa de Boyle al desarrollo de lo que más tarde sería la ciencia química fue su concepto del elemento químico. La propia palabra no era nueva.

Los griegos, siguiendo al filósofo Empédocles, la utilizaban para describir lo que consideraban las cuatro sustancias fundamentales del universo: la tierra, el aire, el fuego y el agua.

Aunque estos elementos no contenían un concepto científico en el sentido moderno, sino que eran más bien esencias místicas incluidas en toda materia viviente y no viviente, y que formaron la base del pensamiento humano sobre los procesos naturales durante dos mil años.

La idea de Boyle de un elemento químico era muy diferente. Para él, un elemento era una sustancia que no podía ser descompuesta en otras sustancias.

Un elemento podía combinarse con otro y formar un compuesto; y un compuesto podía separarse en sus elementos constituyentes. Pero la prueba de lo que era o no era un elemento debía decidirse mediante un experimento práctico, no sólo por deducción.

Éste era un punto de vista moderno; y ayudó a crear el universo mental en el que habitarían los químicos posteriores.

Pero hasta el propio Boyle fue incapaz de superar la influencia de tantos siglos de alquimia, ya que siguió creyendo en la posibilidad de transformar los metales comunes en oro.

Y no rechazó los elementos antiguos… sólo quiso someterlos a la investigación experimental.

Descubrir los elementos: Mientras los científicos empezaban a adoptar esta nueva forma de pensar, los antiguos «elementos» eran abandonados poco a poco, y el término comenzó a ser utilizado tal como lo hacemos hoy.

Pero la lista de sustancias a las que podía aplicarse el término en su sentido moderno era breve.

A finales del siglo XVII, y en ese sentido moderno de la palabra, sólo se reconocían 14 elementos. Nueve de ellos eran metales que se conocían desde la antigüedad: oro, plata, cobre, plomo, zinc, estaño, hierro, mercurio y antimonio.

Dos eran elementos no metálicos, también conocidos por los antiguos: carbono y azufre.

Dos más eran metales descubiertos en el siglo XVI, bismuto (en Europa) y platino (en Sudamérica). A estos trece, se agregó un nuevo elemento no metálico —el fósforo— descubierto en la orina por el propio Boyle en 1680.

En su obra «Sceptical Chymist» (1661) definió el cuerpo simple como el que no es susceptible de una descomposición ulterior, definición bien conocida por el papel que ha jugado en la historia de la Química. También mostró que el método pirognóstico, que hasta entonces se venía empleando en análisis, no es satisfactorio.

Aunque es cierto que estos 14 elementos se habían identificado a finales del siglo XVI, no lo es que fueron reconocidos como elementos en el sentido moderno del término.

Cuando los químicos actuales hablan de elementos, utilizan la palabra en el sentido de ingredientes básicos de los que están compuestos los materiales del mundo.

Para ellos, el aire es un compuesto de dos elementos —oxígeno y nitrógeno—, con pequeñas cantidades de otros gases.

Uno de ellos, el anhídrido carbónico es considerado un compuesto de dos elementos, carbono y oxígeno.

Esta visión de la química como una colección de recetas, usando un pequeño número de ingredientes básicos, era absolutamente ajena a los filósofos naturalistas del siglo XVII.

Aunque reconocían el cobre, el oro y el azufre como «elementos», para ellos también lo era el aire… y no estaban muy seguros acerca del fuego.

A diferencia de los astrónomos, que jugueteaban iluminados por el sol de la mecánica newtoniana, los químicos del siglo XVII todavía se movían en la oscuridad, buscando una luz que les iluminase el camino.

Tardarían cien años más en encontrar su Newton particular y conseguir que la química adquiriera el lugar que le corresponde entre las ciencias naturales.

Leyes de Boyle

Presión volumen y temperatura: Justo antes de que Boyle publicase El químico escéptico, había anunciado la conclusión de algunos trabajos que había realizado con su ayudante Robert Hooke. Hooke había desarrollado un inflador de aire, y esto dio a Boyle la oportunidad de observar las propiedades mecánicas de los gases.

Pusieron una candela encendida en una jarra y después extrajeron el aire. La luz se apagó. El carbón incandescente cesaba de dar luz, pero empezaría a arder de nuevo si se introducía aire mientras el carbón estuviese aún caliente.

, la combustión requería alguna propiedad física del aire. Además, colocaron una campana en la jarra y, de nuevo sacaron el aire.

Ya no oían el sonido de la campana. Muchos de los resultados de Boyle le confundían, pero una cosa sí clarificó, y ésa era la relación entre la temperatura, la presión y el volumen de una cantidad fijada de gas.

Si se comprimía el gas y se reducía su volumen, la temperatura crecía. Por tanto, la ley de Boyle manifiesta que para una masa fija de gas, la presión y el volumen son inversamente proporcionales.

libro de Boyle

La publicación de El químico escéptico marcó el comienzo de una nueva era en las pautas depensamiento de los científicos que luchaban para encontrar sentido al mundo físico.

GRÁFICAMENTE SE PUEDE EXPRESA ASI:

curva de boyle sobre gas

LEY DE BOYLE: Una masa de gas ocupa un volumen que está determinado por la presión y la temperatura de ese gas. Las leyes de los gases estudian el comportamiento de una determinada masa de gas, si una de esas magnitudes permanece constante. Boyle observó que cuando la presión aumentaba, el volumen se reducía, y, a la inversa, que cuando la presión disminuía, el volumen aumentaba. De esta manera la ley de Boyle establece que: El volumen de una determinada masa de gas, a temperatura constante, es inversamente proporcional a la presión de ese gas.

Fuente Consultada:
Historia de las Ciencias Desiderio Papp y Historias Curiosas de las Ciencias de Cyril Aydon

Biografía de Elvis Presley Cantante de Rock

Biografía de Elvis Presley

BIOGRAFÍA DE ELVIS PRESLEY: (Tupelo, EE. UU., 1935 – Memphis,  1977)
Elvis Aaron Presley, el niñito rubio nacido el 8 de enero de 1935 en el pueblecito sureño de Túpelo (Mississippi), no se imaginaba el impacto que su figura llegaría a alcanzar en la música y en la sociedad.

Aunque ya sentía dentro de él unELVIS PRESLEYimpulso: destacar. Hijo único de una familia pobre (su hermano gemelo murió al nacer), no tuvo la educación burguesa de Priscilla y sus hermanos.

En busca de mejor situación económica, emigró con sus padres a Memphis y allí tuvo que hacer diversos trabajos (cortar césped, repartir paquetes, conducir un camión) para conseguir unos centavos y codearse con su pandilla.

Unos chicos de pantalones grasientos y ajustados y cazadora de cuero negro que holgazaneaban desafiantes en los barrios más ricos de su ciudad. Ellos no cumplirían el «sueño americano» («de bayetas a ricos»), ¿y qué?

Pero Elvis sí lo conseguiría. Tenía en sus manos un arma: la guitarra; en su garganta, otra, y su cuerpo, también era un arma. El poseía lo que los magos-productores del «rythm’ n’ blues» buscaban: una voz, un estilo de negro, pero «pasados por blanco».

El imprimía un dramatismo especial a las canciones populares e innovaría, una vez lanzado a la vorágine musical, el recién nacido «rock and roll»: haría algo más que cantar, interpretaría, contorsionándose sobre el escenario, moviéndose provocativamente delante y atrás («Elvis, the Pelvis») y acariciando la guitarra (= baby) con los ojos entornados.

En sólo dos años, su fama creció vertiginosamente hasta convertirse en el «rey del rock». Había otros más auténticos que él, más no tan bien dirigidos y «comercializados». En 1954 grabó su primer disco para una firma local. Se llamaba «That’s aü right, mamma» y era realmente un regalo para su madre (mejor que un imperfecto disco de cuatro dólares grabado para su cumpleaños).

Y, a finales de 1956, era ya casi un ídolo mundial y estaba en manos de una gran empresa discográfica. Aunque «la mano» por antonomasia del joven Presley era el «coronel» Parker, su «manager», el creador del mito, su dueño. El hombre que invirtió en un ídolo cuya caída también supuso una millonada de dólares. Porque Elvis era totalmente «aprovechable», hasta para lanzar camisetas, llaveros, cromos, slips e infinidad de objetos con su figura.

El fenómeno Elvis no se acababa en sus canciones exitosas («Love me tender», «Zapatos de gamuza azul», «Rock de la cárcel», «Don’t be cruel», «Crying in the Chapel», «In the ghetto», «Suspicious minds»…), en sus ¡200 millones! de discos vendidos (73 discos de oro), ni en su cincuentena de películas («King Creóle», «Wild in the country», «Blue Hawaii»…), ni en la maravillosa y excéntrica bola de cristal, producto de sus fabulosas ganancias (330 millones de pesetas sólo en 1965), en la que vivía.

El mito Elvis ni siquiera se acabó con su muerte. Ya en la era de los setenta, su triunfal aureola perdía fuerza, otros «rockers» más innovadores amenazaban su trono. Su rock se volvió más edulcorado (lejos ya de las rabiosas canciones que levantaban las iras de los censores y los puritanos de su país), aunque no por ello dejó de estremecer al público, como lo demostraría en Las Vegas (1969, 1972). Pero esas espectadoras que gritaban y arrojaban sus prendas íntimas al escenario habían cumplido los veinte años tiempo ha y sus maridos sonreían a su lado. Ellos no envidiaban a Elvis. Porque a Elvis ya no se le podía envidiar.

Elvis era una millonaria «pieza de museo» para diversión de otros millonarios. Un traje con casaca de lentejuelas cubría su descomunal figura (antaño erótica). Su natural tendencia a engordar era contrarrestada con drogas, que no cambiaban —muy al contrario— esa imagen deforme que reflejaban diariamente los ocho espejos de la habitación del ídolo.

Las pesadillas y el temor a ser atacado eran los agudos signos del carácter paranoico que forjó en su adolescencia. Y su constante búsqueda de la felicidad era ya un túnel sin salida. Ni la modelo Linda Thompson (su amante durante cinco años) ni la exuberante Ginger Alden (con la que pensaba casarse en la Navidad de 1977) habían podido llenar el hueco dejado por Priscilla. Su hijita Lisa Marie tampoco vivía con él y su madre faltaba ya hacía mucho…ELVIS PLESLEY

La ceremonia nupcial tuvo lugar en el apartamento privado del dueño del hotel «Aladdin», de Las Vegas, y fue presenciada únicamente por 14 personas. Fieles guardaespaldas y amigos del cantante tenían por misión alejar de aquel lugar a curiosos y periodistas. Elvis no quería un espectáculo. Pero no pudo evitar las fotos: aunque pocas, hubo. Aquel instante en el que, mirando tiernamente a Priscilla, Elvis le colocaba un anillo de oro, con un diamante de tres quilates y brillantinos más pequeños, tenía que ser registrado para la posteridad.
También se registró el corte de la monumental tarta de boda (seis pisos), al término de la comida que siguió a la ceremonia. Y los periodistas allí presentes (al final, el ídolo tuvo un detalle con la prensa) fueron testigos de la felicidad que parecía embargar a la pareja: miraditas en semiéxtasis, las manos entrelazadas de continuo… Alguien podría comentar maliciosamente que estaban muy en su papel, muy de novios. Y era verdad.

En agosto de 1977, las agencias de todo el mundo recibieron un teletipo: «el día 16, Elvis Presley ha fallecido, a la edad de cuarenta y dos años, en un hospital de Memphis (Tennessee). víctima de un fallo cardíaco».

Eívís no murió en el hospital; estaba tirado en el cuarto de baño cuando lo encontró Ginger Alden. Elvis había muerto víctima de sí mismo. Y el espectáculo —«el rey ha muerto, ¡viva el rock!»— debía continuar: más de ochenta mil personas en su entierro, para darle el último adiós (y más de 300 desmayadas).

Cientos de coronas de flores (algunas en forma de guitarra). Gritos, lloros, sirenas de ambulancias y de coches de bomberos… Los hoteles de Memphis abarrotados, el aeropuerto colapsado (Europa había fletado 10 vuelos charter para los asistentes al funeral)…

Emisoras de radio interrumpieron su emisión: un minuto de silencio por el ídolo caído. Otras, programaron musicales «especial Elvis». Hasta el presidente Cárter dio un mensaje: «ha muerto el símbolo de la vitalidad, el espíritu de rebeldía y el buen humor de los Estados Unidos».

Pero, a los pocos meses, el dolor popular se trocó en chisme: «intentan saquear la tumba de Elvis», «sus 12 guardaespaldas vigilan, fuertemente armados…» «Las mujeres de Elvis se disputan la herencia…» «Priscilla huye a Europa por temor al secuestro de su hija…» «Un hijo secreto de Elvis: Renne Lee nació en 1960, en Alemania. Su madre era cantante…»

Por mucho tiempo, el show debe continuar.

LOS ÚLTIMOS AÑOS DE ELVIS….

La sucesión de acontecimientos que acompañan sus últimos años de vida, años de relativa escasa actividad debido a su gordura: pesaba 115 kilos, nos cuentan la historia de un hombre que parece haber estado sufriendo dos males simultáneos: la crisis de los 40 años y un estado casi permanente de extrema soledad, acompañado sólo por el coronel Parker, su médico de cabecera y sus guardaespaldas.

La administración de drogas energizantes para poder soportar el esfuerzo de un recital en vivo ante miles de personas, termina por convertirse en drogadicción. Su enorme gordura hace pensar que también se le habrían administrado corticoides.

En cualquier caso, es una persona que es tratada como un espectáculo y no como un ser humano. Drogas para que actúe, porque sus actuaciones dejan mucho dinero. Y para que se suma al torturante ritmo de sesiones de grabación, en el momento en que tiene montado un show espectacular, con un coro de acompañantes y una orquesta que lo anuncia, cuando sube al escenario, con la música de Así habló Zaratustra, de Richard Strauss.

En ese momento ya El vis Presley no es un cantante cualquiera. Es un semidiós. La música de la introducción, que es espectacular, apenas se escucha sobre el mar de chillidos de sus admiradoras, ahora ya no sólo chiquillas quinceañeras, sino también dueñas de casa, madres de varios niños, y no pocos varones. Elvis era una suerte de aparición extraterrestre que transportaba a las multitudes a un estado próximo al nirvana. Es un semidiós. No era el momento para que muriese.

Al parecer una sobredosis de drogas, mezcladas con el alcochol -nunca se ha sabido a ciencia cierta cómo y de qué falleció-, cuando él menos se lo esperaba, le provocaron un paro cardíaco mientras se encontraba dándose un baño. Tenía apenas 42 años; toda una vida por delante.

El mismo día, 16 de agosto de 1977, en que se dio a conocer la noticia, la RCA recibió pedidos por 10 millones de discos LP, de larga duración.

Todo lo que rodeaba a Elvis Presley se convirtió en motivo de devoción: se fabrican setenta y tantos productos que llevan su nombre, desde tarjetas postales que lo muestran en sus mejores años, hasta un finísimo vino que se anuncia: «Este es el vino que Elvis tomaría si estuviese vivo». También se anunció un producto para perros: Se llamaba «Ámame tiernamente» (título de una de sus canciones favoritas), y la frase publicitaria decía: «Quizás la comida para perro que Elvis hubiera preferido, de haber sido perro».

La parafernalia desplegada después de la muerte del cantante se reúne en la actualidad en un sitio llamado Graceland, (La tierra de la gracia), en 3764 Highway 51 South, Memphis, Tennessee. Allí se venden toda clase de «recuerdos» y se exhiben las piezas originales, usadas por Elvis; es un verdadero Museo del mal gusto.

Sus pantalones con flecos, al estilo del oeste medio, con brillos y otros exactamente iguales, de todas las tallas y medidas, para quienes deseen llevarse un par igual al que llevaba Elvis. Sus camisas, también recargadas de brillos; sus bufandas de seda, sus colleras para las camisas, un supuesto par de pistolas estilo cowboy que no se sabe cuándo usó el artista, excepto en un filme del Oeste en que hace un papel secundario. Graceland es visitada hasta hoy, 10 años después de su muerte, por unos cuatrocientos mil peregrinos anualmente.

Pero con Elvis Presley ha ocurrido un fenómeno singular. Otros ídolos de la canción van perdiendo, poco a poco, el fervor de sus seguidores. En el caso de Los Beatles, es una generación enteramente nueva la que los está descubriendo y fanatizándose con ellos.

Elvis Presley, después de muerto, es casi el mismo fenómeno musical que en vida, y ya han transcurrido diez años del trágico suceso. Sus discos se venden igual si no más que antes, porque nuevos pueblos se incorporan a la lista de sus admiradores. Ahora los tiene inclusive en la República Popular China, como en Japón desde hace años ya, y en muchos otros sitios en el Lejano Oriente.

En cuanto a la música, tanto en las baladas que cantaba como en el rock, surgen nuevas tendencias, nuevos estilos, pero el estilo Elvis no desaparece. Y no se trata simplemente de un fenómeno de voz. Elvis tenía efectivamente una voz de una calidez especial, que marcaba con su sello las canciones que él cantaba. Se trata del espíritu, del énfasis que él sabía -y sólo él- poner en los versos.

James Dean pasó sin pena ni gloria, después de un primer furor y la ebullición que provocó en vida. John Lennon es para gente que entiende música. Fue un innovador, un personaje excéntrico y un ídolo. Lo Beatles, como conjunto, continúan penando en los estudios de grabación. Pero Elvis Presley -y no es una exageración- es venerado como si estuviese vivo. Sus discos se escuchan no con reminiscencias del pasado, sino como un fenómeno del presente.

En cualquier momento se le verá descender de la nube que hizo moverse, y regresará delgado, esbelto, simpático, fresco y transparente, como un buen hijo de Norteamérica.

Fuente Consultada:
Vidas de los Famosos – Elvis Presley y Priscilla
HECHOS, Sucesos que estremecieron al mundo Tomo N°38 Arabia, el violento despertar

Mejores Bandas de Rock Internacional U2 Biografia e Historia Grupo

Mejores Bandas de Rock Internacional: U2

U2: Un fuego inolvidable: Corría el año 1976, y mientras el mundo se inundaba de música gracias a las creaciones de las bandas más importantes del rock de la época, Larry Mullen Jr., quien sólo tenía 14 años de edad, decidió formar su propia banda, junto a un grupo de amigos de la escuela, sin siquiera suponer que aquello sería el comienzo de una de las agrupaciones inglesas más importantes de la historia, definida por una simple vocal y un número: U2.

Mejores Bandas de Rock Internacional U2 Biografia e Historia Grupo

Aquel primer paso que tuvo a Larry Mullen Jr. como protagonista sucedió en el mes de octubre de 1976, cuando el joven, decidido a formar su propia banda, colocó un aviso en la cartelera de la escuela a la que concurría, donde rezaba un mensaje en el que decía que se buscaban músicos para ser incorporados a un nuevo grupo musical.

Rápidamente tres jóvenes respondieron al anunció, y así quedó conformada la banda que haría furor en el mundo entero. En la batería y las percusiones Larry Mullen Jr., acompañado por el bajista Adam Clayton, el guitarrista Dave Evans y el vocalista Paul Hewson, quien sería conocido posteriormente por todos como Bono Box.

Según cuenta la historia, Paul Hewson decidió tomar el nombre artístico de Bono Box durante una visita a una tienda de instrumentos musicales que se llamaba “Bonavox”. Fue allí también donde le pareció una excelente idea que Dave Evans pasara a llamarse “The Edge”, sugerencia que fue tomada con total gusto por el guitarrista.

Al principio, cuando la banda recién iniciaba sus primeros pasos en el mundo underground, se unió a ellos Dik Evans, hermano de Dave, que se incorporó como segundo guitarrista del grupo. No obstante, poco después Dik abandonó la agrupación, y U2 terminó consolidándose como un cuarteto.

Para el año 1978 el grupo ya tenía composiciones propias y eran conocidos en el pequeño circuito de la música under, tocando asiduamente en un local en Dublín, al tiempo que editaban algunos singles por intermedio de una discográfica independiente de poca monta.

Tan sólo dos años más tarde, llegó el momento esperado por los miembros del grupo, finalmente concretaron un contrato con una grabadora importante, la Island Records, que les permitió trascender más allá del ambiente under, y llevar su música a todo el planeta. Por aquella época, en tan sólo cuatro años lanzaron cuatro álbumes, que los convirtieron en estrellas indiscutidas del terreno musical.

El primer trabajo discográfico de la banda, titulado “Boy”, fue superado en éxito y ventas por el segundo, “Octubre”, que a su vez fue desplazado por la tercera placa, “War”, precediendo a al gran “The Unforgettable Fire”. Lo cierto es que con cada nuevo lanzamiento, la banda se hacía cada vez más popular y masiva.

Siempre comprometidos socialmente, los miembros de U2 se convirtieron en los músicos más solicitados para los conciertos de caridad, y jamás se negaron a participar en ellos. Como ejemplo podemos recordar el histórico Live Aid en el estadio de Wembley, actuación en la cual la banda realizó una versión en vivo de 13 minutos de su canción “Bad”, que ha quedado para siempre en la historia de la música.

También encabezaron el tour de Amnesty International “Conspiracy of Hope”, durante seis actuaciones que según cuentan logró triplicar la cantidad de miembros de la entidad en Estados Unidos, todo gracias a la participación de la banda.

A media que la década de los ochenta se alejaba, la música de U2 comenzó a transitar un camino más experimental, volviendo sus composiciones cada más elaboradas. Podemos percibir ese notable cambio cuando comparamos la simplicidad y rigidez que caracteriza al álbum “The Joshua Tree”, con la concepción que dio origen a “Zooropa”.

Aquel camino de evolución demostró que la banda jamás le ha tenido miedo al cambio, lo que les ha permitido siempre mantenerse en un pleno crecimiento musical, aspecto que ha quedo ampliamente demostrado en sus dos últimos trabajos discográficos, “How to Dismantle an Atomic Bomb” de 2004 y “No Line on the Horizon” de 2009. Seguramente U2 volverá a sorprendernos el año próximo con el lanzamiento del esperado “Songs of Ascent”.

Grandes Grupos de Rock Internacional The Rolling Stone Historia

Grandes Grupos de Rock Internacional

Rolling Stones: Igual que una piedra rodante

Sin lugar a dudas ha sido una de las más grandes bandas de rock and roll del mundo, y aún hoy, a casi cinco décadas de su surgimiento continúan demostrando que son genuinos y gigantescos.

Los Rolling Stones fue fundada en el año 1962 por el guitarrista Brian Jones, quien en un primer momento trabajó de forma incesante para crear una banda que se dedicase al rock & blues, por lo que se reunió con un grupo de jóvenes músicos desconocidos.

El primero en ingresar a la agrupación fue el pianista Ian Stewart, seguido por el guitarrista Geoff Bradford, el bajista Dick Taylor y luego el guitarrista Keith Richards y Mick Jagger para poner su incomparable voz. No obstante, por después de que Richards y Jagger ingresaran a la banda, Bradford decidió alejarse.

Grandes Grupos de Rock Internacional The Rolling Stone Historia

En cuanto a bateristas, en los comienzos varios ocuparon ese lugar, entre los que estuvieron Tony Charpman, Mick Avory y Charlie Watts, quien se quedó definitivamente en la agrupación.

Por aquella época, Jones era el líder indiscutido del grupo, y fue quien eligió el nombre que llevaría la banda, inspirado en una canción de Muddy Waters.

Luego del alejamiento de Dick Taylor, finalmente la banda quedó conformada por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Bill Wyman, Brian Jones y Ian Stewart, formación que se extendió por siete años, hasta 1969.

En sus inicios, los Stones se dedicaba a tocar en pequeños clubes nocturnos, y si bien lograron editar un primer álbum con poca repercusión, lo cierto es que el éxito de la banda comenzaría cuando los músicos conocieron a Andrew Loog Oldham, quien logró conseguirles la puerta de acceso a la popularidad.

Una vez que la banda abandonó el camino del blues y se dedicó íntegramente al rock, el éxito a los Stones les llegó con bastante rapidez.

Si bien cada uno de los miembros contribuyó con su talento a la constante evolución de la banda, y a modo de ejemplo debemos citar que Richards ha sido considerado como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock, y sus riffs se convirtieron en el sonido característico de los Stones, lo cierto es que Jagger ha sido quizás la principal razón para que la banda llegara a la sima absoluta.

Durante la década del sesenta, los Stones se convirtieron en la banda de rock número dos del planeta, quedando a la sombra de los Beatles, aunque si bien sus públicos eran totalmente diferentes.

No obstante, a pesar del éxito alcanzado, comenzaron a surgir algunos inconvenientes en el seno de la banda. El consumo de drogas comenzó a afectar el modo de proceder de Jones, que al mismo tiempo mantenía una disputa constante con el otro bando, encarnado por Jagger y Richards.

Aquello fue el motivo por el que se decidió en 1969 que Jones debía ser separado de la banda, aunque por desgracia esto no sucedió, ya que el músico fue hallado muerto pocos días después. Para reemplazarlo, la banda contrató al guitarrista Mick Taylor, quien demostró tener un talento enorme, e incluso en muchas oportunidades tocó los solos de guitarra, cuando Richards estaba impedido por su adicción a las drogas.

Fue precisamente en esta época en que los Stones se convirtieron en una de las bandas más grandes, sobre todo por sus espectaculares conciertos en vivo, y además teniendo en cuenta que los Beatles ya se habían separado.

Aquellos buenos momentos durarían por ser años, ya que finalmente en 1975 Taylor decidió dejar la banda, según los rumores por sus desacuerdos constantes con Jagger y Richards. En su reemplazo ingresó Ron Wood, que si bien había sido elegido sólo como guitarrista temporario para actuar en la gira que estaba llevando adelante la banda, ño cierto es que se quedó para siempre.

A diferencia de Taylor, Wood parecía encajar más con el estilo de Richards, por lo que ambos hacían una exquisita composición en cada interpretación. Esa formación permaneció intacta por una década.

Con la llegada de la década de los ochenta, las relaciones en la banda volvieron a ponerse tensas, esta vez entre Jagger y el resto de la agrupación, ya que el cantante tenía en mente llevar a cabo una serie de proyectos solistas, lo cual no fue bien visto por sus compañeros.

Por primera vez en la historia de la banda, parecía que el final de los Rolling Stones estaba cerca. Sin embargo, con el comienzo de la década de los noventa las cosas volvieron a ser como antes, y la banda inició su majestuosa y exitosa gira “Steel Wheels”, que los llevaría por todo el mundo.

En 1993, el bajista Wyman decidió abandonar la banda debido a desacuerdos con Jagger y Richards. Si bien actualmente Darryl Jones es el encargado de tocar el bajo, lo cierto es que no es un integrante oficial de la agrupación, ya que según las declaraciones del resto de los músicos, aún no han podido hallar el reemplazante para Wyman.

Por ello, en sus discos de estudio suelen colaborar diferentes bajistas, mientras que Darryl Jones acompaña al grupo durante sus actuaciones en vivo.

Al momento de escribir esta biografía, los Stones han lanzado 26 álbumes de estudio, 7 discos en vivo, y una numerosa colección de recopilaciones. Pero sin dudas, su producción más destacada es aquella que nos remonta a finales de los años sesenta y principios de la década del setenta, época a la que pertenecen “Beggars Banquet”, “Let It Bleed”, “Sticky Fingers” y “Exile on Main Street”.

Bandas de Rock Internacional Historia y Biografias Grupo Queen Mercury

Bandas de Rock Internacional Grupo Queen

Biografias Grupo Queen Mercury

Queen: Mucho amor puede matarte: El riff de una guitarra nos transporta junto con los sonidos sintetizados del pop hacia un ámbito donde el rock manda. Inmediatamente una voz única, quizás una de las mejores que alguna vez tuvo un ser terrenal, invade nuestros sentidos y nos dice en inglés: “Todo lo que tienes que hacer es enamorarte».

Juega al juego, todo el mundo juega al juego del amor”, y sin más nos enamorados de la melodía. Durante años así fue como Queen logró cosechar millones de seguidores en todo el planeta, algo que incluso quedó demostrado allá por febrero de 1981, cuando la banda realizó una gira sudamericana que logró cambiar para siempre las reglas del negocio del rock en el territorio.

Mientras tanto, en la Argentina, donde se vivía la opresión de la dictadura militar, Queen tuvo un desembarco histórico, en el que ofrecieron tres shows en Vélez, uno en Mar del Plata y otro en Rosario, a los que asistieron miles de personas.

Pero la historia de Queen comienza varios años antes, precisamente en 1970, cuando un grupo de músicos conformaban una agrupación llamada Smile. En sus filas estaban el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, y debido al alejamiento del cantante comenzaron la búsqueda de un reemplazante. Mientras hacían audiciones, incorporaron a la agrupación al bajista Mike Grose.

Un día cantó ante ellos un joven desconocido que los impresionó con su voz. Se llamaba Freddie Bulsara y fue inmediatamente incorporado a la banda. Pero antes de comenzar el ruedo, Freddie cambió su apellido por Mercury, y la agrupación pasó a llamarse Queen.

Con esa formación y el nuevo nombre del grupo ofrecieron su primer concierto en junio de 1970, donde pudieron demostrar su enorme talento en el escenario, y conquistar al entonces escasos público que asistía a sus recitales.

Un mes después Grose fue reemplazado por Barry Mitchell, que en realidad sólo estuvo en la banda algunos meses y luego fue sustituido por distintos bajistas, hasta que finalmente se sumó John Deacon y así quedó conformada la formación definitiva de Queen.

Dieron su primer concierto en julio de 1971 y aquello les dio la oportunidad de despertar el interés en los productores discográficos, lo que les posibilitó grabar su primer demo de forma profesional. No obstante, no consiguieron contrato con ningún sello, pero aquello no les impidió comenzar a trabajar en la producción, de forma independiente, de su primer álbum.

Finalmente, EMI se interesó en ellos y lanzaron en 1973 su primera placa discográfica, que llevó por título el mismo nombre de la banda. Inmediatamente el tema “Keep Yourself Alive” escaló hasta los primeros puestos en las radios, obteniendo al mismo tiempo la mejor respuesta de la crítica.

Incluso en 1974 lograron acceder a su primera aparición en el prestigioso “Top of the Pops”.

Ese mismo año llegaría el lanzamiento de su segundo álbum, titulado “Queen II”, que les permitió iniciar la primera gira grande, que incluía Inglaterra, Australia y Estados Unidos. También llegaría el lanzamiento del álbum “Sheer Heart Attack”, conteniendo el éxito que se convertiría en un clásico: “Killer Queen”.

Si bien Queen ya había logrado cosechar miles de fans en distintas partes del mundo, lo cierto es que con el lanzamiento de “A Night at the Opera” en 1975 lograron alcanzar la meta. El disco no sólo contenía canciones como “You’re My Best Friend”, “Love of My Life” y “God Save The Queen”, sino que además contenía el tema “Bohemian Rhapsody”, que se convirtió en el punto de inflexión para la banda.

Tanto la canción como el video musical que la representaba treparon rápidamente a los puestos número uno de los rankings. Pasaron luego más que quince años de éxito, con un Queen que forjó su reputación en base a conciertos extravagantes y álbumes de estudio que se caracterizaban por poseer un sonido único, basado en la melodía, intentando ser casi operístico.

A los largo de esos años, la agrupación fue galardonada con diversos premios y se algunas de sus composiciones se convirtieron en la banda de sonido de películas como “Flash Gordon” y “Highlander”. En medio del éxito absoluto y la consagración máxima a la que puede aspirar una banda, una muy mala noticia golpeó duró en Queen.

El 23 de noviembre 1991 Freddie Mercury anunció públicamente que padecía de SIDA.

Al día siguiente murió. Aquello puso fin a la historia de Queen, a pesar de que casi diez años después los miembros sobrevivientes intentaron un nuevo resurgimiento de Queen, contando en esta oportunidad con la voz de Paul Rodgers, pero ya nada fue igual sin Freddie.

The Pink Floyd Historia de los Mejores Grupos de Rock Internacional

The Pink Floyd – Historia de los Mejores Grupos de Rock

Pink Floyd: El lado oscuro de la creación:

Si bien es muy cierto que la mayoría de las bandas no sobreviven sin su líder y cantante, también es cierto que en el caso de Pink Floyd se encarna la excepción que hace a la regla, ya que en su historia no sólo la agrupación logró sobrevivir a uno de sus cantantes, sino a dos.

La historia de Pink Floyd comienza en el año 1965 en la escuela Cambridge High School de Inglaterra, donde en su pasillos surgió una gran amistad entre tres jóvenes estudiantes, llamados Syd Barrett, Roger Waters y David Gilmour, que decidieron formar una banda. Pero lo cierto es que luego de la graduación, cada uno de ellos tomó caminos diferentes.

The Pink Floyd Historia

Waters asistió a una escuela de arquitectura en Londres, donde conoció a Nick Mason y Rick Wright, y junto a ellos formó un grupo de Rock & Blues llamado Sigma 6. Pero aquello no duraría demasiado.

Luego de varias idas y vueltas, finalmente la formación quedaría definida con Syd Barrett en la voz y la guitarra, Roger Waters en el bajo, Rick Wright en el teclado, y Nick Mason en la batería, y el nombre definitivo de la agrupación sería Pink Floyd, en honor a los músicos de blues Pinkney “Pink” Anderson y Floyd Council.

Una vez en el camino, la banda grabó su primera canción a principios del año 1966, titulada “Lucy Leave”, compuesta por Barrett, y que básicamente consistía en una interesante combinación de R&B con toques de pop. Pero en aquella oportunidad, este primer tema no sirvió para despertar el interés en la banda. Por aquellos días, Pink Floyd se dedicaba a brindar breves conciertos en el metro de Londres, pero pronto llegaría el éxito absoluto para la banda.

Fue en 1967 que lograron firmar un contrato discográfico con la compañía EMI Records, y lanzaron su primer single “Arnold Layne”, alcanzo cierto éxito en Inglaterra. Su siguiente single “See Emily Play” fue un rotundo éxito, y dio lugar a la edición del primer álbum de la banda, titulado “The Piper At The Gates Of Dawn”, que fue considerado como uno de los más destacados discos psicodélicos de la historia, desde que los Beatles sacaron su Sargento Pepper.

El éxito de este primer álbum les permitió comenzar con las giras, entre las cuales por ejemplo compartieron el escenario con el gran Jimi Hendrix. Fue precisamente durante el tour por los Estados Unidos que comenzaron a surgir los problemas internos en la banda, sobre todo provocados por la profunda adicción de Barret al LSD.

Debido a ello, decidieron contratar a Gilmour para que se hiciese cargo de la primera guitarra de la banda en las actuaciones en vivo. Mientras tanto, Barret continuaba siendo parte del grupo, pero sólo para las grabaciones en estudio.

Con el correr de los meses, la inestabilidad mental de Barret fue agravándose cada vez más, influyendo negativamente en la banda, y finalmente el músico decidió renunciar. Si bien Barret grabó luego dos discos como solista, lo cierto es que sus problemas con las drogas y sus patologías psiquiátricas hicieron que poco después abandonara por completo la escena pública.

Con la nueva formación, Pink Floyd editó “Saucerful Of Secrets”, tratando de seguir adelante sin Barret, y fue Waters quien comenzó a hacerse cargo de la mayor parte de las composiciones, al tiempo que se convirtió en el vocalista líder del grupo.

Algunos discos, infinidad de conciertos y cada vez más cantidad de seguidores en el mundo, hasta que en 1973 lanzaron su indiscutible obra maestra: “Dark Side Of The Moon”. Rápidamente se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música, permaneciendo en los chats de Billboard por más de una década.

En 1975 la banda irrumpió nuevamente con otra obra maestra: “Wish You Were Here”, álbum dedicado al fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, principalmente la canción “Shine On You Crazy Diamond”. El éxito del grupo continúo con la publicación de “Animals” en 1977, pero al mismo tiempo comenzaron una serie de problemas internos en la agrupación, que dio lugar a los rumores constantes de separación.

En medio de los conflictos, Pink Floyd lanzó un álbum doble que haría historia, publicado en 1979 bajo el título “The Wall”, que dio lugar a la producción cinematográfica que lleva el mismo nombre, dirigida por  Alan Parker.

Pero lo cierto es que a pesar del éxito internacional las relaciones dentro de la banda eran cada vez peor, sobre todo entre Waters y Wright. El conflicto entre los músicos llevó al despido de Wright. Pero aquello no solución las cosas, ya que la contienda continuó entre Waters por un lado, y Gilmour y Mason por otro.

No obstante, la banda siguió su camino, y en 1983 lanzaron “The Final Cut”, que en realidad se trató más de un proyecto creado por Waters, por lo que no tuvo demasiada participación de Gilmour y Mason. Lo cierto es que el álbum fue una gran decepción para los seguidores del grupo, por lo que poco después de su lanzamiento Pink Floyd se separó.

Luego vendrían años de conflictos legales por el uso del nombre de la agrupación, estando por una parte Waters y del otro lado del banquillo sus ex compañeros Gilmour, Mason y Wright que intentaban reflotar Pink Floyd sin Waters.

Superados los pleitos legales, el nuevo Pink Floyd lanzó “A Momentary Lapse Of Reason” y un año más tarde el disco en vivo “Delicate Sound Of Thunder”, que fue un verdadero éxito. El último álbum de estudio fue lanzado en 1994, bajo el título de “The Division Bell”, y luego de eso la banda se disolvió definitivamente.

Ver Tambien: Rock Internacional The Doors

Historia de los Grandes Grupos de Rock Internacional The Doors

Historia de los The Doors Grupos de Rock Internacional

The  Doors: Encendiendo el fuego:

Corrían los años sesenta y el tecladista Ray Manzarek junto a sus dos hermanos fundó una banda de rock & blues llamada Rick And The Ravensask, pero ninguno de ellos tenía talento para cantar, por lo que comenzaron la búsqueda de un vocalista.

Por esa época, Ray era estudiante de cine en la UCLA de Los Angeles, y allí tenía un compañero que atesoraba el sueño de ser cantante. Fue entonces que la nueva banda decidió probar la voz de este desconocido, que dijo llamarse Jim Morrison.

The Doors grupo de rock internacional

Al escucharlo, Ray quedó inmediatamente impresionado con la voz de Jim, por lo que no dudó en que fuera parte de su banda.

Poco después ingresó a la agrupación el baterista John Densmore, y con esa formación y bajo el nombre de Rick And The Ravensask grabaron seis demos que hoy son considerados piezas de colección por los seguidores del legendario grupo californiano.

Pero lo cierto es que los hermanos de Ray no estaban satisfechos con el rumbo que estaba tomando el estilo musical de la banda, por lo que decidieron abandonar el proyecto. Así fue que ingresó el guitarrista Robbie Krieger, que era un gran amigo de Densmore, pero jamás lograron hallar a un nuevo bajista, por lo que el instrumento pasó a estar a cargo de Manzarek, quien además tocaba el teclado.

Después de aquella modificación en la formación del grupo, la banda pasó a llamarse “The Doors”, a raíz de una idea aportada por Morrison.

Así comenzaron el típico circuito de actuaciones en bares nocturnos de Los Angeles, que debían afrontar todas las bandas nuevas, iniciándose en el London Fog de Sunset Strip, y más tarde en el Whisky-A-Go-Go. No obstante, solían ser expulsados de los clubes y no les permitían volver a tocar, debido a que ya desde los comienzos Morrison se mostró como un personaje totalmente controversial.

Incluso, en una oportunidad su show fue finalizado abruptamente, luego de que la banda interpretara la canción de su autoría titulada “The End”, que para los dueños del club en el que se encontraban actuando iba demasiado lejos. Aquella canción fue precisamente la que logró que los productores de Elektra Records pusieran su atención en The Doors, y les ofrecieran un contrato.

En 1967 se lanza el primer álbum de la banda, con un título homónimo que incluyó el exitoso corte “Light My Fire”. El disco demostró el talento y poderío de la banda, que supo lograr una fusión perfecta entre el rock, el blues, el jazz y la poesía, mientras que la canción “Light My Fire” fue directo al número uno de los rankings.

Los álbumes que siguieron al debut no lograron superar en calidad compositiva a aquel primer disco, aunque lograron un gran éxito en ventas, sobre todo cuando lanzaron otro de los hits fundamentales de la banda, la canción titulada “Hello I Love You”, que sonaba en todas las emisoras radiales del mundo.

Durante ese tiempo, Morrison fue bautizado como el “Lizard King”, que en español significa el Rey Lagarto, alias que se le adjudicó debido a sus interpretaciones extravagantes en el escenario y su estilo de vida, en el que abundaban las drogas y el alcohol.

Para 1970, la banda lanzó el álbum “Morrison Hotel”, en el que se evidenció la recuperación absoluta de la energía que había caracterizado al primer disco de la agrupación, por lo que se convirtió inmediatamente en un éxito. Meses después sería editado otro clásico: “L.A. Woman”.

Aquel fue uno de los discos más controversiales de la banda, sobre todo por las historias en torno a su producción y grabación, ya que en aquella época la relación entre Morrison y el resto de los integrantes del grupo era realmente pésima, debido a que el abusivo consumo de drogas de Morrison, y sus problemas con el alcohol influía negativamente en las relaciones entre los miembros.

Hastiado de la vida de estrella de rock, y casi consumido por sus adicciones, luego de las sesiones para la grabación de “L.A. Woman”, Jim Morrison decidió mudarse a París. Su intención era comenzar nuevamente, y dejar de ser el famoso cantante de The Doors para convertirse en un reconocido poeta, por lo que intentó comenzar en Francia una carrera literaria.

Lo cierto es que su sueño quedó trunco, ya que el 3 de julio de 1971 su esposa Pam lo halló muerto en la bañera de la casa que compartían. La versión oficial señalaba que Morrison había fallecido por un problema cardíaco, pero lo cierto es que luego de la noticia comenzaron a circular todo tipo de historias en torno a su muerte, incluyendo la versión que sostiene que murió en un club nocturno de París a raíz de una sobredosis, y que luego su cuerpo sin vida fue trasladado a su casa con el fin de encubrir la causa del deceso.

Después de la trágica noticia, los miembros de la banda decidieron no reemplazar a Jim Morrison, por lo que continuaron con el formato de trío, siendo Manzarek el que pasó a ocuparse de la voz líder. Con esa nueva formación, y el permanente peso de la leyenda de Morrison, los Doors editaron dos discos, que evidenció que sin las composiciones y la voz de Morrison ya nada volvería a ser lo mismo.

Ese fue quizás el motivo por el cual decidieron terminar con la banda en 1973. Pero lo cierto es que las puertas no estaban del todo cerradas, ya que en 1978 Manzarek, Krieger y Densmore se reunieron para llevar adelante un proyecto de un nuevo disco, en el que se incluían una serie de poesías que Morrison había compuesto y grabado en París. El álbum resultante fue “An American Prayer”, que inmediatamente se convirtió en un éxito rotundo.

Mientras tanto, a pesar de la muerte, la imagen de Jim Morrison continúa vendiendo millones, y sigue siendo uno de los modelos a seguir más importante para las nuevas generaciones de aficionados al rock.

Ver: Historia de The Pink Floyd

 

Deep Purple Grandes Bandas de Rock Internacional Historia

Grandes Bandas de Rock Internacional: Deep Purple

Bandas de Rock Deep Purple Deep Purple: Perfectos extraños:  De los ritmos beat a las guitarras estridentes del más puro hard rock, llegando incluso en ciertas etapas al más meloso soul, para luego tratar de revivir un hard rock con toques modernos, pero siempre manteniendo una meta: el rock.

Quizás sea apresurado definir de esta forma la historia evolutiva de Deep Purple, una de las bandas más importantes del hard rock inglés, que además de pasar por la evolución permanente que debe influir en el estilo musical de un grupo, pasó también por una gran cantidad de formaciones.

A cada una de las formaciones que tuvo Deep Purple se las conoce con un nombre distintivo, como si se tratase de un modelo de vehículo.

Y sin lugar a dudas ha sido la Mark II, compuesta por Ian Gillan en la voz, Ritchie Blackmore en la guitarra, Roger Glover en el bajo, Jon Lord en el teclado y Ian Paice en la batería la que es considerada la etapa de oro de la banda.

Es que durante el período que abarcaron los años 1969 a 1973, la agrupación editó los álbumes más importantes de su historia, como lo fueron “Deep Purple in Rock”, “Fireball”, “Machine Head”, y “Who Do We Think We Are”.

Hablar brevemente de una banda como Deep Purple no es simple, sobre todo teniendo en cuenta que se trata de una agrupación nacida en 1968 y que aún hoy continúa en el ruedo, no sólo haciendo giras por el mundo, sino también lanzado trabajos discográficos como “Rapture of the Deep” y el más reciente en vivo “Live At Montreux 2011” en el que fueron acompañados por orquesta.

La historia de la banda se inicia en Hertford, Inglaterra en 1968, cuando se reunieron a tocar los músicos aún desconocidos Ritchie Blackmore, Rod Evans, Nick Simper, Jon Lord y Ian Paice, en un grupo cuya primera denominación fue “Roundabout”, y que tiempo después se convertiría en Deep Purple, que al perecer era el título de la canción favorita de la abuela de Blackmore.

Después de recorrer Estados Unidos e Inglaterra, lograron tener su álbum debut en 1968, placa que fue titulada “Shades of Deep Purple”, en la que se destaca el estilo beat, pero con la que no consiguieron el éxito esperado.

No obstante, a pesar de que Deep Purple parecía ser ignorado en su país natal, la banda logró llevar a cabo una serie de largas giras fuera de Inglaterra, logrando conquistar el corazón de los americanos.

De esta manera, los dos siguientes álbumes correspondientes a la MK I, titulados “The Book Of Taliesyn” y “Deep Purple” lograron un importante reconocimiento dentro del circuito musical internacional.

Poco después, precisamente en 1969, fueron alejados de la banda Evans y Simper, y reemplazados por Ian Gillan y Roger Glover respectivamente, dando inicio de esta manera a la MK II, reconocida por los seguidores como la formación clásica de Deep Purple.

El renovado quinteto hizo su debut discográfico con el álbum “Deep Purple in Rock” y a partir de allí no hubo dudas de que se trataba de una de las bandas más importantes del siglo.

Fue precisamente gracias a ese disco que la banda logró una de sus primeras metas, hallar la popularidad en Inglaterra, y por supuesto, sus siguientes trabajos discográficos titulados “Fireball” y “Machine Head” arrasaron con los rankings mundiales. Una mención al margen merece el tema “Smoke On The Water”, incluido en la placa “Machine Head”, que inmediatamente lanzado el disco se convirtió en uno de los máximos éxitos de la banda, y luego con los años pasó a ser considerado el himno de Deep Purple.

Aquel riff incluido en la canción, que seguramente hemos oído improvisar en más de una vez por cientos de guitarristas amateurs, representa en realidad a un tema que la propia agrupación no pensaba incluir en el disco, por lo que quedó en el último lugar del track list, sin imaginar la repercusión prácticamente eterna que tendría la canción.

Por último, la MK II lanzó “Who Do We Think We Are”, y al año siguiente, precisamente en 1974 se inició la etapa de la MK III, cuando el cantante David Coverdale ingresó para reemplazar a Gillan y el bajista Glenn Hughes sustituyó a Glover.

Esta también fue una etapa en la que la banda experimentó el éxito absoluto, claro que en menor medida que la anterior, con lanzamientos que fueron récord en ventas: “Burn” y “Stormbringer” que también lograron alcanzar la cima de los rankings.

Sin embargo, Blackmore estaba cada vez más insatisfecho con la dirección que había tomado el grupo, por lo que en 1975 abandonó la banda y se dedicó a fundar Rainbow. En su lugar ingresó Tommy Bolin, dando lugar a la MK IV, etapa durante la cual sólo editarían el disco “Come Taste the Band”, debido a la muerte inesperada de Bolin por abuso de drogas.

No obstante, el estilo que la banda había incorporado, más emparentado con el jazz y el soul, y totalmente lejano al hard rock de los discos anteriores, produjo la decadencia de la agrupación, y ya no hubo interés en ella, por lo que Deep Purple fue disuelta.

Casi una década después se produjo la reunión de la MK II de Deep Purple, en la que por supuesto estaban Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice. Fue durante ese período que editaron los álbumes “Perfect Strangers” y “The House of Blue Light” en 1987, pero nuevamente las disputas entre Gillan y Blackmore dieron lugar al alejamiento del cantante, que fue reemplazado por Joe Lynn Turner, en la que fue llamada la MK V, la cual se mantuvo entre 1989 a 1992, y en la que lanzaron la placa “Slaves and Masters”.

Luego, con la vuelta de Gillan se produjo otra reunión de la MK II, pero las cosas ya no eran iguales, lo que ocasionó en esta oportunidad el alejamiento de Blackmore, y el inicio de la MK VII en 1994 con Steve Morse en la guitarra. Por último, desde el 2002 y hasta la actualidad, la banda continúa en el ruedo, en la denominada MK VIII, con Gillan en la voz, Morse en guitarra, Glover en el bajo, Don Airey en el teclado y Ian Paice en la batería.

De esta manera, a pesar de todo, la leyenda continúa escribiendo sus páginas en la historia del rock.

 

Banda de Rock Internacional Historia Los Bee Gees

Banda de Rock Internacional: Los Bee Gees

Los Bee Gees Grupos de RockBee Gees: Manteniéndose vivos Después de unos segundos de silencio, un armónico solo de guitarra acompañado luego, casi al instante, por una melodía inolvidable, y por último la aparición de tres voces que se unen en un destello de armonía.

Ese es el comienzo de una larga lista de canciones que forjaron cuatro décadas de historia de la banda Bee Gees, y que a pesar de los años transcurridos pudieron mantener desde su primer trabajo discográfico lanzado en 1965, hasta su álbum más reciente titulado “This Is Where I Came In”, editado en 2001.

Aquellas cuatro décadas transcurridas no pudieron derribar la esencia de grupo, manteniendo en todo momento las voces increíbles y la melodía fresca e inspiradora de sus éxitos pop.

Y es precisamente esa armonía la que ha permitido que las melodías y el ritmo de las canciones de los Bee Gees se hayan transformado en la banda de sonido de la vida de millones de personas en todo el mundo. Siempre supieron como reinventarse, y es por ello que su historia es amplia y está plagada de éxitos y triunfos.

Todo comenzó en la infancia, ya que los tres hermanos Gibb siempre fueron muy unidos, por lo que pasaban casi todo el tiempo juntos.

Al principio, Barry, Robin y Maurice compartían sus juegos, pero con el correr de los años descubrieron que los tres tenían el mismo sueño: convertirse en músicos.

En 1958 la familia Gibb decidió mudarse a Australia, lugar donde los hermanos comenzaron a descubrir su vocación.

Al principio, una vez que se habían establecido como un trío musical que recién comenzaba, se iniciaron ofreciendo algunos pequeños shows dentro de la comunidad en la que vivían, pero su talento hizo que rápidamente pasaran a la radio, actuando en vivo con sus amigos el promotor Bill Goode y el DJ radial Bill Gates.

Gracias a los nombres de tres de los miembros de esta incipiente agrupación, Barry Gibb, Bill Goode y Bill Gates, decidieron bautizar al grupo como los BG, nombre que años más tarde se convertiría en The Bee Gees.

A pesar de ser constantemente pedidos en la radio, lo cierto es que el verdadero éxito y reconocimiento tardó en llegar, por lo que los Bee Gees decidieron trasladarse a Inglaterra para probar suerte en un lugar conocido por poseer una amplia cultura musical.

Una vez allí se sumó al equipo el manager Robert Stigwood, y precisamente en 1967 lograron su primer gran éxito a nivel internacional con el tema “Mining Disaster Nueva York”.

Para el lanzamiento del primer álbum de la banda, titulado “The Bee Gees´ 1st” se sumaron a las filas de la agrupación el baterista Colin Peterson y el guitarrista Vince Melouney.

El disco fue un rotundo éxito de ventas, logrando ubicarse en el primer puesto de varios rankings mundiales.

No obstante, a pesar de la alegría que les brindó la fama, también comenzaron a surgir inconvenientes dentro de la banda, cuando en 1969 el baterista Peterson abandonó el grupo y les inició una demanda para evitar que utilizaran el nombre de Bee Gees.

En medio de los problemas generados por factores legales, y a pesar de las fuertes diferencias que se percibían entre los músicos, el grupo logró editar en el lapso de dos años los discos “Horizontal”, “Idea”, “Odessa” y “Cucumber Castle”.

En 1971 volvieron a reunirse con Peterson y con la formación original lanzaron el álbum “2 Years On”, y si bien la noticia y el nuevo disco fue muy bien recibido por el público, lo cierto es que luego vendrían una serie de fracasos, y los trabajos discográficos comprendidos entre los años 1972 y 1975 pasarían a ser considerados como el peor período de la banda.

A pesar de todo, los músicos se mantuvieron unidos y en 1975 recibieron la ayuda del productor Arif Mardin, con quien los Bee Gees se convirtió en una banda dedicada a la balada de Rock & Blues. Bajo esa poderosa influencia lanzaron “Talkin Jive” que logró inmediatamente posicionarse como el número 1 en todo el mundo, consiguiendo el disco de platino.

Por supuesto que uno de los hechos más significativos en la historia de los Bee Gees fue haber sido el plato fuerte dentro de la banda de sonido de la película “Fiebre de sábado noche”, en la que sonaban canciones como “Stayin’ Alive”, “How deep is Your Love” y “Night Fever”, melodías que pasaron a convertirse en los hits más escuchados de la época, y tiempo después se transformaron en clásicos de una generación.

Si bien el final de la década del setenta fue el período más importante de la banda, es decir cuando llegaron a la cima de la carrera, lo cierto es que los Bee Gees continuaron en el ruedo por varios años más. Incluso, a pesar de que la tragedia golpeara a la familia Gibb en varias oportunidades, primero con la muerte de Andy en 1988, seguida por la muerte de su padre, y en 2003 la desaparición física de Maurice.

Aquello significó el fin de una banda que se mantuvo por más de cuatro décadas, y que a pesar de que en 2009 intentó ser reflotada por los hermanos Gibb sobrevivientes, jamás lograron volver el tiempo atrás.

The Beatles Historia del Grupo Biografia Banda de Rock Internacional

The Beatles Historia Biográfica del Grupo

The Beatles:

Transcurrían los sombríos comienzos de la década del cincuenta y en Inglaterra se experimentaba el dolor y la pobreza de una nación que se recuperaba lentamente de la Segunda Guerra Mundial. Después de aquello, la mayoría de los ciudadanos adultos se sentían golpeados por la desesperanza y la tristeza que siempre provocan los conflictos armados que arrasan con la vida de millones.

En medio de este contexto, los jóvenes intentaban buscar un medio para expresar sus sentimientos al respecto. Precisamente, en la bella ciudad de Liverpool, cuatro jóvenes hallaron en lo musical lo que buscaban, y decidieron con total determinación seguir ese camino, llevando su música a las calles silenciosas de aquella emblemática urbe.

The Beatles Historia del Grupo Biografia Banda de Rock Internacional

El grupo estaba integrado por cuatro jóvenes compositores y ejecutantes de sus singulares temas: George Harrison (1943-2001), guitarra; Paul McCartney (1942), bajo y voz; John Lennon (1940-1980), segunda guitarra y voz; y Ringo Starr (1940), batería. Tanto fue el éxito obtenido por el «Cuarteto de Liverpool» que llega a formar un imperio comercial; no sólo con la venta de sus discos, sino también con el diseño de modas, libros y películas cinematográficas. En 1962 lanzan su primer single, Love me do. Un año después, Piense, please; Help y She lovesyou también ingresan entre las canciones preferidas.

Si bien para 1963, año en que grabaron su primer demo, The Beatles eran un grupo totalmente desconocido, lo cierto es que tan sólo dos años después se convirtieron en la agrupación musical más famosa del planeta.

En sus comienzos, la banda contaba con una formación integrada por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y el baterista Pete Best, que luego fue reemplazado por Stuart Sutcliffe, que lamentablemente murió de forma trágica cuando sólo tenía 22 años. Luego llegaría Ringo Star, y así la formación clásica de The Beatles quedaría constituida para siempre.

Pero por supuesto que en la historia de la banda hubo un descubridor de talentos, el famoso Brian Epstein, que tuvo la oportunidad de verlos tocar en The Cavern en el año 1961. Poco tiempo después se convirtió en el manager del grupo, y el verdadero creador de la imagen de la banda.

Epstein les consiguió un sinfín de audiciones, pero lo cierto es que los productores no estaban interesados en ellos, hasta que finalmente lograron firmar con Parlophone Records, contrato que es conocido como el más tacaño de la historia.

No debió pasar mucho tiempo para que surgiera la llamada Beatlemanía, que conquistó a millones de jóvenes en todo el mundo, incluso en el entonces cerrado mercado de los Estados Unidos, donde lograron ser uno de los espectáculos centrales de una de las emisiones del conocido ciclo del Show de Ed Sullivan.

A partir de aquel momento, el mundo entero fue testigo de la locura absoluta que provocaban las actuaciones de The Beatles, donde los jóvenes espectadores dejaban a la vista sus más profundas emociones desenfrenadas, algo como nunca se había visto.

Con el final de la década del sesenta llegaría también un cambio profundo en la banda, tanto en lo que respecta a su apariencia, como así también a sus composiciones. Aquel fue un período en que los cuatro de Liverpool comenzaron a escribir sus canciones bajo la constante guía de George Martin, produciendo una transición en la música que afectaría a todo el mercado musical del mundo, y en este contexto, The Beatles eran los reyes.

Para 1966, la banda comenzaría a recorrer un camino más ligado a lo esotérico, en el que reinaban los gurús espirituales, el amor libre y las drogas, cambiando abruptamente su imagen. Eran parte del llamado movimiento “Flower Power”, que se extendía por todo el planeta intentando sembrar un mundo de paz y armonía, regado por supuesto por todo tipo de drogas experimentales.

Aquello influyó notablemente en las composiciones musicales de la agrupación, aspecto que se evidenció en el álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club” y en el filme surrealista “Yellow Submarine”,  muy alejado a lo que habían sido las películas “A Hard Day’s Night” de 1964 y “Help” de 1965, que tenían a The Beatles y su música como protagonistas centrales.

Para principios de la década del setenta, The Beatles eran absolutamente famosos en todo el mundo, al mismo tiempo que generó una nueva era en cuanto a la concepción no sólo musical sino también empresarial. Fue en esa época que la banda decidió fundar la compañía Apple Corps compuesta por cinco divisiones: creativa, discos, películas y artes escénicas.

Pero en 1971 se anunció la separación de la banda, para lo que se realizó una despedida especial, con un concierto sorpresa que el grupo improvisó en la terraza de los estudios Abbey Road. A partir de allí, cada uno de ellos siguió su propio camino.

Las hipótesis de las causas de la separación fueron muchas y variadas, pero lo cierto es que durante los últimos tiempos en que The Beatles se mantuvieron unidos habían comenzado a experimentar inevitables diferencias artísticas y peleas, que cada vez se hacían más frecuentes en el grupo, lo que finalmente culminó con la disolución de The Beatles.

Hoy, a pesar de la muerte de John Lennon y George Harrison, los cuatro de Liverpool continúan siendo una leyenda que ha logrado trascender en el tiempo, más allá de los cambios de la moda y los gustos de la gente. En definitiva, para toda la eternidad las canciones de The Beatles continuarán siendo clásicos, incluso después del fin de todos los tiempos.

Apenas comenzó la fama comenzaron las biografías. No bastaba con verlos cantar o reírse de la reina. Para sorpresa de muchos, estos genios revolucionarios eran «unos cualquiera», provenían de familias proletarias, de una ciudad marítima oprimida, no tenían ninguna educación especializada, era maledu-cados, autodidactas, algo incapaces y torpes. Sin poseer la fuerza sexual de Elvis, ni la violencia de Jagger, sin embargo, con sus cortes de pelo afeminados y sus trajes de señoritos del coro, fueron los más subversivos. Ellos modificaron el curso de la historia de la música mientras instalaron la idea de que el sueño era posible. El equipo de autores formado por Lennon y Paul McCartney escribió más canciones de éxito que cualquiera de los compositores modernos y en los casi 10 años que estuvieron juntos el grupo vendió más de 250 millones de discos. «Cuando la gente pida recrear el ánimo de los 60, sólo deberá tocar música de Los Beades», declaró Aaron Copian, el famoso compositor norteamericano.

PARA SABER MAS….
HISTORIA DE LOS BEATLES:
QUIENES ERAN SUS INTEGRANTES:

John Lennon había nacido durante un bombardeo de la Segunda Guerra Mundial, el 9 de octubre de 1940, en la ciudad de Liverpool. Como eran años de patriotismo, lo bautizaron como John Winston. Sin embargo, con un padre aventurero y bueno para la bebida, lo crió una tía solterona, hermana de su madre.

JONH LENNON

Asistía al Quarry Bank School como otros muchachos hijos de obreros: «Era el rey de mi grupo -señalaría años después-. Sabía un montón de chistes picantes desde muy chico y por eso me respetaban mucho.

Era agresivo porque quería ser popular. Quería ser el jefe. Nos gustaba robar en las tiendas y bajarles los calzones a las chicas.

Los padres de mis amigos me odiaban. Siempre les decían a sus hijos que no se juntaran conmigo. Y me temían con razón: hice lo posible por destruir los ‘hogares constituidos de mis amigos.

Quizás en parte por envidia, porque yo no tenía lo que se llama un hogar… En realidad, no sabía lo que quería ser cuando grande, salvo millonario excéntrico. Pensaba casarme con una millonaria, porque me parecía el único camino. Tenía que llegar a ser millonario. Si no podía hacerlo honradamente, lo haría de otra manera. Pero era demasiado cobarde para ser ladrón».

Era, sin duda, un muchacho inadaptado y agresivo y a pesar de que vivía con su tía Mimi, buscó a su madre, quien le compró una guitarra e intentó enseñarle lo poco que sabía de música. Madre e hijo se atraían por su anárquico sentido de la vida.

La tía Mimi señalaría: «Su madre lo alentaba en todo. Ella fue la oveja descarriada de la familia y quería que su hijo saliera igual».

Paul McCartney.

Cerca de los 15 años, John Lennon comenzó a interesarse más fuertemente por la música popular hasta el extremo de formar un grupo: «The Quarrymen», lo que, como ya hemos señalado, no era ninguna novedad en la época. Influenciados por los rocks de Bill Halley, John y su amigo Pete Shotton cambiaban constantemente de compañeros de música debido al carácter arisco y autoritario de Lennon. Así y todo, se divertían tocando música en fiestas populares, parroquiales y matrimonios.

El 15 de junio de 1956, Pete llevó al conjunto a un amigo que venía de otro colegio. Era zurdo y quería convertirse también en músico. Se llamaba Paul McCartney. » Aquel día -señalaría Lennon más tarde-, el día que conocí a Paul McCartney, fue cuando realmente empezó todo».

LOS «SILVER BEATLES» NO TENÍAN BATERISTA Paul McCartney había nacido el I8 de junio de 1942 en un hogar mejor establecido que el de Lennon. Su padre era representante de una fábrica de algodón y mandó a sus tres hijos hombres al colegio de la ciudad, el Liverpool Institute.

En 1956, perdió a su madre, quien murió víctima del cáncer. También John Lennon perdió a su madre a temprana edad, en l’nH, al ser atropellada por un automóvil. Los dos muchachos, sin embargo, parecían tener destinos muy diferentes. Paul escribía canciones dulces que gustaran a las chicas, mientras John prefería practicar con textos cercanos al surrealismo, en donde se filtraban frases de doble sentido.

Pese a que los dos cultivaban el estilo llamado «Teddy Boys» (es decir, pantalones muy estrechos, chaqueta blanca y larga, pelo largo engominado peinado para atrás), Paul se las ingeniaba para seguir pareciendo un «buen chico» delante de su familia, mientras John seguía siendo un pésimo alumno, arisco y camorrero.

Un profesor que le vio ciertas aptitudes para el dibujo, lo hizo entrar al Art College (Escuela de Artes y Oficios), pero, en realidad, para John Lennon, la enseñanza sólo era una forma hábil de atrasar su ingreso al oscuro mundo del trabajo proletario, del cual quería huir a cualquier precio.

George Harrison

Los «Quarrymen» tenían un tercer guitarrista. Se llamaba George Harrison, había nacido el 25 de febrero de 1943, e iba al mismo colegio que Paul McCartney. De origen también modesto, su padre era chofer de autobús y militante sindical.

En 1958, el conjunto se alejaba del período skiffle e ingresaba de lleno al rock. Sin embargo, debido al mal genio de su conductor, John Lennon, el conjunto cojeaba en la sección rítmica, por falta de un baterista. Ya comenzaban a alejarse del estilo «Teddy Boys» y asumían el estilo «Cow-boys» (vaqueros) con botas, jeans y camisas a cuadros.

En ese período, John y Paul comenzaron a trabajar juntos en sus canciones. Alain Dister,estudioso de su vida y su obra, dice: «En aquella época escribieron más de un centenar, de las cuales muy pocas se conservaron. La mayor parte de ellas no se conocerán jamás, pues Jane Asher, cuando vivía con Paul, las tiró un día por equivocación al cubo de la basura mientras arreglaba la casa. Aquellas canciones ya estaban firmadas Lennon-McCartney.

Sus autores utilizaban una técnica especial para escribirlas, técnica que siguieron empleando durante casi todo el tiempo en que trabajaron juntos. Cuando alguno de los dos tenía una idea, la escribía en un trozo de papel. Luego, a partir de ahí, frase tras frase, construían un pequeño texto siguiendo un método que llamaban ‘prueba y terror».

El espíritu con el que John redactaba sus cuadernos cuando era más joven, intervenía en el proceso de la composición: humor un poco absurdo, juegos de palabras, deformación voluntaria de las sílabas para dar a una misma palabra dos o tres sentidos distintos». Pero la cosa no andaba, ya que en Liverpool, todo el mundo tocaba en orquestas.

Tuvieron la oportunidad de actuar en Manchester y para ello cambiaron su nombre por el de «Johnny and The Moondogs«, partiendo de la base que cada conjunto debía llevar el nombre de su líder, y Lennon era el líder del conjunto. Tampoco le gustó ese nombre al rebelde guitarrista, entonces pensó en Buddy Holly y sus «Crickets«, ¿Crickets no sería un buen nombre en Inglaterra? No. Mejor aún «beetle» (escarabajo), ya que el «beat» estaba de moda. Después de lodo, a él le encantaban los juegos de palabras. Así, pues, de «beetles«, pasaron a «Silver Beatles«… pero seguían sin baterista.

HAMBURGO
Junto a John, Paul y George, tocaba el bajo otro amigo, Stuart Sutcliffe. En agosto de 1960, le pidieron a Pete Best que se uniera a ellos en la batería, pues estaban decididos a dejar Liverpool por un tiempo, para ir a Hamburgo, si es que sus pudres los dejaban. Pese a la mala fama que tenía entonces la ciudad alemana, lograron convencer a sus progenitores, partiendo a Hamburgo en una vieja furgoneta.

Cuenta Lennon: «Al principio tuvimos una acogida muy fría, entonces el dueño del local nos dijo que teníamos que ‘hacer un show‘. Y vaya si lo hicimos. Yo salí una vez con una tapa de excusado alrededor del cuello. Teníamos un poco de miedo porque esos clubes tenían muy mala fama.

Pero decidimos creer en el mito de que Liverpool produce gente sensacional, así que comenzamos a saltar y hacer estupideces mientras cantábamos. Teníamos que tocar ocho horas diarias, siete días a la semana. Y comenzamos a llenar el local, a punta de volumen, saltos, gritos, anfetaminas y rock. Siempre les estábamos gritando cosas a los alemanes. Los llamábamos nazis y los mandábamos a buena parte. Nos vitoreaban aún más».

Para poder mantenerse con ese fuerte ritmo de trabajo, comenzaron a tomar píldoras. Las más conocidas eran las llamadas «purple hearts«, una combinación de anfetamina con barbitúrico, de venta libre en las farmacias, con las que la muchachada de Hamburgo se mantenía en pie, bailando toda la noche. Los admiradores —fans— y especialmente, «las admiradoras», aumentaban, así como su reputación.

La gran admiradora de este período fue la fotógrafa alemana Astrid Kichener, quien, pese al desagrado que le provocaban estos oscuros conjuntos londinenses, se dejó seducir por los «Silver Beatles» y muy particularmente por Stuart Sutcliffe, el más atractivo de todos.

La primerTHE BEATLESa experiencia en Hamburgo terminó con George, de sólo diecisiete años, sin permiso de trabajo ni de residencia, de vuelta en Liverpool, seguido luego por Pete Best y Paul McCartney.

Sin embargo, al regreso, las condiciones habían cambiado favorablemente para ellos: hacia fines de 1960 fueron contratados para una serie de conciertos en el Litherland Town Hall, y allí se advirtieron los primeros síntomas de la futura «beatlemanía«: «Los resultados superaron todas las esperanzas -escribe Alain Dister-: la sala estuvo llena hasta reventar de chicos y chicas que aullaron y bailaron, participando totalmente en su actuación.

Durante varias horas seguidas, en el viejo teatro se desarrolló un verdadero motín. Los asientos fueron arrancados y las sucesivas olas que iban a estrellarse contra el escenario estuvieron a punto muchas veces de arrollar a los componentes del grupo.

Su música producía un efecto tan poderoso e inmediato, que empezaron a pensar que su pequeño paseo por Hamburgo estaba dando frutos».

BRIAN EPSTEIN: ANTES DE EL ESTÁBAMOS EN LA LUNA
Pese a la presencia de Pete Best, faltaba aún el baterista definitivo. Ringo Starr tocaba con otro conjunto demoda: «Rory Storme and The Hurricanes«. Se hacía llamar Ringo, porque en cada dedo llevaba un anillo (ring).

Ringo Starr

Le atraía la música de los «Beatles», pero aún no se había dado el encuentro directo. Detrás de su apariencia agresiva, se encontraba un hombre encantador y enfermizo: incluso había sido operado de peritonitis. Hijo de padres divorciados y modestos no conoció otro oficio que la batería desde el día en que su padrastro le regaló el instrumento musical.

En la primavera de 1961, los «Beatles» vuelven a Hamburgo, después de sus exitosas presentaciones en el club «Caver-ne» de Liverpool. Stuart Sutcliffe se había puesto de novio con la fotógrafa Astrid, quien, consciente de la vulgaridad del conjunto, decidió cambiarles su aspecto.

Experimentó, obviamente, con Stuart peinándolo con flequillo. Poco a poco, los otros integrantes del conjunto aceptaron el nuevo estilo: flequillo y pelo más bien corto. Stuart, más interesado en Astrid, hacía lentos progresos en el campo de la música, terminando por dejarle el bajo a Paul McCartney. (Stuart Sutcliffe, casado en Hamburgo con Astrid, fallecería en 1962 víctima de una hemorragia cerebral.)

¿Como eran entonces los «Beatles»? Alain Dister lo señala: «El conjunto se quedaba con dos guitarras solamente, pues George Harrison cargaba con la delicada tarea de ejecutar los solos y colocar las mejores frases. Ponía en ello toda su atención y se negaba a entrar en los juegos que los otros dos llevaban a cabo con su público.

Permanecía en su rincón intentando hacerlo lodo lo mejor posible y progresando por su lado, siguiendo la línea musical que se había fijado. John, por su parte, llevaba la línea rítmica: tenía que colocar los acordes oportunos en los momentos precisos».

Durante esa gira a Hamburgo, grabaron un disco como conjunto de acompañamiento, al servicio del cantante Tony Sheridan. Sin embargo, el productor del disco (nada menos que el director de orquesta Bert Kaempfert) pensó que el nombre de «Beatles» no tenía impacto comercial y lo cambió por el de »Beat-Brothers«. En ese álbum figuran las primeras canciones de Lennon-Harrison: «Cry for a shadow» y «My bonnie«.

Esta última, ajuicio de Alain Dister, es «incontestablemente la mejor del álbum. Todo lo que aparecería más tarde en las composiciones de los cuatro están ya ahí algo más que esbozado: las pequeñas fugas de Harrison y el ritmo «beat», muy rudimentario, pero potente, de la rítmica Lennon-McCartney».

Las canciones, grabadas en Alemania, no pasaron inadvertidas en Liverpool. Sin embargo, la gran tienda de discos «N.E.M.S.» (North End Music Stores), a cargo de Brian Epstein , no los tenía. Al comprobar que estos músicos parecían imponerse en el gusto juvenil popular, Epstein decidió conocer a los «Beatles«.

Brian Epstein era un hombre muy diferente a los «Beatles». Con sus 27 años, proveniente de una familia burguesa y judía, estaba a cargo de la tienda de música, propiedad de su familia, vestía formalmente, y tenía, sin duda, una secreta frustración ya que había querido ser actor, pero su padre se lo había impedido.

Tras escuchar al conjunto y captar —con muy buen olfato comercial- su atractiva resonancia en la juventud, Epstein decidió convertirse en el manager de los «Beatles» , algo inusual para un conjunto aún sin mayores proyecciones. En diciembre de 1961, el asunto estaba decidido: Brian Epstein se llevaría el 25% de todas las ofertas, destinando un cinco por ciento para promoción y publicidad.

La aparición de Brian Epstein en la vida artística de los «Beatles» significó la entrada a una verdadera carrera profesional. El empresario comprendió que su conjunto no llegaría a mayores mientras siguiera aferrado a sus limitadas actuaciones en Liverpool.

Así pues, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr -los cuatro definitivos ‘ ‘Beatles» – grabaron»Love me do», que salió en octubre dé 1962, escalando inmediatamente importantes puestos en los hit-parades de las revistas especializadas. “Please, please me«, grabada en noviembre del año anterior, salió en enero de 1963 y un mes más tarde ocupaba el primer puesto en el hit-parade. Los adolescentes de toda Inglaterra comenzaron a Interesarse entonces por el conjunto.

El ascenso fue increíblemente rápido. La prensa internacional denominó a 1963 como el año de los «Beatles» y de Christine Keeler (esta última, protagonista del escándalo Profumo). Inglaterra perdía la compostura. El rock y el sexo oscurecían a Buckingham y a los guardias de la reina. ¡Por qué todo esto! ¿A quiénes representaban los ‘ ‘Beatles» ?

Sin duda, a la enorme generación nacida durante la postguerra. Esa juventud proveniente de la clase obrera y de la pequeña burguesía, sin héroes, porque los antiguos héroes de sus padres ya se habían envejecido: algunas estrellas de cine, algunos espera en la ventana, usando el rostro que guarda en un frasco junto a la puerta».

Después de la primera gira por EE.UU. , los Beatles, ya no solo les gustaron a los adolescentes, también los intelectuales se interesaron por escucharlos y disfrutar de su música,…de esta manera su carrera comenzaba un ascenso casi sin límites en todo el mundo.

ESPLENDOR Y CAÍDA: Los años 60 entraban en su segunda mitad, los «Beatles» recién avanzaban hacia sus treintenas, pero el 29 de agosto de 1966 hicieron su última aparición en público en el Cow Palace de San Francisco. Claro que eso ellos no lo sabían, porque Brian Epstein, el hombre que ayudara a darles forma como un conjunto, había muerto por una sobredosis de barbitúricos en 1967.

John Lennon y Yoko Ono

No fue fácil. Lo dice Lennon: «El día que murió Brian nos desintegramos. Fue el colapso de los ‘Beatles’. Hicimos el álbum doble y «Abbey Road» y etcétera, pero los ‘Beatles‘ ya estaban muertos. Yo tuve una relación muy estrecha con Brian durante varios años. Tenía una fe ciega en su capacidad, y nunca habríamos logrado el éxito sin su ayuda.

Lennon se había casado en 1962 con Cynthia Powell con quien tenía un hijo, Julián. En 1969, se volvió a casar, esta vez la japonesa Yoko Ono. Fue ese mismo año cuando decidió divorciarse» de los «Beatles» y comenzar una nueva vida, dedicada a su familia.

Era 1980. Habían pasado ya muchos años, desde la marea incontenible de Liverpool. Después de cinco años desde el nacimiento de su segundo hijo, John Lennon volvía a salir a la faz pública con «Doble fantasía«. Pero no habría tiempo para volver a empezar porque el 8 de diciembre lo asesinó un demente en las calles de Nueva York.

Los Beatles, ya nunca mas  podrían volver a formar su grupo,….había llegado el fin.

Fuente Consultada: Hechos Sucesos Que estremecieron Al Siglo – Tomo N°9